Paul Ritter (1966 – 2021)
O ator britânico Paul Ritter, que estrelou “Chernobyl” e a sitcom “Friday Night Dinner”, morreu em sua casa nesta terça (6/4) de tumor cerebral aos 54 anos. Os créditos de Ritter também incluem vários filmes, entre eles blockbusters como “007 – Quantum of Solace” e “Harry Potter e o Enigma do Príncipe”, além de séries recentes como “Belgravia” e “Cold Feet”. Ele ainda se destacou em muitas peças de teatro, sendo indicado ao Tony (o Oscar teatral) em 2009 pela produção de “The Norman Conquests”. Na premiada minissérie “Chernobyl”, ele se destacou como Anatoly Diatlov, o odiado engenheiro cabeça-dura responsável pelo acidente nuclear que contaminou parte da Europa nos anos 1980. Mas seu papel mais lembrado é o do patriarca da família Goodman, que toda sexta-feira se reunia com a mulher e os filhos para um jantar engraçadíssimo em “Friday Night Dinner”, rotina que durou seis temporadas, exibidas de forma intermitente entre 2011 e 2020, e que ganhará uma retrospectiva em seu aniversário de dez anos no canal pago britânico Channel 4. O criador de “Friday Night Dinner”, Robert Popper, tuitou: “Devastado com esta notícia terrivelmente triste. Paul era um ser humano adorável e maravilhoso. Gentil, engraçado, super-atencioso e o melhor ator com quem já trabalhei”.
Computador cria “música de Kurt Cobain” no aniversário da morte do líder do Nirvana
Os 27 anos da morte de Kurt Cobain foram lembrados nesta segunda-feira (5/4) com o lançamento de uma música inédita. A faixa, intitulada “Drowned in the Sun”, foi criada por computador, utilizando inteligência artificial para imitar o tipo de composição que a banda Nirvana produziria se Cobain ainda estivesse vivo. A nova música é parte do projeto “As Fitas do Clube dos 27”, da organização canadense Over the Bridge, que surgiu em 2017 e promove ações musicais de incentivo à boa saúde mental. A iniciativa celebra músicos que morreram aos 27 anos em meio a crises de saúde mental, como Cobain, que se matou em 1994. Chamada de “Drowned in the Sun”, a música foi materializada por meio de programas digitais, como o Google Magenta, e com auxílio da voz do músico Eric Hogan, cover de Cobain na banda Nevermind: The Ultimate Tribute to Nirvana. “As Fitas do Clube dos 27” ainda incluem gravações de computador inspiradas em Jimi Hendrix, Jim Morrison e Janis Joplin, artistas que também morreram aos 27 anos de idade.
Gloria Henry (1923 – 2021)
A atriz Gloria Henry, que foi pin-up nos anos 1940 e se tornou uma mãe televisiva famosa nos anos 1960, morreu em 3 de abril. A notícia foi confirmada por seu filho, numa homenagem postada no fim de semana nas redes sociais. Ela tinha 98 anos. Nascida Gloria Eileen McEniry em New Orleans, Louisiana, ela se mudou para Los Angeles no final da adolescência e trabalhou em programas de rádio, comerciais e atuou em grupos de teatro. Ela assinou com a Columbia Pictures e fez sua estreia no cinema em 1947, no drama “Sport of Kings”, emendando vários papéis seguidos, enquanto o estúdio explorava sua beleza em fotos de maiô e shorts para promover as produções. Em cinco anos de contrato, apareceu em nada menos que 25 filmes – entre eles, os westerns “Almas Indomáveis” (1948) e “Cavaleiros do Céu” (1949), ambos com o cowboy Gene Autry, e “O Diabo Feito Mulher” (1952), com Marlene Dietrich, além da comédia “Minha Adorável Secretária” (1949) com Lucille Ball. Ao fim do contrato em 1952, estrelou a série “The Files of Jeffrey Jones” e seguiu na televisão, aparecendo em episódios de várias produções, como “The Abbott and Costello Show”, “Papai Sabe Tudo”, “Casal do Barulho” e “Perry Mason”. Em 1959, Gloria assumiu seu papel mais popular, como a mãe do arteiro Dennis na série “O Pimentinha”, baseada nos quadrinhos homônimos (Dennis the Menace, nos EUA) de Hank Ketcham. Ela viveu a sofredora Alice Mitchell ao lado de Herbert Anderson, intérprete de seu marido, e Jay North, o Pimentinha, por quatro temporadas e 146 episódios, até o cancelamento da atração em 1963. Graças à inúmeras reprises, que atravessaram décadas em canais pagos como Nickelodeon e TV Land, a série ultrapassou sua época, tornando-se conhecida e celebrada até hoje. As reprises no bloco Nick Jr., por sinal, são creditadas como responsáveis por convencer os executivos da Warner a produzir um filme com os personagens em 1993. Mas mesmo com roteiro do mestre John Hughes, “Dennis, o Pimentinha” (1993) não conseguiu ser tão popular quanto a atração televisiva. Após o final da série clássica, a atriz deu uma sumida e só foi reaparecer nos anos 1980, quando as reprises começaram na Nickelodeon, participando de episódios de atrações como “Newhart”, “Dallas”, “Carga Dupla” (Simon & Simon) e “Tal Pai, Tal Filho” (Doogie Howser, MD). Depois de novo hiato, ela fez em sua despedida na série “Parks and Recreation” em 2012.
Biff McGuire (1926 – 2021)
O ator William “Biff” McGuire, que participou de clássicos como “Serpico” (1973) e “Crown, o Magnífico” (1968), morreu neste domingo (4/4) aos 94 anos de idade. A causa da morte não foi informado. Apesar dos papéis em filmes importantes, McGuire priorizou a carreira teatral, que se estendeu por sete décadas. Ele esteve presente na montagem original do clássico da Broadway “No Sul do Pacífico”, em 1949, quando convenceu Oscar Hammerstein a mudar uma linha da canção que interpretou, “There Is Nothing Like a Dame”. Mas só foi indicado ao Tony, o prêmio maior dos palcos americanos, quase meio século mais tarde. E duas vezes: por “The Young Man from Atlanta” (1997) e “Morning’s at Seven” (2002). McGuire estreou na televisão em 1950 por causa do teatro, no “Chevrolet Tele-Theatre”, programa de peças filmadas, e desde então apareceu numa vastidão de episódios semanais, incluindo “Gunsmoke”, “Os Defensores”, “Alfred Hitchcock Apresenta”, “Havaí 5-0”, “Kojak”, “Justiça em Dobro” (Starsky & Hutch), “Barnaby Jones”, “Tudo em Família”, “Lei & Ordem”, “Plantão Médico” (ER) e “Frasier”. Já a trajetória cinematográfica se concentrou entre os anos 1950 e 1970, com papéis em “Cidade do Vício” (1955), “Cinco Homens a Desejavam” (1963), “Crown, o Magnífico” (1968), “Por Que Tem de Ser Assim?” (1968), “Serpico” (1973) e “A Batalha de Midway” (1976). Após décadas distante do cinema, ele fez uma última aparição como protagonista em “American Seagull” (2013), uma adaptação da peça “A Gaivota”, de Anton Chekhov.
“The Goldbergs” exibirá último episódio de George Segal com homenagem ao ator
A rede ABC pretende fazer uma homenagem ao ator George Segal durante a exibição do próximo episódio da série “The Goldbergs”. O capítulo que vai ao ar na quarta-feira (7/4), nos EUA, foi o último gravado pelo antes de falecer, em 23 de março passado. Nos últimos oito anos, Segal participou regularmente de “The Goldbergs”, série de comédia ambientada nos anos 1980, como Albert “Pops” Solomon, o avô do protagonista e grande coração da família Goldberg. De longa carreira, ele começou a se destacar nos anos 1960 em papéis extremamente dramáticos, mas acabou estourando com comédias na década seguinte e nunca mais parou de fazer graça. Na TV, além de “The Goldbergs”, seu outro grande papel foi como o dono da revista de moda em que se passava a bem-sucedida sitcom “Just Shoot Me!” (1997-2003). A exibição do episódio póstumo será acompanhada por um tributo da ABC e da Sony Pictures Television ao veterano, que morreu de complicações decorrentes de uma cirurgia de ponte de safena. Ele tinha 87 anos. Ao saber da morte do colega, o elenco de The Goldbergs e a equipe celebraram o ator em uma declaração conjunta. “Em nome de todos de ‘The Goldbergs’, estamos arrasados com a perda de nosso querido amigo George”, disseram o elenco e a equipe técnica. “Ele era gentil, doce, além de talentoso e engraçado. George foi o verdadeiro epítome da classe e ele tocou todas as nossas vidas profundamente. Foi uma honra e um privilégio tê-lo como colega e amigo todos esses anos. Não é surpresa para nenhum de nós que o conhecemos tão bem que ele é um verdadeiro tesouro nacional. Ele fará falta para todos. Pops, vamos sentir falta do seu banjo e da sua risada contagiante. Descanse em paz.” Para divulgar o capítulo, a ABC vai transmitir teasers destacando Segal. Veja uma prévia abaixo.
Mia Farrow rompe silêncio sobre mortes trágicas de três filhos
A atriz Mia Farrow rompeu o silêncio sobre a morte de três de seus filhos adotivos, após “rumores perversos” circularem na internet a respeito do falecimento deles. As especulações sobre as mortes de Tam, Lark e Thaddeus foram intensificadas depois de suas existências serem ignoradas no recente documentário da HBO, “Allen v. Farrow”. A série também deu pouco espaço para Moses Farrow, o filho que se colocou ao lado de Woody Allen na briga com a atriz, e que a denunciou por maltratar com violência os filhos adotados. Mia Farrow publicou um longo desabafo em seu Twitter. “Como mãe de 14 filhos, minha família significa tudo para mim. Embora eu tenha escolhido uma carreira que me colocou na arena pública, a maioria dos meus filhos optou por viver uma vida muito privada”, ela escreveu, explicando que é “seletiva” no que posta nas redes sociais para respeitar o desejo dos filhos em permanecerem privados. Mesmo assim, ela diz que decidiu falar para acabar com os rumores “baseados em inverdades”. “Minha amada filha Tam faleceu aos 17 de uma overdose acidental de receita relacionada às agonizantes enxaquecas que ela sofreu e à sua doença cardíaca”, contou. Já Lark, falecida em 2008, foi descrita por Farrow como uma “mulher extraordinária, uma filha, irmã, companheira e mãe maravilhosa de seus próprios filhos”. “Ela morreu aos 35 de complicações de HIV/AIDS, que contraiu de um parceiro anterior. Apesar de sua doença, ela viveu uma vida frutífera e amorosa com seus filhos e seu parceiro de longa data. Ela sucumbiu à doença e morreu repentinamente no hospital no Natal, nos braços de seu parceiro”. Por fim, Farrow abordou a morte mais controversa, de seu filho Thaddeus, que se matou aos 29 anos. “Estávamos todos antecipando um casamento, mas quando seu relacionamento acabou de forma abrupta, ele tirou sua própria vida”, ela afirmou. “Essas são tragédias indescritíveis. Qualquer outra especulação sobre suas mortes é desonrar suas vidas e as vidas de seus filhos e entes queridos”. Ela concluiu o texto dizendo que é grata por ser mãe de 14 filhos e avó de 16 netos. “Embora tenhamos conhecido a tristeza, nossa vida hoje é cheia de amor e alegria. Todo mundo tem sua própria batalha pela frente; suas próprias tristezas que o corroem. Envio-lhe minhas melhores esperanças e meu amor”. Veja o post integral abaixo. Regarding my children pic.twitter.com/ApiSeBFx9C — Mia Farrow (@MiaFarrow) April 1, 2021
Amy Johnston (1954 – 2021)
A atriz Amy Johnston, que interpretou Cindy Lou, a namorada do roqueiro Buddy Holly no cinema, em “A História de Buddy Holly” (1978), morreu em 17 de março, em sua casa em West Fork, Arkansas, após uma longa batalha contra o câncer. Ela tinha 66 anos. Johnston fez sua estreia nas telas em 1977 em um episódio de duas partes da série “Welcome Back, Kotter”, como interesse romântico do personagem de John Travolta. Sua personagem em “A História de Buddy Holly” foi criada especialmente para o filme, que tomou muitas liberdades para narrar a vida do famoso roqueiro dos anos 1950. Na trama, Cindy Lou tenta convencer Holly de abandonar a música para ir para a faculdade. O filme fez muito sucesso e até rendeu indicação ao Oscar para Gary Busey, intérprete de Buddy Holly. Graças à repercussão, a atriz foi escalada como protagonista de sua primeira série, “Brothers and Sisters”, uma comédia universitária exibida pela rede NBC em 1979, inspirada no filme “Clube dos Cafajestes” (1978). Entretanto, a atração durou apenas 12 episódios. Johnston também apareceu nos filmes “Rooster: Spurs of Death!” (1976), “Jennifer” (1977) e em episódios de “As Panteras”, “Cagney & Lacey” e “O Homem que Veio do Céu”, antes de abandonar as telas e passar a dar aulas de teatro em uma faculdade perto de sua casa em Arkansas.
João Acaiabe (1944 – 2021)
O ator João Acaiabe, que viveu o Tio Barnabé do “Sítio do Picapau Amarelo” e o Chefe Chico em “Chiquititas”, morreu na noite de quarta-feira (31/3) em São Paulo, aos 76 anos, vítima da covid-19. A família informou que o artista testou positivo no dia 15 de março. Na data, a capital paulista começava a vacinar os idosos da sua faixa etária, e, na véspera o ator chegou a comemorar a iminência da imunização nas redes sociais. O quadro de saúde piorou e ele foi internado no Hospital Sancta Maggiore, na Mooca, no dia 21. No ano passado, o ator informou em entrevista que havia sido diagnosticado com insuficiência renal e estava na fila por um transplante de rim. De acordo com parentes, ele foi intubado na manhã desta quarta-feira (31) e faleceu após sofrer duas paradas cardíacas. Uma das filhas do Acaiabe, Thays, homenageou o pai nas redes sociais: “Guardarei no coração tudo o que vivemos e a referência que você é para a nossa família! Gratidão, meu pai. Que os espíritos de luz te recebam em Aruanda até que a gente se encontre novamente, porque almas gêmeas nunca se separam!”, escreveu. A atriz Giovanna Grigio, que contracenou com João Acaiabe na novela “Chiquititas”, destacou sua generosidade. “A gente passou texto várias vezes juntos e foi amor à primeira cena. Ter você como professor e amigo, escutar suas histórias e aprender com você com certeza foram dos maiores privilégios da minha vida! Eu já te amava antes e vou te amar pra sempre. Obrigada por tudo!”, compartilhou nas redes sociais. João Acaiabe iniciou sua carreira artística trabalhando como locutor de rádio ainda na adolescência. Estudou teatro na Escola de Arte Dramática de São Paulo (EAD) e, a partir dos anos 1970, trabalhou com o dramaturgo Plínio Marcos em peças como “Barrela” e “Jesus Homem”. Sua estreia nas telas foi com a novela pop “Cinderela 77”, protagonizada pelos cantores Ronnie Von e Vanusa, na rede Tupi em 1977. Ele emendou no mesmo ano uma participação em “O Profeta”, um dos maiores sucessos do canal, e duas pornochanchadas: “A Tenda dos Prazeres” (também conhecido como “Ouro Sangrento”) e “Elas São do Baralho”. A carreira deu uma reviravolta quando foi para a TV Cultura, entre 1978 e 1983, conquistando destaque no programa infantil “Bambalalão”, onde contava histórias para as crianças da plateia. Foi o começo de sua trajetória com o público infantil. Sua filmografia se ampliou com produções de grande qualidade a partir de “Eles Não Usam Black-tie” (1981), de Leon Hirszman, que venceu o Prêmio Especial do Júri do Festival de Veneza. A partir daí vieram “A Próxima Vítima” (1983), de João Batista de Andrade, “Chico Rei” (1985), de Walter Lima Jr., “A Viagem” (1992), de Fernando E. Solanas, “Boleiros: Era Uma Vez o Futebol…” (1998), de Ugo Giorgetti, “Cronicamente Inviável” (2000), de Sergio Bianchi, “Casa de Areia” (2005), de Andrucha Waddington, etc. Ele atuou em mais de 20 longas. Mas foi um curta-metragem que lhe trouxe maior reconhecimento. “O Dia em que Dorival Encarou a Guarda” (1986), dirigido por Jorge Furtado e José Pedro Goulart, lhe rendeu o prêmio de Melhor Ator no Festival de Gramado. Paralelamente, Acaibe chegou à Rede Globo, atuando na minissérie “Tenda dos Milagres”, de Aguinaldo Silva, em 1985. Seu papel mais duradouro foi na emissora. Entre 2001 e 2006, ele deu vida ao Tio Barnabé, no “Sítio do Picapau Amarelo”. A experiência foi seguido por outro personagem infantil muito lembrado. Entre 2013 e 2015, atuou como Chefe Chico, no remake de “Chiquititas”, no SBT. Seus últimos trabalhos foram na novela da Globo “Segundo Sol” (2018), como o pai de santo Didico, e no filme “M-8: Quando a Morte Socorre a Vida” (2019), de Jeferson De, recém-disponibilizado na Netflix.
Craig muMs Grant (1968 – 2021)
O ator Craig muMs Grant, que interpretou Arnold “Poeta” Jackson no premiado drama “Oz”, da HBO, morreu na quarta-feira (24/3) aos 52 anos, de causa não revelada. No momento de sua morte, Grant estava na Carolina do Norte por conta de seu papel recorrente na série “Hightown”, cuja 2ª temporada está atualmente sendo gravada em Wilmington para o canal pago Starz. Ele era esperado em Atlanta na segunda-feira, onde deveria encerrar outro arco recorrente na série “All the Queen’s Men”, da BET. O ator chegou a completar sua participação no novo filme de Steven Soderbergh, “No Sudden Move” (ainda sem previsão de estreia), sua terceira parceria com o cineasta, após aparecer em “Terapia de Risco” (2013) e num episódio da série “The Knick” (em 2014). Grant também possuía uma ótima relação com o cineasta Spike Lee, que o lançou no cinema no ano de 2000 no filme “A Hora do Show”. Mais recentemente, ele integrou o elenco recorrente da série “Ela Quer Tudo” (2017-2019), criada por Spike Lee para a Netflix, e fez uma pequena participação em “Infiltrado na Klan” (2018). Nascido e criado na cidade de Nova York, Grant começou sua carreira como parte da equipe Nuyorican Poetry Slam, um grupo de poetas inspirados pelo hip-hop que chamou atenção com recitais aclamados pela crítica. A arte da poesia slam rendeu um documentário, “SlamNation” (1998), e uma série, “Def Poetry” (2002-2007), dos quais ele participou. Esta experiência acabou batizando de “poeta” seu primeiro grande personagem dramático. Arnold “Poeta” Jackson foi um dos protagonistas de “Oz”, drama carcerário com 92% de aprovação no Rotten Tomatoes, que foi exibido entre 1997 e 2003 na HBO. Na trama, Grant dava vida a um viciado em heroína, preso por assalto à mão armada e tentativa de homicídio, que apareceu em todas as seis temporadas da produção. Ele também integrou o elenco do drama indie “Gente Comum” (2004), de Jim McKay, do terror “Água Negra” (2005), dirigido pelo brasileiro Walter Salles, de “Entrevista” (2007), escrito, dirigido e estrelado por Steve Buscemi, do filme vencedor do Oscar “Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)” (2014), de Alejandro G. Iñárritu, e do elogiadíssimo thriller “Bom Comportamento” (2017), dos irmãos Benny e Josh Safdie.
Jessica Walter (1941 – 2021)
A atriz Jessica Walter, que viveu a matriarca Lucille Bluth na série de comédia “Arrested Development”, morreu aos 80 anos, enquanto dormia em sua casa, em Nova York, na noite de quarta-feira (24/3). Natural de Nova York, Walter também teve carreira no cinema, fazendo sua estreia em 1964 no drama “Lilith” de Robert Rossen (1964). Ela ainda integrou “O Grupo” (1966) e “Grotesca Despedida” (1968), ambos de Sidney Lumet, e “Grand Prix” (1966), drama de Fórmula 1 de John Frankenheimer, antes de se destacar no primeiro longa-metragem dirigido por Clint Eastwood, “Perversa Paixão” (1971). No suspense clássico, interpretou Evelyn, uma mulher desequilibrada com quem o DJ vivido por Eastwood tinha um caso sem importância, apenas para descobrir que ela era uma psicopata possessiva. Apesar desses papéis iniciais, Walter sempre privilegiou o trabalho televisivo, aparecendo como atriz convidada em quase uma centena de séries. Ela integrou o elenco fixo de alguma delas, a começar pelo drama jurídico “For the People”, que durou uma temporada em 1965, contracenando com o jovem William Shatner antes dele virar o Capitão Kirk de “Jornada nas Estrelas”. Uma década depois, ela viveu o papel-título de “Amy Prentiss” (1974), uma minissérie derivada de “Têmpera de Aço” (Ironside), como a jovem chefe dos detetives do Departamento de Polícia de São Francisco. A performance lhe rendeu a vitória no Emmy como Melhor Atriz de Minissérie. Walter ainda teve um papel recorrente em “Trapper John, MD” (1979–1986), que lhe rendeu indicação ao Emmy, ao mesmo tempo em que alimentou uma rotina de séries de uma temporada com “Bare Essence” (1983), “Three’s a Crowd” (1984) e “Aaron’s Way” (1988). Outra especialidade da atriz foi a dublagem. Entre 1991 e 1994, deu voz em inglês à Fran Sinclair (Fran da Silva Sauro, no Brasil), a mulher do protagonista Dino (Earl, em inglês) no sucesso infantil “Família Dinossauros”. Também dublou a Vovó Bondade na série da Arlequina (“Harley Quinn”), lançada em 2019, e desde 2009 dava vida à Malory Archer, a mãe e chefe autoritária do protagonista da série “Archer”, que está renovada para a sua 12ª temporada. A atriz ainda teve papéis recorrentes em “Saving Grace” (2007–2010), “90210” (2008–2013), “Jennifer Falls” (2014) e coestrelou com George Segal, também falecido nesta semana, duas temporadas da sitcom “Retired at 35” entre 2011 e 2012. Mesmo com uma carreira tão ampla, seu trabalho mais conhecido foi realmente a matriarca de “Arrested Development”, pelo qual voltou a ser indicada ao Emmy. A manipuladora e alcoólatra Lucille Bluth acabou sendo um marco da TV americana, adorada pela crítica e uma das razões do culto da série. Em “Arrested Development” (também conhecida como “Caindo na Real”), uma família rica perdia tudo após a prisão do pai por crimes de colarinho branco e precisa se virar para manter o padrão de vida. Mas enquanto um dos irmãos se esforça para pagar as contas e fazer todos “caírem na real”, os demais seguiam delirando com fantasias, restando à Lucille a impressão de que só ela pensava em como recuperar a fortuna, o que geralmente conduzia a alguma ideia/golpe mirabolante. O elenco impressionante da série ainda destacava Jason Bateman, Will Arnett, Tony Hale, David Cross, Portia de Rossi, Jeffrey Tambor, Michael Cera e Alia Shawkat. Apesar de aclamação crítica e de um Emmy de Melhor Comédia, a a atração criada por Mitchell Hurwitz acabou cancelada por baixa audiência na Fox após três temporadas, exibidas entre 2003 e 2006. Mas seu culto duradouro inspirou um retorno sete anos depois pela Netflix, que produziu mais duas temporadas da atração – a mais recente exibida em 2019.
Bertrand Tavernier (1941 – 2021)
O icônico cineasta Bertrand Tavernier, de filmes clássicos como “Um Sonho de Domingo” (1984) e “Por Volta da Meia-Noite” (1986), morreu nesta quinta (25/3) aos 79 anos, anunciou o Instituto Lumière, que ele presidia. A causa da morte não foi informada. Filho do escritor e combatente da resistência René Tavernier, Bertrand foi um dos principais e mais premiados diretores do cinema francês após a nouvelle vague. Seu interesse pela sétima arte começou em seus dias de estudante universitário na Sorbonne, quando entrevistou o diretor Jean-Pierre Melville. Ele acabou conseguindo trabalho como relações públicas da empresa que produziu o filme de Melville de 1962, “Técnica de um Delator”, e posteriormente se associou a um amigo para se tornar assessor de imprensa independente, trabalhando nos filmes que lhe interessavam, entre eles “O Desprezo” (1963), de Jean-Luc Godard. O trabalho evoluiu para a função de assistente de direção, que ele começou a exercer na Itália, fazendo sua estreia no trash “Maciste, O Gladiador de Esparta” (1964). No mesmo ano, debutou como diretor nas antologias românticas “Os Beijos” (1964) e “A Chance e o Amor” (1964). Entretanto, seu primeiro longa individual só saiu uma década depois, o complexo filme de mistério “O Relojoeiro” (1974), que venceu o Prêmio Especial do Júri no Festival de Berlim. Com os dois filmes seguintes, “Que a Festa Comece” (1975) e “O Juiz e o Assassino” (1976), chamou atenção da Academia Francesa de Cinema, vencendo consecutivamente dois prêmios César (o Oscar francês) como roteirista. Ao experimentar a ficção científica com “A Morte ao Vivo” (1980), antecipou em décadas a febre por reality shows que transformou o “Big Brother” num fenômeno. Cultuadíssimo, o filme também registrou um dos últimos papéis da estrela Romy Schneider, que morreu dois anos depois. O reconhecimento internacional veio com “A Lei de Quem Tem o Poder” (1981), indicado ao Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira. No filme, Philippe Noiret vivia um chefe de polícia de uma pequena cidade que decide a despachar os cidadãos indignos do lugar com sua arma. Seus filmes mais famosos vieram logo em seguida. Com “Um Sonho de Domingo” (1984), ambientado em uma casa de campo em 1912, venceu o prêmio de Melhor Direção no Festival de Cannes. E embora não tenha sido agraciado por seu trabalho em “Por Volta da Meia-Noite” (1986), sua ode definitiva ao jazz é considerada um dos melhores filmes já feitos sobre o gênero musical. A obra rendeu um Oscar ao jazzista Herbie Hancock pela Trilha Sonora, além de indicação de Melhor Ator ao mítico saxofonista Dexter Gordon. A filmografia de Tavernier seguiu produzindo filmes espetaculares, como “A Vida e Nada Mais” (1989), vencedor do BAFTA (o Oscar inglês), e “O Regresso” (1990), mas foi só com “L.627 – Corrupção Policial” (1992), um thriller com registro quase documental sobre as atividades do dia-a-dia de um pequeno e mal equipado braço do Esquadrão Antidrogas de Paris, que ele venceu o troféu principal da França, o César de Melhor Filme, além do César de Melhor Direção. O reconhecimento nacional o levou à sua primeira grande aventura de época, “A Filha de D’Artagnan” (1994), estrelada pela jovem Sophie Marceau no auge de sua popularidade. Mas após este breve desvio comercial, o cineasta voltou com tudo em “A Isca” (1995), sobre crimes de menores, que venceu o Festival de Berlim, e “Capitão Conan” (1996), drama de guerra que lhe rendeu outro César de Melhor Direção. Em “Quando Tudo Começa” (1999), Tavernier seguiu um ano na vida do diretor de uma escola em uma região economicamente falida da França e venceu o Prêmio da Crítica no Festival de Berlim e o Prêmio do Público no Festival de San Sebastian. Ele seguiu frequentando festivais no século 21, mas sem causar o mesmo frisson. Seus últimos longas de ficção foram “Passaporte para a Vida” (2002), “Holy Lola” (2004), escrito por sua filha, “Às Margens de um Crime” (2009), “A Princesa de Montpensier” (2010) e “O Palácio Francês” (2013). Pelo derradeiro, ainda voltou a vencer o César de Melhor Roteiro. Depois disso, assinou o documentário “Viagem Através do Cinema Francês”, lançado em 2016 e transformado em minissérie no ano seguinte, dedicando-se a contar a história do cinema de seu país. Cinéfilo assumido, Tavernier adorava falar da história ao cinema. Ele escreveu um guia sobre a história de Hollywood, cuja primeira edição foi chamada de “20 Anos de Cinema Americano”, mas acabou expandida em reedições para “30 Anos…” e até “50 Anos de Cinema Americano”. Ele também publico um livro de entrevistas, chamado “American Friends”, com conversas que teve com John Ford, Robert Altman, Roger Corman e “muitos outros que não haviam sido entrevistados antes”, e se dedicou à preservação de filmes clássicos, movido tanto pelo desejo de defender o cinema independente francês como pela paixão pelo cinema americano do século 20. Em 2015, foi homenageado com um Leão de Ouro especial do Festival de Veneza, pelo conjunto da obra. Tavernier foi casado com a roteirista Claudine (Colo) O’Hagen de 1965 a 1980 e deixa dois filhos cineastas, Nils Tavernier, diretor e ator, e Tiffany Tavernier, romancista, roteirista e assistente de direção.
Elenco de Glee vai voltar a se juntar em homenagem a Naya Rivera
O elenco de “Glee” vai voltar a se encontrar durante a cerimônia do GLAAD Media Awards 2021 para homenagear a colega Naya Rivera, que faleceu durante um passeio de barco no ano passado, aos 33 anos. O evento marcado para 8 de abril busca celebrar a diversidade no audiovisual, e a reunião de “Glee” também comemorará o aniversário de dez anos da saída do armário da personagem da atriz, Santana Lopez, que se assume lésbica na série. A homenagem contará com a presença de Chris Colfer (Kurt Hummel), Darren Criss (Blaine Anderson), Jane Lynch (Sue Sylvester), Kevin McHale (Artie Abrams), Heather Morris (Brittany S. Pierce), Amber Riley (Mercedes Jones), Harry Shum Jr. (Mike Chang), Matthew Morrison (Will Schuester), Jacob Artist (Jake Puckerman), Vanessa Lengies (Sugar Motta), Alex Newell (Wade Adams), Becca Tobin (Kitty Wilde) e Jenna Ushkowitz (Tina Cohen-Chang). O reencontro ainda contará com a presença de Demi Lovato, que fez participações especiais na atração. Ela vai introduzir o número musical dos astros de “Glee” durante a cerimônia de premiação.
George Segal (1934 – 2021)
O veterano ator George Segal, que atualmente estrelava a série “The Goldbergs”, morreu nesta terça (23/3) em Santa Rosa, na Califórnia, de complicações de uma cirurgia de ponte de safena. Ele tinha 87 anos. Nos últimos oito anos, Segal participou regularmente de “The Goldbergs”, série de comédia ambientada nos anos 1980, como Albert “Pops” Solomon, o avô do protagonista. O último episódio de “The Goldbergs” que ele gravou, o episódio 16 da atual 8ª temporada, está programado para ir ao ar em 7 de abril nos EUA e será transformado numa homenagem. Embora as novas gerações lembrem mais de Segal por estrelar séries de comédia, como a atual “The Goldbergs”, “Retired at 35” e a bem-sucedida “Just Shoot Me!”, ele começou sua carreira nos anos 1960 com papéis extremamente dramáticos. De fato, seus primeiros filmes não sugeriam que ele se tornaria um comediante famoso. Segal participou de clássicos absolutos como “O Mais Longo dos Dias” (1962), “A Nau dos Insensatos” (1965), “Rei de um Inferno” (1965) e chegou a ser indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por “Quem Tem Medo de Virginia Woolf?” (1966). A virada se deu em 1970, quando estrelou três comédias consecutivas: “O Amor é Tudo” (1970), “Como Livrar-me da Mamãe” (1970) e principalmente “O Corujão e a Gatinha” (1970), em que formou par romântico com Barbra Streisand. Segal acabou se especializando em comédias criminais com os clássicos “Os Quatro Picaretas” (1972), “Quem está Matando os Grandes Chefes?” (1978) e “Adivinhe Quem vem para Roubar” (1977), que ganhou um remake em 2005 com Jim Carrey repetindo seu papel. Ele acabou se voltando para a TV no final dos anos 1980, após uma sucessão de comédias sem sucesso. A estreia como protagonista televisivo aconteceu em “Take Five”, em 1987, que foi cancelada após seis episódios. Sua série seguinte, “Murphy’s Law”, foi mais longe, rendendo 13 capítulos entre 1988 e 1989. Demorou, mas com “Just Shoot Me” Segal estourou na telinha em 1997. Na série de Steven Levitan (criador de “Modern Family”), ele vivia Jack Gallo, o dono arrogante de uma revista de moda em que sua filha jornalista (Laura San Giacomo) se vê forçada a trabalhar, ao ser demitida de um jornal sério. A série durou sete temporadas, ficando no ar até 2003. Além dos papéis em produções live-action, Segal também marcou a infância de muitas crianças como a voz do Dr. Benton Quest na versão dos anos 1990 da série animada de “Jonny Quest”. Entre seus últimos filmes, estão “2012” (2009), “Amor e Outras Drogas” (2010) e “Elsa & Fred: Um Amor de Paixão” (2014).
