Vila Sésamo vai ganhar filme do diretor de Uma Noite no Museu
O diretor Shawn Levy, responsável pela franquia “Uma Noite no Museu”, está produzindo uma versão cinematográfica do clássico programa infantil “Vila Sésamo”. Falando ao jornal inglês The Guardian, Levy revelou que o filme está na fase de tratamento do roteiro e o objetivo dos produtores é conseguir criar uma trama imaginativa e divertida envolvendo os marcantes personagens. “O desafio é honrar todos eles em uma produção para fazer as crianças se divertirem e também os adultos que os levarem aos cinemas”, declarou. Por enquanto, Levy está envolvido apenas como produtor para a Warner Bros. Ultimamente, ele vem se especializando na função, tendo lançado com sucesso a série “Stranger Things” e a sci-fi “A Chegada”, que estreia neste fim de semana nos EUA. A atração clássica, exibida desde 1969 na rede pública americana PBS, já somou mais de mil episódios. Mas recentemente, após dificuldades financeiras, viu-se forçada a procurar novo endereço, chegando ao HBO, onde, até hoje, segue a fórmula tradicional de juntar os fantoches de Jim Henson (“Os Muppets”) e Frank Oz (o eterno Yoda de “Star Wars”) com celebridades para divertir e ensinar crianças em idade pré-escolar.. Para quem não lembra, nos anos 1970 a série teve uma famosa versão brasileira, exibida pela Rede Globo em parceria com a TV Cultura, que além dos fantoches de Garibaldo, Gugu, Elmo e Beto, também incluía apresentação da jovem Sonia Braga. Uma nova versão do programa estreou no mês passado na TV Cultura e TV Brasil, rebatizada como “Sésamo” e sem o saudoso Garibaldo.
Candidato brasileiro ao Oscar, Pequeno Segredo é melodrama convencional
Membro da família de velejadores Schurmann, David Schurmann já havia se prontificado a levar para os cinemas detalhes de suas expedições com o documentário “O Mundo em Duas Voltas” (2007). Em “Pequeno Segredo”, escolhido para representar o Brasil na busca por uma indicação ao Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira, o diretor volta a resgatar as memórias de sua família, especialmente de sua irmã adotiva, desta vez como ficção. Mas em vez de suas aventuras marítimas pelo mundo, foca um drama particular narrado por sua mãe Heloisa no livro “Pequeno Segredo – As Lições de Kat para Família Schurmann”. Mesmo o mais desinformado dos espectadores sabe que o centro da trama é a enfermidade carregada por Kat (Mariana Goulart), pré-adolescente que acredita ingerir vitaminas para controlar uma hepatite. Adotada por Heloisa (Julia Lemmertz) e Vilfredo (Marcello Antony), Kat tem os detalhes de sua concepção recriados aos poucos em “Pequeno Segredo”. Graduado em cinema e televisão na Nova Zelândia, David Schurmann sugere ter grande afeto por filmes corais, aqueles em que alguns personagens desconhecidos entre si se conectam em uma narrativa não linear. É um desafio gerenciar indivíduos de personalidades distintas em linhas temporais diversas e, mesmo que Schurmann tenha a facilidade de lidar com apenas dois núcleos familiares, há uma regra sagrada não respeitada em “Pequeno Segredo”: o fator surpresa. Fracassando ao pretender que o “pequeno segredo” nos seja revelado na mesma altura em que Kat descobre o que condenará a sua existência (uma pista jogada no primeiro ato trata de destruir qualquer apreensão que esse mistério provocaria), a condução de Schurmann se sabota na tentativa de respeitar as regras mais básicas da cartilha do melodrama. É um filme que não tem vergonha de admitir que foi feito para emocionar, mas que não sabe até onde apelar para fazê-lo. Além da estrutura, dessas que ainda lidam com dados do passado já descortinados pelo presente, outro problema no filme vem a ser a construção de personagens. O senso de desprendimento dos Schurmann foi substituído por um novo estilo de vida em que Kat é uma prioridade 24 horas por dia. Já os pais biológicos da garota (interpretados por Maria Flor e Erroll Shand) contam com preocupações como o bem-estar próprio e alheio, assim como os dilemas de abandonar ou se manter em seus locais de origem. Mas são logo descartados quando os Schurmann assumem um protagonismo mais evidente. Lamentavelmente, o trabalho mais ingrato recai justamente nos ombros da irlandesa Fionnula Flanagan, excelente veterana, mais conhecida por filmes como “Mães em Luta” e “Os Outros”, bem como por sua participação especial no seriado “Lost”. No papel da avó biológica de Kat, a atriz precisa se virar com falas desprezíveis e ainda é submetida a uma redenção a partir de um monólogo sobre o que é amar, que jamais compramos. É preciso coragem para tornar pública uma história dolorosa e privada e David Schurmann busca compartilhar a de sua irmã com carinho e ênfase em valores, que deseja que o público carregue consigo após a sessão. No entanto, também é preciso um amadurecimento profissional que nenhuma credencial para tentar uma vaga no Oscar é capaz de substituir. Talvez fosse melhor ter repassado a história de Kat para outro diretor que não se preocupasse tanto em higienizar a tela e enfeitá-la com borboletas.
Através da Sombra faz adaptação ousada de terror gótico tradicional
Na cena que abre “Através da Sombra”, acompanhamos por alguns segundos todo o ritual de Laura (Virginia Cavendish) em abotoar o seu suéter preto. Logo em seguida, ela comparece a um encontro com Afonso (Domingos Montagner, em trabalho póstumo), homem rico que a entrevista para cuidar de seus dois sobrinhos, Elisa (Mel Maia) e Antonio (Xande Valois), na fazenda de café que tem no interior. Na ocasião, ela parece seduzida por um corpo masculino que se movimenta enquanto luta, tentando desviar o olhar daquela anatomia bem trabalhada. E é neste prólogo que o veterano Walter Lima Jr. (“A Ostra e o Vento”) explicita o que pretende com a sua adaptação livre de “A Outra Volta do Parafuso”, clássico gótico do escritor americano Henry James (1843-1916) . Os elementos sobrenaturais são mantidos em um contexto brasileiro, mas é a tensão sexual que pauta o perigo em seu roteiro. A neblina da era vitoriana é substituída aqui pela fumaça do café queimado e se alastra por um ambiente que, aos poucos, parece assombrado pela ausência de uma professora, que Laura vem substituir. Governanta, Dona Geraldina (Ana Lúcia Torre) faz mistério quanto ao destino da antiga funcionária, ampliando as dúvidas de Laura quanto ao que ela acredita ver e que é invisível para os demais. A versão de Walter Lima Jr. para a história de terror tradicional é ousada, não poupando sequer a inocência das crianças, que se alternam entre insultos contra a protagonista e como agentes para provocar o seu recato, a exemplo do beijo que recebe de Antonio. Mesmo com forças ocultas se comunicando através de um copo (no jogo ancestral do tabuleiro de ouija) e aparições aleatórias, a ameaça de “Através da Sombra” é mais material, dando sentido a uma conclusão que, para muitos, pode soar abrupta.
O Nascimento de Uma Nação é obra impactante de um diretor mergulhado em polêmica
Quando se discute os primeiros avanços da linguagem cinematográfica, é inevitável citar “Um Nascimento de Uma Nação”. No entanto, por trás daquela produção de 1915, em que D.W. Griffith promoveu evoluções narrativas e técnicas, há um discurso racista repulsivo, que ainda gera controvérsias cem anos depois. Nem mesmo “Intolerância”, lançado no ano seguinte como uma “compensação”, removeu o estigma de Griffith de cineasta maldito, ainda que genial. Protagonista em “Nos Bastidores da Fama”, o ator Nate Parker debuta como diretor fazendo uma provocação ao legado deixado pela obra de Griffith, apropriando-se do mesmo título para contar a história de Nat Turner, líder de uma histórica rebelião de escravos na Virgínia de 1831. A ironia é que Parker acabou carregando também uma polêmica consigo, esta de cunho pessoal: no mesmo instante em que se discutia as possibilidades de seu filme se destacar no Oscar 2017, veio a público uma acusação de suposto estupro que ele teria cometido quando ainda era universitário e que teria levado a vítima a cometer suicídio Apesar de ter vencido o Festival de Sundance no começo do ano, “O Nascimento de Uma Nação” agora vê as suas chances de novas premiações reduzidas a zero, além de amargar um fracasso comercial que certamente acionou o alarme da Fox Searchlight, que obteve os direitos de distribuição do longa pelo valor recorde de US$ 17,5 milhões, o dobro do orçamento da produção, após sua repercussão inicial. Mais uma vez vem a indagação para problematizar a experiência cinematográfica: é possível separar a obra artística de seu autor? Atendo-se somente ao filme, é indiscutível o seu impacto e relevância, ao tratar um tópico sombrio da história da humanidade, que deve ser sempre lembrado, especialmente quando ainda se nutre preconceito por etnias específicas. Trata-se também de uma abordagem diferente dos filmes de escravidão, que não se contenta com a denúncia, ao mostrar a reação de negros contra os abusos de seus “donos”. Nat Turner, vivido pelo próprio Nate Parker, era um escravo visto com certo fascínio por seus próprios contemporâneos, não somente por ter recorrido a subterfúgios para se alfabetizar, mas pela influência natural que exercia como pregador, proporcionando para si e para os outros algum alento com a sua crença no divino. Foi também quem promoveu uma rebelião histórica, quando a situação atingiu um limite em que nada mais poderia ser feito a não ser se rebelar. Ainda que Parker, como diretor, não consiga resistir a tentação de conferir um tom poético às suas imagens, como no enforcamento que se apresenta a partir de um plano fechado em uma borboleta, ou nas duas ou três visões de um anjo, o seu registro é muito mais contundente que o celebrado “12 Anos de Escravidão” (2013), impondo a crueza que se espera de uma história capaz de ressoar no presente, onde a intolerância permanece enraizada.
O Plano de Maggie junta ótimo elenco em comédia indie descartável
No ótimo “O Tempo de Cada Um” (2002), há um segmento que parece repercutir de modo especial em sua diretora e roteirista Rebecca Miller. Trata-se daquele protagonizado por Parker Posey, em que sua personagem vive à sombra do pai, um artista celebrado. Para quem não sabe, Rebecca é filha de ninguém menos que o dramaturgo Arthur Miller, além de ser esposa do ator irlandês Daniel Day-Lewis. Os anos se passaram e Rebecca segue na desconfortável posição de ser lembrada mais por suas relações familiares e menos pelo trabalho que produz individualmente. “O Plano de Maggie” é um sintoma dessa constatação desagradável, sendo uma comédia indie que esquecemos assim que nos retiramos da sala do cinema ou ejetamos o DVD. O ponto de partida é até promissor. Enquanto atua no campo universitário, Maggie (Greta Gerwig) topa servir de barriga de aluguel para Guy (o simpático Travis Fimmel, do seriado “Vikings”), sujeito que está conseguindo uns bons trocados com a produção de picles artesanais e que sonha em ter um filho. Mas John (Ethan Hawke), um professor e escritor fracassado, casado com a bem-sucedida dinamarquesa Georgette (Julianne Moore), surge na vida de Maggie declarando o seu amor por ela de modo imediato. Tudo isso a faz mudar seus planos de curto prazo, desistindo do acordo com Guy e logo se casando com John após o seu divórcio com Georgette. Só que a vida perfeita que Maggie visualizava acaba se transformando em uma realidade amarga, em que trabalha duramente para sustentar John até que ele seja capaz de finalizar o seu novo livro. Vem assim o seu plano de tentar devolver o marido para a ex-mulher para voltar a cuidar com mais independência de si mesma. Apesar dos contornos aceitáveis, não há nada de particularmente especial neste quinto longa-metragem de Rebecca Miller, concebido a partir de um argumento de Karen Rinaldi. Sem nenhum arrojo visual ou narrativo, “O Plano de Maggie” acaba dependendo demais de seu talentoso elenco para energizar as coisas. Não funciona, especialmente por comprometer Greta Gerwig a fazer uma personagem que nada mais é do que uma variação de sua inesquecível Frances Ha, reagindo diante das adversidades da vida com a mesma calmaria com a qual passamos margarina no pão.
Canção da Volta reflete fascínio e frustração com suicidas
Os índices de suicídios têm aumentado de modo tão assustador nos últimos anos que o fascínio pela história de pessoas que vão ao extremo de tirar a vida pode despertar inevitável curiosidade. Em seu primeiro longa de ficção, o paulistano Gustavo Rosa de Moura parte de um registro privado sobre uma personagem que sobreviveu para carregar o peso de ter, em um momento de desespero, tentado provocar a própria morte, algo forte o suficiente para manter, ao menos a princípio, o interesse por “Canção da Volta”. Sem uma experiência expressiva como intérprete, Marina Person, que é esposa de Gustavo, tem a difícil missão de incorporar Júlia, na maior parte do tempo em dissintonia com um mundo que outrora tentou abandonar. No entanto, a perspectiva que acompanhamos é a de Eduardo (João Miguel, de “Xingu”), o marido que lida praticamente só com as responsabilidades domésticas após cumprir a rotina profissional. Sem verbalizar as motivações de Júlia, “Canção da Volta” prefere se ater a um presente em que o incômodo de ter algum familiar ou conhecido indagando sobre a motivação de seu desejo suicida se transformou em uma questão diária. Há também a dinâmica de um casal que não funciona mais e a presença de um filho, Lucas (Francisco Miguez, o protagonista de “As Melhores Coisas do Mundo”), que agora convive com a impressão de não ter sido priorizado durante a escolha radical de sua mãe. Com mais sugestões que resoluções, o drama não progride, especialmente pela direção não oferecer um tratamento visual que seja capaz de representar uma atmosfera de sufoco físico e emocional. Além do mais, a adoção de uma estrutura quase fragmentada mais dispersa do que garante o envolvimento com a história, esta praticamente jogada ao deus-dará em um terceiro ato com pistas mal ajambradas (as notificações no WhatsApp, a caixa misteriosa) e um encerramento no mínimo descuidado.
Cinema Novo faz ensaio-poesia sobre o movimento mais famoso do cinema brasileiro
A opção de Eryk Rocha de fazer de “Cinema Novo” um documentário em formato de ensaio-poesia, em vez de um filme mais convencional e informativo, é compreensível, inclusive dentro da curta duração – cerca de uma hora e meia. Para se contar a história do Cinema Novo em um projeto audiovisual, o ideal seria mesmo uma minissérie para a televisão com mais tempo disponível. Mas mesmo aceitando a proposta, a falta de identificação nas imagens utilizadas – qual é tal filme em tal cena mostrada – não deixa de ser problemática. O resultado privilegia a edição e a força das imagens de grandes obras – algumas pouco conhecidas do grande público – , mas deve sua existência principalmente aos depoimentos de arquivo da época (anos 1960 e 1970), de cineastas (Nelson Pereira dos Santos, Cacá Diegues, Joaquim Pedro de Andrade, Glauber Rocha, Leon Hirszman, Arnaldo Jabor, Ruy Guerra e vários outros) que comentam direto do túnel do tempo. Não há depoimentos novos, o que torna o trabalho do filho de Glauber Rocha diferente e interessante. Um dos problemas do filme, premiado no Festival de Cannes deste ano, está no fato de que, se exibido para uma plateia que desconhece totalmente o movimento original, pode até despertar desinteresse. Mas, para quem conhece um pouco, permite rever sequências lindas, como as de “A Falecida”, “Vidas Secas”, “Rio, Zona Norte”, “Terra em Transe”, “Macunaíma”, além de filmes que não são necessariamente do Cinema Novo, mas pioneiros do próprio cinema brasileiro, como “Limite”, de Mário Peixoto, e o trabalho de Humberto Mauro. O que importa é que Eryk, enquanto deixa o público intrigado com certas cenas de filmes menos conhecidos, não deixa dúvidas a respeito da grandeza de nosso cinema. Ele pontua tudo de forma mais ou menos organizada em blocos temáticos, e procura emular o clima de tensão que surge a partir dos eventos políticos ocorridos no Brasil durante o Golpe militar, através de um som e de uma montagem inteligentes. Ainda assim, acaba parecendo estranho quando, no final, entre os créditos de diversos cineastas envolvidos com o Cinema Novo, surge o nome de Walter Hugo Khouri, que não era muito bem-visto pelo movimento e considerado basicamente alienado, distante dos interesses sociais e de natureza revolucionária de Glauber, Diegues e cia. De todo modo, há tanta gente boa envolvida nesse que é o maior movimento cinematográfico da América Latina, que a vontade de ver e rever os filmes apresentados é grande. A admiração que já temos por cineastas como Leon Hirszman e Joaquim Pedro de Andrade, por exemplo, só aumentam, diante de seus depoimentos e trechos de filmes. Há também algo que faz com que “Cinema Novo” dialogue muito bem com o momento atual em que estamos vivendo, tanto do ponto de vista político, como no que se refere à baixa audiência de público para o cinema brasileiro (que importa). Uma cena em particular mostra Diegues e Jabor debatendo sobre a dificuldade de atingir o grande público, que até hoje continua resistente ao tipo de filmes que eles faziam. Mas, ao ver, por exemplo, um trecho de “Terra em Transe”, clássico do pai de Eryck, com dois personagens recitando suas falas de forma poética e teatral, percebe-se o porquê de esses filmes não lotarem salas. O cinema brasileiro dessa época só chegaria nas massas na década de 1970, com o advento das pornochanchadas. Mas isso já é outra história e de outra turma, que seria até bem mais divertida de ser vista em um filme-ensaio desse tipo.
Deborah Secco faz ensaio de biquíni para a revista Corpo a Corpo
A atriz Deborah Secco continua com um corpão de Bruna Surfistinha. Aos 36 e quase um ano com mãe da pequena Maria Flor, ela estrela a edição de novembro da revista Corpo a Corpo, mostrando suas curvas sinuosas em ensaio de biquíni para a publicação. Claro, ela malha. Bastante. Mas diz que é por bem-estar e não pela aparência. “Treze dias depois do parto, as roupas que costumava usar já estavam servindo, mas eu ainda me sentia fraca, cansada. Voltei a treinar assim que acabou o resguardo de um mês porque queria recuperar a disposição e a flexibilidade que sempre tive. Foi uma questão de bem-estar, não de vaidade”, conta ela, que recuperou a boa forma em pouquíssimo tempo após dar à luz. “(Meu corpo) é meu principal instrumento de trabalho, não dá para ter muito apego. Minha profissão exige que eu mude sempre e, se fosse tão neurótica quanto dizem, viveria depressiva, porque nem sempre estou do jeito que gosto, com meu corpo mais natural. Tudo que é muito perfeito me parece superficial, como se a pessoa vivesse pela aparência, o que não é meu caso”, garante. “Não busco um corpo perfeito, uma vida badalada ou bens materiais. Dou valor ao que realmente importa. A idade me fez ver que é preciso muito pouco para ser feliz e essa percepção é algo libertador, deixa tudo mais leve”, completa. Seja como for, o corpo é perfeito. Basta ver as fotos acima, clicadas por Jorge Bispo, que foram adiantadas para divulgação.
Ben-Hur deu quase US$ 50 milhões de prejuízo para a MGM
Em seu relatório trimestral de finanças, a MGM assumiu um prejuízo de US$ 47,8 mihões causado pelo fracasso cinematográfico de “Ben-Hur”. O filme fez ridículos US$ 26,4 milhões nos EUA, atingindo um total de US$ 94 milhões em todo o mundo. Como custou US$ 100 milhões apenas de produção, o prejuízo é muito maior que o calculado pelo estúdio. Isto porque parte das despesas correram por conta da Paramount, que também deve sofrer com perdas. “Nossos resultados do terceiro trimestre foram negativimente impactados por uma despesa de desvalorização significativa resultante do mau desempenho substancial de Ben-Hur”, assumiu o CEO da MGM, Gary Barber, na apresentação do balanço trimestral para o mercado. A produção foi o segundo fracasso épico consecutivo do diretor cazaque Timur Bekmambetov em Hollywood. Anteriormente, ele assinou “Abraham Lincoln: Caçador de Vampiros” (2012), que rendeu pouca coisa mais – US$ 37,5 milhões nos EUA e US$ 116,4 milhões em todo o mundo. “Ben-Hur” também foi o terceiro fiasco de grande orçamento a tentar explorar a fé religosa em Hollywood. Ao contrário do Brasil, em que “Os Dez Mandamentos” bateram recordes de bilheteria, as produções de “Noé” (US$ 101 milhões de bilheteria doméstica contra despesas de US$ 125 milhões de produção) e “Êxodo: Deuses e Reis” (US$ 65 milhões nos EUA, com orçamento de US$ 140 milhões) deram prejuízo aos estúdios americanos. Os próximos lançamentos da MGM incluem mais um remake, “Desejo de Matar”, o reboot de “Tomb Raider” e as continuações de “Creed”, “Anjos da Lei” e da franquia 007.
A Bela e a Fera: Novo pôster oficial é igual à imagem vazada, que parecia fake
A Disney divulgou o segundo pôster oficial de “A Bela e a Fera”. E já teve site que tascou um “belíssimo” para elogiá-lo. Entretanto, a imagem é basicamente a mesma que tinha vazado antes da hora, com um tratamento de Photoshop. Compare abaixo. Quando surgiu pela primeira vez na internet, esta imagem pareceu tão caricata que sugeria ser fake, uma arte criada por algum fã. Mas agora que a Disney oficializou tudo, tem gente elogiando. Ainda parece estranho, mesmo assim. Uma Fera com qualidade pirata, bem diferente do realismo dos bichos de “Mogli, o Menino Lobo”, por exemplo. Este foi o caminho artístico escolhido, tornando grande o contraste entre a Fera cartunesca e a Bela realista. O filme traz Dan Stevens (série “Downton Abbey”) como a Fera, Emma Watson (franquia “Harry Potter”) como a Bela, Luke Evans (“Drácula – A História Nunca Contada”) como o vilão Gaston e um elenco de coadjuvantes famosos, formado por Josh Gad (“Jobs”), Stanley Tucci (“Jogos Vorazes”), Emma Thompson (“Walt nos Bastidores de Mary Poppins”), Kevin Kline (“Última Viagem a Vegas”), Ewan McGregor (“Jack, o Caçador de Gigantes”) e Ian McKellen (franquia “O Hobbit”). A direção é de Bill Condon (“A Saga Crepúsculo: Amanhecer”), o roteiro de Stephen Chbosky (que dirigiu Emma Watson no drama adolescente “As Vantagens de Ser Invisível”) e a trilha de Alan Menken, que ganhou dois Oscars pelo clássico animado em 1991. Por sinal, o filme contará com regravações das canções originais, além de três músicas inéditas compostas por Menken e Tim Rice (que trabalharam juntos em “Aladdin”). Ou seja, além de parecer um cartum, “A Bela e a Fera” também preservará a característica musical da animação. A estreia está marcada para o dia 16 de março no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Círculo de Fogo 2: John Boyega confirma seu personagem e o título da continuação
O ator John Boyega (“Star Wars: O Despertar da Força”) publicou em seu Instagram uma foto da capa do roteiro da continuação de “Círculo de Fogo 2”, que serve para confirmar o título oficial da produção em inglês, “Pacific Rim: Maelstrom” – o mesmo nome que vinha sendo especulado. Em português, “maelstrom” significa “turbilhão”. Ele também publicou um vídeo da orla de Sydney, na Austrália, onde a produção começou a ser rodada, no qual assina como Pentecost, confirmando outro rumor, de que viveria o filho de Stacker Pentecost, interpretado por Idris Elba no primeiro filme. O longa vai se passar alguns anos após os eventos do longa original e também inclui em seu elenco o ator Scott Eastwood (“Esquadrão Suicida”). A sequência foi escrita pelos criadores do filme original, Travis Beacham e Guillermo Del Toro, com auxílio de feras da sci-fi, como Derek Connolly (“Jurassic World”) e Jon Spaihts (“Prometheus”), e marcará a estreia de Steven S. DeKnight como diretor de cinema. Ele é um roteirista e produtor veterano de séries cultuadas, desde “Buffy – A Caça-Vampiros” em 2000, passando por “Smallville”. Foi também criador da série “Spartacus” e showrunner da 1ª temporada de “Demolidor”, da qual dirigiu o episódio final. O filme tem estreia marcada para 22 de fevereiro de 2018 no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA. First day on Pacific Rim today. Here's to a great adventure ahead ✌? Uma foto publicada por BOYEGA (@jboyega_) em Nov 9, 2016 às 10:14 PST Grey skies today but here to put the beat down on some kaiju. Sydney sorry for the exploding buildings and giant lizard sightings. It's for your own safety -Pentecost Um vídeo publicado por BOYEGA (@jboyega_) em Nov 8, 2016 às 8:47 PST
Animais Fantásticos e Onde Habitam: Continuação abordará homossexualidade de Dumbledore
“Animais Fantásticos e Onde Habitam”, novo filme do universo de “Harry Potter”, ainda não estreou, mas sua equipe criativa não para de falar da sequência. Depois de adiantar que a versão jovem de Dumbledore estará no próximo filme, J.K. Rowling, autora dos livros, insinuou que pretende explorar a sexualidade do futuro diretor de Hogwarts. Embora sua homossexualidade não fosse discutida nos livros e filmes, Rowling revelou, num evento de fãs em 2007, que Dumbledore era gay. E ao ser questionada se isso seria abordado em “Animais Fantásticos 2”, a escritora saiu pela tangente. “É uma história com cinco partes, então obviamente há muito para desenvolver”, ela afirmou, segundo o site da revista Variety, referindo-se a seu plano de lançar uma franquia de cinco filmes. “Vocês vão ver um Dumbledore mais jovem, e um jovem bem problemático, porque ele sempre foi muito inteligente, mas nem sempre foi o bruxo que conhecemos. Vamos ver o que acho que foi um período crucial de formação na vida dele”, explicou. “Em relação à sexualidade dele, esperem e verão”, concluiu. Quando a autora revelou a homossexualidade de Dumbledore, foi bem mais direta, contando na ocasião que ele havia sido apaixonado por Gellert Grindelwald, um bruxo das trevas que foi seu amigo na juventude. Infelizmente, os dois tomaram caminhos opostos e Dumbledore precisou enfrentar Grindewald em um duelo lendário. Na nova franquia, o bruxo das trevas será interpretado por Johnny Depp. “Animais Fantásticos e Onde Habitam” é a estreia de Rowling como roteirista e acompanha Newt Scamander (Eddie Redmayne), um especialista inglês em criaturas mágicas que chega a Nova York depois de uma exploração pelo mundo, mas a fuga de alguns de seus animais causa o caos na cidade. A direção é de David Yates, que comandou os quatro últimos filmes de Harry Potter, e a estreia está marcada para quinta-feira (17/11).
Eu, Daniel Blake: Veja o trailer nacional legendado do vencedor de Cannes 2016
A Imovision divulgou o trailer nacional legendado de “Eu, Daniel Blake”, filme vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes deste ano. A prévia apresenta a trama dramática, que acompanha um velho marceneiro (Dave Johns, em seu primeiro filme) durante sua peregrinação pela burocracia da previdência social na Inglaterra, encontrando apenas desrespeito e desumanidade. “Eu, Daniel Blake” foi a segunda Palma de Ouro da carreira do cineasta inglês Ken Loach, que também saiu premiado do Festival de Cannes com o drama histórico “Ventos da Liberdade” (2006). Em seu discurso neste ano, o cineasta de 79 anos criticou o neoliberalismo que “deixa milhões na miséria”, dizendo-se desconfortável com o fato de receber a honraria em um ambiente glamouroso como o de Cannes, em contraste com as condições de vida daqueles que inspiraram seu filme. Exibido no Festival do Rio, o filme tem sua estreia comercial marcada para 29 de dezembro no Brasil.
