Ed Asner (1929-2021)
Ed Asner, um dos astros mais queridos da TV americana, que interpretou o editor jornalístico Lou Grant na lendária sitcom “Mary Tyler Moore” e em seu próprio programa derivado, morreu neste domingo (29/8) aos 91 anos. Ele também era adorado pelas novas gerações como a voz original do velhinho ranzinza da animação da Pixar “Up – Altas Aventuras”. Raras vezes um papel coube tão bem a um ator quanto a interpretação de Asner para Lou Grant. Pode-se dizer que ele ensaiou desde a adolescência, porque foi editor do jornalzinho de sua escola e uma foto real de seu passado escolar ilustrava o escritório do personagem em “Mary Tyler Moore”. Antes de conquistar cinco prêmios pelo papel, ele passou por inúmeros episódios de séries dos anos 1960, como “Os Intocáveis”, “Cidade Nua”, “Rota 66”, “5ª Dimensão”, “Alfred Hitchcock Apresenta”, “Dr. Kildare”, “Os Invasores”, “Missão: Impossível”, “Mod Squad”, etc. E também apareceu no cinema, fazendo sua estreia ao lado de ninguém menos que Elvis Presley, em “Talhado para Campeão” (1962), parceria que se repetiu anos depois em “Ele e as Três Noviças” (1969), no qual também conheceu Mary Tyler Moore. Asner foi convidado a participar da série de Moore em 1970, dando vida a seu chefe. Revolucionária, a sitcom acompanhava uma mulher solteira que tentava carreira profissional numa área em que poucas mulheres se aventuravam na época, a redação de um telejornal. Primeiro papel fixo do ator, Lou Grant também virou seu trabalho mais reconhecido. Asner venceu três de seus sete Emmys como o chefe de Mary Tyler Moore. E depois acrescentou mais dois troféus como protagonista da série derivada, batizada com o nome do personagem. O detalhe é que a série “Lou Grant” era completamente diferente de “Mary Tyler Moore”. Enquanto a atração original era uma comédia, o spin-off surpreendeu o público por seu realismo dramático, o que fez Asner ser o único ator a vencer o Emmy pelo mesmo papel em categorias de Comédia e Drama. O personagem Lou Grant apareceu em sete temporadas de “Mary Tyler Moore”, apoiando a jovem redatora de 1970 até o final da produção em 1977. E logo em seguida ganhou sua série própria, inspirada pelo jornalismo sério de “Todos os Homens do Presidente” (1976). O personagem era o mesmo, mas todo o resto era diferente. A nova produção trocava a locação televisiva por uma redação de jornal e o registro de claque de humor por temas polêmicos dos noticiários contemporâneos. Uma mudança radical e arriscada, que incrivelmente deu certo. A atração ficou no ar por mais cinco anos, até 1982, e conquistou dois Emmys de Melhor Drama, após “Mary Tyler Moore” ter vencido três vezes como Melhor Comédia. A série poderia até ter durado mais. Asner contou repetidas vezes que a CBS cancelou “Lou Grant” devido à abordagem de alguns temas sensíveis, especialmente sua oposição ao apoio militar dos EUA à ditadura de El Salvador. Teria havido pressão do governo para tirar as críticas do ar. Os outros dois Emmys de sua carreira vieram de participações em minisséries dos anos 1970: os fenômenos de audiência “Pobre Homem Rico”, de 1976, e “Raízes”, de 1977. Na última, ele foi o capitão do navio negreiro que trouxe Kunta Kinte para os EUA. O ator continuou aparecendo em séries, como convidado especial, ao longo da vida. Mas deixou de se comprometer com trabalhos longos para se dedicar à luta sindical. Asner foi presidente do SAG, o Sindicato dos Atores dos EUA, por dois mandatos, de 1981 a 1985. Embora seja mais reconhecido por seu trabalho televisivo, ele também participou de vários filmes notáveis, inclusive alguns clássicos, como “El Dorado” (1967), “Peter Gunn em Ação” (1967), “Noite Sem Fim” (1970), “Dois Trapaceiros da Pesada” (1971), “41ª DP: Inferno no Bronx” (1981), “Daniel” (1983) e “JFK: A Pergunta que Não Quer Calar” (1991). Dono de uma voz grave marcante, Asner ainda desenvolveu uma frutífera carreira como dublador, que deslanchou nos anos 1990 com papéis em “Batman: A Série Animada”, “Gárgulas”, “Capitão Planeta”, “Freakazoid!”, “Superman: A Série Animada” e “Homem-Aranha”, onde interpretou ninguém menos que o editor J. Jonah Jameson. Seu papel vocal mais conhecido, porém, é Carl Fredricksen em “Up: Altas Aventuras” (2009), filme vencedor do Oscar de Melhor Animação. O viúvo que amarra mil balões em sua casa para realizar o sonho de conhecer a América do Sul derreteu o coração do público em todo o mundo e tinha sido recém-retomado pelo ator na série animada “A Vida do Dug”, centrada no cachorro do velhinho, que estreia na plataforma Disney+ na próxima quarta-feira (1/9). Entre seus últimos trabalhos ainda constam participações nas séries “Grace and Frankie”, “Briarpatch” e “Cobra Kai”, além de dublagens em “Central Park” e “American Dad”.
Matthew Mindler (2001-2021)
O ator Matthew Mindler foi encontrado morto neste sábado (28/8), aos 19 anos, perto da universidade de Millersville, na Pensilvânia. O jovem, que ficou conhecido com 9 anos de idade ao atuar no filme “O Idiota do Meu Irmão”, estava desaparecido desde que não retornou a seu dormitório na noite de terça-feira (24/8), quando uma câmera do campus universitário, em que ele era calouro, registrou suas última imagens caminhando em direção ao estacionamento. Depois de também faltar às aulas na universidade, ele se tornou oficialmente desaparecido na quinta-feira. O caso estava sendo investigado pela polícia e colegas vinham distribuindo cartazes de “Desaparecido” na região da universidade. De acordo com comunicado da universidade, Mindler foi encontrado durante uma busca na manhã deste sábado em Manor Township, perto do campus. A causa da morte não foi revelada, mas um relatório forense será divulgado nos próximos dias. “O Idiota do meu Irmão” foi lançado em 2011 e trazia Mindler como o filho frustrado de Steve Coogan e Emily Mortimer, que precisa ceder seu quarto para o tio maconheiro Paul Rudd, num elenco que ainda incluía Elizabeth Banks, Zooey Deschanel e Rashida Jones. Depois do filme, ele fez alguns especiais de TV e o telefilme “Chad: An American Boy” (2016), mas sua carreira não foi adiante.
Kaycee Moore (1944-2021)
A atriz Kaycee Moore, estrela dos drama indies cultuados “O Matador de Ovelhas” (1978) e “Abençoe seus Pequeninos Corações” (1983), morreu em 13 de agosto aos 77 anos. Nascido em Kansas City em 1944, Moore conheceu o diretor Charles Burnett enquanto ele ainda estava na escola de cinema da UCLA, e conseguiu seu primeiro papel importante em seu filme de 1978, “O Matador de Ovelhas”. Burnett, que recebeu um Oscar honorário em 2018 por sua carreira, estreou no cinema com aquele filme, retratando a realidade da opressão socioeconômica enfrentada pela comunidade negra em Los Angeles na década de 1970. Cinco anos depois, Moore voltou a trabalhar com o cineasta em “Abençoe seus Pequeninos Corações”, escrito e fotografado por Burnett e dirigido por Billy Woodberry. O filme era uma continuação temática do anterior, passado na mesma comunidade. A trama acompanhava uma família em Watts, bairro pobre de Los Angeles, em sua trajetória de raça, dinheiro e gênero, e foi aclamado pela crítica. Moore ainda apareceu em “Filhas de Pó” (1991), de Julie Dash, que junto com os dois anteriores foram selecionados para preservação no Nacional de Filmes da Biblioteca do Congresso por seu importante impacto artístico e representação da experiência negra em América. Ela se afastou do cinema após “Ninth Street”, dirigido por Tim Rebman e Kevin Willmott em 1999. Paralelamente à carreira artística, juntou-se ao trabalho de sua mãe pela mobilização em prol de pacientes com doença falciforme e suas famílias. De 1984 a 1998, ela atuou como diretora executiva da seção de Kansas City da Sickle Cell Disease Association.
Marilyn Eastman (1933-2021)
A atriz Marilyn Eastman, que lutou contra zumbis na frente e atrás das câmeras no clássico “A Noite dos Mortos-Vivos”, morreu no domingo (22/8) enquanto dormia em sua casa em Tampa, na Flórida, aos 87 anos. Ela foi vice-presidente e diretora de criação da Hardman Associates, uma produtora de filmes criada com seu parceiro de negócios e de vida Karl Hardman nos anos 1960. Os dois se juntaram ao diretor George A. Romero, ao roteirista John A. Russo e ao produtor Russel Streiner para formar a Image Ten Productions e reunir os US$ 6 mil necessários para iniciar a produção de “Night of the Flesh Eaters”, um terror barato em preto e branco, que virou um fenômeno de bilheteria, mudou a história de cinema e, apesar disso, não rendeu um centavo para seus investidores. Eastman deu duro para garantir que o filme fosse o melhor possível. Além de entrar com dinheiro, ela ajudou nos departamentos de maquiagem, adereços e som, e ainda interpretou uma das protagonistas: Helen Cooper, que encontra seu fim no porão de uma casa de fazenda na Pensilvânia, morta pela própria filha zumbi. Por curiosidade, seu marido no filme, considerado o grande vilão da história, foi interpretado por seu sócio Hardman. Para completar, depois de sua personagem morrer, ela ainda apareceu como um zumbi comedor de insetos. A produção modesta inventou os filmes de zumbis modernos ao estrear nos cinemas em 1968. Até então, zumbis eram monstros sobrenaturais de filmes de vudu, relacionados à sacerdotes mágicos do Haiti – como no clássico “Zumbi, A Legião dos Mortos” (1932). O terror dirigido e coescrito por George A. Romero tirou os elementos místicos, trocando-os por ficção científica. Uma contaminação e não um ritual transformava as pessoas em seu clássico. E a infecção se espalhava por contágio, originando uma epidemia. O diretor nem sequer usa a palavra zumbi em seu filme, para evitar a comparação com o vudu. Eram mortos-vivos. Outros detalhes incluídos no filme mencionavam que os mortos-vivos eram lentos e famintos por carne humana, uma mordida ou arranhão podia transformar qualquer pessoa numa desses monstros e eles só paravam com um tiro na cabeça. Multidões lotaram os cinemas para assistir ao lançamento nas sessões da meia-noite do final da década de 1960. Mas a Image Ten ficou sem os direitos da produção por um descuido. A produtora permitiu que os distribuidores mudassem o título de “Night of the Flesh Eaters” para “Night of the Living Dead”, literalmente “A Noite dos Mortos-Vivos”. Era um título melhor, mas não estava registrado. Sem dinheiro, a produtora faliu e Eastman só foi voltar aos cinemas nos anos 1990, fazendo uma pequena participação como atriz na comédia “Hóspede por Acaso” (1995) e um último papel mais substancial no terror “Santa Claws” (1996), dirigido por John A. Russo, o roteirista de “A Noite dos Mortos-Vivos”. Seu parceiro Hardman morreu em setembro de 2007 e a fundação Fundação George A. Romero também lembrou dele ao tuitar uma homenagem à estrela. “Boa viagem, Marilyn. Dê o nosso amor a Karl”, tuitou a organização após a confirmação da morte da atriz-produtora. It is with great sadness that we can confirm the passing of Marilyn Eastman on 8/22/21. Please join us in wishing her family peace at this painful time.Godspeed, Marilyn. Give our love to Karl. 💔 pic.twitter.com/qBidxsEIW3 — The George A. Romero Foundation (@theGARFofficial) August 23, 2021
Sonny Chiba (1939-2021)
O icônico ator japonês Sonny Chiba, que o público ocidental conhecmais pela participação em “Kill Bill”, de Quentin Tarantino, morreu nesta quinta (19/8) aos 82 anos, por complicações da covid-19. Ele estava internado num hospital desde o dia 8 de agosto, desenvolveu pneumonia e acabou não resistindo. Com meio século de carreira, Sonny Chiba apareceu em inúmeros filmes japoneses populares e até blockbusters americanos, exibindo sua técnica exuberante em artes marciais, que o levou a interpretar grandes mestres em sua carreira. O jovem Sadaho Maeda começou a estudar artes marciais na Nippon Sport Science University em 1957 com o mestre de caratê Masutatsu “Mas” Oyama e ganhou a faixa preta de primeiro grau em 1965. Mais tarde, ele interpretou o próprio Oyama em uma trilogia de filmes, “Combate Mortal”, “Karate Bearfighter” e “Karate for Life”, no final dos anos 1970. Em 1984, ele recebeu a faixa preta de quarto grau. Também foi faixa-preta em ninjutsu, shoreinji kempo, judô, kendo e goju-ryu karate. Ele começou a atuar em 1959, quando finalmente assumiu o nome de Sonny Chiba e eventualmente Shin’ichi Chiba. Seus primeiros papéis foram como dublê em programas de tokusatsu (super-heróis mascarados japoneses), onde substituía o ator principal, mas logo se destacou em uma série de thrillers do diretor japonês Kinji Fukasaku, com quem colaborou frequentemente, e na ficção científica “Invasion of the Neptune Men” em 1961. Chiba estrelou sua primeira franquia em 1970, graças ao sucesso do thriller criminal “Yakuza Cop”, onde viveu um policial infiltrado na máfia japonesa. A produção rendeu três continuações no espaço de dois anos. Seu primeiro filme de artes marciais veio depois, “Karate Kiba”, em 1973. Já o reconhecimento internacional foi consequência da repercussão de “Street Fighter” de 1974, que foi lançado nos Estados Unidos pela New Line Cinema com uma classificação X (mais usada para a pornografia) por sua violência extrema. Para aproveitar o impacto, a trama virou uma trilogia e até ganhou spin-off, “Sister Street Fighter”, tudo no mesmo ano! A popularidade de “Street Fighter” transformou Chiba num astro de ação e o levou a estrelar adaptações de mangás populares, como “Lobisomem Enfurecido” (1975) e o cultuado “Golgo 13 – A Missão Kowloon” (1977), além de muitos filmes de samurais e ninjas, incluindo os clássicos “A Conspiração do Clã Yagyu” (1978), “Portal do Inferno” (1981) e “A Guerra dos Ninja” (1982), em que expandiu suas atividades para virar coreógrafo de cenas de ação. Sua estreia em Hollywood aconteceu em 1992, no filme de ação “Águia de Aço III: Ases do Céu”, que o levou a ser contratado para outras produções B lançadas diretamente em vídeo. Sem receber o devido reconhecimento nos EUA, acabou consagrado pelo cinema de Hong Kong com o papel de vilão num dos maiores clássicos modernos do gênero wuxia (artes marciais e fantasia), “Os Cavaleiros da Tempestade” (1998), de Andrew Lau, em que viveu o terrível Lorde Conquistador da humanidade. Ao decidir homenagear o cinema de ação asiático em “Kill Bill”, Tarantino reservou para Chiba o papel de Hattori Hanzo, um espadachim lendário transformado em dono de restaurante de sushi que no “Volume 1” (2003) da saga de vingança fabrica uma espada samurai para a Noiva (Uma Thurman). Ele também apareceu em “Velozes e Furiosos: Desafio em Tóquio” como Kamata, um chefe da Yakuza e tio do principal antagonista, Takashi (Brian Tee), numa homenagem a seus thrillers criminais dos anos 1970. Seus últimos trabalhos foram “Outbreak Z”, um filme B americano de zumbis estrelado por Wesley Snipes, e “Bond of Justice: Kizuna”, uma história de vingança contra a Yakuza. Ambos ainda estão inéditos.
Una Stubbs (1937–2021)
A atriz Una Stubbs, que interpretou a Sra. Hudson na série “Sherlock”, morreu nesta quinta (12/8) em Edimburgo, na Escócia, aos 84 anos. De acordo com a rede BBC, ela estava doente já há alguns meses. A família não quis divulgar a causa da morte, afirmando apenas por meio de nota que ela faleceu pacificamente. Stubbs começou a atuar na TV ainda adolescente, no final dos anos 1950, mas só começou a ficar conhecida após aparecer como namoradinha do roqueiro Cliff Richards em dois filmes musicais, “Tudo Começou em Paris” (1963) e “Wonderful Life” (1964). Em seguida, ela entrou no elenco da série de comédia “Till Death Us Do Part” que foi um fenômeno de popularidade no Reino Unido. A atração original durou nove anos, exibida de 1966 a 1975, além de ter rendido um filme em 1968 e uma continuação em 1981, batizada apenas de “Till Death”. A atriz participou de todas as versões. A série a tornou conhecida como comediante, o que a levou a aparecer em “Fawlty Towers” (1979) e vários sitcoms britânicos clássicos. Ela também estrelou a série infantil “Worzel Gummidge”, sobre um espantalho (Jon Pertwee) que ganha vida. E esta atração também teve duas encarnações, com as primeiras quatro temporadas exibidas a partir de 1979 e um revival (“Worzel Gummidge Down Under”) com mais duas temporadas a partir de 1987. Além disso, foi a professora Miss Bat da academia das bruxas de “Worst Witch”, outro sucesso infantil britânico, exibido de 1998 a 2001. Em “Sherlock”, ela apareceu em todas as temporadas da série, do primeiro ao último capítulo, entre 2010 e 2017, vivendo a proprietária da famosa casa da rua Baker Street, onde morava o detetive Sherlock Holmes (Benedict Cumberbatch na série). Seu último trabalho foi a minissérie “Murder on the Blackpool Express” (2017), comédia em homenagem a “O Assassinato no Expresso do Oriente”, passada num ônibus com fãs de uma popular romancista de mistérios.
Tarcísio Meira (1935-2021)
Morreu nesta quinta-feira (12/8), um dos atores mais famosos da TV brasileira. Após cinco dias internado na UTI do hospital Albert Einstein, em São Paulo, em tratamento contra a covid-19, Tarcísio Meira faleceu aos 85 anos. Ele estava internado junto com Glória Menezes, o grande amor de sua vida, com que estava casado há 59 anos, mas ela superou a doença e “deve ter alta em breve”, segundo a assessoria de imprensa da família. Tarcísio Meira se chamava Tarcísio Magalhães Sobrinho. O sobrenome Meira veio “emprestado” da mãe, Maria do Rosário Meira Jáio de Magalhães, por ser mais sonoro também por superstição: o nome artístico tinha 13 letras. Na juventude, ele sonhava em ingressar no Instituto Rio Branco para se tornar diplomata. Mas foi reprovado na prova, em 1957, e graças a isso o Brasil ganhou um ícone. Virou ator de teatro e foi quando ensaiava a peça “As Feiticeiras de Salém”, dirigida por Antunes Filho, que viu pela primeira vez Gloria Menezes. O contato mais próximo, porém, só aconteceu na TV, quando fizeram juntos o teleteatro “Uma Pires Camargo” (1961). Em entrevista ao jornal O Globo de 2015, ele conta que, depois de ficarem amigos, decidiu se aproximar mais. “Quando ela lançou o filme “O Pagador de Promessas” (1962) em Cannes, mandei flores e um cartão escrito ‘volte, volte, volte'”. Na volta, eles se tornaram inseparáveis. Marcando a trajetória da televisão brasileira, os dois protagonizaram a primeira telenovela diária do país, “2-5499 — Ocupado”, na Excelsior, em 1963. O sucesso do formato catapultou o casal ao estrelato. Eles fizeram mais nove novelas juntos antes de assinar com a Globo, onde se tornaram o casal favorito da televisão brasileira. O primeiro trabalho na Globo foi “Sangue e Areia”, em 1967, que também entrou para a História por inaugurar a famosa faixa das 20h na teledramaturgia do canal. Até então, as novelas eram adaptações de tramas importadas, geralmente de época, e por isso eram referidas como folhetins – um termo francês que definia a narrativa literária seriada de romances do século 19. Mas Tarcísio ajudou a mudar a trajetória do gênero ao protagonizar “Irmãos Coragem”, trama de Janete Clair de 1970 que combinava uma narrativa muito brasileira e atual, com garimpo e violência no sertão. O ator viveu João Coragem que, ao lado dos irmãos interpretados por Cláudio Cavalcanti (1940-2013) e Cláudio Marzo (1940-2015) – além de, claro, Gloria Menezes – , desafiavam a autoridade do Coronel Pedro Barros (Gilberto Martinho). O sucesso de “Irmãos Coragem” foi tanto que derrubou o preconceito masculino contra o gênero, levando homens a se engajarem na história. “Foi a primeira novela que os homens admitiam que viam. Até então, eles viam meio escondidos, porque novela era coisa de mulher”, contou Tarcísio ao site projeto Memória Globo, lembrando que a audiência do penúltimo capítulo foi maior que a da final da Copa do Mundo de 1970. Ao longo da carreira, Tarcísio atuou em mais de 60 obras na TV, entre novelas, minisséries e especiais, vivendo personagens marcantes. Ele chegou da interpretar papéis duplos duas vezes, como Hugo Leonardo e Raul em “O Semideus” (1973) e Diogo Maia e Ciro em “Espelho Mágico” (1977). Outros personagens que marcaram seu auge como protagonista foram Ciro Valdez em “O Homem que Deve Morrer” (1971), Rodrigo Soares em “Cavalo de Aço” (1973), Antônio Dias em “Escalada” (1975) e Fernando Lucas em “Os Gigantes” (1979), Juca Pitanga em “Coração Alado” (1980), Renato Villar em “Roda de Fogo” (1986), dando o que falar até em pequenas participações, feito o desempenho como Giusepe Berdinazi em “O Rei do Gado” (1996). “Os Gigantes”, por sinal, foi a primeira novela em que seu personagem viveu romance com outra mulher que não Gloria Menezes. Por curiosidade, apesar do longo romance histórico, ele chegou até mesmo a trair Gloria num casamento televisivo, com Natália do Vale na novela “Torre de Babel” (1998). Não foi a única vez que os autores de novela usaram sua trajetória para surpreender o público. Silvio de Abreu chegou a ser considerado ousado ao escalá-lo em “Guerra dos Sexos” em 1983, colocando Tarciso em sua primeira novela cômica. Mas não só o ator conhecido por papéis dramáticos correspondeu como protagonizou cenas de rolar de rir ao lado de Fernanda Montenegro e Paulo Autran. Ele se saiu tão bem que virou personagem-título de outra novela cômica, “Araponga” (1990), como o atrapalhado detetive Aristênio Catanduva, o Araponga. Além disso, estrelou uma sitcom com a esposa que tinha simplesmente o nome de “Tarcísio & Glória” (1988) – e um detalhe: Glória Menezes vivia uma alienígena! Versátil, o ator foi herói épico, vivendo o capitão Rodrigo Cambará na minissérie “O Tempo e o Vento” – dirigido pelo colega Paulo José, que morreu na quarta-feira (11/8) aos 84 anos – e também vilão marcante, como Renato Villar em “Roda de Fogo” e o terrível Dom Jerônimo da minissérie “A Muralha” (2000). Sua última novela foi “Orgulho e Paixão”, escrita por Marcos Bernstein em 2018, em que interpretou Lorde Williamson. Mas apesar de ter sido um dos atores mais ocupados da TV brasileira, Tarciso também criou uma obra significativa nos cinemas, iniciada por “Casinha Pequenina”, um dos maiores sucessos da filmografia de Mazzaropi, lançado em 1963. Seu talento contemplou mais de 20 produções cinematográficas, entre elas clássicos absolutos, como “A Idade da Terra” (1981), último filme de Glauber Rocha. “Um dia, Glauber me botou no meio de uma bateria de escola de samba. De uma hora para outra, na batida da música, notei algo: o que era para ser uma escola de samba virou uma banda militar, quase que numa marcha. Era um tipo de cinema que eu nunca tinha feito”, Tarcísio refletiu em outra entrevista para O Globo em 2010. Ele ainda foi o Dom Pedro Iº de “Independência ou Morte”, filme lançado em 1972 como grande destaque cultural do sesquicentenário da Independência Brasileira. Mas se agradou os militares na ocasião, ajudou a enfrentar e acabar com a censura ao protagonizar “O Beijo no Asfalto”, dirigido por Bruno Barreto em 1981. A adaptação da peça de Nelson Rodrigues gerou polêmica na época, devido ao beijo na boca do personagem de Tarcísio em Ney Latorraca. A lista de filmes históricos inclui a aventura “O Caçador de Esmeraldas” (1974) de Oswaldo de Oliveira, o drama “O Marginal” (1974) de Carlos Manga, o corajoso “República dos Assassinos” (1979) de Miguel Faria Jr, o sucesso “Eu Te Amo” (1981) de Arnaldo Jabor, o polêmico “Amor, Estranho Amor” (1982), de Walter Hugo Khouri, e o vibrante “Boca de Ouro” (1990), outra adaptação de Nelson Rodrigues, com direção de Walter Avancini. O último longa do ator foi a comédia “Não se Preocupe, Nada Vai Dar Certo!”, de Hugo Carvana, lançada em 2011. No fim de 2019, Tarcísio também se despediu dos palcos com a reencenação de “O Camareiro”, peça que já tinha estrelado em 2015 e lhe rendido o Prêmio Shell de Melhor Ator. Além da esposa, ele deixa o filho Tarcísio Filho, de 58 anos, além de Amélia Brito, 64, e João Paulo Brito, 62, frutos do casamento anterior de Glória com Arnaldo Brito.
Paulo José (1937-2021)
O ator Paulo José, um dos maiores intérpretes do cinema brasileiro, morreu nesta quarta (11/8) no Rio de Janeiro, aos 84 anos. Ele sofria de Parkinson há mais de duas décadas e estava internado há 20 dias com problemas respiratórios, vindo a falecer em decorrência de uma pneumonia. O gaúcho Paulo José Gómez de Souza nasceu em Lavras do Sul, interior do Rio Grande do Sul, e teve o primeiro contato com o teatro ainda na escola. A carreira decolou quando se mudou para São Paulo e começou a trabalhar no Teatro de Arena. Após estrear nos palcos paulistanos com “Testamento de um Cangaceiro”, em 1961, ele conheceu seu primeiro amor, a atriz Dina Sfat, com quem dividiu várias montagens – e depois filmes e novelas. Os dois se casaram em 1963 e ficaram juntos até 1981. Dos palcos, pulou para as telas, onde rapidamente se estabeleceu como ator requisitado, aparecendo em uma dezena de filmes entre 1966 e 1969, incluindo vários clássicos, antes de ser “revelado” pelas novelas. Seu primeiro trabalho no cinema foi direto como protagonista, compartilhando com Helena Ignez os papéis do título de “O Padre e a Moça” (1966), do mestre Joaquim Pedro de Andrade. Ele voltou a trabalhar com o diretor no clássico absoluto “Macunaíma” (1969), além de ter desenvolvido outra parceria vitoriosa com Domingos de Oliveira, desempenhando o papel principal em “Todas as Mulheres do Mundo” (1966), que recentemente foi adaptado como minissérie pela Globo. Além de voltar a filmar com Oliveira em “Edu, Coração de Ouro” (1967) e posteriormente “A Culpa” (1971), ele também foi “O Homem Nu” (1968), de Roberto Santos, e estrelou os célebres “Bebel, Garota Propaganda” (1968), de Maurice Capovilla, “A Vida Provisória” (1968), de Maurício Gomes Leite, e “As Amorosas” (1968) de Walter Hugo Khouri. Já era, portanto, um ator consagrado quando foi fazer sua primeira novela, “Véu de Noiva” (1969), e praticamente um veterano quando recebeu o Troféu Imprensa de “melhor estreante” por seu desempenho como Samuca na novela “Assim na Terra Como no Céu” (1971). Encarando maratonas de até 250 episódios nas produções da Globo, ele ainda estrelou um dos primeiros spin-offs da TV brasileira, “Shazan, Xerife & Cia.”, em que repetiu seu personagem de “O Primeiro Amor” (1972) ao lado do colega (também recentemente falecido) Flavio Migliaccio. Exibida de 1972 a 1974, a série marcou época nas tardes televisivas. Apesar do sucesso na telinha, Paulo José nunca deixou o cinema de lado. Mas a agenda cheia o tornou especialmente criterioso, o que resultou numa filmografia lotada de clássicos, como “Cassy Jones, o Magnífico Sedutor” (1972), de Luiz Sérgio Person, “O Rei da Noite” (1975), do grande Hector Babenco, “O Homem do Pau-Brasil” (1982), seu reencontro com Joaquim Pedro de Andrade, e a obra-prima “Eles Não Usam Black-Tie” (1982), de Leon Hirszman, sem esquecer de “Dias Melhores Virão” (1989), de Cacá Diegues, e “A Grande Arte” (1991), de Walter Salles, entre muitas outras produções. Tudo isso enquanto ainda fazia novelas – algumas reconhecidamente tão boas quanto filmes, como “O Casarão” (1975) – , telefilmes, minisséries – como “O Tempo e o Vento” (1985), “Engraçadinha… Seus Amores e Seus Pecados” (1995), “Labirinto” (1998) – e participações especiais nos programas da Globo. Além do Jarbas de “O Casarão”, ele marcou a teledramaturgia como o cigano Jairom em “Explode Coração” (1995) e principalmente o alcóolatra Orestes de “Por Amor” (1997). Sua contribuição para a História da Globo não ficou só diante das câmeras. Ele também dirigiu produções do canal, começando com alguns “Casos Especiais” nos anos 1970, telefilmes de “Jorge, um Brasileiro” (1978) e “Vestido de Noiva” (1979), e episódios de “Ciranda Cirandinha” (1978), “O Tempo e o Vento” (1985), etc., até se tornar o diretor principal das minisséries “Agosto” (1993) e “Incidente em Antares” (1994) e ajudar a implantar o programa “Você Decide”. Diagnosticado com Mal de Parkinson ainda nos anos 1990, em vez de diminuir, ele intensificou o trabalho. Começou a filmar com uma nova geração de cineastas estabelecida após a Retomada, como Monique Gardenberg (“Benjamim”, em 2003), Jorge Furtado (desde o curta “Ilha das Flores” até “O Homem que Copiava” e “Saneamento Básico, O Filme”, em 2003 e 2007), o colega Matheus Nachtergaele (“A Festa da Menina Morta”, 2008), a dupla Felipe Hirsch e Daniela Thomas (“Insolação”, 2009), Sergio Machado (“Quincas Berro d’Água”, 2010), André Ristum (“Meu País”, 2011) e Selton Mello (“O Palhaço”, 2011), além de retomar a antiga parceria com Domingos de Oliveira (“Juventude”, em 2008). Sua emocionante despedida da atuação foi como o vovô Benjamin na novela “Em Família” (2014), de Manoel Carlos, onde, como na vida real, seu personagem sofria de Mal de Parkinson. Vencedor de três troféus Candango de Melhor Ator no Festival de Brasília, homenageado com um Oscarito especial pela carreira no Festival de Gramado, o ator deixa quatro filhos e uma obra vasta, que faz parte do patrimônio nacional.
Patricia Hitchcock (1928-2021)
A atriz Patricia “Pat” Hitchcock, filha única de Alfred Hitchcock e Alma Reville, morreu na segunda-feira (9/8) em sua casa em Thousand Oaks, Califórnia (EUA), aos 93 anos. Nascida em Londres em 1928, ela acabou se mudando com a família para Bel Air, em Los Angeles, aos 9 anos, quando Hitchcock foi contratado para dirigir “Rebecca, A Mulher Inesquecível” (1940), que iniciou sua carreira hollywoodiana. Ao virar adolescente, Patricia apareceu em três clássicos do mestre do suspense, “Pavor nos Bastidores” (1950), “Pacto Sinistro” (1951) e “Psicose” (1960), e também foi vista em 10 episódios da série que levava o nome de seu pai, “Alfred Hitchcock Apresenta” (entre 1955 e 1960), “sempre que precisavam de uma empregada com sotaque inglês”, segundo disse ao jornal The Washington Post em 1984. Seu papel mais proeminente foi como Barbara Morton, a irmã mais nova da protagonista vivida por Ruth Roman em “Pacto Sinistro”, que assistia ao personagem de Robert Walker quase estrangular uma mulher até a morte. Em “Psicose”, ela apareceu logo no início do filme como uma colega de escritório que oferece alguns tranquilizantes para Marion Crane, a famosa personagem de Janet Leigh. A maioria de suas aparições foram breves, incluindo em obras de outros diretores como “O Garoto e a Rainha” (1950), de Jean Negulesco, e “Os Dez Mandamentos” (1956), de Cecil B. DeMille, onde apareceu sem nem sequer ser creditada. Depois de “Pacto Sinistro”, só voltou a ganhar papel de coadjuvante nos anos 1970, já no fim da carreira, que foi encerrada em 1978 com o longa “Skateboard”, primeiro roteiro da carreira de Dick Wolf, criador das franquias televisivas “Law & Order”, “Chicago” e “F.B.I.”. Ele foi casada com Joseph Edward O’Connell Jr. de 1952 até a morte dele em 1994 e teve três filhas. A mais nova, Katie Fiala, é uma executiva do estúdio Amblin, de Steven Spielberg.
Don Jones (1937-2021)
O cineasta Don Jones, que assinou vários filmes de terror dos anos 1970 e 1980, morreu nesta terça-feira (10/8) aos 83 anos em sua casa em San Fernando Valley, na Califórnia (EUA). Sem treinamento formal, ele iniciou a carreira cinematográfica trabalhando como técnico de som, cameraman e dublê nos anos 1960. Alternando-se nestas funções, integrou equipes tão diferentes quanto as de “Astro-Zombies” (1968), considerado um dos piores filmes de todos os tempos, e duas obras cultuadas de Jack Nicholson, “A Vingança de um Pistoleiro” (1966) e “Busca Alucinada” (1968). Ele também chegou a assinar os efeitos visuais de “Viagem ao Planeta das Mulheres Selvagens” em 1968, antes de virar diretor dois anos depois, com o suspense “Who Killed Cock Robin?”. A filmografia iniciada em 1970 rendeu ao todo sete filmes, seis deles de terror, com destaque para o trash “Schoolgirls in Chains”, um horror porn sádico e apelativo, que acabou ganhando fama em certos circuitos. Seu filme final, “Molly and the Ghost”, foi lançado em 1991. Nenhum dos longas que dirigiu fez sucesso e nos últimos anos ele enfrentava consequências de um AVC.
Alex Cord (1933–2021)
O ator Alex Cord, que co-estrelou a série clássica dos anos 1980 “Águia de Fogo”, morreu na manhã de segunda-feira (9/8) em sua casa em Valley View, no Texas (EUA), aos 88 anos. Cord lutou contra a poliomielite quando criança e apesar da deficiência se tornou um cavaleiro prolífico, chegando a explorar sua habilidade na montaria em várias séries e filmes de faroeste, desde sua estreia nas telas em “Laramie”, em 1961. Seu primeiro destaque no cinema foi justamente como o cowboy Ringo Kid em “A Última Diligência”, lançado em 1966. Apesar de ter feito participações especiais em dezenas de sucessos televisivos, de “Gunsmoke” à “Ilha da Fantasia”, ele só foi se destacar em 1984, no lançamento de “Águia de Fogo” (Airwolf). A série foi uma das três centradas em helicópteros lançadas naquele ano – refletindo a bilheteria de “Trovão Azul” nos cinemas. Criada por Donald P. Bellisario (que também desenvolveu “Magnum” e “NCIS”), a produção original teve um total de 80 episódios, exibidos ao longo de três temporadas, trazendo Jan-Michael Vincent, Ernest Borgnine e Alex Cord nos papéis principais. O papel de Cord era Michael Coldsmith-Briggs III, codinome “Arcanjo”, comandante de uma divisão especial da CIA chamada de “A Firma”, que construiu o helicóptero Águia de Fogo. Sua principal característica era usar um tapa olho e sempre se vestir de branco. Ele convoca o piloto Stringfellow Hawke, um veterano da Guerra do Vietnã vivido pelo ator Jan-Michael Vincent, para recuperar a aeronave desaparecida na Líbia. O ator continuou a trabalhar em séries após o cancelamento da série na rede CBS – o canal pago USA ainda produziu uma 4ª temporada com outro elenco – , retomando a rotina de ator convidado em produções de sucesso como “Assassinato por Escrito” (Murder, She Wrote), “Carga Dupla” (Simon & Simon) e “Chuck Norris: O Homem da Lei” (Walker, Texas Ranger). Seu último trabalho foi o telefilme “Fire from Below”, lançado em 2009. Lembre abaixo a abertura original da série “Águia de Fogo”.
Markie Post (1950-2021)
A atriz Markie Post, que estrelou as séries clássicas “Duro na Queda” (The Fall Guy) e “Night Court”, morreu no sábado (8/8) aos 70 anos, após uma batalha de quase quatro anos contra um câncer. Ela começou no entretenimento trabalhando nos bastidores de game shows até ganhar crédito de produtora associada em “Double Dare” de Alex Trebek, em 1976, e aparecer diante das câmeras pela primeira vez em “Card Sharks”, em 1978. Depois de surgir como modelo em “Card Sharks”, conseguiu ser chamada para mostrar sua beleza em vários episódios seguidos de séries – “CHiPs”, “Barnaby Jones”, “O Incrível Hulk”, “Buck Rogers” e “Casal 20” para citar só as aparições de 1979. No ano seguinte, entrou no elenco fixo de sua primeira série, “Semi-Tough”, mas não pôde comemorar muito, porque a atração saiu do ar no quinto capítulo, cancelada por baixa audiência. Seguiram-se a minissérie “The Gangster Chronicles”, sobre a era da Lei Seca, e aparições em “O Barco do Amor”, “Ilha da Fantasia” e “Esquadrão Classe A”, preparando caminho para sua estreia em “Duro na Queda”. Ela entrou na 2ª temporada como a fiadora Terri Michaels, que oferece um trabalho para Colt Severs (o personagem de Lee Majors), e ficou na atração por 65 episódios, de 1982 até 1985. Acabou não participando da última temporada da atração porque foi escalada como protagonista de uma produção ainda mais popular. Post estrelou as nove temporadas de “Night Court”, de 1985 a 1992, no papel da defensora pública Christine Sullivan. A longevidade da série, que acompanhava julgamentos num plantão de tribunal noturno, foi consequência de uma audiência fenomenal e consagração crítica, que lhe rendeu sete prêmios Emmy. Após o fim daquela série, ela ainda encaixou mais três temporadas da comédia “Hearts Afire” (1992–1995), ao lado de John Ritter, ficando 13 anos no horário nobre da televisão americana sem interrupções. Mais recentemente, fez ainda aparições de destaque em “Scrubs” como a mãe de Sarah Chalke, e “30 Rock”, interpretando a si mesma, além de ter integrado os elencos de “O Homem da Casa” (Odd Man Out), “Chicago P.D.” e “The Kids Are Alright”. Durante as gravações desta última série, exibida em 2018 e 2019, ela já estava fazendo quimioterapia. Post fez poucos filmes, tendo se destacado na comédia “Quem vai Ficar com Mary” no papel da mãe da personagem-título, vivida por Cameron Diaz. Seu último trabalho foi um telefilme natalino, “Surpresa de Amor no Natal”, exibido pelo canal pago Lifetime no fim de 2019. Seu marido era o roteirista-produtor Michael A. Ross, com quem trabalhou num episódio de “Santa Clarita Diet”, da Netflix, em 2019. Uma das filhas do casal, Kate Armstrong Ross, virou atriz e contracenou com a mãe na série “Rack and Ruin” em 2014.
Jane Withers (1926-2021)
A atriz Jane Withers, que foi uma estrela mirim de Hollywood nos anos 1930, morreu na noite de sábado (7/8) em Burbank, Califórnia, aos 95 anos, cercada por seus entes queridos. Ela começou uma carreira de forma extremamente precoce porque sua mãe estava determinada a transformá-la em estrela do showbusiness. Até seu nome foi escolhido especificamente para caber numa marquise de cinema, de acordo com um depoimento de sua filha, Kendall Errair, em comunicado. “Minha mãe era uma senhora muito especial”, disse Errair, lembrando que ela nunca se sentiu forçada a atuar. Withers “emanava alegria e gratidão ao falar sobre a carreira que tanto amava e como era sortuda”. Com apenas dois anos de idade, a estrelinha começou a ter aulas de sapateado e canto, preparando-se para uma carreira que começou oficialmente um ano depois, após vencer um concurso local que lhe rendeu um papel no programa infantil “Aunt Sally’s Kiddie Revue”. Depois de se mudar de Atlanta para Hollywood, ela figurou em seis filmes até conseguiu virar coadjuvante da lendária Shirley Temple em “Olhos Encantadores” (1934). No ano seguinte, estrelou seu primeiro filme, “A Travessa” (1935), que ela começou a filmar em seu nono aniversário. E emendou com seu primeiro papel num drama adulto, “Amor Singelo”, que também marcou a estreia de Henry Fonda no cinema. Seu sucesso foi tão grande que, no restante da década de 1930, ela apareceu entre três a cinco filmes por ano, incluindo campeões de bilheteria como “Adorável Traquina” e “Pimentinha” (ambos em 1936), e continuou bastante requisitada na adolescência, encontrando os primeiros namorados nas telas em comédias românticas como “Amor de Primavera” (1941) e “Ela Quer Ser Mulher” (1942). Graças à fama, ela se tornou a única estrela mirim a se envolver em todos os aspectos de seus filmes, participando de reuniões de produção, sugerindo diálogos, ajudando a escolher elencos e até negociando diretamente com os estúdios. Nenhuma outra criança conseguiu um contrato de sete anos como ela fechou com a 20th Century Fox. Aos 21 anos, porém, Withers decidiu se aposentar de Hollywood. Apesar de ter sido inovadora nos negócios, provou-se uma conservadora na vida particular, largando o cinema para se casar e virar mãe. Ela se casou duas vezes e teve cinco filhos. Apesar disso, ela não resistiu ao convite para voltar às telas em 1956 e participar do clássico “Assim Caminha a Humanidade”. Último trabalho de James Dean, o filme se tornou um fenômeno e acabou reabrindo as portas de Hollywood para Withers, que desde então participou de várias séries e filmes, retomando a carreira enquanto criava seus filhos, agora como uma mãe moderna dos anos 1950, que trabalhava fora de casa. Em 1960, ela fechou outro contrato milionário, interpretando a personagem Josephine, a Encanadora em comerciais de TV para uma empresa de limpeza, que foram exibidos por anos a fio nos EUA. Withers foi homenageado com uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood naquele mesmo ano, mas continuou ativa até o século 21. Entre seus últimos trabalhos populares destaca-se a dublagem da gárgula Laverne da animação da Disney “O Corcunda de Notre Dame” em 1995 e sua sequência de 2002. Ela também teve atuação destacada em instituições de caridade e, em 2003, recebeu o prêmio Living Legacy do Women’s International Center por sua dedicação à causas beneficentes.
