Ana Carolina e Preta Gil gravam clipe do besteirol Gostosas, Lindas e Sexies
A Paris Filmes divulgou um trailer e um clipe de seu novo besteirol “Gostosas, Lindas e Sexies”, que já se destaca pela polêmica gramatical de seu título. Dirigida pelo estreante Ernani Nunes, a produção tem música original da cantora Ana Carolina, que faz um dueto com a cantora Preta Gil na música-tema. O clipe traz as cantoras em estúdio, enquanto cenas da produção ocupam a tela. Na música, elas dão vozes às mulheres do filme, que são independentes e bem resolvidas sexualmente, apesar de estarem acima do peso. Fãs de chanchadas vão lembrar que essa premissa é da época de Ilza Carla. Já os adolescentes só precisam lembrar da australiana Rebel Wilson. Descrita como “comédia romântica”, a trama aborda os encontros e desencontros amorosos e profissionais de quatro mulheres, que são apresentadas na sinopse como “gostosas, liberais, lindas e muito sexies” (sic). Mas, afinal, plural de sexy existe? Há controvérsias. O quarteto principal é formado por Carolinie Figueiredo (novela “Malhação”), Cacau Protasio (“Vai que Cola”), Mariana Xavier (“Minha Mãe é uma Peça 2: O Filme”) e Lyv Ziese (novela “Boogie Oogie”), e a estreia está marcada para 20 de abril.
Trailer de novo besteirol traz Murilo Benício e Camila Morgado num Divórcio explosivo
A Warner divulgou o pôster, cinco fotos e o trailer da comédia “Divórcio”, que traz Murilo Benício e Camila Morgado casados, mas em pé de guerra. A prévia acontece ao som de rock pesado americano – um cover de “I Fought the Law”, mais conhecida na versão da banda punk The Clash – , porém a premissa é toda country, com sotaques caipiras, encenação no interior paulista, a noitada em clube do gênero e muito bangue-bangue. Em suma, uma história nada roqueira. A prévia é o típico besteirol nonsense, com ritmo frenético e interpretações histéricas, que desta vez são levadas às últimas consequências, entre tiros e explosões. Pois nada deve ser mais engraçado que um casal que se separa explodindo um ao outro. No longa, Benício e Morgado são Júlio e Noeli, um casal que vive no interior de São Paulo e enriqueceu repentinamente após fazer sucesso ao criar uma marca de molho de tomate enlatado. Com o passar dos anos, o dinheiro e a rotina distancia o casal. Até que um mal-entendido vira a gota d’água para a separação. Para defender o patrimônio, cada um tenta achar o melhor advogado para si, o que gera um processo de divórcio cheio de confusões. Murilo Benício ainda não tinha protagonizado um besteirol, mas Camila Morgado estrela a franquia “Até Que a Sorte Nos Separe”, que compartilha com “Divórcio” um dos roteiristas, Paulo Cursino. Já a direção é de Pedro Amorim (“Superpai”). Para completar, como todo filme do gênero que se preza, não poderia faltar a participação de uma celebridade, que, no caso, é a apresentadora Sabrina Sato. O longa chega aos cinemas no dia 21 de setembro.
Danilo Gentili prepara comédia de terror com elenco do programa The Noite
O comediante e apresentador Danilo Gentili prepara uma nova investida no cinema. Será um longa sobre lendas urbanas, que pretende misturar terror e comédia. “Concebi o roteiro imaginando fazer um filme independente. Vou colocar dinheiro do meu bolso, patrocinadores privados e distribuidores”, disse Gentili ao colunista Ricardo Feltrin, do UOL. Além de assinar o roteiro, o comediante também vai estrelar o longa, ao lado de Murilo Couto e Léo Lins, seus colegas do programa “The Noite”. Na trama, o trio viverá caçadores de mitos, que sairão atrás de histórias absurdas do passado, perseguindo até a famosa “loira do banheiro” (aparição que habitaria basicamente banheiros de escolas públicas). Será o terceiro filme escrito por Gentili e o segundo em que ele trabalhará com o diretor Fabrício Bittar. Os dois filmaram recentemente “Como Se Tornar o Pior Aluno da Escola”, que estreia em setembro nos cinemas. Na TV, Danilo apresenta desde 2014 o programa de entrevistas “The Noite”, no SBT, que é vice-líder de audiência em seu horário.
Apenas 17% dos filmes brasileiros são dirigidos por mulheres – e 0% por mulheres negras
A Ancine (Agência Nacional do Cinema) divulgou um levantamento que registra a baixa participação das mulheres no cinema brasileiro. Das 2.583 obras audiovisuais registradas ano passado na agência, apenas 17% foram dirigidas e 21% roteirizadas por mulheres, embora mais da metade da população brasileira seja feminina. “Os dados nos levam a entender que a construção das narrativas, que vêm dos roteiristas e dos diretores, por mais que os produtores participem, é dos homens. O olhar que vai construir o imaginário de nossa sociedade e novas gerações, é masculino”, acrescentou a diretora da Ancine, Debora Ivanov, durante a apresentação do estudo, no Seminário Internacional Mulheres no Audiovisual, que aconteceu no Rio de Janeiro na semana passada. De acordo com o levantamento, as mulheres têm uma presença maior entre os produtores (41%) e diretores de arte (58%). Mas entre os diretores de fotografia, são apenas 8%. A agência também constatou que, quanto mais cara a produção, menor o número de mulheres. “Observamos mais mulheres quando é um curta ou média-metragem, porque são mais baratos. Nossa presença é maior no documentário que na ficção, o que corrobora a visão de que em obras de custo menor temos mais oportunidades”, disse Ivanov. Quando a etnia é acrescentada à sexualidade, o resultado é ainda mais estarrecedor. A Ancine não pesquisou esse dado, mas o Gemaa (Grupo de Estudos Multidisciplinar da Ação Afirmativa), vinculado ao Instituto de Estudos Sociais e Políticos da UERJ (Universidade do Estado do Rio de Janeiro), apurou que mulheres negras não dirigiram ou roteirizaram nem um longa-metragem sequer de ficção, com distribuição em mais de dez salas, no período de 1995 a 2016. O percentual de homens negros nas duas categorias não passou de 2% na direção e 3% no roteiro, enquanto homens brancos dirigiram 85% e roteirizaram 75% das principais produções nacionais. Segundo a diretora do Fórum Itinerante do Cinema Negro e doutora em História, Janaína Oliveira, apesar disso, mulheres negras estão produzindo, especialmente curtas e webséries. Ela destacou a participação da realizadora negra Yasmin Thayná no festival de cinema de Rotterdam, um dos mais importantes do mundo, ao lado do ganhador do Oscar, Jerry Benkins, e que quase não repercutiu no Brasil. Apresentada pela cientista política Marcia Rangel Candido, a pesquisa do Gemaa, com os filmes de maior bilheteria e que dominam o mercado, também avaliou a participação de mulheres nos elencos. O resultado é que a cada 37 homens brancos, uma mulher negra aparece, mas não em posição de prestígio. “A representação de mulheres negras quando estão protagonizando, é estereotipada, hiperssexualizada”, afirmou a cientista. Para mudar o cenário, a diretora Debora Ivanov informou que a Ancine adotou a paridade de gênero nas comissões de avaliação dos filmes que concorrem ao Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), com a presença de pelo menos uma pessoa negra. O Ministério da Cultura, por meio da Secretaria do Audiovisual, também pretende lançar, em abril, a 2ª edição do edital Carmem Santos, que dará bônus a propostas de curtas-metragens apresentadas por mulheres. Devem ser distribuídos R$ 60 mil para 15 projetos.
Larissa Manoela canta no primeiro trailer do filme adolescente Meus 15 Anos
A Paris e a Downtown Filmes divulgou o trailer do filme adolescente “Meus 15 Anos”, estrelado por Larissa Manoela (“Carrossel”). A prévia começa quase como um clipe em que Larissa mostra seus dotes vocais num palco, mas depois melhora, com outras cenas do filme, embora a musiquinha toque até o fim, já vendendo a trilha sonora. Baseado no livro homônimo de Luiza Trigo, mais conhecida como Luly Trigo, o filme contará a história de Bia, a primeira nerdzinha interpretada por Larissa Manoela – que parece ótima de óculos nas cenas. Até virar a Cinderela patricinha de toda fábula – com vestido pink e coroa de princesinha Disney. Na trama, ela é uma garota pouco popular que descobre que vai ganhar uma grande festa de debutantes, capaz de mudar tudo em sua vida. O elenco também inclui Rafael Infante (“Desculpe o Transtorno”) e os jovens atores Daniel Botelho, Bruno Peixoto, Victor Meyniel, Clara Caldas, Bruna Tatar e Pyong Lee, além da cantora Anitta. Com direção de Mauricio Eça (“Carrossel: O Filme”), o filme tem previsão de estreia para 15 de junho.
Petrobras vai ajudar a distribuir os filmes vencedores de três festivais brasileiros
A Petrobras retomou de forma forte a associação de sua marca com o cinema brasileiro, por meio da criação de um prêmio com seu nome. A iniciativa merece destaque, porque o Prêmio Petrobras de Cinema vai reforçar o ponto mais frágil da produção cinematográfica nacional: a distribuição. Com um investimento total de R$ 900 mil, a empresa pretende ajudar a distribuir os filmes vencedores de três dos maiores festivais de cinema do país, coincidentemente já patrocinados pela Petrobras: o Festival de Brasília, o Festival do Rio e a Mostra de São Paulo. Com isso, o lançamento comercial dos filmes premiados em salas de cinema também será garantido. É um escândalo cultural, mas vencer um desses festivais não dava certeza de estreia nos cinemas. Que o diga o diretor Vinicius Coimbra, cujo excelente “A Hora e a Vez de Augusto Matraga” venceu o Festival do Rio em 2011 e só conseguiu ser lançado em 15 salas quatro anos depois. O montante investido em 2017 será repartido entre os três festivais, de acordo com as categorias e critérios pré-estabelecidos (veja os detalhes ao final do texto). Os prêmios de R$ 200 mil garantem a distribuição do filme em pelo menos 15 salas e cinco praças ao longo dos primeiros 90 dias de lançamento comercial. Já os prêmios de R$ 100 mil irão garantir a distribuição em pelo menos dez salas e três praças no mesmo período. Veja abaixo como serão repartidos os montantes do prêmio: Festival de Brasília R$ 200 mil para melhor filme de longa-metragem da Mostra Competitiva Nacional R$ 100 mil para melhor filme de longa-metragem da Mostra Brasília Festival do Rio R$ 200 mil para melhor filme de ficção de longa-metragem da Premiére Brasil R$ 100 mil para melhor filme de longa-metragem da Mostra Novos Rumos Mostra de São Paulo R$ 200 mil para melhor filme para longa-metragem de ficção brasileiro R$ 100 mil para melhor filme para longa-metragem documentário brasileiro
Maior rede pública de cinema do Brasil, Spcine completa um ano com números expressivos
Mais bem-sucedida iniciativa do ex-prefeito de São Paulo Fernando Haddad, o circuito de cinema Spcine recebeu 380 mil espectadores em mais de 7,8 mil sessões realizadas em seu primeiro ano de atividade. Constituída como a maior rede pública de salas de cinema do Brasil, a Spcine conta com 20 telas, todas de pequeno porte e localizadas em CEUs, centros culturais e bibliotecas públicas do estado de São Paulo. Dentro de sua programação, os filmes infantis foram os mais assistidos. “Carrossel 2 – O Sumiço de Maria Joaquina” foi a exibição mais lotada, com 24,5 mil espectadores, seguido de “Procurando Dory” (19,4 mil), “Pets – A Vida Secreta dos Bichos” (18,8 mil) e “Moana – Um Mar de Aventuras” (15,7 mil). A comédia “Minha Mãe é uma Peça 2” completa o Top 5, num ranking que não distingue o circuito das salas comerciais de shopping centers, exceto pelo preço do ingresso. De acordo com estudo do Observatório de Turismo e Eventos, da Spturis, realizado em dezembro, o circuito Spcine é avaliado positivamente por 95,3% dos entrevistados. No critério qualidade de projeção na tela, o nível de aprovação entre ótimo e bom é de 98,1%. No item estrutura da sala, 97%. Já a programação atinge 85% de aprovação.
Eu Te Levo é retrato em preto e branco da geração canguru
“Eu Te Levo”, filme de Marcelo Müller, que também trabalhou no roteiro, toma como ponto de partida a chamada Geração Canguru, a dos jovens que permanecem vivendo na casa dos pais até uma idade avançada, por não conseguirem encontrar seus caminhos na vida e não serem capazes de prover o próprio sustento. Pesquisas indicam que cerca de 25% dos jovens entre 25 e 34 anos ainda moravam com os pais em 2014-2015 no Brasil. Encontrar-se, fazer escolhas, decidir seu rumo na vida, pode se tornar algo complexo, quando não encaminhado devidamente no período da adolescência. No filme “Eu Te Levo”, o personagem Rogério (Anderson Di Rizzi, da novela “Êta Mundo Bom!”), de 29 anos, se depara com a morte do pai e a herança de uma loja com a qual não se identifica, mas que representa muito, simbolicamente e como meio de vida, para sua mãe (Rosi Campos, também de “Êta Mundo Bom!”). Ele tem um sonho de criança, ser bombeiro, e uma experiência com uma banda de rock, como baterista, que ficou para trás. Na realidade, seus caminhos são nebulosos, ele não sabe o que quer. E os espectadores viverão esse dilema e essa angústia, embora não explicitada pelas ações do personagem, da indecisão, da perda de rumo. Isso se dá de modo abafado, já que Rogério é fechado, calado, prefere esconder do que compartilhar coisas. Tudo assim fica ainda mais difícil. Mas é interessante viver de dentro a indecisão do protagonista. Embora o filme pudesse explorar melhor as motivações e bloqueios do personagem. O jovem Cris (Giovanni Gallo, de “Califórnia”), a quem Rogério dá carona regularmente, a pedido de um amigo, é outro exemplo da Geração Canguru, um pouco mais jovem, mas igualmente em busca de algo que não se sabe bem o que é, desviando-se também do rumo que lhe foi traçado (ou que ele mesmo teria traçado?). Rosi Campos, grande atriz, faz a mãe Marta com a adequada intensidade, mas seu personagem não nos permite ir muito além do clichê da mãe sofredora. Um detalhe importante da trama chama a atenção para o papel da ideologia nas escolhas profissionais. Nas tratativas para chegar a se tornar bombeiro, Rogério é forçado a se posicionar frente ao comportamento da polícia militar do Estado de São Paulo, a quem pertence a corporação dos bombeiros. O que complicará enormemente a sua escolha. Ou seja, os dramas e conflitos não são só internos ao personagem. Dão-se objetivamente nas instituições, na sociedade. Rodada em preto e branco, a produção põe em discussão uma questão real dos jovens, sobretudo de classe média, que merece mesmo a nossa atenção, talvez ainda carecendo de personagens mais aprofundados. Para um primeiro longa-metragem como diretor, Marcelo Müller se saiu muito bem. Sua já larga experiência como roteirista – “Infância Clandestina”, “Amanhã Nunca Mais”, “O Outro Lado do Paraíso” – certamente contribuiu para esse resultado.
Veja o trailer de Joaquim, cinebiografia de Tiradentes exibida no Festival de Berlim
A Imovision divulgou o trailer de “Joaquim”, cinebiografia de Joaquim José da Silva Xavier, o Tiradentes, dirigida pelo cineasta Marcelo Gomes (“Era uma Vez Eu, Veronica”). O filme foi exibido na mostra competitiva do Festival de Berlim 2017, ocasião em que recebeu críticas positivas de publicações internacionais. Alguns elogios foram pinçados e exibidos no trailer. A história de Tiradentes já rendeu vários filmes, entre eles o marcante “Os Inconfidentes” (1972), dirigido por José Pedro de Andrade e com José Wilker no papel principal, e até em novelas, interpretado por Carlos Zara em “Dez Vidas” (1969) e por Thiago Lacerda na recente “Liberdade, Liberdade” (2016). O filme de Marcelo Gomes tem como diferencial se passar antes da história tradicional do revolucionário que enfrentou a coroa portuguesa, situando a ação durante uma expedição do alferes, em busca de minerais preciosos no interior de Minas Gerais. Conforme revela o trailer, as conversas ao redor da fogueira e a convivência com escravos teriam ajudado a formar sua consciência política do jovem Tiradentes, vivido por Julio Machado (“Trago Comigo”). “Joaquim” surgiu inicialmente como parte de um projeto de coproduções da Televisão Espanhola (TVE), realizado em homenagem ao bicentenário das revoluções sul-americanas. Além do filme de Tiradentes, representando o Brasil, fizeram parte do plano original “José Marti: O Olho do Canário” (2010), do cubano Fernando Pérez (“Últimos Dias em Havana”), “Hidalgo – A História Jamais Contada” (2010), do mexicano Antonio Serrano (“Macho”), “Revolução: A Cruzada de San Martin” (2011), do argentino Leandro Ipiña (série “Exodo”), “Artigas – La Redota” (2011), do uruguaio César Charlone (série “3%”), e “Libertador” (2013), uma cinebiografia de Simon Bolivar feita pelo venezuelano Alberto Arvelo (“Habana, Havana”). O atraso na produção do representante brasileiro se deveu à crise financeira europeia, que fez com que “Joaquim” precisasse ser filmado com recursos próprios – pelo mesmo motivo, outros filmes do projeto jamais saíram do papel, como a produção chilena sobre Bernardo O’Higgins e a peruana a respeito de Tupac Amaru, por exemplo.
Com os Punhos Cerrados é para poucos, entre eles seus próprios diretores
O coletivo cinematográfico Alumbramento surgiu com um modelo de produção que alude muito ao cinema de invenção (ou marginal, como é popularmente chamado), apropriando-se da democratização do digital para dar luz à narrativas que não atendem a estruturas convencionais, na qual a palavra é expressa com uma prosa particular em atos não muito bem demarcados. Por isso mesmo, o alcance de seus filmes é restrito, recebendo poucas chances no circuito comercial após uma trajetória por festivais mais susceptíveis a propostas experimentais por vezes radicais. Com atraso de três anos, “Com os Punhos Cerrados” finalmente chega em circuito limitadíssimo e seduzirá somente aos que apreciaram os feitos anteriores dos realizadores, como “Estrada para Ythaca” (2010) e “Os Monstros” (2011). Aqui, os irmãos Pretti e Pedro Diogenes se desdobram em inúmeras funções em nome do espírito coletivo, respondendo inclusive pelo protagonismo da trama, como um trio que se ocupa com transmissões de uma rádio clandestina, ouvida desde táxis até alto-falantes expostos em postes de Fortaleza. O propósito é recitar conteúdos de caráter subversivo, bem como problematizar questões de cunho artístico e político. Com muita boa vontade, é possível identificar na “anarquia” dessa ação um comentário sobre a condição de como um feito artístico libertário como “Com os Punhos Cerrados” se infiltra clandestinamente na sociedade. Porém, a experiência é como impor a comunicação de algo quando não há receptores muito interessados. Isso acontece justamente pelo caráter masturbatório do texto, com direito até mesmo à nudez frontal de Samya De Lavor (que debutou aqui antes de sua participação em “Boi Neon”) ilustrando discursos mais pretensiosos do que propriamente efetivos em seus tons críticos. Nada mais do que um filme feito para satisfazer unicamente aos seus realizadores e que nada acrescenta para as possibilidades de uma cinematografia ainda em progresso.
Paulo Gustavo fica eufórico ao descobrir matéria sobre Minha Mãe É uma Peça 2 no Le Monde
O ator Paulo Gustavo, que está em Paris com o marido Thales Bretas, descobriu que o jornal francês Le Monde, um dos mais famosos do mundo, publicou uma reportagem sobre o filme “Minha Mãe É Uma Peça 2”. E ele foi ao Instagram registrar o fato, feliz da vida. Em vídeo postado na rede social na madrugada de domingo (26/3), o ator apareceu eufórico com a descoberta. “Como é que dorme com isso?”. A matéria, publicada na revista que acompanha a edição dominical do Le Monde, tem uma página e é focada no sucesso de bilheteria do filme, que bateu recorde de público nos cinemas brasileiros. A maior parte dos comentários vem entre aspas, citando a crítica carioca Susana Schild. “No Brasil os espectadores não vão ao Cinema para refletir, para ver Godard, e sim para se divertir e sair de uma vida muitas vezes violenta”, diz ela num trecho da matéria, de forma impressionantemente estereotipada – como se o cotidiano parisiense, em tempos de terrorismo islâmico, não fosse violento e como se os filmes de Godard fossem “blockbusters”, quando, lá como aqui, são os besteiróis (com direito a comédia com ator em papel de mãe, “Eu, Mamãe e os Meninos”) que lotam os cinemas. Enfim… Ma mére , cette héroïne ! No Le Monde Uma publicação compartilhada por paulogustavo31 (@paulogustavo31) em Mar 25, 2017 às 5:38 PDT Eu to no LE MONDE hoje ! Que chique !! Minha mãe é uma peça fazendo historia !! Uma publicação compartilhada por paulogustavo31 (@paulogustavo31) em Mar 25, 2017 às 4:04 PDT
Advogados de Lula entram com ação contra filme da Lava Jato
Os advogados de Luiz Inácio Lula da Silva querem impedir a utilização de imagens da condução coercitiva do ex-presidente, que teriam sido gravadas pela Polícia Federal em março de 2016, para a reconstituição dos fatos no filme “Polícia Federal – A Lei é para Todos”, sobre a Operação Lava-Jato. A gravação, de cerca de duas horas, teria sido cedida pela polícia para os produtores darem maior veracidade às filmagens. Em petição ao juiz Sérgio Moro, na noite de quinta-feira (23/3), os advogados de Lula pediram ao New Group Cine & TV LTDA, responsável pela obra, que se abstenha de utilizar a gravação do depoimento de Lula. Os advogados lembram na petição que Moro determinou que o cumprimento do mandato não fosse gravado e, inclusive, que fosse evitada gravação pela imprensa do deslocamento do ex-presidente para a colheita do depoimento. No relatório apresentado pela Polícia constou apenas que foi gravado o depoimento de Lula, das 8h às 10h35m. Para a defesa de Lula, as imagens gravadas não podem ser fornecidas para subsidiar a produção de um filme, “objeto completamente estranho à investigação”. Os advogados Roberto Teixeira e Cristiano Zanin solicitaram a Moro que seja decretado sigilo absoluto sobre o vídeo e que seja divulgada a relação de todos os policiais que tiveram acesso ao material. Eles argumentam que a gravação, que começou no interior da residência de Lula, fere os preceitos éticos, morais e institucionais do Código de Ética Profissional do Servidor Público Civil do Poder Executivo (Decreto nº 1.171/94), que veda “uso de informações privilegiadas obtidas no âmbito interno de seu serviço, em benefício próprio, de parentes, de amigos ou de terceiros”. Foram relacionadas notícias de jornais e revistas que dizem que o filme dará destaque para a cena da condução coercitiva de Lula e sugerem que a obra pretende macular a imagem do ex-presidente num momento em que os institutos de pesquisa o apontam em 1º lugar na disputa presidencial de 2018. “Uma operação de proporções gigantescas e que envolve centenas de ‘personagens’, terá como cena principal a reconstituição da condução coercitiva do peticionário (Lula), sobre o qual não pesa condenação judicial em nenhuma instância, em claro juízo de seletividade que visa macular sua imagem perante a sociedade”, diz a defesa do ex-presidente. No filme dirigido por Marcelo Antunez (“Até que a Sorte nos Separe 3″) e estrelado por atores da Globo, o papel de Lula é desempenhado pelo veterano Ary Fontoura (novela “Êta Mundo Bom!”).
Era o Hotel Cambridge é ficção, mas parece documentário
“Era o Hotel Cambridge” é um filme de ficção, porém, tão colado à realidade dos fatos e situações que representa, que, muitas vezes, é difícil distinguir a encenação do documentário. A história que o filme conta é a da ocupação de um prédio abandonado no centro de São Paulo, na avenida 9 de julho, que foi, era, o hotel Cambridge, pelo Movimento dos Sem-Teto do Centro. O filme foi feito lá mesmo, com os ocupantes representando seus papéis, sua história e a de outros, ao lado de atores profissionais. A diretora Eliane Caffé (“Narradores de Javé”), com sua equipe de filmagem, frequentou a ocupação por dois anos, conviveu e se envolveu com a vida dos moradores até criar sua ficção, que é uma interação entre personagens e situações daquele espaço e de relatos que vieram deles. Eliane descobriu, ao lado dos chamados sem-teto, refugiados estrangeiros vindos do Congo, da Síria e da Palestina, recém chegados ao Brasil. Buscou também registrar o convívio desses refugiados com os “refugiados” do próprio país, ou seja, os “refugiados da falta de direitos”. Aqui, o cinema não observou a realidade, se envolveu com ela (e ainda se envolve, diga-se de passagem). Mergulhou na situação vivida pelas pessoas que ocupam aquele prédio, mostrou fatos relativos a outras ocupações, à repressão policial, e se envolveu também com os aspectos psicológicos, humanos, daquelas pessoas sofridas, mas ativas e lutadoras. Mostrou o comando e a força do gênero feminino nessa batalha diária e constante que é a ocupação. Carmen Sílvia desponta como liderança popular, forte e decidida, e acaba se revelando como atriz. José Dumont (novela “Velho Chico”) e Suely Franco (“Minha Mãe é uma Peça 2”) estão muito integrados à situação, vivendo tudo aquilo junto com os ocupantes sem-teto, como se fossem eles próprios moradores e integrantes do movimento de moradia. “Era o Hotel Cambridge” reflete o amálgama de fatos, situações, encenações, personagens, que se confundem no real e no imaginário, oriundos do mundo interno ou da dimensão sociológica, sem delimitações claras. Toma o partido da FLM – Frente de Luta Pela Moradia – e dos demais movimentos a ela associados. Realiza uma imersão comprometida com a questão social que retrata. É um filme emocionante e envolvente. Um filme de luta, eu diria. A produção recebeu muitos prêmios pelo Brasil. O público da 40ª. Mostra Internacional de Cinema de São Paulo e o do Festival do Rio 2016 o elegeu como melhor longa brasileiro. Venceu também o Festival Aruanda, de João Pessoa, e foi premiado no Festival Cinema de Fronteira em Bagé, além de se destacar em festivais internacionais, como os de San Sebastian e Roterdã.
