Synonymes provoca com renúncia extrema ao patriotismo
Grande vencedor do Festival de Berlim de 2019, “Synonymes”, de Nadav Lapid, é uma dessas obras que provocam reações distintas na audiência, muitas vezes reações de dúvida sobre o que acabaram de ver ou sobre o quanto gostaram ou não gostaram do filme. Trata-se do terceiro longa-metragem de Lapid, que se inspirou em sua própria experiência de israelense morando em Paris para construir uma história sobre renúncia extrema ao patriotismo e reconstrução da própria identidade, ou de uma nova identidade. A crítica à Israel vai além de questões relacionados ao exército israelense e ao tratamento dado aos palestinos. Em entrevista à revista Cinema Scope, Lapid diz declarar guerra à própria essência da alma israelense. Por isso, seu personagem quer esquecer todo o seu passado. Mas, ao mesmo tempo, o diretor apresenta um outro judeu que vive em Paris e que provoca passageiros no metrô cantando o hino de Israel, acreditando que todos os europeus são antissemitas. Já chama a atenção o modo como começa “Synonymes”, ao apresentar o protagonista, o jovem Yoav (o estreante Tom Mercier), nu em um grande apartamento, e tendo suas roupas roubadas. É como se Yoav tivesse sido jogado em uma pátria totalmente estranha de para-quedas e sem roupas. Ele corre nu pelo prédio, com frio, desesperado, tentando se aquecer depois na banheira, e quase morrendo de frio. Um detalhe: essa cena foi a primeira gravada por Tom Mercier, e deixou Lapid e sua equipe impressionados com a performance do ator. A estrutura da obra é uma sucessão de grandes cenas sem uma coesão muito visível, quase como se fosse uma excelente coleção de esquetes. Nesse sentido, é quase possível selecionar de maneira aleatória uma ou outra cena, de modo a apreciá-la separadamente. Algumas são muito empolgantes, como a passagem na danceteria, ao som de “Pump Up the Jam”, do Technotronic. Ver esta cena no cinema, com o som no talo, é uma experiência singular e muito divertida. Ao contrário de outras tantas, que adentram de maneira intensa a mente confusa de Yoav, e fazem aumentar a admiração pelo trabalho essencialmente cinematográfico do cineasta. A tentativa do personagem de se livrar do passado, claro, é inútil, já que várias memórias costumam assombrá-lo. Mesmo quando ele tenta falar apenas em francês, há quem queira que ele diga algo em hebraico. A propósito, a cena de Yoav declamando a letra da Marselhesa é outro momento de intensidade, de destaque dessa dicotomia agressividade/sensibilidade do protagonista. Assim, por mais que ele tente se tornar menos israelense, mais ele percebe que é israelense. Até a cena final fantástica. Um dado curioso aproxima “Synonymes” do Brasil atual: Israel conta com uma ministra da cultura de extrema direita, que criticou o filme sem entender se se tratava ou não de uma obra anti-israelense. Por outro lado, quando o filme venceu o Urso de Ouro, todos os jornais do país celebrara o feito, criando saia-justa com o governo.
Jojo Rabbit é fábula moderna sobre os perigos da falta da empatia
Escrito e dirigido por Taika Waititi (“Thor: Ragnarok”), “Jojo Rabbit” é um retrato sensível da re-humanização necessária após a desumanização causada pela guerra. A trama acompanha Jojo (Roman Griffin Davis), um garoto alemão prestes a ingressar na juventude hitlerista durante a 2ª Guerra Mundial. Vivendo sozinho com a mãe, depois da morte da irmã e do desaparecimento pai, o garoto busca segurança e conforto nas conversas com seu amigo imaginário: Adolf Hitler (interpretado pelo próprio diretor). Jojo se fere durante seu treinamento militar e é enviado de volta casa. Certo dia, ele descobre que sua mãe abrigou uma jovem judia lá. A relação forçada com Elsa (Thomasin McKenzie) faz o protagonista começar a questionar seus ensinamentos nazistas, eventualmente enxergando os verdadeiros inimigos naquela batalha. Mas “Jojo Rabbit” não é focado na guerra. Por mais que a violência, a morte e o preconceito façam parte da rotina daquelas pessoas, Waititi prefere enxergar o lado bom da vida, dedicando mais atenção às relações entre os personagens. E nisso, sua obra ganha força na atuação de Scarlett Johansson que, apesar do pouco tempo de tela, é essencial para demonstrar como pequenos atos de bondade, embora perigosos, são necessários. Assim como Charles Chaplin fez em “O Grande Ditador”, Taika Waititi usa a comédia e a ridicularização do führer como forma de resistência. Sua versão de Hitler, tal qual a de Chaplin, é uma figura infantilizada e risível. Isto contrasta com os registros da guerra exibidos ao longo do filme, nos quais se vê a adoração cega ao líder nazista. Por mais que use a comédia com o intuito de trazer leveza à situação, o cineasta nunca esquece o contexto dramático que o cerca. Esta mistura de drama e comédia não é novidade para Waititi, mas foi refinada. Em vez do humor escrachado, ele apresenta um olhar mais delicado. Além disso, o diretor demonstra atenção aos detalhes ao filmar as janelas dos sótãos das casas para que pareçam olhos observando o protagonista. Porém, o exemplo mais significativo disto é o destaque dado aos sapatos de Rosie (Scarlett Johansson), mãe de Jojo. Tal recurso é necessário para sua identificação em uma cena-chave e emocionante. O longa ainda brinca com a desinformação, a falta de conhecimento e a estereotipização em relação ao outro. As descrições absurdas a respeito dos judeus, com seus chifres, suas escamas, suas asas de morcego em muito se parecem com as lendas a respeito dos comunistas do passado que, segundo diziam, comiam criancinhas. Ou, em tempos de “ideologia de gênero”, sobre kit gay e mamadeiras de pirocas. “Jojo Rabbit” é uma história de amadurecimento. É um filme que trata do descobrimento em relação a si próprio e de reconhecimento do outro. E ainda que sua trama seja ambientada há mais de 70 anos, sua mensagem a respeito dos perigos da falta de empatia, infelizmente, continua atual.
Fourteen retrata a depressão com beleza triste
Curioso como alguns filmes parecem ao mesmo tempo atraentes e fugidios. Como se fossem sonhos bons. Ou nem tão bons, já que o tema abordado nem sempre é dos mais felizes. “Fourteen” representa esse tipo de filme, que fala sobre depressão. O diretor, o cinéfilo e crítico Dan Sallitt (“O Ato Indizível”), decide contar sua história pelo olhar da amiga da pessoa que sofre com a doença. Somos apresentados a duas jovens: Mara (Tallie Medel, que trabalhou com Sallitt em “O Ato Indizível”) e Jo (Norma Kuhling, da série “Chicago Med”). Mara é uma garota comum que parece ter um misto de admiração e inveja da amiga Jo, um tipo sedutor, com uma beleza que remete a modelos. Enquanto Mara costuma ter apenas um namorado, Jo não se importa em brincar quando o assunto é relacionamento. Mara costuma ajudar bastante a amiga, que está sempre passando por problemas, como nas várias vezes em que é demitida dos empregos. Até que, depois de anos, Mara perde a paciência com Jo. “Você sempre está precisando de alguma coisa; fica difícil”, desabafa a mais sensata das duas. Durante uma das cenas mais longas desse filme, que parece uma sucessão de esquetes curtas, a câmera se aproxima de Jo, enquanto ela confidencia seus problemas à amiga, remetendo a algo ocorrido com ela aos 14 anos de idade. O filme não explicita o que ocorreu, mas é fácil inferir. No que se refere à estrutura narrativa e à dramaturgia, “Fourteen” lembra alguns trabalhos de Eric Rohmer, autor que, curiosamente, parece ter se tornado um dos cineastas mais influentes para a nova geração de cineastas. As cenas são curtas, há muitos diálogos, encontros e reencontros. E há também enormes elipses temporais e uma brincadeira com o olhar do espectador em uma tomada de uma estação de trem. Mas o que mais importa é o quanto o filme nos coloca igualmente interessados nas vidas das duas protagonistas. A beleza triste do final acentua a delicadeza dessa pequena grande obra.
Festival de Berlim premia Meu Nome É Bagdá
“Meu Nome É Bagdá”, dirigido por Caru Alves de Souza, foi premiado no Festival de Berlim. O filme brasileiro venceu o Grande Prêmio do Júri Internacional da mostra Generation 14plus, dedicado a filmes que retratam a realidade da juventude pelo mundo. A decisão do júri internacional, formado pelos cineastas Abbas Amini (“Valerama”), Rima Das (“Village Rockstars”) e Jenna Cato Bass (“Love the One You Love”), destacou que foi “unânime na escolha do nosso filme vencedor”, elogiando sua “liberdade generosa e abrangente, repleta de belas amizades, música, movimento e solidariedade em ação”. “É impossível não ser conquistado pela protagonista titular e sua comunidade, e impossível esquecer o clímax glorioso e cheio de poder do filme”. Foi o primeiro filme brasileiro premiado no festival, que neste ano teve representação recorde do cinema nacional – foram selecionados para o evento nada menos que 19 obras brasileiras, incluindo coproduções internacionais. A trama de “Meu Nome É Bagdá” gira em torno de uma jovem skatista, interpretada pela novata Grace Orsato. Aos 16 anos, ela passa os dias ao lado dos amigos, fazendo manobras na pista local, fumando maconha e jogando baralho. Ela é a única menina a frequentar a pista de skate do bairro. Mas, com sua atitude, abre caminho para outras. Aos poucos, ela se aproxima de Vanessa (Nick Batista), e juntas conhecem outras meninas skatistas e estreitam laços de amizade. O elenco inclui também a cantora Karina Buhr e a atriz Suzy Rêgo, que interpreta a diretora da escola onde as meninas estudam. A trama é livremente inspirada no livro “Bagdá — O Skatista”, de Toni Brandão, lançado em 2009, mas centrado na figura de um menino. A versão imaginada por Caru Alves de Souza mudou de ponto de vista para absorver os crescentes questionamentos de gênero. O filme ainda não tem previsão de estreia.
Toda redação da Cahiers du Cinéma pede demissão
A mais tradicional revista de cinema do mundo tem vagas para jornalistas. Menos de um mês depois de ter sido comprada por um grupo de investidores (no dia 30 de janeiro), a lendária Cahiers du Cinéma perdeu toda a sua equipe. Todos os 15 jornalistas que trabalhavam na publicação francesa deixaram a empresa nesta semana, incluindo o diretor de Redação, Stéphane Delorme, que estava há mais de 20 anos na redação. A demissão coletiva escancara a maior crise da Cahiers desde que foi fundada há quase 70 anos. A publicação entrou para a História do Cinema por ter fomentado o surgimento da Nouvelle Vague no fim dos anos 1950. Vários cineastas do movimento, como Jean-Luc Godard, Claude Chabrol e François Truffaut, começaram a carreira escrevendo em suas páginas antes de se tornarem diretores. Na época do anúncio da compra, a imprensa francesa noticiou o negócio afirmando que um grupo de investidores havia decidido pagar “para que a revista pudesse continuar seu caminho diversificado”. Mas não é isso que afirmam os jornalistas demissionários. Em comunicado, eles dizem que os novos donos — um grupo de 20 pessoas de áreas variadas, como Alain Weill, proprietário do jornal L’Express, Marc du Pontavice, fundador do estúdio de animação Xilam, Pascal Breton, chefe da distribuidora de audiovisual Federation Entertainment — exigiram que a revista se tornasse “amistosa” e “chique”. “No entanto, a Cahiers du Cinèma nunca foi nem uma coisa nem a outra, diferentemente do que afirmam os acionistas. A revista foi sempre comprometida com uma crítica engajada e de posições claras”, dizem os jornalistas, que ainda alertam: “O novo grupo de acionista é composto por oito produtores (cinematográficos), o que causa um problema de conflito de interesses imediato em uma revista crítica. Quaisquer que fossem os artigos publicados sobre os filmes desses produtores seriam suspeitos de complacência.” A crise atual vem, na verdade, de longe e reflete impasses da imprensa mundial. Em 2003, a revista sofreu a primeira reformulação para enfrentar uma dívida de 700 mil euros. A situação jamais foi contornada, resultando em sua venda para o grupo de investidores.
America Ferrera deixa Superstore após 5 temporadas
A atriz America Ferrera vai deixar a série “Superstore”, que ela protagoniza, ao final da 5ª e atual temporada, que termina em 16 de abril na rede americana NBC. O anúncio da saída pendente da estrela ocorre duas semanas após a série ter sido renovada para sua 6ª temporada. “Os últimos cinco anos em ‘Superstore’ foram alguns dos mais gratificantes, enriquecedores e agradáveis da minha carreira”, disse Ferrera em comunicado. “Produzir, dirigir e atuar com esse elenco e equipe maravilhosos me deu oportunidades de crescer como pessoa e contadora de histórias. Sou muito grata aos meus parceiros da NBC e da Universal Television pelo apoio e crença que sempre tiveram no programa, e sou muito grato ao brilhante Justin Spitzer por criar o mundo engraçado, inteligente e relevante de ‘Superstore’ e por me convidar para fazer parte disso. Ao iniciar o próximo capítulo para minha família e carreira, desejo apenas o melhor e muito sucesso contínuo à minha amada família ‘Superstore’. ” Os representantes de Ferrera não comentaram as razões da atriz para deixar a série de sucesso antes do final de seu contrato. Ferrera, que mencionou a família em seu comunicado, teve seu primeiro filho em 2018, enquanto gravava ‘Superstore’, e atualmente está esperando seu segundo filho. Ela também lançou na semana passada sua primeira série apenas como produtora, “Gentefied”, na Netflix. Ferrera interpreta a Amelia “Amy” Sosa, ex-supervisora de andar e atualmente gerente da loja de departamentos Cloud 9, que serve de cenário para os episódios semanais de “Superstore”, e também produz a série. Além disso, ela também dirigiu quatro episódios da atração. Esta era sua segunda série de sucesso, após estrelar “Ugly Betty”, na rede ABC. “Superstore” é exibida no Brasil pelo canal pago Warner.
César 2020: Polanski é premiado e atrizes abandonam evento em protesto
O diretor Roman Polanski saiu premiado do César, evento considerado o Oscar da França, alimentando ainda mais a controvérsia em torno da premiação, precipitada pelo anúncio de que “O Oficial e o Espião” (J’Accuse), novo filme do diretor, era a obra com maior quantidade de indicações. Mesmo diante de protestos de feministas e após a renúncia coletiva da diretoria da Academia das Artes e Técnicas Cinematográficas da França, Polanski venceu o César de Melhor Direção. O diretor não foi ao evento, tendo anunciado na véspera que sabia que se tratava de um linchamento público. E quando seu nome foi anunciado, várias atrizes saíram da cerimônia em protesto. Entre as que deixaram o evento prematuramente estava Adèle Haenel (de “Retrato de uma Jovem em Chamas”), que no ano passado disse ter sido abusada quando menor por outro diretor. Antes da premiação, a polícia francesa entrou em confronto com manifestantes com placas contra Polanski do lado de fora da casa de shows Pleyel, e o gás lacrimogêneo ainda pairava no ar quando as atrizes abandonaram o recinto. A consagração no César foi o segundo troféu de Melhor Direção importante conquistado por Polanski com “O Oficial e o Espião”. O cineasta também venceu a mesma categoria no Festival de Veneza no ano passado, durante a première mundial do filme. “O Oficial e o Espião” ainda venceu outras duas categorias no César: Melhor Roteiro Adaptado e Figurino. Graças à polêmica, todo o evento foi focado em Polanski, das placas do lado de fora às piadas da apresentadora Florence Foresti, o que fez o diretor eclipsar até a vitória de “Os Miseráveis”, o candidato francês ao Oscar, com o César de Melhor Filme do ano. A principal razão dos protestos se deve ao fato de Polanski ser considerado foragido da Justiça dos Estados Unidos desde 1977, quando foi condenado por estuprar uma menina de 13 anos. Apesar disso, apenas em 2018 foi expulso da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos EUA, depois que o movimento #MeToo relembrou seu histórico e incentivou o surgimento de novas acusações de abusos da mesma época. Na ocasião, o diretor chamou a atitude de hipocrisia, lembrando que sua condenação por abuso de menor era pública desde os anos 1970 e isso não impediu a Academia americana de lhe consagrar com um Oscar em 2003, por “O Pianista”. O lançamento de “O Oficial e o Espião” ainda coincidiu com o surgimento de mais uma acusação de estupro contra o diretor, a 12ª, que como as demais teria acontecido há várias décadas, mas nem isso impediu a consagração crítica do filme, muito menos seu sucesso comercial. “O Oficial e o Espião” virou a estreia mais bem-sucedida da carreira de Polanski, batendo o recorde de público de sua trajetória como cineasta, mesmo com piquetes de feministas nas portas de alguns cinemas. O filme será exibido no Brasil a partir de 13 de março. Veja abaixo cenas do protesto feminista diante do evento e a debandada das atrizes após o anúncio da vitória de Polanki. Des militantes féministes foncent sur sur des CRS qui sécurisent la salle où se déroule la cérémonie des #Césars. Elles réclament la libération de deux de leurs camarades interpellées un peu plus tôt. pic.twitter.com/6SjmfQktOO — Taha Bouhafs (@T_Bouhafs) February 28, 2020 A l'annonce du César de la Meilleure Réalisation pour Roman Polanski ("J'accuse"), Adèle Haenel quitte la salle. Le meilleur des #César2020 > https://t.co/ipnVwouBeV pic.twitter.com/7xa0CTbU3H — CANAL+ (@canalplus) February 28, 2020
Os Simpsons vão ganhar novo curta inédito para cinema
Os Simpsons vão voltar a virar filme. Não se trata de um novo longa, que os fãs esperam desde o sucesso de “Os Simpsons: O Filme” (2007), mas de um curta-metragem. E já na semana que vem. A revelação foi feita no Instagram oficial da série, que dá mais detalhes, além de adiantar uma imagem da produção. Veja abaixo. Intitulada “PlayDate with Destiny”, o curta deve acompanhar a pequena Maggie Simpson em uma viagem na Europa – pelo menos é o que sugere o post – e será exibido nos cinemas antes de “Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica”, nova animação da Pixar – que em inglês tem um nome mais fácil de dizer: “Onward”. O último curta animado dos Simpsons foi “The Longest Daycare”, também focado em Maggie e lançado em 2012. A animação foi exibida antes de “Era do Gelo 4” e acabou indicada ao Oscar de Melhor Curta de Animação. “PlayDate with Destiny” também será o primeiro desenho dos Simpsons com distribuição cinematográfica da Disney. O curta e “Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica” estreiam na próxima quinta (5/3) no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA. Ver essa foto no Instagram Maggie Simpson is speechless… Playdate with Destiny, a new Simpsons short film before Disney & Pixar’s Onward. Exclusively in theaters! #TheSimpsons Uma publicação compartilhada por The Simpsons (@thesimpsons) em 27 de Fev, 2020 às 9:01 PST
Prefeitura de São Paulo cria programa de incentivo à filmagens na cidade
A prefeitura de São Paulo publicou decreto que cria um programa de apoio a filmagens nacionais e internacionais na cidade. Ele prevê um subsídio de 20% a 30% do valor total gasto por produções que escolham a capital como cenário. Os recursos podem ser desembolsados tanto em dinheiro como em infraestrutura. A medida consolida a política de atração de filmagens para promover a cidade. Além da promoção de São Paulo, a iniciativa também fomenta a atividade cinematográfica na cidade, ajudando a criar um pólo de profissionais especializados, o que gera mais emprego, circulação de dinheiro e desenvolvimento. Várias metrópoles canadenses têm programas similares, que fazem com que a maioria das séries e muitos filmes americanos sejam rodadas por lá, a ponto de obrigar Los Angeles a conceder incentivos para manter os estúdios de Hollywood na cidade. A iniciativa de estimular filmagens em São Paulo havia sido anunciada no ano passado, por decisão do prefeito Bruno Covas, que encomendou o projeto ao secretário da Cultura, Alê Youssef, e à presidente da Spcine, a cineasta Laís Bodanzky.
Intérpretes de Capitã Marvel e Mulher-Maravilha brigam e beijam em fotos de bastidores
As atrizes Brie Larson e Gal Gadot, que vivem as super-heroínas Capitã Marvel (do universo cinematográfico da Marvel) e Mulher-Maravilha (do universo cinematográfico da DC), compartilharam fotos dos bastidores de sua participação no Oscar 2020. As duas apresentaram juntas um prêmio na cerimônia, realizada no início do mês. E tiraram selfies do encontro, em que apareceram “brigando” e mandando beijos juntas. “Façam amor, não guerra”, ambas escreveram, com bom humor, ao compartilhar as mesmas imagens. Veja abaixo. E lembre-se de clicar na setinha ao lado da imagem destacada no Instagram para ver a segunda foto. Ver essa foto no Instagram Make love, not war @gal_gadot Uma publicação compartilhada por Brie (@brielarson) em 27 de Fev, 2020 às 2:11 PST Ver essa foto no Instagram Make love ,Not war ❤️ @brielarson #oscars2020 Uma publicação compartilhada por Gal Gadot (@gal_gadot) em 27 de Fev, 2020 às 11:24 PST
César 2020: Polanski diz que não vai ao “Oscar francês” para não ser linchado
O cineasta franco-polonês Roman Polanski anunciou que não irá à 45ª cerimônia do César, o “Oscar francês”, marcada para esta sexta (28/2), apesar de seu novo filme, “O Oficial e O Espião” (J’accuse), liderar as indicações ao prêmio e concorrer em 12 categorias. “Há vários dias, me perguntam: você vai ou não à cerimônia do César? E eu respondo com a seguinte pergunta: como eu poderia?”, questionou Polanski, em comunicado. “Já sabemos o que vai acontecer nesta noite. As ativistas me ameaçam de um linchamento público. Algumas anunciam protestos, outras querem fazer de seu combate uma tribuna. Tudo isso promete mais ser um simpósio do que uma festa do cinema que deveria recompensar seus maiores talentos”, afirmou o cineasta. Polanski disse ainda que a decisão foi tomada “com pesar”, visando “não apoiar um tribunal de opinião autoproclamado pronto para ‘chutar’ os princípios do Estado de Direito para que o irracional triunfe novamente”, mas principalmente porque sua ausência vai proteger sua esposa e filhos, que, segundo ele, “são vítimas de injúrias e ataques”. De fato, feministas programaram uma manifestação diante da sala Pleyel, em Paris, onde o evento será realizado, para protestar contra a aclamação de um homem acusado de diversos estupros e agressões sexuais. Um grupo de mulheres também colou cartazes nas paredes externas do prédio nesta semana com os dizeres “Violanski: o César da vergonha”, em um trocadilho com a palavra “viol” (estupro em francês) e o sobrenome Polanski. Graças à essa reação às indicações do filme de Polanski ao prêmio, toda a diretoria da Academia das Artes e Técnicas Cinematográficas da França, responsável pelo César, anunciou sua renúncia há duas semanas (em 13/2). O detalhe é que decisão não foi lamentada, mas comemorada por vários astros e cineastas franceses, que consideram a direção da Academia muito velha e ultrapassada, além de preconceituosa. Um manifesto de algumas das principais estrelas da França também criticou a Academia por privilegiar artistas brancos e não reconhecer imigrantes e profissionais de colônias francesas. Desde sua exibição, “O Oficial e o Espião” vem enfrentando protestos feministas na França, estimulados pelo surgimento de mais uma acusação de estupro contra o diretor, que, como as demais, teria acontecido há várias décadas. Mas isso não impediu o lançamento de “O Oficial e o Espião” de se tornar a estreia mais bem-sucedida da carreira de Polanski, batendo o recorde de público de sua trajetória como cineasta. A crítica também aprovou o filme. Mesmo com vários jornalistas se recusando a avaliar o filme, ele atingiu 71% de aprovação no Rotten Tomatoes. A principal razão dos protestos se deve ao fato de Polanski ser considerado foragido da Justiça dos Estados Unidos desde 1977, quando foi condenado por estuprar uma menina de 13 anos. Apesar disso, apenas em 2018 foi expulso da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos EUA e isto somente depois que o movimento #MeToo relembrou seu histórico e incentivou o surgimento de novas acusações de abusos da mesma época. Na ocasião, o diretor chamou a atitude de hipocrisia, lembrando que sua condenação por abuso de menor era pública desde os anos 1970 e isso não impediu a Academia americana de lhe consagrar com um Oscar em 2003, por “O Pianista”. Entretanto, houve uma mudança significativa de comportamento em relação à tolerância de agressões sexuais. O silêncio em torno de abusos também diminuiu, o que fez com que supostas vítimas se manifestassem pela primeira vez. Polanski chegou a ser acusado por cerca de 12 mulheres, que se apresentaram como vítimas de abusos cometidos entre os anos 1970 e 1980. Além das indicações ao César, “O Oficial e o Espião” também concorreu ao prêmio da Academia Europeia, mas perdeu. Em compensação, venceu o Grande Prêmio do Júri do Festival de Veneza no ano passado. O filme será exibido no Brasil a partir de 13 de março.
Modo Avião vira o filme de língua não inglesa mais visto da Netflix
“Modo Avião”, estrelado por Larissa Manoela, virou o filme em língua não inglesa mais popular na história da Netflix. A plataforma anunciou o sucesso da produção em suas redes sociais, revelando números. De acordo com a postagem (veja abaixo), o longa foi assistido em quase 28 milhões de lares desde o lançamento, em 23 de janeiro. E não foram apenas brasileiros que se interessaram: dois terços da audiência vieram do exterior, de países como Estados Unidos, México, França e Alemanha. Apesar desse sucesso de público, “Modo Avião” não agradou à crítica internacional. Apenas dois críticos citados no Rotten Tomatoes optaram por assistir ao filme e ambos consideram a historinha muito clichê e desaprovaram. O veredito do site Decider, inclusive, era para o público pular a produção – não no sentido em que Sandy & Júnior cantam, mas para evitar mesmo. “Modo Avião” é baseado num conceito do mexicano Alberto Bremmer (“Ya Veremos”). A versão brasileira foi escrita por Renato Fagundes (“Vai que Cola – O Começo”) e Alice Name-Bomtempo (“Vai que Cola” – a série), e a direção ficou a cargo de César Rodrigues (“Vai que Cola – O Filme”). Na trama, Larissa Manoela vive uma “influencer” adolescente das redes sociais que não larga o celular, até que um série de acidentes faz sua família tomar uma atitude drástica e mandá-la para “Jupiter” – lugar também conhecido como a fazenda de seu avô (Erasmo Carlos) sem cobertura de celular – , onde aprende uma lição sobre a importância da família e de amizades reais – a tal moral da história. 🚨✈️ Alerta de hit ✈️🚨 Modo Avião é o filme de língua não inglesa mais popular na Netflix até hoje! Quase 28 milhões de lares assistiram ao filme desde o lançamento, há quatro semanas – dois terços deles fora do Brasil, em países como Estados Unidos, México, França e Alemanha. pic.twitter.com/HhqkYkGQ4k — Netflix Brasil (@NetflixBrasil) February 27, 2020
Reboot de Candyman ganha primeiro trailer sanguinário
A Universal divulgou o pôster e o primeiro trailer do remake/reboot do terror “Candyman”, que tem produção de Jordan Peele (“Corra!”). A prévia recria várias cenas do filme de 1992, com requintes sanguinários e algumas mudanças significativas. A principal diferença é que o ator Yahya Abdul-Mateen (“Aquaman”, “Watchmen”) interpreta o protagonista, numa mudança de sexo em relação ao filme original de 1992, estrelado por Virginia Madsen, vítima do monstro vivido por Tony Todd. Além disso, há diferenças sociais. O novo filme retorna à vizinhança de Chicago onde a lenda se originou, mas o local é outro após 26 anos. Se antes era cheio de residências populares, hoje é tomado por famílias de classe média alta, que se mudaram para o bairro. Para quem não lembra, a lenda do Candyman girava em torno de um filho de escravo que se tornou próspero depois de desenvolver um sistema para fabricar sapatos em massa durante a Guerra Civil. Ele também se tornou conhecido como artista por seu talento como pintor de retratos. Depois de se apaixonar e ser pai de uma criança com uma mulher branca em 1890, Candyman foi atacado por uma turba de linchamento contratada pelo pai de sua amada. Eles cortaram sua mão para que não pudesse mais pintar e a substituíram por um gancho. Depois, foi untado com mel roubado de um apiário, atraindo abelhas famintas que o picaram até a morte. Seu cadáver foi queimado e suas cinzas foram espalhadas pela área de Chicago onde sua aparição é mais forte. Seu espírito vingativo aparece quando seu nome é dito cinco vezes no espelho, com consequências mortais. A descrição do personagem, que lembra uma mistura da lenda urbana de Bloody Mary (ou da Loira do Banheiro) com a tortura sofrida pelo Negrinho do Pastoreio é, na verdade, baseada no conto “The Forbidden”, assinado pelo mestre do terror Clive Barker (“Hellraiser”). Com direção e roteiro de Nia DaCosta (“Little Woods”), o novo “Candyman” tem estreia está marcada para 11 de junho no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
