João Donato, ícone da MPB, morre aos 88 anos
O cantor e compositor João Donato morreu aos 88 anos nesta segunda-feira (17/7), no Rio de Janeiro. A informação foi confirmada através de um comunicado oficial, sem divulgar a causa da morte. No Instagram, a equipe do músico informou que o velório será realizado no Theatro Municiapl do Rio, “em horário a ser divulgado brevemente”. “Hoje o céu dos compositores amanheceu mais feliz: João Donato foi para lá tocar suas lindas melodias. Agora, sua alegria e seus acordes permanecem eternos por todo o universo”, escreveu a equipe. Saúde delicada João Donato enfrentava uma série de problemas de saúde e, recentemente, chegou a tratar uma infecção pulmonar. Em junho deste ano, o artista esteve internado, mas a família não divulgou detalhes da condição. No final do mês, o compositor recebeu a visita de seu filho Donatinho. “Vim passar uns dias para mimar o Big Donato, agora que ele teve alta do hospital. Ele pediu para eu cozinhar um dos pratos preferidos dele, o Spagabola (mais conhecido como Spaguetti a Bolognesa)”, publicou na ocasião. Carreira de João Donato João Donato de Oliveira Neto nasceu em Rio Branco, no Acre, em 1934. A paixão pela música começou ainda na infância, quando ganhou um acordeão de presente. Em 1945, a família de Donato se mudou para o Rio de Janeiro, onde ele realizou suas primeiras apresentações no palco em festas de colégio. A primeira gravação profissional aconteceu como integrante da banda do flautista Altamiro Carrilho. Tempos depois, João Donato passou a trabalhar com o violinista Fafá Lemos e tornou-se suplente de Chiquinho do Acordeom. Além disso, João Donato frequentou o Sinatra-Farney Fã Clube por 17 meses. O local fica na Barra da Tijuca e é considerado uma das principais escolas da geração conhecida como Bossa Nova. O artista teve contato com nomes como Tom Jobim, Vinicius de Moraes, João Gilberto e Johnny Alf. No entanto, o pianista não obteve reconhecimento merecido e tampouco fez parte do “esquema”. “Eu não sou bossa nova, eu não sou samba, eu não sou jazz, eu não sou rumba, eu não sou forró. Na verdade, eu sou isso tudo ao mesmo tempo”, comentou o artista ao jornal O Globo. Apesar de não ser um medalhão midiático, João Donato moldou a Música Popular Brasileira (MPB) entre 1960 e 1970 com sua música de estilo único. Ele contribuiu com clássicos como “A Rã”, de Caetano Veloso, “A Paz”, de Leila IV, e “Emoriô”, de Gilberto Gil. Em 2010, João Donato foi reconhecido com um prêmio Grammy Latino na categoria de Melhor Álbum de Jazz, por seu trabalho em “Sambolero”. Oito anos depois, ele ainda foi reconhecido pelo Prêmio da Música Brasileira. O artista também foi indicado à premiação em 2016, na categoria de Melhor Álbum Instrumental com o projeto “Donato Elétrico”. No ano passado, ele disputou a categoria Melhor Álbum de Música Popular Brasileira com “Síntese do Lance”.
Francisco Ibáñez, criador de “Mortadelo e Salaminho”, morre aos 87 anos
Francisco Ibáñez, influente cartunista espanhol e criador dos personagens “Mortadelo e Salaminho”, morreu neste sábado (15/7), aos 87 anos. “Com enorme tristeza, o Grupo Editorial Penguin Random House comunica o falecimento em Barcelona do grande desenhista e cartunista Francisco Ibáñez”, anunciou a editora no Twitter. Nascido em 15 de março de 1936, em Barcelona, Ibáñez iniciou sua carreira na infância, quando aos 11 anos enviou um desenho para a revista “Chicos” e foi pago por isso, marcando sua primeira publicação. Apesar de ter estudado Contabilidade e trabalhado como mensageiro em um banco, aos 21 anos Ibáñez viu que poderia ganhar mais desenhando do que em seu trabalho bancário, e então decidiu se dedicar completamente à sua verdadeira paixão. Mortadelo e Salaminho Ele se tornou mundialmente conhecido por sua criação em 1958 de “Mortadelo e Salaminho”, uma dupla de desastrados agentes secretos, mestres dos disfarces. As histórias eram publicadas na revista “Pulgarcito” e se destacavam pelas referências a personalidades políticas e sacadas irônicas, tudo sob o clima da Guerra Fria que marcava a ficção das décadas de 1960 e 1970. A partir da publicação de sua primeira aventura longa, no álbum de 1969 “O Sulfato Atômico”, o sucesso desses personagens transcendeu as páginas dos quadrinhos. Os espiões de Ibáñez se tornaram um fenômeno tão grande que ele teve que manter uma produção insana para atender à demanda, muitas vezes recorrendo à ajuda de colaboradores – um fato que negou durante décadas e que gerou polêmicas quanto ao crédito devido aos seus auxiliares. Dos quadrinhos para o cinema Ao longo de sua carreira, Ibáñez criou diversos outros personagens e séries de sucesso, como “13 Rue del Percebe”, “Rompetechos” e “El botones Sacarino”, mas nenhum outro superou o alcance dos agentes da TIA – uma paródia da CIA inspirada na série “Os Agentes da UNCLE” (1964–1968) – que rendeu adaptações para diversas séries de TV e filmes. Os agentes atrapalhados chegaram até a ganhar uma versão live-action, no filme “Mortadelo E Salaminho – Agentes Quase Secretos” (2003), que teve uma continuação em 2008. Seu lançamento mais recente no cinema foi há nove anos: a animação “Mortadelo e Salaminho: Missão Inacreditável” (2014). Premiações e recordes Ibáñez recebeu o grande prêmio do Salão Internacional de Banda Desenhada de Barcelona pelo conjunto de seu trabalho em 1994 e foi laureado com a Medalha de Ouro ao Mérito de Belas Artes em 2001. Sua obra monumental, composta por mais de 50 mil pranchas de quadrinhos, gerou mais de 100 milhões de álbuns vendidos ao redor do mundo, tornando-o o maior best-seller dos quadrinhos espanhóis, com presença em diversos países ao redor do mundo. Com mais de 200 álbuns só de “Mortadelo e Salaminho”, seus personagens icônicos e suas histórias perspicazes e bem-humoradas continuarão a entreter e a inspirar leitores de todas as idades por muitas gerações, tanto nos quadrinhos quanto em novas adaptações para as telas.
Margia Dean, atriz de “Terror Que Mata”, morre aos 101 anos
A atriz americana Margia Dean, conhecida pelo clássico cult de ficção científica “Terror Que Mata” (1955), faleceu no último dia 23 de junho aos 101 anos. Apesar disso, a notícia foi divulgada por sua sobrinha Denyse Barr ao The Hollywood Reporter somente nesta quinta-feira (6/7). Segundo as informações, a atriz morreu em seu apartamento no Rancho Cucamonga, na Califórnia. “Ela era uma mulher notável, brilhante e generosa, com um gosto requintado”, declarou sua sobrinha. A atriz viveu por seis décadas em uma casa nas colinas de Hollywood, entes de se mudar para Dana Point, também na Califórnia. Ao longo da carreira, ela apareceu em mais de 60 produções. Muitas delas, eram produzidas pelo produtor Robert L. Lippert, com quem afirmou ter tido um caso amoroso. A atriz se casou pela primeira vez em 1939 com o treinador de basquete Hal Fischer, mas a união durou cerca de seis anos. Em seguida, ela namorou o príncipe Aly Khan, que já foi casado com a atriz Rita Hayworth. Ela conheceu seu último marido Felipe Alvarez, um arquiteto, autor e cantor espanhol dez anos mais novo, em uma cafeteria de Los Angeles. Os dois se casaram em 1965, no México. Estrelato e caso com Robert L. Lippert Nascida em 7 de abril de 1922 na cidade de Chicago, Marguerite Louise Skliris foi criada em San Francisco. Sua família tinha raízes na Grécia e seu pai trabalhava como advogado. Ainda criança, ela atuou em pequenas peças teatrais e se interessou pela área. Acabou se destacando por sua beleza, quando conquistou os títulos de Miss San Francisco e Miss Califórnia. Em 1939, ela competiu pelo prêmio Miss América, ficando em 2º lugar. Dedicada a aproveitar a fama para virar atriz, concluiu seus estudos na Galileo High School e ingressou no Biltmore Theatre, em Los Angeles. Mas sua estreia no cinema só aconteceu cinco anos depois, na comédia musical “Casanova in Burlesque” (1944), dirigido por Leslie Goodwins. Seu primeiro grande papel veio em “Shep Comes Home” (1948), primeiro de seus filmes financiado pela produtora de Robert L. Lippert. Esse foi o início da parceria entre os dois, que rendeu cerca de 20 filmes entre 1948 a 1956, dando a Dean o apelido de “A Rainha de Lippert”. Anos mais tarde, a atriz revelou que teve um relacionamento amoroso com o produtor, falecido em 1976. Durante uma entrevista para Mark Thomas McGee, autor de um livro biográfico de L. Lippert, ela detalhou a relação extraconjugal. “Eu sabia que o que estava fazendo era errado. Eu estava saindo com um homem casado”, lembrou em 2014. “Não acho que eu tenha realmente amado ele, mas ele era louco por mim. Ele me deu todos esses trabalhos, e era agradável estar com ele. Ele tornou tudo fácil para mim”. Trabalhos notáveis no cinema Na época, ela chamou a atenção em longas de faroeste como “Red Desert” (1949) e “The Lonesome Trail” (1955). A atriz também apareceu no drama esportivo “Ringside” (1949) e no filme noir “F.B.I. Girl” (1951). Ao longo dos anos, trabalhou algumas vezes com o roteirista Sam Fuller e participou dos dois primeiros longas-metragens que ele dirigiu. Ambos foram dramas de faroeste, gênero que estava em alta na época. O primeiro foi “Eu Matei Jesse James” (1949), no qual ela interpretou uma cantora de saloon, enquanto o segundo foi “O Barão Aventureiro” (1950), onde deu vida à personagem Marquesa. Durante a década de 1950, a atriz trabalhou em grandes produções, incluindo o primeiro longa-metragem do Superman, “Superman and the Mole Men” (1951), estrelado por George Reeves, além de ter contracenado com Jane Russell no musical “A Descarada” (1956), Clint Eastwood em “Emboscada em Cimarron Pass” (1958) e Esther Williams no circo de “Diabos do Circo” (1961). Sucesso no gênero de terror Foi no ano de 1955 que ela conquistou mais destaque ao estrelar o longa de ficção científica “Terror Que Mata” (The Quatermass Xperiment). Dirigido por Val Guest, o filme acompanhava um astronauta que voltava a Terra contaminado, transformando-se em um organismo alienígena que ameaça a humanidade. Na história, Dean interpretou a esposa do astronauta, que toma a decisão tola de ajudá-lo a escapar do hospital. O filme era baseada na série homônima produzida pelo canal britânico BBC em 1953 e foi muito bem recebido pela crítica, tornando-se um clássico do gênero. Fim da carreira como atriz Ela começou sua própria produtora, a Margot Productions, que produziu filmes como “O Laço Ameaçador” e “A Casa dos Fantasmas”, lançados em 1964. Seus últimos trabalhos como atriz foram produções B em locações exóticas: “O Segredo dos Arrecifes” (1960), “7 Mulheres no Inferno” (1961) e “Moro Witch Doctor” (1964). Após estrelar cerca de 60 filmes em apenas duas décadas de carreira, ela decidiu deixar o audiovisual para trás, virando vice-presidente em uma empresa imobiliária e construtora, além de ter sido proprietária de uma loja de roupas na cidade de Brentwood, na Califórnia, e de uma cafeteria em Beverly Hills. Veja abaixo o trailer americano de “Terror que Mata” (lançado nos EUA com o título de “The Creeping Unknown”).
Zé Celso Martinez Corrêa morre aos 86 anos em São Paulo
O dramaturgo José Celso Martinez Corrêa morreu nesta quinta-feira (6/7) em São Paulo. Seu estado de saúde sofreu um agravamento e o diretor teve falência dos órgãos devido às queimaduras e a inalação de fumaça tóxica. Ele estava internado na unidade de terapia intensiva (UTI) no Hospital das Clínicas desde terça-feira (4/7), quando teve 53% do corpo queimado em um incêndio causado por um aquecedor elétrico. As chamas consumiram seu apartamento, localizado no Paraíso, na zona sul paulistana. Marcelo Drummond, o marido do dramaturgo, não chegou a se queimar com o incêndio, mas segue internado após inalar monóxido de carbono. Além deles, outras duas pessoas ficaram feridas no incêndio. “Foi um horror. Acordei com as labaredas e levei um tempo para entender que era fogo de verdade”, disse o ator Ricardo Bittencourt, que também foi transferido para a UTI por inalar fumaça tóxica. Ele também revelou que o ator Victor Rosa sofreu queimaduras após enfrentar o incêndio para resgatar o dramaturgo do fogo. O apartamento de Zé Celso está interditado para a realização da perícia, que deve acontecer nas próximas horas e vai determinar a causa do incêndio. Eterno Zé Celso José Celso Martinez Corrêa nasceu em 1937, na cidade de Araraquara, no interior de São Paulo. Antes de se tornar ator, estudou na Faculdade de Direito do Largo São Francisco na década de 1950, onde participou do Centro Acadêmico. No período, ele não concluiu o curso e decidiu fundar o Grupo de Teatro Amador Oficina. O diretor então iniciou sua carreira com as peças autorais “Vento Forte para Papagaio Subir” e “A Incubadeira”. Ele também estendeu sua influência artística nos cinemas brasileiros, com as obras “O Rei da Vela” e “25”. Zé Celso ainda teve destaque com suas montagens de criações coletivas. Em 1961, o então Grupo Amador recebeu uma sede na Rua Jaceguai, no Centro de São Paulo. Repaginado, o grupo originou o tradicional Teatro Oficina, que é um patrimônio histórico desde 1982. A companhia é considerada uma das mais longevas em atividade no Brasil. Zé Celso Martinez se tornou um ícone das artes cênicas brasileiras por sua maneira excêntrica e ousada de elaborar peças teatrais. Ele provocou atores e público com suas obras sensoriais, guiadas pela realidade política e cultural do país. Em 1964, Zé Celso marcou sua transição do realismo para um teatro crítico com a peça “Andorra”, inspirada nas obras épicas do dramaturgo alemão Bertolt Brecht. O diretor também se aprofundou nos estudos nesse período, anos antes de trazer “Galileu Galilei” para os palcos. A vida imita a arte? Dois anos depois, a sede do Teatro Oficina foi consumida por chamas de um incêndio provocado por grupos paramilitares. O grupo levantou fundos com remontagens de sucessos para reconstruir o espaço. No final da década de 1968, Zé Celso levou sua primeira peça para o Rio de Janeiro. Ele dirigiu o histórico espetáculo “Roda Viva” de Chico Buarque, que causou revolta nos simpatizantes da ditadura e teve a apresentação interrompida por pancadaria de fascistas. A obra provocadora teve remontagem em 2019. Os integrantes do Teatro Oficina foram vítimas de perseguição do regime militar. As obras desafiavam a repressão com a anarquia de Zé Celso Martinez, o que acabou rendendo um exílio de quatro anos para o artista. Em 1974, o diretor se exilou em Portugal após ficar detido por 20 dias e ser torturado. No período, ele apresentou algumas peças e dirigiu o documentário “O Parto”. Nos últimos anos, Zé Celso passou a se dedicar a pesquisas e oficinas ministradas no espaço teatral. Mas também retornou ao cinema, estrelando “Fédro” (2021), ao lado de Reynaldo Gianecchini, um dos muitos atores que ajudou a revelar no teatro. A lista de estrelas que Zé Celso legou ao Brasil é simplesmente inacreditável, incluindo Marieta Severo, Marília Pera, Zezé Motta, Raul Cortez, Roberto Borghi e até Tarcísio Meira. Em 2010, o dramaturgo foi anistiado pelo Estado brasileiro e recebeu uma indenização de R$ 570 mil. Em junho deste ano, Zé Celso se casou com o ator Marcelo Drummond após uma relação de quase 40 anos. A cerimônia foi marcada por ternos brancos no Teatro Oficina Uzyna Uzona, sede da companhia teatral do dramaturgo.
Carmen Sevilla, a Maria Madalena de “Rei dos Reis”, morre de Alzheimer
A atriz espanhola Carmen Sevilla, que estrelou o filme indicado ao Oscar “A Vingança” (1958) e interpretou Maria Madalena no épico bíblico “Rei dos Reis” (1961), de Nicholas Ray, morreu na terça-feira (27/6) de Alzheimer e pneumonia em um hospital em Madrid. Ela tinha 92 anos. A notícia de sua morte foi relatada pelo seu filho à agência de notícias Europa Press. Nascida em Sevilha, Espanha, a atriz iniciou sua carreira no show business como dançarina nos anos 1940, migrando para o cinema no final da década. Durante os anos 1950, ela se tornou uma das estrelas mais populares do cinema espanhol. Seu papel principal no filme “A Vingança”, dirigido por Juan Antonio Bardem, a tornou uma estrela internacional, uma vez que o filme se tornou o primeiro longa espanhol indicado para um Oscar de Melhor Filme de Língua Estrangeira. Sevilla se tornou mais conhecida nos EUA com “Rei dos Reis”, no qual interpretou uma bela Maria Madalena ao lado de um igualmente atraente Jesus, interpretado por Jeffrey Hunter. Onze anos depois, ela estrelou como Octavia ao lado de Charlton Heston em “À Sombra das Pirâmides”, uma entrada tardia e mal recebida no gênero dos épicos romanos. Sua carreira no cinema e sua popularidade continuaram na Espanha ao longo dos anos 1970. Sevilla se tornou uma apresentadora da televisão espanhola durante os anos 1990 e início dos 2000, até que seu diagnóstico de Alzheimer em 2009 limitou suas aparições públicas. No ano passado, foi relatado que ela estava nos estágios avançados da doença.
Frederic Forrest, ator de “Apocalypse Now” e “A Rosa”, morre aos 86 anos
O ator americano Frederic Forrest faleceu na sexta-feira (23/6) em sua casa em Santa Mônica, aos 86 anos. Ele era conhecido por filmes clássicos como “Apocalypse Now” (1979), “A Rosa” (1979), “O Fundo do Coração” (1981) e “Hammett – Mistério em Chinatown” (1982). Sua morte foi revelada pela atriz Bette Midler (“Abracadabra 2”), com quem o ator contracenou em “A Rosa”, através de uma publicação nas redes sociais. “O grande e amado Frederic Forrest faleceu. Agradeço a todos os seus fãs e amigos por todo o apoio nesses últimos meses. Ele foi um ator notável e um ser humano brilhante, e tive a sorte de tê-lo em minha vida. Ele estava em paz”, escreveu Midler no Twitter. De acordo com o The Hollywood Reporter, seu amigo e ator Barry Primus (“A Amante”) confirmou que ele faleceu após uma longa batalha contra uma doença não revelada. Em setembro do ano passado, haviam criado duas páginas na GoFoundMe, plataforma americana que permite arrecadação de dinheiro pelos usuários, para auxiliar Forrest com as despesas do tratamento. Ao longo da carreira, o ator ganhou notoriedade por papeis como coadjuvante. Embora raramente tenha sido escalado para o papel principal, ele acumulou elogios da crítica, o que já rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Seu maior reconhecimento veio pelo papel como Huston Dyer, um sargento do exército, em “A Rosa”. Na trama, ele fez par romântico com Bette Midler, com quem construiu uma grande amizade. Forrest também apareceu em grandes filmes de Francis Ford Coppola como “A Conversação” (1974) e “Tucker: Um Homem e seu Sonho” (1988). Além de outros longas como “Duelo de Gigantes” (1976), “A Volta do Monstro” (1978), “Sonhos Rebeldes” (1983), “O Menino de Pedra” (1984), “A Chave do Enigma” (1990), “Uma Loira em Apuros” (1994), “Lassie” (1994), “Vingança à Queima-Roupa” (1998) e “The Quality of Light” (2003). Início no teatro com Al Pacino Frederic Fenimore Forrest Jr. nasceu em 23 de dezembro de 1936, em Waxahachie, no Texas. Sua mãe, Virginia, era dona de casa, e seu pai possuía uma loja de móveis. Na infância, ele jogava futebol americano, praticava atletismo e ia ao cinema. Foi quando assistiu ao ator James Dean em “Vidas Amargas” (1955) que decidiu correr atrás da carreira como ator. Em 1957, ele se mudou para Nova York a procura de papéis no teatro. Ele estudou na Academia de Artes Dramáticas de Nova York e no HB Studio, antes de se tornar um membro fundador da já extinta companhia de teatro Circle Repertory Company. No início dos anos 1960, apareceu em várias produções teatrais, fazendo sua estreia na Broadway em 1965 com a peça “The Indian Wants the Bronx”, ao lado de Al Pacino (“O Irlandês”). A produção foi aclamada pela crítica e rendeu indicações para Pacino e Forrest no Tony Award. Com a recepção positiva, o ator começou a fazer participações em filmes e séries. Na década seguinte, ele apareceu em produções maiores como “Quando Morrem as Lendas” (1972) e “A Morte do Chefão” (1973). Foi em 1974 que Forrest começou sua parceria com o renomado diretor Francis Coppola, no longa “A Conversação”. Em seguida, o ator chamou a atenção na televisão americana no telefilme “Larry”, produzido pelo canal CBS naquele mesmo ano. Na trama, ele interpretou o personagem-título em uma história real sobre um homem com inteligência mediana institucionalizado por ser considerado mentalmente deficiente. Parceria com Francis Ford Coppola Após fazer pequenas aparições em seriados e estrelar outras produções, Forrest voltou a trabalhar com Coppola no longa “Apocalypse Now”, um de seus maiores feitos ao longo da carreira. A história da trama era uma crítica do diretor a Guerra do Vietnã, onde Forrest interpretou Jay “Chef” Hicks, um nativo de Nova Orleans despretensioso que vai parar no meio da selva no sudeste asiático, a bordo de um pequeno barco numa missão para acabar com guerrilheiros comandados por um desertor, o terrível Coronel Kurtz (Marlon Brando). É uma jornada rumo ao inferno, com vários encontros e situações desconcertantes ao longo do caminho. O sucesso de “Apocalypse Now” o levou a protagonizar o romance “A Rosa”, dirigido por Mark Rydell. O ator estrelou o longa ao lado de Bette Midler, que na ocasião fazia sua estreia no cinema como Mary Rose Foster, uma diva do rock viciada em excessos, álcool e drogas – uma personagem inspirada em Janis Joplin. Na trama, Forrest interpretou Huston Dyer, o motorista de limusine que se apaixona perdidamente pela estrela. Com a estreia do longa, o ator foi aclamado pela crítica, o que rendeu uma indicação ao Globo de Ouro e ao Oscar pelo papel. Isso o encaminhou para seu terceiro trabalho com Coppola, no polêmico musical “O Fundo do Coração”, lançado em 1981. Desta vez, o ator viveu o protagonista, formando um casal com Teri Garr, que se separa após uma briga em Las Vegas. Os dois passam a buscar companhia de um novo parceiro para passar o feriado de 4 de julho. A nova mulher na vida de Forrest era ninguém menos que a belíssima Nastassja Kinski (recém-saída do sucesso de “Tess”, último filme de Roman Polanski nos EUA), mas ele não conseguia esquecer sua antiga paixão. O romance foi concebido como um musical com trilha de Tom Waits e vários recursos teatrais da Broadway, o que custou uma fábula. Na tentativa de recriar cenários inteiramente dentro de seu recém-lançado estúdio em São Francisco, o cineasta acabou estourando o orçamento da produção. Diante do alto custo do filme, a Paramount desistiu de apoiar o projeto, o que rendeu um grande prejuízo a Coppola, especialmente quando as baixas bilheterias não justificaram o investimento. Com o tempo, porém, o filme se tornou cultuadíssimo. Pouco tempo depois, Forrest se envolveu em mais uma produção problemática. Em 1982, ele estrelou o drama noir “Hammett – Mistério em Chinatown”, produzido por Coppola e dirigido por Wim Wenders (“Perfect Days”). Na trama, ele interpretou o lendário escritor Dashiell Hammett, que usava das suas habilidades de detetive para resolver mistérios. Mas assim como aconteceu com “O Fundo do Coração”, os bastidores do filme foram repletos de intrigas com a Warner Bros., o que resultou em refilmagens da maior parte das cenas, sem o aval de Wenders. Últimos papéis Os problemas nos filmes que protagonizou impediram Forrest de se tornar uma das grandes estrelas da época. Dessa forma, ele procurou investir mais em produções televisivas, o que resultou em aparições na série “Anjos da Lei” (1987), além de destaque em minisséries como “Quo Vadis?” (1985) e “Die Kinder” (1990). Nesse meio tempo, o ator fez sua última colaboração com Coppola, no longa “Tucker: Um Homem e seu Sonho” (1988). O longa foi aclamado pela crítica e rendeu indicações no Oscar daquele ano, embora nenhuma tenha sido para Forrest. Nos anos seguintes, ele participou de longas de qualidades variadas como “O Menino de Pedra” (1984), “A Chave do Enigma” (1990), “Uma Loira em Apuros” (1994), “Lassie” (1994), “Vingança à Queima-Roupa” (1998) e “The Quality of Light” (2003). Sua última aparição nas telas foi no drama político “A Grande Ilusão”, dirigido por Steven Zaillian. A história acompanha a vida do político Willie Stark, interpretado por Sean Penn (“O Franco-Atirador”). Na trama, Forrest deu vida ao personagem de Penn Mesmo que nunca tenha alcançado um grande estrelato, o ator deixou sua marca na indústria cinematográfica e na televisão pelas suas atuações memoráveis. Fora das telas, Forrest foi casado três vezes, sempre com atrizes famosas. Sua primeira esposa foi com Marilu Henner (“L.A. Story”), com quem teve dois filhos. Seu segundo casamento foi com Christine Hendricks (“Mad Men”), e seu terceiro casamento foi com Elan Oberon (“Reação Mortal”). Ele também teve um relacionamento de longa data com a atriz Valerie Perrine (“Superman – O Filme”). The great and beloved Frederic Forrest has died. Thank you to all of his fans and friends for all their support these last few months. He was a remarkable actor, and a brilliant human being, and I was lucky to have him in my life. He was at peace.” — bettemidler (@BetteMidler) June 24, 2023
Paulo Debetio, compositor de “Tieta”, morre aos 77 anos
Na madrugada desta segunda-feira (19/7), o Brasil perdeu um dos maiores nomes da Música Popular Brasileira. O compositor, produtor musical e cantor Paulo Debetio, responsável por diversos sucessos que marcaram época, morreu aos 77 anos no Rio de Janeiro. O artista, que estava internado em uma unidade de Pronto Atendimento da Unimed, em Copacabana, sofreu uma parada cardiorrespiratória. A morte foi confirmada por meio de suas redes sociais: “Hoje temos uma nuvem de lágrimas nos nossos olhos”. Nascido na cidade de Poção, Pernambuco, Debetio iniciou sua carreira artística na década de 1970, em festivais da canção. Ele foi um dos pilares para a abertura da música sertaneja nas rádios FM, destacando-se principalmente por hits como “Nuvem de Lágrimas” e a música-tema da novela “Tieta”. Da Globo para o carnaval O primeiro grande sucesso de Debetio ocorreu com o samba “Pelo Amor de Deus”, apresentado por Emílio Santiago no concurso Rede Globo MPB Shell, em 1982. A exposição na Globo tornou seu nome conhecido. Logo, ele começou a ser gravado por artistas de peso como Elba Ramalho, Leci Brandão, Alcione, Amelinha, Selma Reis e muitos outros, mostrando sua versatilidade e talento para compor em diferentes gêneros. Ele teve outra conexão importante com a Globo. Um de seus maiores acertos comerciais, a música-tema de “Tieta” virou um dos maiores hits da carreira de Luiz Caldas, e foi registrada como uma parceria de Debétio com José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o Boni, manda-chuva da Globo na época. Seu ritmo dançante, que combinava frevo, forró e axé ajudou a trilha da novela de 1989 a bater recordes de vendas e segue, até hoje, como um dos maiores sucesso do carnaval. A porteira do sertanejo Foram composições de Paulo Debetio que levaram a música sertaneja para as estações de rádio FM do Rio de Janeiro. Ele foi um dos primeiros a popularizar nas capitais esse gênero musical, que até então era mais conhecido e apreciado apenas nas regiões interioranas do Brasil. Este movimento ajudou a quebrar estereótipos associados ao sertanejo e a expandir sua influência para um público mais amplo e diversificado. A música que abriu a porteira foi “Nuvem de Lágrimas”, que juntou Fafá de Belem com Chitãozinho e Xororó. Embora a música de Debetio seja hoje reconhecida como um clássico, muitos criticaram Fafá na época por participar de sua gravação, alegando que ela estava se afastando de suas raízes na música popular brasileira. No entanto, Debetio defendeu a gravação, argumentando que a música sertaneja era uma expressão autêntica da cultura brasileira e merece ser apreciada por um público mais amplo. A polêmica acabou por aumentar ainda mais o interesse na música e, em retrospecto, pode-se dizer que a gravação de Fafá de Belém desempenhou um papel crucial na elevação da música sertaneja a um novo patamar de popularidade e aceitação. Ao final, “Nuvem de Lágrimas” tornou-se um sucesso estrondoso, consolidando o lugar de Debetio como um dos principais compositores do Brasil e um ícone na música sertaneja. O envolvimento do compositor com a música sertaneja não ficou nisso, trabalhando com artistas consagrados do gênero como Chitãozinho e Xororó, Gian e Giovani, e Sandy e Junior. Debetio deixou um legado significativo não só como compositor, mas também como produtor e diretor artístico de duas gravadoras, a Polygram (Universal) e a Warner Music. Em sua homenagem, o cantor Bruno Caliman reforçou nas redes sociais: “Deixou um legado lindo e eterno. Meus sentimentos.”
Dave Maclean, cantor brasileiro de hits em inglês, morre aos 79 anos
O cantor brasileiro Dave Maclean, que fez sucesso nos anos 1970 cantando baladas românticas em inglês, morreu no sábado (17/6), aos 79 anos, por complicações decorrentes de um câncer intestinal. Dave Maclean, cujo verdadeiro nome era José Carlos Gonzales, nasceu em São Paulo e se tornou um dos expoentes da tendência de artistas brasileiros adotarem nomes estrangeiros para se apresentarem como astros internacionais, que gerou vários hits na década de 1970. Antes do estrelato, Maclean integrou bandas de rock como The Snakes e Os Botões, também conhecida como The Buttons, no ABC paulista. Brasileiro internacional A virada na carreira veio em 1973, quando sua balada romântica “Me and You” foi escolhida para integrar a trilha da novela “Os Ossos do Barão”. A adesão de Maclean à onda de artistas brasileiros utilizando nomes estrangeiros se deu nesse mesmo ano, seguindo tendência que também fez José Pereira da Silva Neto adotar o nome artístico de Chrystian, Maurício Alberto Kaisermann virar Morris Albert, Ivanilton de Souza tornar-se Michael Sullivan, Richardson da Silva ir de Don Elliot para Ralf, e até Fábio Jr. ser Mark Davis em 1974 – sem esquecer das bandas Pholhas, Lee Jackson e Light Reflections, e muitos outros. Após o sucesso na novela da Globo, Maclean lançou novos hits como “Tears” (também gravada por Chrystian), “Feelings” e “We Said Goodbye”. “We Said Goodbye” tornou-se um sucesso ainda mais impressionante, pois ultrapassou as fronteiras do Brasil e se tornou disco de ouro no México, país em que conseguiu colocar quatro músicas nas paradas de sucessos. A música entrou na trilha de uma novela de El Salvador e também repercutiu nas Filipinas, Equador, Panamá, Portugal, Espanha, França e até na Inglaterra e Estados Unidos. Do country ao sertanejo Após o fim da moda romântica, Maclean se dedicou ao gênero country, fundando em 1980 o grupo Dollar Company, mais tarde rebatizado como Trio Bala de Prata. Sua paixão pelo country o levou ainda a criação da banda Montana Country em 1996. Infelizmente, nenhum de seus projetos subsequentes alcançou o mesmo êxito comercial da década de 1970. No entanto, a contribuição de Dave Maclean para a música brasileira também se estendeu à composição, especialmente para artistas sertanejos. Entre os artistas que interpretaram suas músicas, encontram-se nomes como Sandy & Junior, Sula Miranda, Sergio Reis, Nalva Aguiar e a dupla Gian & Giovani. Em 2015, ele ganhou uma homenagem no “Programa do Ratinho”, cantando seus maiores sucessos em inglês. Veja abaixo.
Morre Luiz Schiavon, tecladista e fundador da banda RPM
Luiz Schiavon, tecladista e fundador da banda RPM, morreu aos 64 anos nesta quinta-feira (15/6). O músico estava internado no Hospital São Luiz, em Osasco, na região metropolitana de São Paulo, e não resistiu a uma cirurgia. Os familiares de Schiavon esclareceram que o compositor lutava contra uma doença autoimune, ainda não revelada. Há dois anos, Luiz se afastou dos palcos devido aos problemas de saúde. “É com pesar que a família comunica o falecimento de Luiz Schiavon. Ele vinha lutando bravamente contra uma doença autoimune há quatro anos, mas, infelizmente, ele teve complicações na última cirurgia de tratamento e não resistiu.” Segundo o comunicado oficial, a despedida do músico será restrita a parentes e amigos próximos. “Luiz era, na sua figura pública, maestro, compositor, fundador e tecladista do RPM, mas acima de tudo isso, um bom filho, sobrinho, marido, pai e amigo.” “Portanto, a família decidiu que a cerimônia de despedida será reservada para familiares e amigos próximos e pede, encarecidamente, que os fãs e a imprensa compreendam e respeitem essa decisão.” “Esperamos que se lembrem dele com a maestria e a energia da sua música, um legado que ele nos deixou de presente e que continuará vivo em nossos corações. Despeçam-se, ouvindo seus acordes, fazendo homenagens nas redes sociais, revistas e jornais, ou simplesmente lembrando dele com carinho, o mesmo carinho que ele sempre teve com todos aqueles que conviveram com ele”, conclui o comunicado. O sucesso musical Em 1983, o tecladista Luiz Schiavon fundou a banda RPM com Paulo Ricardo (baixo e vocais). E logo se juntaram a eles Fernando Deluqui (guitarras) e, um pouco mais tarde, Charles Gavin (bateria) – substituindo um baterista de 15 anos. O primeiro compacto, “Louras Geladas”, virou hit das danceterias em 1984 – enquanto a música “Revoluções por Minuto” foi censurada. Mas a banda insistiu com a faixa e a lançou seu primeiro álbum com o título “Revoluções Por Minuto” em 1985, aproveitando-se da abertura democrática no Brasil. Com Gavin indo para os Titãs, o disco marcou a estreia do baterista Paulo Pagni. E estourou com as músicas de sucesso “Olhar 43”, “Rádio Pirata” e o single “Louras Geladas”. No ano seguinte, “Rádio Pirata ao Vivo”, registro de um show, fez História com uma pré-venda de 500 mil cópias e vendagem de mais de 3,7 milhões discos. Os números fizeram do RPM os artistas de maior vendagem da indústria fonográfica nacional até então. O fenômeno rendeu até edição especial do programa “Globo Repórter”, que pode ser vista na íntegra logo abaixo. As muitas separações O sucesso desmedido gerou planos ambiciosos. A banda resolveu criar um selo próprio, RPM Discos, pelo qual lançou a banda Cabine C. E o fracasso da empreitada acabou gerando a primeira crise e separação provisória do quarteto, que ainda assim lançou “Os Quatro Coiotes” em 1988 antes de separar no ano seguinte. Paulo Ricardo, que seguiu carreira solo em 1989, ainda retomou uma formação da banda sem Schiavon em “Paulo Ricardo & RPM”, de 1993 – com som mais pesado e menos sucesso. E o RPM seguiu indo e vindo, com disco ao vivo na MTV em 2002 e um último álbum de estúdio, “Elektra”, em 2011, novamente com Schiavon nos teclados. Ao todo, o RPM teve mais de 30 anos de carreira musical, entre idas e vindas. Luiz Schiavon também participou como integrante da banda do “Domingão do Faustão” nos anos 2000. E foi o autor da música que introduzia as “Videocassetadas” nos últimos anos. Além disso, criou as trilhas sonoras das novelas “Rei do Gado”, “Terra Nostra”, “Esperança” e “Cabocla”, além da minissérie “Mad Maria”. Neste mês, o tecladista havia lançado sua nova canção “Promessas”, composta em parceria com Fernando Deluqui.
John Romita Sr., lenda dos quadrinhos da Marvel, morre aos 93 anos
John Romita Sr., mestre dos quadrinhos e co-criador de personagens icônicos da Marvel, como Wolverine, o Justiceiro e Mary Jane Watson, faleceu aos 93 anos. Sua morte foi anunciada na terça-feira (13/9) à noite no Twitter por seu filho, John Romita Jr., que também é um artista bem-sucedido da Marvel. “Digo isso com um coração pesado, meu pai faleceu pacificamente em seu sono”, escreveu ele. “Ele é uma lenda no mundo da arte, e foi uma honra seguir seus passos… Ele foi o maior homem que já conheci.” Início de carreira Romita Sr. nasceu em Brooklyn, filho de um padeiro, e se formou na Manhattan School of Industrial Art em 1947. De forma precoce, ele começou a desenhar quadrinhos aos 19 anos, sendo publicado no pioneiro gibi “Famous Funnies”. Por uma década e meia, o artista dividiu seu tempo entre as empresas que eventualmente se tornariam Marvel e DC — Timely Comics e National Comics, respectivamente — trabalhando em vários títulos e ganhando reputação por suas histórias em quadrinhos de romance. Mas com a chegada da década de 1960, os super-heróis dominaram o mercado. Romita começou em 1966 um período de cinco anos trabalhando estritamente com o editor-chefe da Marvel, Stan Lee, na revista do Homem-Aranha, assumindo o lugar do artista Steve Ditko, que havia criado o herói com Lee em 1961, antes de romper a parceria por uma briga. Amor e morte no Homem-Aranha A passagem de Romita resultou numa revolução na vida do Homem-Aranha, com a introdução de vários dos personagens mais memoráveis de seus quadrinhos, incluindo sua amada Mary Jane Watson e famoso vilão Wilson Fisk, o Rei do Crime. Foi também durante o período de Romita que o Homem-Aranha ultrapassou o Quarteto Fantástico como campeão de vendas da Marvel, fazendo o herói mascarado se tornar o símbolo (o Mickey Mouse) da empresa. Além de criar personagens duradouros no universo do “Homem-Aranha”, o artista também contribuiu para o fim de outros. Foi ele quem assinou a arte do trágico e icônico gibi da morte de Gwen Stacy, considerada uma das melhores histórias do “Homem-Aranha” em todos os tempos. Para compensar sua participação nessa tragédia, também fez a capa da edição histórica do casamento de Peter Parker/Homem-Aranha e Mary Jane em 1987. Luke Cage, Justiceiro e Wolverine Em 1972, Romita tornou-se o diretor de arte não oficial da Marvel, um cargo que foi formalizado um ano depois, quando contribuiu para a criação do design de vários personagens, incluindo Luke Cage, o Justiceiro e Wolverine. Foi ele também quem redesenhou a Viúva Negra para apresentá-la com seu icônico traje preto de espiã e ainda ilustrou a estreia da primeira versão feminina do Capitão Marvel, Monica Rambeau. Quase todos esses personagens apareceram inúmeras vezes no cinema e na TV, tanto em live-action quanto em animações. Ele deixou a Marvel em 1996, entrando numa semi-aposentadoria — um termo vago, dada sua produção nos anos seguintes, com vários projetos relacionados ao Homem-Aranha para a Marvel e até uma capa para o Superman na DC, a primeira vez que ele trabalhou para a concorrência em meio século. Reconhecido como uma verdadeira lenda dos quadrinhos, Romita Sr. entrou no Hall da Fama dos Prêmios Eisner em 2002 e no Hall da Fama dos Prêmios Inkwell em 2020. Ele deixa sua esposa, Virginia, e dois filhos. John Romita Jr., por sinal, seguiu os passos do pai e virou um dos desenhistas mais celebrados do Homem-Aranha.
Cormac McCarthy, autor de “Onde os Fracos Não tem Vez”, morre aos 89 anos
Cormac McCarthy, escritor vencedor do Prêmio Pulitzer, que teve várias obras adaptadas para o cinema como “Onde os Fracos Não tem Vez” e “A Estrada”, faleceu nesta terça (13/6) em sua casa em Santa Fé, Novo México (EUA) aos 89 anos. McCarthy era famoso por sua prosa precisa e visão sombria da humanidade, bem como suas tramas violentas e rebeldia contra as aspas e ponto e vírgula, sendo celebrado como um dos principais autores americanos de seu tempo. “Ele é o grande pessimista da literatura americana, usando suas frases para iluminar um mundo em que quase tudo (inclusive a pontuação) já se transformou em pó”, escreveu um perfil de 2009 do jornal The Guardian. O legado literário Nascido Charles McCarthy em Providence, Rhode Island, o escritor foi casado três vezes e deixa dois filhos, além de um imenso legado na literatura americana. Dentre suas obras mais notáveis, destaca-se a “Trilogia da Fronteira” – composta por “Todos os Belos Cavalos” de 1992, “A Travessia” de 1994 e “Cidades da Planície” de 1998 – e sua tragédia pós-apocalíptica “A Estrada”, publicada em 2006. McCarthy recebeu o Prêmio Pulitzer de Ficção por este último livro perturbador sobre a jornada de um pai e seu filho por um mundo desolado. Seu estilo de escrita distintivo caracterizava-se por “frases simples e declarativas”, conforme o próprio autor. Ele nunca sentiu a necessidade de usar aspas quando seus personagens falavam. Sempre relutante em promover seu trabalho, o autor raramente promoveu sua própria obra, apesar do grande interesse do público. Ele deu poucas entrevistas e se manteve bastante isolado do mundo literário. Porém, a fama veio inevitavelmente com a adaptação de seus romances para o cinema, levando sua visão distinta para um público ainda mais amplo. Dos livros para as telas Sua primeira obra a ser adaptada para o cinema foi “Todos os Belos Cavalos”, que virou o filme “Espírito Selvagem” em 2000, dirigido por Billy Bob Thornton e estrelado por Matt Damon e Penélope Cruz. Em seguida veio seu título mais popular: “Onde os Velhos Não Tem Vez” virou o vencedor do Oscar “Onde os Fracos Não tem Vez”, dos irmãos Joel e Ethan Coen, vencedor das estatuetas de Melhor Filme, Direção, Roteiro Adaptado e Ator Coadjuvante (Javier Bardem). O sucesso do drama criminal dos irmãos Coen despertou o interesse nas obras do escritor, levando à adaptação do impactante “A Estrada” logo em seguida. Lançado em 2009, o filme do diretor John Hillcoat foi estrelado por Viggo Mortensen e venceu o Festival de Cinema do Amazonas, além de vários prêmios da crítica. Em uma reviravolta irônica, McCarthy revelou que originalmente concebeu “Onde os Velhos Não Tem Vez” como um roteiro, mas, após receber um feedback negativo, decidiu transformá-lo em um romance. Ele só foi escrever seu primeiro e único roteiro original para o cinema anos depois. O resultado foi “O Conselheiro do Crime”, com direção de Ridley Scott e um elenco grandioso – Penélope Cruz, Michael Fassbender, Javier Bardem e Cameron Diaz, entre outros – , que entretanto não agradou a crítica especializada. Ele também adaptou sua peça “The Sunset Limited” para o telefilme “Ao Limite do Suicídio” da HBO de 2011, estrelado por Tommy Lee Jones e Samuel L. Jackson, e ainda permitiu que James Franco cometesse a adaptação de seu terceiro livro, “Child of God” (lançado em 1973), num filme estrelado por Tim Blake Nelson em 2013. Última adaptação de sua obra McCarthy ainda aumentará a lista de obras transformadas em filme em breve. O diretor John Hillcoat, de “A Estrada”, está trabalhando na adaptação de “Meridiano de Sangue”, um romance notável por sua descrição explícita da violência no Oeste americano, o que sempre foi apontado como dificuldade para sua produção – o que já fez várias tentativas anteriores, de nomes notáveis como Ridley Scott, James Franco e Tommy Lee Jones, falharem. Publicado em 1985, o romance é amplamente considerado uma das maiores obras da literatura americana. Baseado em eventos históricos que ocorreram na fronteira entre Texas e México na década de 1850, o livro segue as fortunas de um jovem de 14 anos do Tennessee que tropeça em um mundo de pesadelos onde os índios estão sendo assassinados e o mercado para seus escalpos está prosperando, entre as muitas violências e depravações da colonização do Oeste dos EUA. O próprio Cormac McCarthy e seu filho, John, apoiaram a escolha de Hillcoat para fazer a adaptação e são creditados como produtores executivos no estúdio New Regency.
Treat Williams, astro de “Hair” e “Everwood”, morre em acidente de moto aos 71 anos
O veterano ator Treat Williams, mais conhecido por seu papel como Dr. Andy Brown na série “Everwood” e por sua performance aclamada no musical “Hair”, faleceu na segunda-feira (12/6) em um acidente de moto próximo a Dorset, Vermont, nos EUA. Ele tinha 71 anos. Ele era conhecido por sua versatilidade, tendo atuado tanto em séries de TV quanto em filmes de sucesso, nos mais diferentes gêneros. O Acidente O agente de Williams, Barry McPherson, confirmou a morte do ator em um comunicado à imprensa. No texto, informou que o ator morreu ao ser cortado por um carro, enquanto fazia uma curva de moto. “Estou simplesmente devastado. Ele era o cara mais legal. Era muito talentoso”, acrescentou. “Ele era um ator dos atores. Os cineastas o adoravam. Ele era o coração de Hollywood desde o final dos anos 1970. Ele estava realmente orgulhoso de sua atuação este ano. Ele estava tão feliz com o trabalho que eu consegui para ele. Ele teve uma carreira equilibrada”, completou o agente. O estouro com “Hair” Nascido como Richard Treat Williams em 1º de dezembro de 1951 em Rowayton, Connecticut, ele começou sua carreira em 1975, marcando sua estreia nas telas com um papel no longa “Deadly Hero”. No ano seguinte, ele coadjuvou o drama de guerra “A Águia Pousou”. Mas foi no ano de 1979 em que realmente decolou, quando foi escolhido para protagonizar a adaptação cinematográfica do famoso musical da Broadway, “Hair”, dirigido por Miloš Forman. A performance de Williams como George Berger foi aplaudida pela crítica e pelo público, levando-o a ser indicado ao Globo de Ouro na categoria de “novo astro do ano”. Baseado no musical da Broadway de 1967, “Hair” trazia música, dança e a contracultura dos anos 1960, marcando sua história com uma forte oposição aos valores conservadores e à guerra do Vietnã. A trama seguia um jovem de Oklahoma chamado Claude (interpretado por John Savage) que por acaso acaba se juntando a um grupo de hippies liderado por Berger, na cidade de Nova York, antes de ser convocado para a guerra. A performance vibrante de Williams como Berger, um personagem extrovertido, espirituoso, mas com destino trágico, ajudou a transformar o filme em sucesso e solidificou o lugar do ator no cinema. “Everwood” e o sucesso na TV Avançando em sua carreira, Williams entrou em seu papel mais notável com “Everwood”. Interpretando o Dr. Andy Brown, um neurocirurgião de Manhattan que muda sua família para o interior do Colorado após a morte de sua esposa, Williams encabeçou a produção por quatro temporadas, ganhando uma indicação ao SAG Award (o troféu do Sindicato dos Atores) por sua performance – à frente de um elenco que ainda tinha ninguém menos que Chris Pratt (“Guardiões da Galáxia”) e Emily VanCamp (“Falcão e o Soldado Invernal”). Já veterano na indústria quando a série começou, Williams trouxe maturidade e profundidade para seu personagem, ganhando o coração dos espectadores ao estrelar todos os 89 episódios da série, de 2002 a 2006. Outros papéis A longa carreira de Williams rendeu muitos outros papéis importantes. Em 1981, ele chamou atenção como protagonista do drama policial “O Príncipe da Cidade”, dirigido por Sidney Lumet. Na trama, deu vida ao detetive Danny Ciello, um policial de Nova York que decide cooperar com uma investigação de corrupção interna, mas logo se vê preso em uma complexa teia de lealdades divididas. Sua performance intensa lhe rendeu aclamação da crítica, além de uma indicação ao Globo de Ouro por sua atuação excepcional. Outros destaques incluem a comédia “1941 – Uma Guerra Muito Louca” (1979), dirigida por Steven Spielberg, e principalmente o terror “Tentáculos”. Nesse filme de 1998, Treat Williams interpretou o capitão de um barco mercenário, contratado para transportar um grupo de piratas ao meio do oceano, sem saber que o destino era um luxuoso transatlântico atacado por misteriosas e vorazes criaturas marinhas. O filme lançou o estilo de “terror de aventura” do diretor Stephen Sommers, que no ano seguinte transformou essa fórmula no sucesso “A Múmia”. Na TV, além de “Everwood”, Williams teve papel recorrente em “Chicago Fire”, onde interpretou Benny Severide, o pai do personagem principal Kelly Severide (Taylor Kinney), além de ter estrelado a série médica “Heartland”, que só teve uma temporada em 2007, e feito participações especiais em atrações famosas como “Law & Order: SVU”, “White Collar” e “Blue Bloods”. Ele ainda foi indicado para um Emmy em 1996 por interpretar o agente Michael Ovitz no telefilme da HBO “Trapaças no Horário Nobre”, sobre a batalha entre os apresentadores David Letterman e Jay Leno para suceder Johnny Carson na apresentação do talk show mais famoso da TV americana. Williams deixa sua esposa, Pam Van Sant, com quem se casou em 1988, e seus filhos Gill e Elinor.
