Phineas e Ferb: Candace contra o Universo ganha clipe musical
A Disney+ (Disney Plus) divulgou um clipe musical extraído de “Phineas e Ferb: Candace contra o Universo”, que mostra Candance cantando feliz, até se lembrar dos terrores criados por seus irmãos, Phineas e Ferb. A cena chega a incluir uma banda de apoio, numa referência à tradição dos desenhos roqueiros dos anos 1960 e 1970, que sempre tinham clipes no meio de seus episódios. A música, chamada “Such a Beautiful Day”, também foi disponibilizada como single no Spotify. Vale lembrar que Candace é dublada por Ashley Tisdale, que já demonstrou seus dotes vocais na franquia “High School Musical” original, do Disney Channel. “Phineas e Ferb: Candace contra o Universo” é o segundo longa animado derivado da série “Phineas e Ferb”, também do Disney Channel, mas será o primeiro a estrear em streaming, na plataforma Disney+ (Disney Plus), com estreia marcada para o dia 28 de agosto. A animação focará na história da irmã mais velha dos protagonistas, que se sente deixada de lado pela família e é abduzida por alienígenas.
Tóquio de La Casa de Papel estrela clipe da parceria de J Balvin e Dua Lipa
J Balvin divulgou o clipe de sua parceria com Dua Lipa, “Un Día (One Day)”, que também tem participação de Bad Bunny e Tainy. Mas o destaque do vídeo não é de nenhum dos cantores. A estrela Úrsula Corberó, conhecida como a Tóquio da série espanhola “La Casa de Papel”, é quem valoriza a obra com sua presença, em imagens captadas em preto e branco em sua casa. Ela aparece descabelada, desarrumada, solitária e sofrendo com o tédio do isolamento social. Às vezes dança na cama, às vezes afunda na banheira, às vezes fica em posição fetal, enquanto a letra passa longe da pandemia, abordando um final de relacionamento. “Um dia você vai me amar de novo”, diz o cantor colombiano. “Um dia você vai perceber que sou mais que sua amante, sou sua amiga”, responde a britânica. No Instagram, Dua Lipa agradeceu a Corberó, que definiu como “lindíssima e talentosa”, por sua “performance de quarentena” no clipe.
Taylor Swift encanta fãs com primeiro clipe de álbum-surpresa
A cantora Taylor Swift divulgou o clipe de “Cardigan” nas primeiras horas desta sexta (24/7) e a produção já lidera o ranking dos vídeos em alta do YouTube. Realizado em isolamento social pela artista, que também assumiu a função de diretora e stylist (fez seu próprio cabelo e maquiagem), o vídeo é um belíssimo registro da relação entre Taylor e seu piano, capaz de transportá-la a paisagens de sonho, mas também de pesadelo. Os efeitos visuais de contos de fada chamam muito atenção, mas só encantam devido à direção de fotografia primorosa, assinada pelo célebre cinematógrafo mexicano Rodrigo Prieto, três vezes indicado ao Oscar – por “O Segredo de Brokeback Mountain” (2006), “Silêncio” (2016) e “O Irlandês” (2019). “Todos usaram máscaras, ficaram longe um do outro”, garantiu a cantora no Instagram. “Cardigan” é o primeiro single extraído do álbum-surpresa “Folklore”, oitavo disco de Taylor Swift, anunciado na quinta e lançado nesta madrugada. “A maioria das coisas que planejei para o verão acabou não acontecendo, mas há algo que não planejei e aconteceu. E essa coisa é o meu 8º álbum de estúdio”, avisou a cantora no Instagram, levando os fãs a surtarem com o lançamento súbito e inesperado. Ao contrário do dançante e otimista “Lover”, que acabou ficando sem turnê mundial por conta da pandemia do coronavírus, “Folklore” traz a cantora mais melancólica. “Despejei todos os meus caprichos, sonhos, medos e reflexões”, ela afirmou.
The Weeknd vira anime em clipe com produção japonesa
O cantor canadense The Weeknd também aderiu à animação como forma de superar as limitações impostas à produção de videoclipes – e filmes e séries – pela pandemia de covid-19. Nos últimos dias, vários artistas lançaram clipes animados – como Dua Lipa e até Pabllo Vittar. O clipe da música “Snowchild” foi dirigido por Arthell Isom, que trabalhou nas equipes de vários animes, como “Gintama – O Filme” (2010), “Uma Carta para Momo” (2011) e na série mais recente de “Lupin the Third” (de 2012), além de ser o primeiro artista negro a possuir um estúdio de animação no Japão, D’ART Shtajio. “Snowchild” tem produção do D’ART Shtajio, conta com animadores japoneses e traz The Weeknd andando por um futuro devastado, em meio a referências de alguns de seus clipes mais famosos.
Dave Franco vai estrelar cinebiografia de Vanilla Ice
O ator Dave Franco (“Vizinhos”) revelou que vai estrelar uma cinebiografia de Vanilla Ice. O filme vai se chamar “To the Extreme”, mesmo nome do disco de 1990 do rapper, que contém seu maior sucesso, “Ice Ice Baby”. Em entrevista ao site Insider, Franco comparou o tom de “To the Extreme” ao de “Artista do Desastre”, que ele estrelou ao lado do irmão, James Franco. Aquele filme recriava as filmagens de “The Room”, um dos piores filmes de todos os tempos. “As pessoas esperavam que fizéssemos uma comédia ampla, em que zombaríamos de Tommy Wiseau, diretor de ‘The Room’, mas, quanto mais realista fizemos, mais engraçado e sincero ficou – e esse é o tom que queremos repetir”, disse Franco à Insider. Na mesma entrevista, Franco contou que já está em contato diário com Rob Van Winkle, nome real de Vanilla Ice, para aprender mais sobre sua vida e discutir como interpretá-lo. “Rob é um cara doce e inteligente, que está ajudando muito no processo de acertar todos os detalhes. Ele nos deu acesso a informações que o público não tem. Falando com ele, já posso imaginar quais aspectos de sua personalidade quero aprofundar no filme.” O longa vai acompanhar a jornada do jovem vendedor de carros usados de Dallas, no Texas, que lançou o primeiro single de rap a alcançar o topo da parada de sucessos da Billboard. E que, após o sucesso imenso de seu disco de estreia, decidiu fazer uma pausa na carreira, apenas para descobrir em seu retorno, em 1994, que já tinha saído de moda. Ao perder relevância e sumir da mídia, Vanilla Ice se casou com Laura Giaritta em 1997. A relação foi marcada por conflitos, e ele acabou preso duas vezes (em 2001 e 2008) por violência doméstica. Os dois se separaram em 2016. O mais curioso foi sua insistência em continuar na indústria da música. Achando que o problema era de estilo musical, ele virou metaleiro e gravou discos de rock pesado. Até perceber que as pessoas só o conheciam como rapper, voltando ao gênero em “W.T.F.” (2011), seu disco mais recente, que já tem quase uma década. Desde então, ele vem cantando menos e aparecendo mais em reality shows e comédias de Adam Sandler. Não há maiores informações sobre a equipe que desenvolve “To the Extreme”, mas Dave Franco acaba de estrear como diretor. Elogiadíssimo, o primeiro longa que ele dirigiu, o terror “The Rental”, tem 73% de aprovação no Rotten Tomatoes e chega nesta sexta (24/7) para locação digital nos EUA. Relembre abaixo o fenômeno “Ice Ice Baby”.
Pabllo Vittar vira super-heroína em clipe animado do estúdio de Super Drags
Pabllo Vittar voltou a virar desenho animado num novo clipe. Depois de aparecer na curta série animada “Super Drags”, artista retomou as curvas desenhadas no vídeo de “Rajadão”. A animação foi realizada pelo Combo Estúdio, justamente a produtora responsável por “Super Drags” da Netflix – além de “Any Malu Show” do Cartoon Network. E segue a mística de transformar drag queen em super-heroína, como na série – desta vez, com influência de Tempestade, personagem dos X-Men. As cenas animadas aparecem mescladas a imagens live-action de Pabllo, que se livra de correntes no vídeo, enquanto a música vai do sertanejo-axé-brega ao batidão eletrônico. Indigesto em outros tempos, o mistureba style define o superpop genérico atual.
Sergio Ricardo (1932 – 2020)
O músico, escritor, pintor e cineasta Sergio Ricardo morreu na manhã desta quinta-feira (23/7), aos 88 anos no Hospital Samaritano, no Rio de Janeiro. A causa da morte não foi divulgada. Um dos integrantes de primeira hora da bossa nova, autor de “Zelão” e também da belíssima “Folha de Papel”, gravada por Tim Maia, Sergio ficou conhecido nacionalmente, a contragosto, por ter quebrado um violão no II Festival da Música Brasileira em 1967, quando foi vaiado ao apresentar a canção “Beto Bom de Bola”. Anos mais tarde, no princípio da década de 1990, escreveu uma autobiografia que batizou de “Quem Quebrou meu Violão”. Mas antes do banquinho e o violão, ele já era conhecido pela câmera na mão. Sergio Ricardo, que na verdade se chamava João Lutfi, seu nome de batismo, começou a filmar em 1962 sem nunca ter quebrado recordes de bilheteria. Mesmo assim criou um trio de clássicos do cinema brasileiro. Ao todo, ele assinou seis filmes, incluindo dois curtas, a maioria com participação importante de seu irmão Dib Lufti, um dos mais famosos diretores de fotografia do Brasil. O primeiro curta, “Menino da Calca Branca” (1962), ainda contou com apoio de outro mestre do Cinema Novo, o cineasta Nelson Pereira dos Santos, que realizou sua montagem. A história do menino favelado que sonhava com uma calça nova foi lançada no Festival Karlovy Vary, na então Tchecoslováquia, e acabou premiada no Festival de San Francisco, nos EUA. O primeiro longa, “Êsse Mundo É Meu”, foi um drama social estrelado por Antonio Pitanga e abordava a vida dura na favela. Além de escrever e dirigir, Sergio Ricardo compôs sua trilha sonora, lançada em disco – a música-título também foi gravada por Elis Regina. E sua qualidade chamou atenção da crítica internacional. Na época, o critico e diretor francês Luc Moullet, em artigo publicado na revista Cahiers du Cinema, condenou a ausência da obra de Sérgio Ricardo no festival de Cannes de 1965 e listou “Êsse Mundo É Meu” entre os melhores filmes de 1964. Mas pouca gente viu, inclusive no Brasil, onde foi lançado em 1 de abril de 1964, junto do golpe militar que esvaziou as ruas e os cinemas do país. Sergio Ricardo costumava brincar que tinha sido seu primeiro fracasso cinematográfico. Vieram outros. Romance engajado, “Juliana do Amor Perdido” (1970) denunciava como fanatismo religioso mantinha o povo escravizado numa comunidade de pescadores, e foi exibido no Festival de Berlim. Mais proeminente, “A Noite do Espantalho” (1974) consagrou-se como a primeira ópera “rock” brasileira ou o primeiro filme-cordel. Rodada no “palco a céu aberto” de Nova Jerusalém, onde anualmente é encenada a Paixão de Cristo, a trama registrava a luta de camponeses contra um poderoso coronel latifundiário, que agia comandado por um dragão. Em meio a surrealismo e psicodelia sertaneja, o filme ainda revelou, de uma só vez, os talentos de Alceu Valença e Geraldo Azevedo. E arrancou elogios da crítica mundial, com sessões lotadas no Festival de Cannes e de Nova York. Seus três longas formaram uma trilogia não oficial sobre a crise social brasileira. O diretor começou na favela urbana, foi para o litoral distante e acabou no sertão nordestino. E nesse trajeto evoluiu do neorealismo preto e branco para o psicodelismo colorido, criando uma obra digna de culto. Mas apesar da grande repercussão internacional, os filmes do diretor não receberam a devida valorização no Brasil. Sem incentivo, ele acabou se afastando das telas. Só foi voltar recentemente, em 2018, para seu quarto e último longa-metragem, “Bandeira de Retalhos”, que sintetizou seus temas. O filme acompanhava a luta de moradores de uma favela carioca contra a desapropriação de suas casas, que políticos poderosos tinham negociado com empresários do setor imobiliário. A história, inspirada numa tentativa da Prefeitura do Rio de transformar o Vidigal num empreendimento de luxo em 1977, foi encampada pela ONG Nós do Morro e filmada com poucos recursos. Novamente com Antonio Pitanga em papel de destaque, além de Babu Santana. Mas pela primeira vez sem Dib Lufti atrás das câmeras, falecido em 2016, o que fez toda a diferença. “Bandeira de Retalhos” foi exibida na Mostra de Tiradentes, festival de filmes independentes, e nunca estreou comercialmente. O diretor acabou lançando o filme por conta própria no YouTube, em maio passado, no começo da pandemia de covid-19. Além do trabalho como cineasta, Sergio Ricardo ainda contribuiu com outros talentos para o cinema brasileiro. São dele as trilhas de clássicos como “Deus e o Diabo na Terra do Sol” (1964), “Terra em Transe” (1967) e “O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro” (1969), para citar só obras de Glauber Rocha, entre muitas outras colaborações. Ele também foi ator, embora tenha desempenhado poucos papéis, como no clássico infantil “Pluft, o Fantasminha” (1962) e como narrador de “Terra em Transe”, além de aparecer em dois de seus filmes e ter estrelado a minissérie “Parabéns pra Você” em 1983, na rede Globo.
Rolling Stones revelam canção inédita de 1974 com participação de Jimmy Page
Os Rolling Stones lançaram nesta quarta (22/7) uma canção inédita gravada com Jimmy Page, o lendário guitarrista do Led Zeppelin. A faixa “Scarlet” foi disponibilizada nas plataformas digitais, inclusive no YouTube, onde foi acompanhada por um clipe. O vídeo traz apenas a letra da canção e alguns rabiscos virtuais preenchidos na embalagem da fita master. A fita estava guardada desde os anos 1970. A gravação aconteceu em 1974, após os Stones lançarem o álbum “Goat’s Head Soup” (1973). Page apareceu para uma jam e o resultado acabou gravado. Keith Richards chegou a espalhar que se tratava de uma música para um disco solo do colega, mas os planos sempre foram de lançar a faixa num disco dos Stones, com Mick Jagger escrevendo uma letra e cantando sobre o material. O próprio Page acreditava que ela apareceria no lado B de algum single da banda. O nome da faixa, de todo modo, é uma homenagem à filha mais velha de Page, chamada de Scarlet, que na época tinha três anos de idade. O guitarrista do Led Zeppelin é um velho amigo dos Stones, tendo tocado ainda adolescente numa versão de “Heart of Stone”, de 1965, além de fazer o solo da música “One Hit (To the Body)”, em 1985. “Scarlet” será incluída numa versão estendida do álbum “Goat’s Head Soup”, que ganhará uma nova versão de luxo no dia 4 de setembro. Além desta faixa, o lançamento contará com mais duas faixas inéditas, gravadas naquele período: “All the Rage” e “Criss Cross”.
Annie Ross (1930 – 2020)
A atriz e cantora Annie Ross, conhecida pelo hit de jazz “Twisted” e por papéis em filmes como “Superman 3” (1983) e “Short Cuts – Cenas da Vida” (1993), morreu na terça (21/7) por complicações cardíacas. Nascida Annabelle Macauley Allan Short, ela começou sua longa carreira ainda na infância, graças à influência da tia, a atriz e cantora Ella Logan, aparecendo em curtas dos Batutinhas aos sete anos de idade. Sua estreia em longa-metragem foi como irmã mais jovem de Judy Garland na comédia musical “Lilly, A Teimosa” (1943). Mas o trabalho que lhe deu projeção acabou sendo uma música. Ela virou a queridinha do jazz americano na década seguinte, com o lançamento de “Twisted”, música de 1952 sobre as memórias perturbadas de uma paciente psiquiátrica. Durante os anos 1950 e 1960, Annie Ross cantou ao lado de Dave Lambert e Jon Hendricks no trio Lambert, Hendricks & Ross, que lançou o disco “Sing a Song of Basie” (1957) considerado um clássico do jazz. Em 1962, eles venceram um Grammy pelo álbum “High Flying”. O sucesso musical a afastou das telas. Ela ficou tão famosa que, quando aparecia em alguma produção, interpretava a si mesma, como aconteceu num episódio da série britânica “O Santo”, em 1965. Mas após duas décadas dedicadas à música, Annie precisou voltar aos cinemas a partir dos anos 1970, após um divórcio que a deixou falida. Ela alternou participações em musicais de teatro com pequenos papéis em filmes como “Alfie – O Eterno Sedutor” (1975), “Os Yankees Estão Voltando” (1979) e principalmente “Superman III” (1983), em que interpretou a irmã do vilão Ross Webster (Robert Vaughn), transformada em um ciborgue na história. Curiosamente, acabou tendo maior projeção em duas continuações da franquia de terror “Basket Case”, produzidas em 1990 e 1991, além de ter interpretado a diretora da escola de Christian Slater no cultuado “Um Som Diferente” (1990), um filme sobre o poder subversivo do rock alternativo. Neste período, ela descobriu que tinha um fã no diretor Robert Altman, que a incluiu em dois filmes consecutivos. Após viver a si mesma em “O Jogador” (1992), Altman a escalou em “Short Cuts – Cenas da Vida” (1993), como uma cantora de jazz que lutava para se recuperar do vício em heroína e voltar aos holofotes. A personagem parecia ter sido escrita sob medida, já que Annie Ross enfrentou o vício da droga na vida real. “Short Cuts” representou um renascimento da carreira musical de Ross, que também cantou em sua trilha sonora. O filme lhe rendeu convites para retomar as turnês artísticas. Reinventando-se como cantora de cabaret, com espetáculos lotados, ela despediu-se dos cinemas pela última vez no ano seguinte, encerrando sua filmografia com “Céu Azul” (1994), um romance estrelado por Jessica Lange e Tommy Lee Jones. Ross se apresentou regularmente no Metropolitan Room até o fechamento da sala de espetáculos nova-iorquina em 2017, e, em 2014, lançou seu último álbum, “To Lady with Love”, uma homenagem a Billie Holiday.
Black Is King: Álbum visual de Beyoncé ganha pôster e novo trailer
A plataforma Disney+ (Disney Plus) divulgou um novo trailer de “Black Is King”, próximo “álbum visual” de Beyoncé. As imagens do vídeo mostram um conceito que combina ancestralidade africana, ficção científica e vida urbana moderna, com muitas cores e situações misteriosas, coreografias, um esboço de narrativa sobre um reino místico e diversas participações especiais – como o rapper Jay-Z, marido da cantora, a modelo Naomi Campbell, a cantora Kelly Rowland, o cantor e produtor Pharrell Williams, e a atriz Lupita Nyong’o (“Pantera Negra”). O filme foi inspirado no envolvimento de Beyoncé com a produção de “O Rei de Leão”. Em comunicado, a Disney e a Parkwood Entertainment, empresa de Beyoncé, informam que ele irá reimaginar as lições do “Rei Leão” para os “jovens reis e rainhas de hoje em busca de suas próprias coroas”. “Black Is King” homenageará “as viagens das famílias negras ao longo do tempo” em uma história “sobre a jornada transcendente de um jovem rei através de traição, amor e identidade própria. Seus ancestrais o ajudam a guiá-lo para seu destino, por meio dos ensinamentos de seu pai e apoio de seu amor de infância, ele ganha as virtudes necessárias para recuperar sua casa e trono”, diz a sinopse, ecoando literalmente a trama de “O Rei Leão”. Tem mais. “‘Black Is King’ é uma afirmação de grande realização, com visuais exuberantes que celebram a resiliência e a cultura negra. O filme destaca a beleza da tradição e a excelência negra”. A produção é baseada nas músicas de “The Lion King: The Gift”, disco com curadoria de Beyoncé, inspirado por “O Rei Leão” e lançado em julho passado, e contará com participação dos principais artistas do álbum, juntamente com alguns convidados especiais. O álbum apresenta Childish Gambino (Donald Glover), Kendrick Lamar, Pharrell, Jay-Z e Blue Ivy Carter (a filhinha de Beyoncé), entre outros. Assim como “Lemonade” (o “álbum visual” anterior de Beyoncé), “Blak Is King” conta com uma longa lista de diretores, cada um focado num “clipe” diferente – incluindo Emmanuel Adjei (do filme “Shahmaran”), Blitz Bazawule (“The Burial of Kojo”), Pierre Debusschere (dos clipes “Mine” e “Ghost”, de Beyoncé), Jenn Nkiru (“Black to Techno”), Ibra Ake (diretor criativo e produtor de “This Is America” para Childish Gambino), Dikayl Rimmasch (“Cachao”, “Uno Mas”), Jake Nava (“Crazy in Love”, “Single Ladies”, “Partition”, de Beyoncé) e o co-diretor e colaborador de longa data da cantora Kwasi Fordjour. O lançamento está marcado para 31 de julho na plataforma da Disney, cerca de um ano depois da estreia de “O Rei Leão”.
Roma rebatiza seu maior auditório com o nome de Ennio Morricone
A Assembleia de Roma aprovou por unanimidade nesta sexta (17/7) o projeto de renomear o Auditorium Parco della Musica (Parque da Música) como Auditorium Ennio Morricone, numa homenagem ao compositor e maestro italiano, autor de trilhas lendárias de cinema, que faleceu no dia 6 de julho aos 91 anos. A homenagem foi realizada numa sessão extraordinária, que contou com uma cerimônia solene e presença da prefeita de Roma e da família de Morricone. Um dos filhos do compositor, Marco, destacou aos presentes sua emoção pela mudança de nome, já que o pai considerava que o Auditorium “como sua casa” e agradeceu aos políticos “pela espontaneidade e pela velocidade” da honraria. Participaram também alguns dos expoentes do cinema e das artes italianas, como o diretor e amigo do maestro romano, Giuseppe Tornatore, que ressaltou o “grande privilégio” de ter conhecido e trabalhado com Morricone, e a Orquestra de Santa Cecília, que abriu a sessão tocando “Deborah’s Theme”, do filme “Era uma Vez na América” (1984). “Hoje estamos celebrando uma pessoa de grande valor humano e artístico que merece que Roma continue a lembrá-lo dignamente por tudo aquilo que ele deixou e que ficará na nossa memória. Estou feliz que essa amável homenagem seja compartilhada com os cidadãos”, disse a prefeita de Roma, Virginia Raggi, ao abrir a sessão legislativa. Raggi lembrou que “até os seus últimos concertos” ficaram lotados tanto na Itália como em outros países e que “Morricone era admirado na sua cidade, mas a sua popularidade foi muito além das fronteiras” italianas. “Uma popularidade que poucos tiveram igual. Para ele, o mundo todo fez homenagens seja no mundo do espetáculo, da cultura ou da política. Foram sentimentos sinceros porque poucos como Morricone souberam emocionar e comover em um sentimento que atravessou gerações. Todos nós temos recordações inesquecíveis, centenas de composições, que poderemos escutar no auditório que levará o seu nome”, finalizou. O presidente da Assembleia, Marcello De Vito, ressaltou que o projeto foi aprovado da maneira mais rápida possível porque “houve uma ação unânime de todas as forças políticas para esse ato necessário e indispensável”. O agora chamado Auditorium Ennio Morricone é o maior complexo musical de Roma, com três salas de concertos e apresentações para os mais diversos tipos de atividades culturais. Ele foi projetado pelo renomado arquiteto Renzo Pieno e inaugurado em 2002.
Laura Harrier incorpora Tina Turner em clipe de hit da lendária cantora
Tina Turner interrompeu a aposentadoria para regravar um de seus maiores hits: “What’s Love Got to Do with It”. A música ganhou nova produção do DJ Kygo, retornando numa versão remix pouco ousada, que preserva a melodia e a voz da lendária cantora. A música também ganhou clipe – sem Tina, mas com os atores Laura Harrier (“Homem-Aranha: De Volta para Casa”) e Charles Michael Davis (“The Originals”). No vídeo dirigido por Sarah Bahbah, eles vivem um casal que, sob a aparência romântica, tem problemas de comunicação. Os conflitos se acumulam até a inevitável separação. Vale destacar que Harrier dá show ao incorporar Tina e dublar animadamente um trecho da música sobre um balcão de bar. Não é a primeira vez que Kygo busca sucesso com hits do passado. Em 2019, ele lançou um remix de “Higher Love”, de Whitney Houston. Nas redes sociais, o DJ se disse honrado de trabalhar com Tina, que estava afastada desde a turnê “Tina!: 50th Anniversary Tour”, em 2009. “Não acredito que vou lançar uma colaboração com Tina Turner! ‘What’s Love Got to Do with It’ é uma das minhas músicas favoritas. Parece surreal ter a oportunidade de trabalhar com uma artista lendária como ela”, escreveu.
Cursed: Clipe da série revela música cantada por Katherine Langford
A Netflix divulgou um novo vídeo de “Cursed: A Lenda do Lago”, que é na verdade um clipe com a letra da música “I Could Be Your King”, criada para a série de fantasia. A canção foi gravada pela atriz Katherine Langford (a Hannah de “13 Reasons Why”), que demonstra outro aspecto de seu talento artístico. Ela é formada em Teatro Musical, já cantou em montagens teatrais australianas e tem algumas músicas originais no YouTube – em que acompanha a si mesmo no piano. A letra de “I Could Be Your King” é basicamente um resumo da trama da série, mencionando a luta pela coroa britânica e o desejo da protagonista de ser mais que seu destino lhe reserva. “Eu não quero me afogar/ Posso ser o seu rei”, canta ela em um trecho. Criada por Frank Miller (o autor dos quadrinhos de “300”, “Cavaleiro das Trevas” e “Sin City”) e Tom Wheeler (roteirista da animação “O Gato de Botas”), a série propõe uma revisão radical da conhecida lenda do Rei Arthur, por meio de uma reinvenção de Nimue, vivida por Langford. Na trama, a personagem (mais conhecida como a Dama do Lago) surge como guardiã da espada mágica Excalibur e é ajudada pelo jovem Arthur em sua missão para encontrar o mago Merlin e salvar a magia. Ao longo dessa jornada, eles se tornam símbolos de coragem e rebelião contra os terríveis paladinos vermelhos do Rei Uther. O elenco também destaca Gustaf Skarsgård (o Floki de “Vikings”) como Merlin e Devon Terrell (Barack Obama no drama indie “Barry”) no papel de Arthur, além de Daniel Sharman (“The Originals”), Peter Mullan (“Westworld”), Sebastian Armesto (“Amor e Tulipas”), Billy Jenkins (“Humans”), Lily Newmark (“Han Solo”) e Catherine Walker (“Versailles”). Com 10 episódios, a 1ª temporada estreia na sexta-feira (17/7) em streaming.
