Animação Trolls é a maior estreia da semana nos cinemas
A animação “Trolls” é o maior lançamento da semana, com distribuição em 862 salas, das quais 550 em 3D. Fato raro, terá diversas cópias legendadas. Isto porque é um musical e tem diversos cantores famosos em seu elenco de vozes, como Justin Timberlake e Gwen Stefani. Na versão brasileira, as vozes são da cantora Jullie e do blogueiro Hugo Gloss. Quase psicodélico, o filme leva para os cinemas aqueles bonecos de cabelos arrepiados que viraram febre nos anos 1960 e tiveram um grande revival há 20 anos. Seu criador, o lenhador dinamarquês Thomas Dam, concebeu os bichos feios como presente para sua filhinha em 1959, batizando-os de Trolls. Na história, os Trolls vivem num estado de eterna felicidade, cantando, dançando e se abraçando o dia todo, exceto o personagem mau-humorado de Timberlake. Um dia, eles são descobertos pelos Bergens, que percebem que podem ser felizes por um instante se comerem um Troll. O resultado é um dos melhores desenhos do estúdio DreamWorks Animation, quase tão divertido quanto o primeiro “Shrek” (2001), também estrelado por um troll simpático. O lançamento nos EUA só acontece na semana que vem, mas a crítica americana já viu e amou, com 85% de aprovação na nota média do site Rotten Tomatoes. A opção dos shoppings para o público mais adulto é “A Garota no Trem”, suspense baseado em best-seller que chegou a ser comparado com “A Garota Exemplar”. Mas as duas garotas acabaram se revelando bem diferentes. O novo filme, estrelado por Emily Blunt (“O Caçador e a Rainha do Gelo”), vem tendo um desempenho modesto nas bilheterias e diante da crítica – apenas 44% de aprovação. A trama gira em torno de um assassinato que a protagonista pode ter testemunhado ou cometido. As reviravoltas, porém, não chegam a surpreender. Estreia em 318 salas. Quer ver um thriller realmente bom? Só se morar no Rio, cidade que vai receber, com exclusividade e somente em duas salas, o melhor lançamento da semana. O noir sul-coreano “Um Dia Difícil” é daqueles filmes especiais, capazes de, ao mesmo tempo, fazer o espectador pular da cadeira de tensão e rolar para baixo dela de tanto rir. A história insana acompanha um policial corrupto, que após tentar encobrir um acidente de carro que matou um homem, é perseguido pela suposta testemunha do crime. A partir daí, a ação não pára. Nem os absurdos. O diretor Kim Seong-hun tem o senso de humor dos irmãos Coen para retratar situações criminais. Apesar de novato, é um nome que o cinéfilo precisa anotar. Fãs de besteirol (a gente sabe que existem) podem conferir outro lançamento asiático com mais facilidade: a nova comédia de ação de Jackie Chan, de volta a seu papel de sempre, como um detetive de Hong Kong que se junta a um americano para derrubar um mafioso chinês. Mas não se trata de “A Hora do Rush 4”, porque o comediante americano desta vez é branco, Johnny Knoxville (“Jackass”), e o filme se chama “Fora do Rumo”. Em 140 salas. Em circuito limitado, o terror “Satânico” chama atenção por ser estrelado por Sarah Hyland (uma das meninas da série “Modern Family”) e contar com desaprovação unânime no Rotten Tomatoes (só críticas negativas num total de 0% de recomendação). Tenha medo de suas 25 salas. “Amnésia” marca a volta do veterano cineasta Barbet Schroeder à praia de Ibiza, onde ele filmou o psicodélico “More”, com trilha do Pink Floyd em 1969. A trilha, agora, é a música eletrônica dos anos 1990, e a trama é inspirada pela vida da mãe do diretor, uma alemã que, por causa do nazismo, mudou de país e pelo resto da vida se recusou a falar alemão ou consumir qualquer produto fabricado na Alemanha, até que um DJ de Berlim aluga um quarto em sua casa, visando estourar na famosa cena musical de Ibiza. Exibido no último Festival do Rio, entra em 18 salas de sete capitais, além de Campinas. Completam o circuito o belo e vazio drama brasileiro “Jonas”, com Jesuíta Barbosa, Chay Suede, o rapper Criolo e Laura Neiva mais linda que nunca em 13 salas, o romance gay holandês “Boys”, em uma sala no Rio e outra em Brasília, e o documentário “Epidemia de Cores”, apenas no Espaço Itaú Botafogo, no Rio.
Estreias: O Contador e Ouija deixam a programação tensa nos cinemas
A Mostra de São Paulo deixou o clima tenso nos cinemas. Evidenciando a concentração do circuito alternativo no parque exibidor paulista, a quantidade de lançamentos diminuiu drasticamente nesta semana, com apenas seis estreias. Cinco são produções americanas e as que ocupam mais salas de shoppings provocam aflição. O suspense “O Contador” estreia no Brasil uma semana após abrir em 1º lugar nos EUA. A história de Bill Dubuque (“O Juiz”) chegou a figurar na Black List, a lista dos melhores roteiros não filmados de Hollywood, mas é o maior problema do longa, por partir da premissa que o autismo é capaz de transformar alguém numa perfeita máquina de matar, conduzido aos clichês dos thrillers de ação, quando parecia que engataria um suspense psicológico. Na trama, Ben Affleck (“Batman vs. Superman”) vive um contador aparentemente pacato, que tem como cliente algumas das mais perigosas organizações criminosas do mundo. Ciente que está sendo vigiado pela polícia federal (chefiada por J.K. Simmons, de “Whiplash”), ele decide desviar a atenção, aceitando um cliente legítimo: uma empresa de robótica de última geração. O problema é que uma assistente de contabilidade da companhia (Anna Kendrick, de “A Escolha Perfeita”) descobre uma discrepância envolvendo milhões de dólares. Isto leva o contador a mergulhar nos registros, mas, conforme se aproxima da verdade, a contagem de corpos começa a subir e a qualidade a cair. A crítica americana considerou apenas medíocre – 49% de aprovação na avaliação do site Rotten Tomatoes. Em estreia simultânea com os EUA, o terror “Ouija – Origem do Mal” sai-se melhor em sua iniciativa de provocar tensão, apesar do trailer já ter entregue a história completa. Passado nos anos 1960, este prólogo é superior e mais assustador que o longa que iniciou a franquia – o fraco “Ouija: O Jogo dos Espíritos” (2014). A trama acompanha uma mãe trapaceira (Elizabeth Reaser, da “Saga Crepúsculo”) que, com o auxílio de suas duas filhas, finge se comunicar com os espíritos para enganar clientes ricos. Até que decide comprar um jogo de tabuleiro Ouija para incrementar os negócios e um espírito real invade o corpo da filha menor. Escrito e dirigido por Mike Flanagan (“O Espelho”), que a cada filme comprova sua fama de mestre do terror moderno, a produção ainda resgata o sumido Henry Thomas, que há três décadas estrelou o clássico “E.T. – O Extraterrestre” (1982), como o padre que tenta ajudar as crianças. 88% de aprovação no Rotten Tomatoes. “A Nona Vida de Louis Drax” mistura um pouco de tudo, começando como drama médico para virar investigação policial e decidir encontrar uma solução de ficção científica para gerar suspense com elementos de terror sobrenatural. O resultado dessa mistureba é difícil de engolir – e o Rotten Tomatoes registrou a rejeição, com 40% de aprovação. Com direção de outro especialista em terror, o francês Alexandre Aja (“Piranhas”), a trama traz Jamie Dornan (“Cinquenta Tons de Cinza”) como um médico/cientista louco que usa uma invenção para tentar se comunicar com um menino em coma e descobrir se o acidente que o deixou no hospital foi criminal. Refletindo diversos lugares-comuns, já vistos em filmes como “A Cela” (2000) e “Aurora” (2012), o filme marca o primeiro roteiro assinado pelo ator Max Minghella, que trabalhou com Aja no terror “Amaldiçoado” (2013). O drama de época “O Mestre dos Gênios” tinha premissa promissora e, por isso, deixou a crítica frustrada, recebendo a mesma nota medíocre de “O Contador” no RT. Escrito por John Logan (“007 Contra Spectre”), narra a complicada relação de trabalho entre o escritor Thomas Wolfe (vivido por Jude Law, de “A Espiã que Sabia de Menos”) e seu primeiro editor, Max Perkins (Colin Firth, de “Kingsman – Serviço Secreto”), que lançou escritores icônicos como F. Scott Fitzgerald e Ernest Hemingway. Perkins percebeu o talento bruto no autor que ninguém queria publicar, mas precisou contornar a difícil personalidade de Wolfe e sua falta de disciplina para realizar um trabalho insano de edição e transformá-lo num escritor referenciado. Tudo isso a um enorme custo pessoal. Mas também há quem sustente que ele sufocou o talento cru do escritor, a ponto de a versão recuperada, sem edições, do manuscrito original de “Look Homeward, Angel” (1929) ser considerada superior ao texto editado. O filme não responde a esta questão. Longe de oferecer complicações e sustos, a comédia “Jovens, Loucos e Mais Rebeldes!!” oferece o melhor programa da semana. Ignore o título, que ao menos serve para referenciar “Jovens, Loucos e Rebeldes” (1993), que foi como se chamou o primeiro longa de Richard Linklater (“Boyhood”) lançado no Brasil. O novo trabalho é uma espécie de continuação espiritual daquele filme, que virou cult e lançou uma geração de novos astros de cinema – Ben Affleck, Matthew McConaughey, Milla Jovovich, etc. Mas enquanto aquele se passava nos anos 1970 e tinha como título original “Dazed and Confused”, música paranoica do Led Zeppelin, o novo se chama “Everybody Wants Some!!”, nome de uma canção festeira do Van Halen e acontece nos anos 1980. A trama gira em torno de um grupo de jovens amigos e segue o clima das comédias sexuais da época, “Porky’s” (1981), “O Clube dos Cafajestes” (1978) e “O Último Americano Virgem” (1982). Estão de volta os trotes, as drogas, a descoberta do sexo, a busca da identidade, a integração em grupo e outros elementos que marcam os melhores filmes do diretor, incluindo “Boyhood” (2014), além de uma recriação precisa de época e, quem sabe, até a revelação de uma geração de estrelas. A crítica americana riu junto, com 87% de aprovação. O último lançamento também é uma comédia. “Romance à Francesa” é exatamente o que se imagina de um filme com este título. Afinal, a comédia francesa atual virou clichê de si mesma, girando sempre em torno de infidelidades e relacionamentos a três. Anaïs Demoustier, que vive a Caprice do título original, inclusive já passou por situação similar numa comédia romântica melhor, “A Três Vamos Lá” (2015). A repetição entedia. E entristece, ao considerar que isso encontre tanto mercado no Brasil. Vale lembrar, ainda, que outra comédia lançada exclusivamente no Ceará na semana passada ganha o território nacional nesta quinta-feira: “O Shaolin do Sertão”, de Halder Gomes (“Cine Holliúdy”) – cuja crítica já pode ser lida aqui.
Mostra de São Paulo completa 40 anos com mais retrospectivas que destaques premiados
Na briga entre o Festival do Rio e a Mostra de São Paulo, o público cinéfilo continua a ser a maior vítima. Graças à exigência de exclusividade, filmes que passam no Rio não são exibidos para o público paulista e vice-versa. Entretanto, organizadores de ambos os eventos reclamam da dificuldade de formar suas programações grandiosas. A maior consequência dessa política se fez sentir na programação da Mostra de São Paulo, que, ao completar 40 anos, não terá, como vinha sendo tradição, o vencedor de algum festival top europeu. O vencedor de Berlim já passou pela capital paulista no festival É Tudo Verdade. Já os de Cannes e Veneza integraram o Festival do Rio. Assim, os destaques da Mostra 2016 são filmes que tiveram repercussão crítica, como “Elle”, de Paul Verhoeven, um dos títulos mais comentados de Cannes, mas que saiu do festival francês sem reconhecimento do juri da Palma de Ouro. Há também “A Garota Desconhecida”, o drama de pior recepção crítica da carreira dos irmãos Dardenne. Caso exemplar, o filme de Lav Diaz que venceu o Leão de Ouro em Veneza (“A Mulher que se Foi”) ficou com a organização carioca, enquanto seu outro longa de 2016 (“Canção para um Doloroso Mistério”), que “abriu novas perspectivas” em Berlim, vem a São Paulo. Mesmo assim, é possível garimpar obras premiadas, que estão inclusive cotadas para o Oscar, como “Animais Noturnos”, segundo filme do estilista Tom Ford, que levou o Grande Prêmio do Juri em Veneza, e “The Birth of a Nation”, vencedor do Festival de Sundance, que teve suas chances de premiação eclipsadas por um escândalo antigo da vida do diretor, roteirista e ator Nate Parker. De todo modo, não deixa de ser sintomática a ideia de exibir dois episódios de uma minissérie da TV durante o evento. Certo, Veneza também projetou os capítulos de “The Young Pope”, mas é diferente um festival italiano oferecer seu tapete vermelho para Paolo Sorrentino, um dos grandes cineastas do país, como Cannes já havia feito anteriormente com as minisséries “Carlos”, de Olivier Assayas, e “O Pequeno Quinquin”, de Bruno Drumont. Para dar crédito à Mostra, com o crescimento dos serviços de streaming, talvez este seja mesmo o futuro dos festivais: ampliar o espaço das narrativas serializadas. Para chegar nos mais de 300 títulos da programação já adiantada, boa parte das exibições será composta de retrospectivas. A principal delas será dedicada ao cineasta italiano Marco Bellocchio, que assina o pôster da 40ª Mostra. Ele virá para o evento, assim como o diretor americano William Friedkin, conhecido por filmes como “O Exorcista” e “Operação França”, que também serão exibidos em uma retrospectiva. Os dois cineastas ainda ministrarão uma masterclass de cinema. Além deles, haverá duas homenagens póstumas: ao cineasta Hector Babenco, morto em julho, e ao polonês Andrzej Wajda, falecido há menos de duas semanas. A tendência nostálgica se reforça com uma seleção de filmes que marcaram os 40 anos da Mostra e se completa com a escolha do clássico mudo “A General”, de Buster Keaton, como filme de encerramento.
Estreia de Inferno ocupa a maior parte dos cinemas na semana
Os oito lançamentos desta quinta (13/10) vão do céu ao inferno. “Inferno – O Filme”, claro, é para mais gente, com a distribuição mais ampla da semana – 816 salas. Terceiro longa da franquia iniciada por “O Código Da Vinci”, volta a trazer Tom Hanks no papel do simbologista Robert Langdon, às voltas com novas mensagens secretas em obras de arte renascentistas. Parte quebra-cabeças, parte filme de ação, é mais um longa mediano da carreira do diretor Ron Howard, que assinou as duas adaptações anteriores dos best-sellers de Dan Brown. Nenhum filme da trilogia agradou a crítica americana e o novo mantém a média, com 27% de aprovação no Rotten Tomatoes. Para o pós-Dia das Crianças, o destaque é a animação “Kubo e as Cordas Mágicas” em 267 salas (100 em 3D). Mas até os adultos poderão se divertir com a produção, influenciada pela cultura dos animes japoneses. A nova animação do estúdio Laika preserva a técnica stop-motion que marca sua impecável filmografia – “Coraline e o Mundo Secreto” (2009), “ParaNorman” (2012) e “Os Boxtrolls” (2014) – , além de manter sua característica de apostar numa temática mais sombria que a média da animação americana. Ambientada no Japão feudal, a animação acompanha o personagem-título Kubo, um menino que vive em um pacato vilarejo com sua mãe, até que um espírito vingativo o encontra, trazendo à tona sua herança sobrenatural. Sua única chance de sobrevivência é encontrar uma armadura que pertenceu a seu pai samurai, com a ajuda de um macaco falante e um besouro guerreiro. Todas as cópias são dubladas por brasileiros, portanto de nada adiantar ler nos créditos que as vozes foram originalmente feitas por um superelenco que inclui até Charlize Theron (“Mad Max: A Estrada da Fúria”) e Matthew McConaughey (“Interestellar”). Ah, sim: tem 97% de aprovação no Rotten Tomatoes! Um das surpresas da semana é “O Shaolin do Sertão”, uma comédia brasileira que se diferencia radicalmente do sotaques e palavrões que dominam o gênero no país. A produção tem lançamento primeiro no Ceará para expandir para o resto do Brasil no dia 20. Com a mesma paixão pelo cinema demonstrada em “Cine Holliúdy” (2012), o “Cinema Paraíso do Ceará”, o diretor cearense Halder Gomes homenageia os filmes de artes marciais com humor popular, repleto de ação e acabamento profissional, evocando os melhores filmes dos Trapalhões. Por sinal, Dedé Santana faz uma participação na história, que acompanha o personagem de Edmilson Filho, um jovem sertanejo que se imagina num universo paralelo, onde é campeão de kung fu e salva a amada (Bruna Hamú) de inúmeros inimigos. A homenagem aos filmes de Hong Kong dos anos 1970 chega até a algumas preferências estéticas, mas tudo é feito sem muita seriedade, visando a mais pura e completa diversão. Nem sempre as piadas fazem rir e algumas são preconceituosas. Afinal, o kung fu brasileiro é mais Renato Aragão que Quentin Tarantino. O suspense argentino “Kóblic” também não compromete, ao voltar a reunir Ricardo Darín com o diretor Sebastián Borensztein após a boa comédia “Um Conto Chinês” (2011). O tom é outro, sinistro como a época da ditadura em que se passa. Buscando um lugar para se esconder, após desobedecer uma ordem que lhe trouxe conflito moral, o piloto da marinha vivido por Darín vai parar numa cidadezinha de faroeste, chamando atenção do delegado corrupto e do chefete do crime local. Chega em 54 salas. Com elenco liderado por Nicole Kidman, “Terra Estranha” gira em torno do desaparecimento dos filhos da personagem da atriz, mas, apesar de bela fotografia, não vai além do melodrama, esgotando o suspense ao sugerir muitas direções para a trama. Produção australiana, agradou só 37% no Rotten Tomatoes e não teve o circuito revelado. O último filme estrangeiro da programação é o espanhol “Noite de Verão em Barcelona”, uma coleção antológica de histórias românticas que chega em nove salas, apropriando-se do mote dos filmes das “Cidades do Amor” – “Paris, Eu Te Amo”, “Rio, Eu Te Amo”, etc – , inclusive na arte em forma de coração. O longa é de 2013 e já teve até continuação lançada há dois anos. Dois filmes brasileiros completam o circuito limitado. Em dez salas, o documentário “Do Pó da Terra” retrata os artesãos e moradores do Vale do Jequitinhonha, que criam arte a partir do barro. Por fim, “Deixe-me Viver” é um primo pobre do “Nosso Lar”, com efeitos especiais que tornam o céu parecido com a São Paulo futurista das antigas campanhas de Paulo Maluf, e onde espíritos levitam com auxílio de chroma key, um truque visual que datou nos anos 1980. O filme é baseado em livro psicografado anti-aborto e leva sua doutrinação com exclusividade à rede Cinépolis, em 44 salas.
Festival do Rio perde gordura para ficar mais atraente
A 18ª edição do Festival do Rio, que começa nesta quinta (6/10), tem menos gordura que as anteriores, mas ficou mais atraente em termos de programação – “um luxo”, como define a diretora artística Ilda Santiago. “Já tivemos num ano 400 filmes. Ninguém consegue ver isso. E se a pessoa vir 100 terá sempre a sensação ruim de que perdeu 300”, Ilda declarou à imprensa. Este ano serão “apenas” 250 títulos, exibidos em 11 dias, no lugar dos tradicionais 15 dias de duração. Em vez da quantidade, o festival mirou na qualidade. Entre os destaques da programação, que começa com a exibição da sci-fi “A Chegada”, do canadense Denis Villeneuve (“Sicario”), estão os vencedores dos festivais de Cannes e Veneza, respectivamente “Eu, Daniel Blake”, do inglês Ken Loach, que levou a Palma de Ouro, e “A Mulher que se Foi”, do filipino Lav Diaz, detentor do Leão de Ouro. Além destes, a programação inclui três outros filmes premiados este ano em Cannes: “Toni Erdmann”, da alemã Maren Ade, que venceu prêmio da crítica e é um dos mais cotados para o Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira, “É Apenas o Fim do Mundo”, do canadense Xavier Dolan, que levou o Grande Prêmio do Juri, e “Personal Shopper”, estrelado por Kristen Stewart, que rendeu o troféu de Melhor Direção ao francês Olivier Assayas. Já a lista do Festival de Veneza inclui os dois filmes que dividiram o Leão de Prata de Melhor Direção: “La Región Salvaje”, do mexicano Amat Escalante, e “Paradise”, do russo Andrei Konchalovsky. Há ainda novos trabalhos de Terrence Malick (“Voyage of Time”), Wim Wenders (“Os Belos Dias de Aranjuez”), André Téchiné (“Being 17”), Bruno Dumont (“Mistério na Costa Chanel”), Jeff Nichols (“Loving”), Bertrand Bonello (“Sarah Winchester, Ópera Fantasma e Nocturama”), Hong Sang-soo (“Você e os Seus”), Werner Herzog (“Eis os Delírios do Mundo Conectado”), Jim Jarmusch (“Gimme Danger”), Ira Sachs (“Melhores Amigos”), Andrzej Zulawski (“Cosmos”), Sergei Loznitsa (“Austerlitz”), Johnnie To (“Three”), Kelly Reichardt (“Certain Women”), Todd Solondz (“Wiener-Dog”), Terence Davies (“A Canção do Pôr do Sol”) e Kevin Smith (“Yoga Hosers”). Entre os nacionais, a maior curiosidade fica por conta de “Pequeno Segredo”, de David Schurmann, que tentará vaga no Oscar 2017, “Barata Ribeiro, 716”, de Domingos Oliveira, vencedor do Festival de Gramado, o documentário “Cinema Novo”, de Eryk Rocha, premiado no Festival de Cannes, e “Elis”, de Hugo Prata, também premiado em Gramado – todos exibidos fora de competição. Já a mostra competitiva terá novos filmes de Eliane Caffé, Andrucha Waddington e José Luiz Villamarim, além de abrir espaço para estreantes já bem conhecidos do público, como a atriz Leandra Leal, que lança seu primeiro trabalho como diretora. Clique aqui para ver a lista completa dos filmes brasileiros selecionados para o festival. Serão 30 pontos de exibições, entre salas, lonas, projeções ao ar livre no Boulevard Olímpico da Praça Mauá e espaços adaptados como a grande sala de eventos do Palácio das Artes. Além do Odeon, em plena Cinelândia, o festival vai servir também para reinaugurar outro cinema tradicional do centro do Rio, o Roxy, agora com três salas. Entre as programação especial de homenagens deste ano, o evento pega carona no documentário “Cinema Novo” para propor uma espécie de revisão crítica do movimento e ainda outorgar um prêmio de carreira a Cacá Diegues. Também homenageia os 15 anos de “Lavoura Arcaica” (2001), projetando a versão restaurada do filme cultuado de Luiz Fernando Carvalho. E para completar projetará o clássico “Ganga Bruta” (1933), de Humberto Mauro, para saudar o crítico José Carlos Avellar, que morreu este ano, e o lendário Paulo Emílio Salles Gomes, que completaria 100 anos. Era o filme favorito de ambos.
Estreias: YouTubers e DVDs ocupam as telas de cinema nesta semana
Nada menos que 14 produções chegam aos cinemas nesta quinta (6/10). São tantas, que tem até DVDs no meio, e duas das estreias amplas giram em torno de celebridades do YouTube local. Produção para o público de cinema? Também tem. A maior aposta do circuito, “É Fada!” traz a youtuber Kéfera Buchmann como protagonista e também lança a adolescente de novelas Klara Castanho nos cinemas. A comédia ocupa 650 salas para mostrar como uma fadona grosseira transforma uma garotinha normal numa patricinha. A moral deste conto de fadas para crianças a partir dos 12 anos é uma piada: que aparência e superficialidade são tudo nessa época de redes sociais e youtubers no cinema. Mais palavrões num produto que parece infantil? O YouTube ajuda, novamente. A animação “Festa da Salsicha” ganhou adaptação e dublagem do canal Porta dos Fundos e lançamento em 235 salas. O texto original é da dupla Seth Rogen e Evan Goldberg, os mesmos degenerados por trás de “É o Fim” (2013) e “A Entrevista” (2014), que imaginaram uma história sobre os duplos sentidos que se dá aos comestíveis, como salsicha mole e rosquinha doce. Por isso, muitas das piadas não funcionam em português – bun, por exemplo, pode tanto ser pão quanto bunda em inglês. Daí, a necessidade de adaptação. Mas é irônico dizer que se trata de um filme para “adultos”. Filme adulto de verdade não tem vez no circuito dos shoppings, como demonstra a distribuição do ótimo suspense britânico “Nosso Fiel Traidor”, estrelado por Ewan McGregor. O longa confirma a boa fase de adaptações de John Le Carré, desde que o brasileiro Fernando Meirelles filmou “O Jardineiro Fiel” (2005). Como nas melhores histórias do mestre da literatura de espionagem, o novo filme é mais cerebral que repleto de ação. A trama envolve um complô internacional, que coloca um turista entre a máfia russa e o serviço secreto britânico. Diversão refinada, com 71% de aprovação no site Rotten Tomatoes, é para a plateia seleta de 36 salas no Brasil. Antítese da contenção de “Nosso Fiel Traidor”, “Assassino a Preço Fixo 2 – A Ressurreição” traz Jason Statham dando tiros e socos de forma espalhafatosa, como preferem os cinemas de shoppings. Além da bela Jessica Alba, o filme de ação destaca cenários de cartão postal, entre eles o Rio de Janeiro, com direito ao indefectível salto do bondinho do Pão de Açúcar, cena turística obrigatória desde que James Bond lançou a moda em 1979. Só 26% dos críticos americanos engoliram os exageros, mas por aqui vale o segundo maior lançamento da semana, em 242 salas. Em contraste, o bom suspense argentino “No Fim do Túnel” ignora paisagens, apostando no clima claustrofóbico, ao concentrar sua ação num único imóvel. Leonardo Sbaraglia, um dos melhores atores do cinema argentino atual, que está também no suspense brasileiro “O Silêncio do Céu”, vive um cadeirante que aluga o andar de cima de seu sobrado para uma stripper e sua filha, enquanto assaltantes se arrastam pelo subsolo para assaltar um banco ao lado. Candidato a remake americano, é cheio de reviravoltas e prende a atenção. Quando Hollywood lançar sua versão com Jason Statham, deve chegar aos shoppings. Mas por enquanto está em apenas 15 salas. Três títulos da programação são produções de terror barato. O maior destaque é “12 Horas para Sobreviver – O Ano da Eleição”, cujo título mal-traduzido parece visar esconder que este é o terceiro filme da franquia iniciada por “Uma Noite de Crime” (2013). A distribuidora coloca tão pouca fé que lançou em 65 salas. E não havia razão para nada disso, pois fez o mesmo sucesso que os anteriores nos EUA, e ainda terá continuação. Com menos fama, o britânico “A Maldição da Floresta” sai-se bem melhor, chegando a 115 salas. E é também o melhor filme em cartaz no circuito de multiplexes neste fim de semana. A partir da premissa básica da família na casa distante, no meio do mato, conjura monstros e terrores capazes de assustar para valer. A aprovação no Rotten Tomatoes é impressionante para o gênero: 71%. Vencedor dos festivais Toronto After Dark e Screamfest, o diretor Corin Hardy passou a ser assediado pelos grandes estúdios após esta estreia modesta, e deve finalmente tirar do papel o remake de “O Corvo” (1994). O terror “Lâminas da Morte – A Maldição de Jack, o Estripador” completa o trio como o primeiro DVD da leva. Não, não foi sequer lançado em Blu-ray nos EUA. Mas os fãs de terror também podem se deliciar com o drama indie “Irmã”, cujos personagens chegam a ser confundidos com monstros por um menino. O filme tem carimbo de cult em cada detalhe, a começar pela protagonista, um freira gótica. A adolescente tem sua fé testada ao saber o destino do irmão, que retorna da guerra traumatizado. Ao voltar para casa, ela aproveita o Halloween para recuperar sua identidade perdida, com cabelos coloridos, roupas pretas e a predileção pelo rock de melodias graves. Detalhe 1: a mãe da menina é vivida por Ally Sheedy, a gótica do clássico “Clube dos Cinco” (1985). Detalhe 2: o filme tem aprovação de 100% no Rotten Tomatoes! Detalhe 3: a distribuição é em apenas 5 salas no país inteiro. Por quê? Porque tem DVD e YouTube nos cinemas. O lançamento francês compulsório da semana é a comédia “Um Doce Refúgio”, sobre um homem que decide pegar um caiaque e sair sem rumo. A metáfora, claro, não chega a lugar algum. Há ainda três documentários. “Humano – Uma Viagem pela Vida” mapeia as diferenças da humanidade em época de grandes migrações de refugiados, com fotografia deslumbrante. Os demais são dois musicais: “O Último Tango”, sobre o casal mais famoso de dançarinos de tango, com produção de Wim Wenders, e “The Rolling Stones – Havana Moon”, DVD antecipado nos cinemas, que não é o filme exibido no Festival de Toronto sobre a turnê latina da banda, mas o registro simples e integral do show em Havana, que preenche alguns minutos do outro lançamento. Para completar, “Batman – O Retorno da Dupla Dinâmica” leva com exclusividade à rede Cinemark uma animação produzida para Blu-ray nos EUA, que só não chegará direto em DVD no Brasil por ter sessões especiais em tela grande neste fim de semana. A produção volta a reunir os atores da série clássica do Batman, Adam West (Batman), Burt Ward (Robin) e Julie Newmar (Mulher-Gato), para dublarem os personagens que encarnaram pela primeira vez em 1966. A obra é uma homenagem ao cinquentenário da atração, realizada no mesmo tom (agora retrô) bem-humorado que misturava quadrinhos, pop art, nonsense e pastelão de forma inovadora para sua época. O DVD chega em quatro semanas, com preço mais barato que o ingresso do cinema.
O Lar das Crianças Peculiares é a maior estreia da semana, que ainda tem remake, continuação e até cult
A semana oferece boas opções de passatempo nos shoppings, com uma boa oferta de títulos juvenis, enquanto os lançamentos mais adultos ocupam o circuito limitado. “O Lar das Crianças Peculiares” tem o maior alcance, chegando a 753 salas, 528 delas em 3D. Trata-se de uma nova fábula sombria do diretor Tim Burton, cuja carreira é uma coleção de filmes para assustar crianças. Mas esta adaptação de conto infantil é mais “Batman” (1989) que “A Fantástica Fábrica de Chocolate” (2005), com personagens superpoderosos e vilões. De fato, não deixa de ser uma versão de conto de fadas dos “X-Men”, em que crianças peculiares (mutantes) habitam e estudam numa mansão secreta, sob a proteção de uma mentora/professora, enquanto são caçadas por inimigos que as odeiam. O lançamento é simultâneo com os EUA, onde conquistou 61% da crítica no levantamento do site Rotten Tomatoes. Outra fábula encantada, “Meu Amigo, o Dragão”, tem praticamente metade dessa distribuição, ocupando 378 salas, sendo 292 em 3D. Remake de um clássico de 1977 da Disney, o filme atualiza a história com tecnologia e emoção, substituindo o dragão desenhado em 2D por uma criatura formidável da computação gráfica em 3D e eliminando as músicas da trama. O resultado torna a projeção mais palatável para o público moderno, sem perder a doçura de sua premissa original, sobre um menino criado por um dragão na floresta. A história mexe com arquétipos, que evocam tanto “Mogli, o Menino Lobo” quanto “E.T. – O Extraterrestre”, e curiosamente repete o mesmo tema do filme de Tim Burton, refletindo como adultos preconceituosos temem e atacam o que lhes parece diferente. É também a estreia da semana que obteve a melhor cotação da crítica americana, com 86% de aprovação. Duas comédias completam as programações dos shoppings. Em exageradas 465 salas, “Gênios do Crime” é um besteirol de Hollywood, baseado na história real de um assalto cometido por ladrões ineptos. O filme é dirigido por Jared Hess, que causou boa impressão em seu primeiro longa, “Napoleon Dynamite” (2005), e nunca mais repetiu o mesmo sucesso. Talvez por isso, “Gênios do Crime” seja basicamente um “Napoleon Dynamite” criminal, com medíocre 40% de aprovação. Ou, para situar entre o público brasileiro, uma longa esquete da trupe “Hermes e Renato” com o elenco metido naquelas perucas e roupas ridículas. Quer ver uma boa comédia de assalto real cometido por ladrões ineptos em roupas de outra época? “O Roubo da Taça” ainda está em cartaz. A segunda comédia é “O Bebê de Bridget Jones”, terceiro filme da franquia britânica, que chega 12 anos depois do último longa e sem fazer o mesmo sucesso nas bilheterias internacionais. Já prevendo isso, sua distribuição é pouco ambiciosa, em 238 salas. Renée Zellweger volta à pele de Bridget, desta vez encarando novos desafios da vida adulta: um divórcio e uma gravidez. Há ainda uma terceira comédia, a nacional “Um Homem Só”, que, por ser um pouquinho mais sofisticada que os habituais besteiróis cariocas, chega a apenas 53 telas. A sofisticação fica por conta das referências. Preso num casamento e num emprego que o tornam infeliz, o personagem de Vladimir Brichta encontra Mariana Ximenes e passa a sonhar com outra vida. E para resolver seus problemas apela para uma empresa misteriosa e picareta de clonagem humana, visando deixar “outro” ter sua vida chata. Ou seja, com elementos de “O Duplo”, o clássico de Fyodor Dostoevsky filmado inúmeras vezes (a mais recente em 2013, com Jesse Eisenberg), via o hi-tec de garagem – e os closes “oníricos” – de “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças” (2004), o filme se junta a “Entre Abelhas” (2015) no rol das comédias brasileiras recentes que escondem a falta de originalidade com verniz intelectual. É possível tratar até um tema batido de forma original, como mostra o drama peruano “A Passageira”, em dez salas. A partir do encontro casual entre um motorista de táxi, ex-militar que participou da repressão aos guerrilheiros do Sendero Luminoso, e uma passageira, ex-camponesa de origem indígena que sofreu abusos na infância, o filme aborda os traumas deixados pelo período das ditaduras sul-americanas. De forma curiosa, duas produções americanas de diretores famosos completam o circuito com a menor distribuição da semana. Em oito salas, “Stonewall – Onde o Orgulho Começou” tem direção de Roland Emmerich, cujo ultimo filme foi lançado no Brasil no estádio do Palmeiras – um certo “Independence Day: O Ressurgimento”. A diferença de tratamento se deve ao tema. Trata-se de um raro drama na carreira do rei das catástrofes cinematográficas, que também é gay assumido e, por isso, considerou necessário filmar os eventos que originaram a Parada do Orgulho LGBT. Entretanto, o filme foi mal-recebido pela crítica (9% no Rotten Tomatoes) e até entre a comunidade que pretendia homenagear, por banalizar e embranquecer os personagens reais dos conflitos de 1969. A mesma história já tinha sido filmada antes em tom de comédia, em “Stonewall” (1995), que foi mais bem-recebido (63%), mas seu retrato definitivo é o documentário “Stonewall Uprising” (2010). Por fim, em apenas três salas de São Paulo, estreia “Demônio de Neon”, de Nicolas Winding Refn, que já foi incensado por “Drive” (2011), filme premiado no Festival de Cannes. “Demônio de Neon” também foi exibido no festival francês, mas se trata de um terror. A trama traz Elle Fanning como uma bela garota do interior que chega a Los Angeles para ser modelo, entrando num mundo em que a beleza superficial esconde personalidades deformadas. O filme se diferencia por mostrar como comercial de perfume cenas que incluem, entre outros detalhes, vampirismo, canibalismo e necrofilia lésbica. Feito para chocar, definitivamente não agrada à maioria. Mas pode virar cult, como demonstra a divisão entre defensores e detratores que colecionou nos EUA, com 53% de aprovação no Rotten Tomatoes. Um “Fome de Viver” (1983) para o século 21?
Festival do Rio anuncia programação internacional com vencedores de Cannes e Veneza
O Festival do Rio anunciou na manhã desta sexta-feira (23/9) a sua programação internacional. São cerca de 250 filmes de mais de 60 países, que serão exibidos em diversas mostras entre os dias 6 e 16 de outubro. Entre os destaques estão os vencedores dos festivais de Cannes e Veneza deste ano, respectivamente “Eu, Daniel Blake”, do inglês Ken Loach, que levou a Palma de Ouro, e “A Mulher que se Foi”, do filipino Lav Diaz, detentor do Leão de Ouro. Além destes, a programação inclui três outros filmes premiados em Cannes: “Toni Erdmann”, da alemã Maren Ade, que venceu prêmio da crítica e é um dos mais cotados para o Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira, “É Apenas o Fim do Mundo”, do canadense Xavier Dolan, que levou o Grande Prêmio do Juri, e “Personal Shopper”, estrelado por Kristen Stewart, que rendeu o troféu de Melhor Direção ao francês Olivier Assayas. Já a lista do Festival de Veneza inclui os dois filmes que dividiram o Leão de Prata de Melhor Direção: “La Región Salvaje”, do mexicano Amat Escalante, e “Paradise”, do russo Andrei Konchalovsky. Há ainda novos trabalhos de Terrence Malick (“Voyage of Time”), Wim Wenders (“Os Belos Dias de Aranjuez”), André Téchiné (“Being 17”), Bruno Dumont (“Mistério na Costa Chanel”), Jeff Nichols (“Loving”), Bertrand Bonello (“Sarah Winchester, Ópera Fantasma e Nocturama”), Hong Sang-soo (“Você e os Seus”), Werner Herzog (“Eis os Delírios do Mundo Conectado”), Jim Jarmusch (“Gimme Danger”), Ira Sachs (“Melhores Amigos”), Andrzej Zulawski (“Cosmos”), Sergei Loznitsa (“Austerlitz”), Johnnie To (“Three”), Kelly Reichardt (“Certain Women”), Todd Solondz (“Wiener-Dog”), Terence Davies (“A Canção do Pôr do Sol”) e Kevin Smith (“Yoga Hosers”). Entre os nacionais, a maior curiosidade fica por conta de “Pequeno Segredo”, de David Schurmann, que tentará vaga no Oscar 2017, e “Elis”, de Hugo Prata, ambos exibidos fora de competição. Já a mostra competitiva terá novos filmes de Eliane Caffé, Andrucha Waddington e José Luiz Villamarim. Clique aqui para ver a lista completa dos filmes brasileiros selecionados para o festival.
Estreias: Animação infantil Cegonhas é o maior lançamento da semana
A semana traz dez lançamentos, além de uma exibição limitadíssima de “Pequeno Segredo” no interior do RS. Parece muito, mas dessa lista só três frequentarão os shoppings, dois deles com estreia simultânea com os EUA. A animação “Cegonhas – A História que Não Te Contaram” tem a distribuição mais ampla, ocupando 807 salas (594 em 3D). Bem infantil, sequer aborda a premissa que a inspirou: de onde vem os bebês. A trama mostra que as cegonhas abandonaram o negócio de entrega de bebês para se concentrar no lucrativo serviço de entregas de celular de última geração. Mas quando um bebê aparece no depósito das mercadorias, uma jovem órfã ruiva, que nenhuma cegonha entregou, convence o herdeiro do negócio a retomar o hábito perdido e encontrar uma família para o pequeno pacote babão. Fofo até enjoar, o filme dividiu a crítica americana (56% de aprovação no site Rotten Tomatoes) e chega ao Brasil com as vozes de Klebber Toledo (novela “Lado a Lado”), Tess Amorim (“Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”) e Marco Luque (programa “Altas Horas”). A outra estreia simultânea com os EUA é o western “Sete Homens e um Destino”, remake anacrônico do filme de 1960, que chega em 340 salas (12 em Imax). Fruto do revisionismo afetado do cinema americano atual, apresenta um Velho Oeste sem conflitos raciais, em que pistoleiros de diferentes etnias (a ONU do Velho Oeste) se unem para expulsar um bando com perfil de terroristas radicais (o Estado Islâmico do Velho Oeste), que atormenta uma cidadezinha de pacatos cidadãos brancos. Até os westerns spaghetti, rodados na Espanha com atores italianos, eram mais realistas. Mas se não dá para levar muito a sério este trabalho do diretor Antoine Fuqua (“O Protetor”), é possível se divertir bastante com ele, graças ao elenco imponente, com Denzel Washington (“O Protetor”), Chris Pratt (“Guardiões da Galáxia”), Ethan Hawke (“Boyhood”) e Vincent D’Onofrio (série “Demolidor”) trocando tiros e bancando machões. 65% no Rotten Tomatoes. Apenas um dos quatro lançamentos nacionais da semana chega em todo o país, e é mesmo mais um besteirol. Sem criatividade alguma, “Tô Ryca” leva a 420 telas outra história de pobre que enriquece de uma hora para outra, como “Até que a Sorte nos Separe” (2012), “Vai que Cola: O Filme” (2015) e “Um Suburbano Sortudo” (2016). A diferença, além do sexo da protagonista, é que, para ganhar uma grande herança, a personagem central precisa perder milhões de propósito – e não por acidente. Diferença? A premissa genérica é a mesma do livro “Brewster’s Millions”, de George Barr McCutcheon, já filmado 11 vezes desde 1914, inclusive com duas versões indianas. A filmagem mais conhecida, “Chuva de Milhões” (1985), passou repetidas vezes na TV brasileira e inclui na história uma trama da eleição que também está no roteiro brasileiro! Estrelado por Samantha Schmutz (“Vai que Cola: O Filme”) em seu primeiro papel de protagonista, o filme registra o último trabalho da atriz Marília Pêra (“Pixote: A Lei do Mais Fraco”), falecida em dezembro. Assim como na semana passada, a melhor estreia da programação também é um filme brasileiro restrito a poucas salas. Exibido em apenas 17 telas, “O Silêncio do Céu” representa o amadurecimento do diretor Marco Dutra, que troca o terror de “Trabalhar Cansa” (2011) e “Quando Eu Era Vivo” (2014) pelo suspense sufocante. Tenso do começo ao fim, o filme acompanha o desdobramento de um ato de violência, o estupro de uma mulher, testemunhado em segredo e sem querer por seu marido. Envergonhados, nenhum dos dois fala sobre o assunto, como se não tivesse acontecido, embora o marido se torne obcecado em se vingar do responsável. Rodado em Montevidéu e falado em espanhol, a produção destaca a brasileira Carolina Dieckmann (“Entre Nós”) e o argentino Leonardo Sbaraglia (“Relatos Selvagens”) nos papéis principais. Os outros dois títulos nacionais são anti-comerciais, cada um a seu modo. Distribuído em nove salas de seis cidades, “Charlote SP” se orgulha de ser o primeiro longa nacional rodado com câmeras de celular. Praticamente um filme de estudante de cinema, traz como protagonista, lógico, um jovem que quer ser cineasta e que namora, obviamente, uma modelo. “Nervos de Aço” também é protagonizado por um diretor, mas de teatro, e vai na linha oposta, com câmeras profissionais, bom acabamento e um cineasta de ficha corrida: Maurice Capovilla, marginal cinematográfico desde os anos 1960. O longa teve première há dois anos no Festival Cine Ceará e a demora para encontrar circuito reflete seu formato “experimental”. A produção parte de um musical inspirado no repertório clássico de Lupicínio Rodrigues para fazer metalinguagem, contando uma historinha interpretada pelos próprios músicos, entre canções apresentadas num teatro e com o elenco dialogando com o público. Arrigo Barnabé estrela como o diretor teatral que também é cantor e, ainda por cima, namora a cantora da banda. A exibição começa em apenas uma sala no Rio e pretende aumentar seu alcance na próxima semana. As últimas novidades são quatro lançamentos europeus. Gérard Depardieu chegou a vir ao Rio para lançar “O Vale do Amor”, drama que ele estrela com Isabelle Huppert, sem circuito divulgado. Além do enorme talento, a dupla demonstra uma química inegável, construída ao longo das décadas – este é seu terceiro encontro nas telas, após 35 anos da última parceria. Por coincidência, na trama eles vivem um casal separado há muitos anos, que se reencontra no Vale da Morte, na Califórnia, para cumprir o último desejo do filho, morto seis meses antes. Ambos foram indicados ao César (o Oscar francês) por seus papéis. As demais estreias não empolgam. O drama “Lembranças de um Amor Eterno” leva a 46 salas o pior filme do diretor italiano Giuseppe Tornatore, em que Jeremy Irons (“Batman vs. Superman”) é um astrônomo num relacionamento à distância com Olga Kurylenko (“Oblivion”). O mesmo ator também vive um acadêmico na produção inglesa “O Homem que Viu o Infinito”, cinebiografia apelativa e reducionista do gênio autodidata indiano S. Ramanujan, interpretado por Dev Patel (“O Exótico Hotel Marigold”), em 25 salas. Por fim, merecendo apenas seis salas, “Belas Famílias” perpetua os clichês das comédias francesas sobre infidelidade, desperdiçando o bom ator Mathieu Amalric (“O Escafandro e a Borboleta”).
Mostra Indie traz filmes alternativos e retrospectiva de Walerian Borowczyk a São Paulo
Após passagem por Belo Horizonte, onde foi originalmente concebido há 16 anos, a mostra Indie 2016 finalmente chega a São Paulo para apresentar aos cinéfilos um recorte singular da produção independente e alternativa mundial, que não se vê no circuito comercial ou mesmo no mercado de home video. Com duração de uma semana, a nova edição precisou se compactar, mas a qualidade da seleção resiste. A programação é dividida em três mostras. Na Mostra Mundial, 13 títulos dão conta de apresentar um panorama da produção de destaque em alguns países a partir da realização de veteranos, como Kiyoshi Kurosawa (“Creepy”), Albert Serra (“A Morte de Luís XIV”) e Philippe Grandrieux (“Apesar da Noite”), e novatos, como Zhang Hanyi (“A Vida Após a Vida”) e Ted Fendt (“Short Stay”). Já a Mostra Clássica trará quatro obras icônicas do cinema. São elas: “Blow-Up – Depois Daquele Beijo” (1966), de Michelangelo Antonioni, “Estranhos no Paraíso” (1984), de Jim Jarmusch, “Hiroshima Meu Amor” (1959), de Alain Resnais, e “O Homem que Caiu na Terra” (1976), de Nicolas Roeg. Como tradição, a mostra Indie dedica uma retrospectiva a um diretor, com uma obra geralmente pouco acessível ao público. O homenageado da vez é o polonês Walerian Borowczyk. Falecido em fevereiro de 2006, o artista se desdobrava em diversas funções além do comando atrás das câmeras. Com dezenas de créditos como diretor, Borowczyk também assinou o roteiro, a montagem, a direção de arte e a fotografia de alguns de seus filmes – na Indie, serão exibidos dele sete longas e seis curtas. A mostra Indie 2016 começa nesta quinta-feira (15/9) no CineSesc. No site do evento, é possível consultar a programação na íntegra.
Festival do Rio 2016 anuncia programação nacional com Pequeno Segredo
A organização do Festival do Rio anunciou a lista das produções brasileiras que integrarão sua programação de 2016. A mostra competitiva Première Brasil terá 35 longas e 13 curtas, que concorrerão ao troféu Redentor em várias categorias. Este ano, a seleção concentra títulos de cineastas do próprio Rio de Janeiro e de São Paulo, com direito a novas obras dos já consagrados Andrucha Waddington, Eliane Caffé e Paulo Machline. Entre os documentários, o destaque é para “Curumim”, de Marcos Prado, que foi exibido no Festival de Berlim. Mas as atenções devem se voltar aos filmes que terão exibição fora de competição, em especial para “Pequeno Segredo”, de David Schurmann, que foi selecionado para representar o Brasil no Oscar 2017. A opção por uma projeção hors concour evita estrategicamente que o filme seja comparado a outros numa disputa nacional. Outros títulos esperados em sessões não competitivas são “Barata Ribeiro, 716”, de Domingos Oliveira, vencedor do Festival de Gramado, “Elis”, de Hugo Prata, premiado no Festival de Gramado, o documentário “Cinema Novo”, de Eryk Rocha, premiado no Festival de Cannes, e “O que Seria deste Mundo sem Paixão?”, novo longa do veterano Luiz Carlos Lacerda. O festival também exibirá seis longas e quatro curtas na mostra Novos Rumos, quatro longas na Retratos Falados, dedicada a temas políticos e sociais, e fará duas exibições especiais: da cópia restaurada de “É um Caso de Polícia” (1959) e uma sessão comemorativa dos 15 anos de “Lavoura Arcaica”, de Luiz Fernando Carvalho, um dos marcos da retomada do cinema brasileiro. FILMES BRASILEIROS DO FESTIVAL DO RIO 2016 MOSTRAS COMPETITIVAS Longas de Ficção “Comeback” (Comeback), de Erico Rassi “Era o Hotel Cambridge”, de Eliane Caffé “Fala Comigo”, de Felipe Sholl “Mulher do Pai”, de Cristiane Oliveira “O Filho Eterno”, de Paulo Machline “Redemoinho”, de José Luiz Villamarim “Sob Pressão”, de Andrucha Waddington “Vermelho Russo”, de Charly Braun Longas Documentário “Curumim”, de Marcos Prado “Divinas Divas”, de Leandra Leal “Luta do Século”, de Sergio Machado “O Jabuti e a Anta”, de Eliza Capai “Super Orquestra Arcoverdense de Ritmos Americanos”, de Sergio Oliveira “Waiting for B.”, de Paulo Cesar Toledo e Abigail Spindel Novos Rumos “A Serpente”, de Jura Capela “Deixa na Régua”, de Emílio Domingos “Então Morri”, de Bia Lessa e Dany Roland “Para Ter Onde Ir”, de Jorane Castro “Talvez Deserto Talvez Universo”, de Karen Akerman e Miguel Seabra Lopes “Xale”, de Douglas Soares Curtas “Antonieta”, de Flávia Person “Demônia – Melodrama em 3 atos”, de Cainan Baladez e Fernanda Chicolet “Lápis Cor de Pele”, de Victória Roque “O Estacionamento”, de William Biagioli “O Ex-Mágico”, de Olimpio Costa e Mauricio Nunes “O Homem da Raia do Canto”, de Cibele Santa Cruz “Postegardos”, de Carolina Markowicz “Se por Acaso”, de Pedro Freire Curtas – Novos Rumos “Sem título #3: E para que poetas em tempo de pobreza?”, de Carlos Adriano “Janaina 0verdrive”, de Mozart Freire “Love snaps”, de Daniel Ribeiro e Rafael Lessa “Não me prometa nada”, de Eva Randolph MOSTRAS NÃO COMPETITIVAS Longas de Ficção “Barata Ribeiro, 716”, de Domingos Oliveira “Elis”, de Hugo Prata “Pequeno Segredo”, de David Schurmann “O que Seria deste Mundo sem Paixão?”, de Luiz Carlos Lacerda Documentário “Cinema Novo”, de Eryk Rocha “Pitanga”, de Beto Brant e Camila Pitanga Curta “Os Cravos e a Rocha”, de Luísa Sequeira Retratos Falados “Entre os homens de bem”, de Caio Cavechini e Carlos Juliano Barros “Galeria F”, de Emília Silveira “Intolerância.doc”, de Susanna Lira “Holocausto Brasileiro”, de Daniela Arbex e Armando Mendz Latina “La Vingança”, de Fernando Fraiha Fronteiras “Kabadio – O Tempo Não Tem Pressa, Anda Descalço”, de Daniel Leitem “Central”, de Tatiana Sager e Renato Dornelles Tesouro Restaurado “É um Caso de Polícia”, de Carla Civelli (1959) Homenagem 15 anos “Lavoura Arcaica”, de Luiz Fernando Carvalho (2001)
Estreias: O Homem nas Trevas domina o escuro dos cinemas brasileiros
O terror “O Homem nas Trevas” chega ao circuito com a ambição de repetir no Brasil seu sucesso americano. Há duas semanas na liderança das bilheterias dos EUA, o filme dirigido pelo uruguaio Fede Alvarez (“A Morte do Demônio”) tem o maior lançamento da semana, com distribuição em 460 telas. E após uma leva de decepções do gênero, seu clima tenso deve agradar quem gosta de levar sustos no escuro do cinema. Com 86% de aprovação no Rotten Tomatoes, gira em torno de três jovens ladrões que invadem a casa de um cego, sem saber que, em vez de roubar uma vítima indefesa, entraram no covil de um psicopata mortal. A segunda estreia mais ampla é uma produção nacional. A comédia “O Roubo da Taça” se revela uma boa surpresa, ao evitar os lugares comuns do besteirol televisivo para enveredar pela crítica social num humor bastante ácido. O filme relata o roubo verídico da Taça Jules Rimet, símbolo do tricampeonato da seleção brasileira de futebol de 1970, mas inventa boa parte da história. Venceu o prêmio do público no festival americano SXSW e quatro troféus em Gramado, incluindo os de Ator para Paulo Tiefenthaler (“O Lobo Atrás da Porta”) e Roteiro para Lusa Silvestre (“Mundo Cão”) e o diretor Caíto Ortiz (“Estação Liberdade”). Estreia em 180 salas. “Herança de Sangue” marca a volta triunfal de Mel Gibson aos filmes de ação, pelas mãos de um cineasta francês, Jean-François Richet (“Inimigo Público nº 1”), e com aprovação da crítica americana – 86% no site Rotten Tomatoes. Na trama, o personagem de Gibson faz tudo para salvar a filha, jurada de morte por traficantes. Em 138 salas. Pior filme da semana, a comédia besteirol americana “Virei um Gato”, estrelada por Kevin Spacey (série “House of Cards”), é a versão felina de diversos filmes de homens que trabalham demais, negligenciam suas famílias e viram cães. Como a crítica prefere cachorrinhos, teve apenas 10% de aprovação no Rotten Tomatoes. Despejado em 116 telas. A outra comédia americana desta quinta (8/9) teve 61% de aprovação mesmo sem cachorrinhos, embora seu título seja “Cães de Guerra”. Baseada numa história verídica, mostra Jonah Hills (“Anjos da Lei”) e Miles Teller (“Divergente”) como dois jovens inexperientes que ficaram milionários ao conseguir, de forma inacreditável, um contrato com o Pentágono para negociar armas no Oriente Médio. A direção de Todd Philips (“Se Beber, Não Case!”) busca ultrajar, mas também rende uma classificação etária elevada (escândalo: 16 anos no Brasil e censura livre na França, logo é “perseguido” politicamente como “Aquarius”!), que limita seu circuito a 60 salas. O drama religioso “Últimos Dias no Deserto” traz o escocês Ewan McGregor (“O Impossível”) como Jesus Cristo, mas, em contraste a “Ben Hur” e lançamentos evangélicos recentes, ocupa, sem fanfarra alguma, apenas 29 salas. O tamanho é inversamente proporcional à sua qualidade, ao desafiar dogmas para mostrar um Jesus humano. Dirigido pelo colombiano Rodrigo García (filho do escritor Gabriel García Márquez), a trama se passa durante os 40 dias de jejum e oração de uma peregrinação solitária pelo deserto, na qual Jesus encontra o próprio diabo. Com 72% de aprovação, ainda conta com uma cinegrafia deslumbrante, assinada pelo mexicano Emmanuel Lubezki (“O Regresso”), que venceu os três últimos Oscars de Melhor Fotografia. Passado durante a 2ª Guerra Mundial, o drama “Viva a França!” acompanha August Diehl (“Bastardos Inglórios”) como um pai desesperado, que atravessa os campos franceses, tomados por nazistas, para encontrar o filho desaparecido durante a invasão alemã da França, contando com a ajuda de um soldado britânico desgarrado, vivido por Matthew Rhys (série “The Americans”). A direção é do francês Christian Carion, responsável pelo belo “Feliz Natal”, indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de 2006. A exibição é restrita a nove telas. Três filmes nacionais completam a programação, ainda que de forma praticamente invisível. O romance lésbico “Nós Duas Descendo a Escada” chega a somente duas telas em São Paulo e duas em Porto Alegre. Roteiro e direção são de um homem, o gaúcho Fabiano de Souza, que antes fez o ótimo “A Última Estrada da Praia” (2010). Quem conseguir ver, vai se surpreender com um filme repleto de citações cinéfilas, que merecia poder respirar melhor no circuito. Os dois títulos finais são documentários. “Jaime Lerner – Uma História de Sonhos” não deixa de ser também propaganda política, pelos personagens que desfila. Afinal, além de ser um urbanista renomado, Lerner foi governador do Paraná por duas vezes. O lançamento, curiosamente, vai ignorar o estado, chegando a uma sala no Rio e a outra em São Paulo. Já “O Touro” não teve circuito divulgado. Primeiro longa escrito e dirigido pela brasiliense Larissa Figueiredo, acompanha uma garota portuguesa que descobre que os moradores de Lençóis, na Bahia, proclamam-se descendentes de Dom Sebastião, o lendário rei de Portugal que desapareceu no século 16.
Star Trek – Sem Fronteiras é maior estreia da semana
“Star Trek – Sem fronteiras” finalmente pousa no Brasil. Lançado em julho nos EUA, o filme só agora chega a 686 salas do circuito, incluindo 492 telas 3D e todas as 12 Imax. Terceiro filme do novo elenco da franquia, é também o primeiro desde o reboot sem a direção de J.J. Abrams, que foi atraído pela força de “Star Wars”. Em seu lugar, Justin Lin (franquia “Velozes & Furiosos”) injetou mais ação na franquia e, com auxílio de um roteiro bem equilibrado de Simon Pegg (o intérprete de Scotty), também mais humor, além de introduzir uma nova personagem, a alienígena Jaylah, vivida por Sofia Boutella (“Kingsman: Serviço Secreto”), que rouba as cenas. A aventura espacial conquistou a crítica americana, com 83% de aprovação. Mas não saiu do vermelho nas bilheterias, com “apenas” US$ 151 milhões nos EUA. Orçada em US$ 185 milhões, a produção precisa ter bom desempenho internacional para ganhar nova continuação. Mesmo assim, tem um lançamento nacional bem menor que os mais recentes blockbusters que desembarcaram por aqui, inclusive o fracassado “Ben-Hur”. O outro filme americano que chega aos shoppings nesta quinta (1/9) é o terror “O Sono da Morte”. O gênero sempre rende bom público, mas raramente bons filmes. Este não é exceção. O destaque da produção é a presença do ator mirim Jacob Tremblay, revelado em “O Quarto de Jack” (2015), como um órfão que, sem saber, transforma seus sonhos e pesadelos em realidade. Com 30% no Rotten Tomatoes, é um terror para maiores de 14 anos que não assusta ninguém. Em 145 salas. A programação ampla também inclui uma comédia brasileira. Na verdade, são três os lançamentos nacionais da semana, incluindo os títulos de distribuição limitada. Todos são obras de ficção, mas totalmente diferentes uns dos outros. Com melhor distribuição, o besteirol “Um Namorado para Minha Mulher” chega a 414 telas com uma trama típica de comédia brasileira. Ou seja, algo que ninguém jamais faria na vida real. Cansado da mulher chata, o personagem de Caco Ciocler (“Disparos”) decide contratar um homem para conquistá-la e assim conseguir a separação. Mas se arrepende. O problema é que o sedutor exótico (Domingos Montagner, de “Gonzaga: De Pai para Filho”) se apaixona pela mulher do “corno”. A ideia só não é totalmente ridícula por conta da atriz Ingrid Guimarães (“De Pernas pro Ar”), que para encarnar o clichê da mulher chata assume um mau-humor espirituoso, inteligente e divertidíssimo, que vê defeito em tudo e não suporta lugares comuns. Em outras palavras, ela parece crítica de cinema. A direção é de Julia Rezende (“Meu Passado Me Condena” duas vezes – o filme e a continuação). “Aquarius”, por sua vez, encalha em 85 salas. Sempre foi difícil imaginar a pequena Vitrine Filmes distribuir um blockbuster, mas o diretor Kleber Mendonça Filho, cujo filme anterior, “O Som ao Redor” (2012), abriu em 24 telas, não poderá reclamar de perseguição política, pois a classificação etária caiu para 16 anos. De todo modo, seu marketing de viés político, criado por uma postura intransigente de enfrentamento contra o governo, desde a denúncia em Cannes de que “o Brasil não é mais uma democracia” graças a um “golpe de estado”, até a patrulha ideológica contra um crítico da comissão que vai selecionar o candidato brasileiro ao Oscar, tem um lado positivo, ao mostrar inconformismo em apenas realizar o filme. Ao contrário de muitos colegas de profissão, que parecem se contentar em contabilizar os cheques das leis de incentivo para filmar, sem se posicionar diante da invisibilidade das estreias dramáticas nacionais, Filho quer que seu trabalho seja visto. E nisto tem razão. O bom cinema brasileiro merce ser visto. E “Aquarius” é um bom filme, sim, especialmente pela oportunidade que dá ao público de ver Sonia Braga novamente como protagonista, aos 66 anos de idade. É o resgate de uma carreira que estava restrita, nos últimos anos, a pequenas aparições em séries americanas ruins. Seu desempenho evoca a performance consagradora de Fernanda Montenegro em “Central do Brasil” (1998). São papeis completamente diferentes, mas que conduzem e humanizam suas narrativas. Entretanto, pela politização que o cineasta quis dar ao lançamento, é preciso observar mais atentamente a ironia da trama, que mostra Clara, a personagem de Braga, enfrentando as investidas de uma construtora que quer demolir o antigo edifício onde mora, muito bem localizado em Recife, para construir um novo empreendimento. Embora seja fácil puxar a analogia do “golpe” sofrido por Dilma Rousseff num embate contra as forças econômicas, é mais sutil perceber que, na vida real, empresas como a que representa o “mal” no filme foram responsáveis por financiar o projeto populista, alimentado por propinas, corrupção política e construções superfaturadas, que destroçou o patrimônio do país e de todas as Claras do Brasil, nos últimos 13 anos. O fato é que o cinema militante não reflete sutilezas, tanto que só um drama brasileiro recente foi capaz de evitar as armadilhas do maniqueísmo e do proselitismo para retratar um quadro mais complexo da situação política, econômica e social do país: “Casa Grande” (2014), de Fellipe Barbosa. Quanto mais o tempo passa, melhor e mais representativo aquele filme se torna do Brasil contemporâneo. Ocupando 15 telas, a terceira estreia nacional é “Rondon, O Desbravador”, de Marcelo Santiago (por coincidência, codiretor do mitológico “Lula, o Filho do Brasil”) e do estreante Rodrigo Piovezan. Pode-se até considerá-lo o oposto político de “Aquarius”, por apresentar um ufanismo como não se via desde o auge da ditadura militar. Cinebiografia do Marechal Rondon, que desbravou as florestas brasileiras para levar o telégrafo (a internet do final do século 19) ao sertão, o longa evita todas as polêmicas possíveis para apresentá-lo como herói, responsável pela integração pacífica dos índios na civilização brasileira. Claro que sua defesa da ocupação do país “do Oiapoque ao Chuí” levou à desapropriação de terras indígenas, iniciou o desmatamento em massa, realocou tribos e as infectou com doenças, mas nada disso é relatado pela trama, que parte de um encontro fictício do velho militar (Nelson Xavier, de “Chico Xavier”) com um jornalista para recordar seus grandes feitos. O pôster, com bandeira tremulando e continências militares, ilustra perfeitamente o estilo de Educação Moral e Cívica da produção. A programação se completa com dois lançamentos europeus limitados, que exploram o humor em tons diversos. “Loucas de Alegria”, do italiano Paolo Virzì (“A Primeira Coisa Bela”), leva a 14 salas a história de amizade entre duas mulheres, que fogem de um hospital psiquiátrico em busca de um pouco de felicidade. Divertido, terno e belo nas doses certas. A menor distribuição da semana cabe a “A Comunidade”, do dinamarquês Thomas Vinterberg (“A Caça”), com exibição em seis telas. É outro ótimo filme, que ironiza o espírito comunal dos anos 1970. A trama parte de um casal típico da década mais liberal de todas, que resolve convidar estranhos a compartilhar de sua casa espaçosa. Quando seu casamento entre em crise, eles têm que lidar com amantes e votações coletivas para determinar como viver no próprio lar. Trine Dyrholm (“Amor É Tudo o que Você Precisa”), intérprete da esposa, foi premiada como Melhor Atriz no Festival de Berlim deste ano.
