Jennifer Lopez rebela-se através das décadas com ótimo clipe feminista
A cantora e atriz Jennifer Lopez (série “Shades of Blue”) divulgou seu novo e surpreendente clipe “Ain’t Your Mama”, em que vive diversas mulheres, em diferentes épocas, proclamando que não vai cozinhar, lavar ou fazer o trabalho de nenhum marmanjo, porque não é mãe de homem feito. Estruturado como um curta, o ótimo vídeo começa com um discurso feminista, em que uma versão telejornalista da cantora, com visual de guerrilheira, conclama todas as mulheres a se rebelarem. Para servir de exemplo, ela vive uma dona de casa dos anos 1950, uma secretária dos anos 1960, uma empregada de fábrica dos anos 1970 e uma funcionária da uma grande corporação dos anos 1980, sempre aludindo ao tratamento abusivo de maridos, patrões e colegas que querem colocá-la “em seu lugar”, fazendo todo o trabalho. No final, várias mulheres de jeans se juntam para dançar na rua com a cantora, numa alusão às coreografias dos anos 1990. A mensagem clara, o refrão fácil e a batida dançante são contagiantes. Uma boa forma de retomar a carreira musical, após dois anos sem lançar músicas. Composta em parceria com a também cantora Meghan Trainor, que tem metade da idade de J-Lo, “Ain’t Your Mama” é o primeiro single do novo álbum da diva, que só deve chegar às lojas no final do ano. Entretanto, ele embute uma contradição, na figura do produtor Dr. Luke, acusado por Keisha de ser abusivo, manipulador e outras coisas que nenhuma feminista defenderia. O vídeo, por sua vez, foi dirigido por Cameron Duddy, editor do filme “Antes Só do Que Mal Casado” (2007) e especialista em clipes de artistas populares, como Bruno Marz, Fifth Harmony, Rita Ora e Britney Spears. “Ain’t Your Mama”, porém, é disparado o seu melhor trabalho.
Whitney Houston vai ganhar documentário do diretor de O Último Rei da Escócia
A cantora Whitney Houston terá sua vida e carreira retratadas em um documentário dirigido por Kevin Macdonald (“Mar Negro”). A informação foi divulgada pelo site oficial da cantora. Este será o primeiro filme de Whitney autorizado por sua família. Macdonald é um diretor de prestígio. Além de realizar dramas de ficção, como “O Último Rei da Escócia” (2006), que lhe rendeu o BIFA (prêmio indie britânico), ele já venceu o Oscar de Melhor Documentário por “Um Dia em Setembro” (1999). O filme sobre Whitney tampouco será seu primeiro documentário musical. Em 2012, ele lançou “Marley”, o trabalho mais exaustivo já feito sobre o cantor Bob Marley. O filme ainda não tem título definido, mas deve estrear em 2017. Ele será produzido por Simon Chinn, que já produziu vencedores do Oscar de Melhor Documentário, como “Procurando Sugar Man” (2012) e “O Equilibrista” (2008). Anteriormente, a cantora tinha sido foco do telefilme “Whitney” (2015), dirigido por Angela Bassett e estrelado por Yaya DaCosta. Mas a produção não contou com apoio de sua família, que tentou, sem sucesso, impedir sua gravação. Dona de uma voz incomparável e poderosa, que rendeu diversos hits, Whitney também fez carreira no cinema, destacando-se principalmente no filme “O Guarda-Costas” (1992), de onde saiu sua música mais conhecida, “I Will Always Love You”. Porém, nos últimos anos, passou a chamar mais atenção pela sua vida pessoal, devido ao seu relacionamento conturbado com o cantor Bobby Brown e o vício em drogas. Ela morreu em 2012, afogada em sua própria banheira.
Beyoncé surpreende com “disco visual” de quase uma hora de duração
A cantora Beyoncé voltou a surpreender com o lançamento de um novo álbum-surpresa e coleção de clipes, dois anos após inventar a moda. No momento em que o mundo ainda lamenta a morte de Prince, ela mostra que o funk continua vivo e evoluindo com “Lemonade”, uma porrada sonora, que chega acompanhado de um “visual album”, um vídeo com quase uma hora de duração – originalmente exibido como um especial da HBO no fim de semana. “Lemonade”, o vídeo, junta os clipes do disco, dando imagens e contexto à sua proposta, que vai do tom confessional, em mensagens pouco amistosas, aparentemente endereçadas a seu marido, o rapper Jay Z, até o tom de protesto, enquadrando a violência racial da polícia americana. De um lado, seu casamento conturbado. Do outro, o divórcio da população e a justiça. Repleto de referências, o vídeo passeia por paisagens da história dos negros americanos, desde os plantações da escravatura – o título “Lemonade” é referência ao uso de limonada para clarear a pele dos escravos – , pelo jazz de Nova Orleans, os ônibus simbólicos da luta pelos direitos civis, a era do orgulho racial, evocado nos samples de Isaac Hayes que ressoam na música “6 Inch”, até chegar aos dias do rap e da violência policial. Segundo a cantora, o disco é “baseado na jornada de autoconhecimento e cura de todas as mulheres”. Assim, há muitas alusões a figuras femininas. Uma mulher de vestido branco pendurada numa árvore lembra “Strange Fruit” de Billie Holiday, o blues sobre os frutos das árvores dos negros enforcados. Há também um close no rosto de Nina Simone na capa de um disco. E mulheres dos dias de hoje, como modelo Winnie Harlow, que tem o rosto descolorido pelo vitiligo, e as mães dos jovens Trayvon Martin e Michael Brown, recentemente assassinados pela polícia americana. Musicalmente, o passeio também encontra diversas paisagens intrigantes, de gospel, country, rock, soul, funk e até dub, na companhia de gente tão distinta quanto o guitarrista Jack White, os cantores The Weeknd e James Blake e o rapper Kendrick Lamar. A música com guitarra e vocais de Jack White, “Don’t Hurt Yourself”, é o primeiro single, que vai do reggae leve ao rock pesado com impressionante naturalidade. Não menos impressionante é “Freedom”, com Kendrick Lamar, que usa o gospel de forma sobrenatural. Por sua vez, a síntese visual de “Lemonade” pode ser evocada na imagem de Beyoncé destruindo carros com um taco de beisebol, com um sorriso no rosto, balançando ao som de uma batida ska que também faria a alegria da geração 2-Tone dos anos 1980. A música se chama “Hold Up” e tem sample da banda de rock Yeah Yeah Yeahs. Este vídeo, por sinal, tem direção do grande mestre dos clipes Jonas Åkerlund. Mas a lista de diretores que se mesclam na produção (um clipe continua no outro, entrecortados por poemas de Warsan Shire) inclui ainda outros visionários, como Kahlil Joseph, Melina Matsoukas, Dikayl Rimmasch, Todd Tourso, o cineasta Mark Romanek (“Não me Abandone Jamais”) e a própria Beyoncé Knowles Carter.
Playlist (Superfly): 35 clipes do funk sintetizado dos anos 1980
O funk de sintetizadores new wave e batida sincopada marcou a sonoridade dos anos 1980 graças a Prince. Infelizmente, a preservação dessa história foi comprometida pelo próprio artista, que proibiu seus clipes no YouTube, vetou homenagens, como a série “Glee”, e barrou o compartilhamento dos registros de seus shows feitos por fãs. Após sua morte na quinta (21/4), dois clipes apareceram de forma não autorizada no portal de vídeos do Google. Eles abrem e fecham a lista abaixo, que junta 35 vídeos de artistas do R&B e da new wave para evocar o complô de influências que prosperou durante o reinado do funk sintético de Prince.
Prince (1958 – 2014)
O cantor, músico e compositor Prince foi encontrado morto em seu estúdio de gravação no Minnesota, nos Estados Unidos, na quinta-feira (21/4), aos 57 anos. Ainda não se sabe a causa da morte, mas na semana passada um problema de saúde do artista, que não foi revelado, obrigou seu avião particular a fazer um pouso de emergência para levá-lo a um hospital no Illinois, quando ele voltava de um show em Atlanta. Além de gravar sucessos que marcaram gerações, Prince desenvolveu uma breve carreira cinematográfica, trabalhando como ator, diretor e compositor de trilhas sonoras. Ele inclusive venceu um Oscar e dois Globos de Ouro. Prince Rogers Nelson nasceu em 7 de junho de 1958 em Minneapolis, e desde cedo demonstrou interesse pela música. Isto o levou a participar ativamente da cena musical da cidade, que acabou crescendo junto de seu sucesso. Ele lançou o primeiro disco aos 19 anos de idade, em 1978. Seu disco seguinte se tornou platina, revelando seus primeiros hits. Mas foram seus três álbuns seguintes, “Dirty Mind” (1980), “Controversy” (1981) e “1999” (1982) que estabeleceram sua persona como um artista genial, excêntrico e multifacetado, capaz de cantar, compor, tocar diversos instrumentos e produzir sucessos, além de originar um novo estilo de funk, influenciado por sintetizadores e batidas da new wave, sem perder de vista a sensualidade do bom e velho rock’n’roll. Seus discos continuaram se tornando cada vez melhores ao longo da década, mas o reconhecimento de seu talento também alimentou sua ambição. Em 1984, ele fez sua estreia no cinema, estrelando “Purple Rain”, um musical escrito e dirigido pelo estreante Albert Magnoli. O diretor só fez mais três filmes medíocres no resto de sua carreira, mas “Purple Rain” é lembrado até hoje. Virou cult. Não porque Prince tenha se revelar um excelente ator, mas pelas músicas que ele compôs para a trilha sonora. O álbum com a trilha fez muito mais sucesso que o filme, vendendo 13 milhões de cópias. Celebrado como um dos melhores trabalhos da carreira do cantor, “Purple Rain” rendeu a canção-síntese de Prince, “When Doves Cry”, com solo de guitarra roqueiro, batida new wave e letra sensual. Foi também a sua primeira música a atingir o 1º lugar da parada de sucessos da Billboard. “When Doves Cry” ainda ganhou o Globo de Ouro de Melhor Canção Original. Mas o Oscar foi para o disco inteiro: Melhor Trilha de Canções de 1985, um prêmio da época dos grandes musicais de Hollywood, que já não existe mais. O filme, por sua vez, apresentou ao mundo a cena de Minneapolis, com participações de Morris Day e da banda The Time, projeto paralelo do cantor, além de introduzir sua banda de apoio, The Revolution, e lançar Apollonia 6, uma das muitas estrelas-namoradas de seu laboratório pop. Ao contribuir para o roteiro e o casting sem receber créditos, Prince resolveu que não faria mais filmes com outros cineastas. Ele ensaiou seus primeiros passos como diretor ao assumir o comando de seus próprios videoclipes. O primeiro que assinou por conta própria foi justamente “When Doves Cry”. No ano seguinte, bisou a dose com “Raspberry Beret”, que virou outro sucesso retumbante de sua carreira. O disco “Around the World in a Day” (1985) foi concebido para ser o seu “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967), incorporando psicodelia em seu funk sintetizado. E não por acaso. Prince queria ser reconhecido como um artista tão talentoso quanto os Beatles. Seu disco seguinte, “Parade” (1986), fez ainda mais sucesso, graças ao fenômeno popular da música “Kiss”. Mas, como os Beatles, ele resolveu desmanchar a banda. The Revolution, que ficou conhecida pelas instrumentistas gatas de sua formação (a guitarrista Wendy Melvoin e a tecladista Lisa Coleman), deu lugar a uma explosão de megalomania. Prince virou diretor, ator e artista solo. O cantor se lançou como cineasta com “Sob o Luar da Primavera” (1986), filmado em preto e branco e estrelado por ele próprio, como um gigolô que tenta dar um golpe numa herdeira francesa (Kristin Scott Thomas, em sua estreia no cinema). Mas apesar da trilha, que consistia basicamente do disco “Parade”, o filme não repetiu o sucesso de “Purple Rain”. Não bastasse o fiasco de público, Prince ainda virou piada, tornando-se o grande vencedor do troféu Framboesa de Ouro. “Sob o Luar da Primavera” não só foi considerado o Pior Filme do ano, como ainda conquistou as framboesas de Pior Direção, Roteiro e Canção (“Love or Money”). Prince respondeu às críticas negativas com um surto de criatividade, concebendo um disco duplo, “Sign o’ the Times” (1987), e um documentário sobre sua gravação. Alguns críticos o chamaram, na época, de melhor disco da década. E após outro álbum, “Lovesexy” (1988), ele foi convidado a compôr músicas para a trilha do filme mais esperado de 1989: “Batman”, dirigido por Tim Burton. O enorme sucesso do filme rendeu um de seus maiores hits, “Batdance”, e acabou convenceu-o a voltar à ficção cinematográfica. Segundo longa de ficção dirigido pelo cantor, “Graffiti Bridge” (1990) foi concebido como um projeto da banda The Time, mas acabou virando uma sequência de “Purple Rain”, com Prince retomando seu personagem daquele filme, The Kid. A estratégia de lançar um disco com o mesmo título do filme também foi seguida. Assim como a ideia de mostrar Morris Day e The Time como vilões e introduzir uma novo grupo de apoio para o cantor, The New Power Generation. Não deu outra: “Graffiti Bridge” entrou nas listas dos piores filmes do ano, sendo indicado a cinco troféus no Framboesa de Ouro, inclusive Pior Filme, Ator (Prince), Diretor (Prince) e Roteiro (Prince). Por sorte, não venceu nenhum, mas a péssima recepção serviu para o cantor perceber que jamais teria um futuro cinematográfico à altura de sua discografia. Foi o fim da trajetória de Prince como cineasta e o começo da jornada rumo à implosão de sua carreira. Três anos depois, em 1993, ele abandonou sua própria identidade, ao adotar, como novo nome, um símbolo impronunciável, descrito como o “símbolo do amor”. Virou o Artista Antigamente Conhecido como Prince. A mudança fazia parte de uma estratégia calculada, visando livrá-lo de seu contrato com a Warner Music, que ele acreditava estar limitando sua criatividade. Prince não se conformava em ter permissão para lançar apenas um disco por ano. A Warner demonstrou como ele estava equivocado ao lhe dar corda, deixando-o produzir dois discos em 1994. Ambos fracassaram. Mas seu plano de lançar mais discos simultaneamente também visava apressar o final de seu contrato (por discos lançados), o que aconteceu em 1996, com pouca fanfarra, após seu álbum menos popular na gravadora, “Chaos and Desorder”, implodir nas paradas. O Artista Antigamente Conhecido como Prince se tornou um cantor independente com “Emancipation” (1996), um CD triplo com 36 faixas. Não satisfeito, deu sequência à egotrip com “Crystal Ball” (1998), desta vez composto por cinco CDs e 53 faixas. Além do excesso musical, o disco marcou outra faceta extrema do artista: sua obsessão pelo controle completo de sua obra. Querendo eliminar atravessadores, ele concentrou a distribuição em seu site oficial, o que se provou caótico e gerou revolta em fãs que não conseguiram encontrar o disco. Foi um desastre. Em busca dos fãs perdidos em seu desastrado começo independente, ele retomou o nome Prince em 2000. Um ano depois, abraçou a religião, virando Testemunha de Jeová, o que representou um choque para quem cresceu ouvindo suas letras libidinosas. Ao continuar lançando suas músicas novas pela internet, ele também se afastou das rádios e da TV. O que o fez privilegiar o contato direto com o público por meio de shows, situação em que se descobriu, inesperadamente, um artista de antigos sucessos, como se pode constatar pelo lançamento de seu primeiro disco “ao vivo” – triplo, claro – , em 2002. Mas Prince ainda tinha fôlego para novos hits. Sua carreira musical foi reabilitada graças à estratégia ousada de lançamento do disco “Musicology” (2004), distribuído de graça para quem comprasse os ingressos de sua nova turnê. Prince fez milhões como o artista de maior bilheteria de shows daquele ano. E “Musicology” o colocou de volta nas paradas de sucesso. A própria indústria musical se espantou, conferindo-lhe prêmios (dois Grammy). Suas iniciativas pioneiras no uso da internet como plataforma de vendas e divulgação lhe renderam o prêmio Webby de maior inovador da web em 2006. E daí, um mês depois da cerimônia, ele decidiu fechar seu site. Além disso, vetou a exibição de suas clipes na internet, que permanecem proibidos até hoje, comprovando que só Prince entende Prince. 2006 também marcou seu último trabalho cinematográfico: a composição da música “The Song of the Heart” para a animação “Happy Feet – O Pinguim”, de George Miller. Pela composição, ele ganhou o Globo de Ouro de Melhor Canção Original. Mesmo mantendo o ritmo de composição e lançamento de discos, Prince se destacou mais, nos últimos anos, sobre o palco, como artista de shows grandiosos, incluindo o concerto do Super Bowl de 2007, a Earth Tour, a 20Ten Tour e a Live Out Loud Tour, entre diversas outras apresentações e participações em festivais. Mas Prince também ficou conhecido por outros feitos menos nobres, ao processar fãs, que postavam gravações piratas de seus shows, e proibir a circulação de vídeos amadores com suas músicas ou apresentações. Ele comprou briga até com a banda Radiohead, sobre o direito dos fãs de registrarem seu cover de “Creep” no YouTube. A banda tentou intervir, mas o artista antigamente adorado não quis deixar quem não comprou ingresso ouvir sua versão. Por conta dessas atitudes, em 2013 a Electronic Frontier Foundation lhe deu um prêmio infame, inspirado numa de suas canções, o Raspberry Beret Lifetime Aggrievement Award, em reconhecimento a seus esforços para processar, perseguir e espezinhar seus próprios fãs, impedindo-os de se manifestarem com suas músicas na internet. Ele também proibiu a série “Glee” de lhe prestar homenagem, em 2011. Madonna, Britney Spears e os Beatles receberam o tributo que ele não quis. Pouco antes de morrer, Prince anunciou que estava escrevendo um livro de memórias, intitulado “The Beautiful Ones”, nome de uma música de “Purple Rain”.
Fernanda Abreu lança clipe realizado pela diretora de Muitos Homens Num Só
A cantora Fernanda Abreu lançou o primeiro clipe de seu novo disco, a faixa “Outro Sim”, que foi dirigido pela cineasta Mini Kerti (“Muitos Homens Num Só”) e produzido pela Conspiração Filmes. O clipe foi rodado em preto e branco, mas contém tons vermelhos como o design de Giovanni Bianco para a arte do single (veja acima). Bianco também é responsável pela arte de CDs de Madonna e de “Bang”, o mais recente lançamento de Anitta. O vídeo em si traz a cantora em estúdio, cantando, dançando e gesticulando muito, num figurino masculino (de Claudia Kopke, figurinista de “Que Horas Ela Volta?”), que inclui um chapéu em referência a Michael Jackson. A música “Outro Sim” faz parte do CD “Amor Geral”, o primeiro com músicas inéditas da cantora desde “Na Paz”, de 2004.
Diretor de Battleship vai produzir documentário “sem censura” sobre Rihanna
A cantora Rihanna vai ganhar um documentário que pretende mostrar sua vida e sua carreira sem censura. O projeto partiu do diretor Peter Berg, que foi responsável pela estreia da cantora nos cinemas, no filme “Battleship: A Batalha dos Mares” (2012). Berg criou uma nova produtora, chamada Film 45, com foco em projetos sem roteiro e, de acordo com a Billboard, entre os primeiros trabalhos estaria um longa sobre a artista caribenha, que traria um “olhar sem filtros sobre a vida de Rihanna e como ela se tornou um ícone global”, na definição do próprio diretor. Ainda sem título, o projeto terá inspiração no clássico documentário “Don’t Look Back” (1967), sobre Bob Dylan. O diretor disse à Billboard ter escolhido Rihanna pois se sentiu atraído pela ideia de observar como age “uma jovem artista no topo da sua carreira”, e que o longa seria “mais um estudo de personagem do que um filme de música”. Apesar de o documentário não ter data de estreia definida, o site da Film 45 indica que ele será lançado em breve, além de oferecer uma pequena sinopse do filme: “Siga esta verdadeira estrela internacional, por sua vida como artista, empresária e humanitária, enquanto luta contra a constante pressão da liberdade artística, proporcionando um olhar sobre a evolução de uma das artistas pop mais conhecidas do mundo.”
Rihanna fica seminua e provoca com sensualidade no clipe de Kiss It Better
A cantora Rihanna lançou um novo clipe provocante, em que aparece seminua, coberta apenas por lençóis de seda transparente ou camisolas do mesmo material, deixando entrever seus seios, enquanto canta uma letra convidativa para um amante idealizado. Apesar do alerta de “cenas explícitas” do YouTube, o vídeo da música “Kiss It Better” foi realizado com uma sensualidade de revista de moda, em preto e branco, sem background e com apenas Rihanna em cena. Longe de parecer vulgar, ele valoriza o corpo da cantora, que aparece confortável consigo mesma, como, por sinal, sugere a letra da canção. O responsável pela gravação foi o fotógrafo inglês Craig McDean, que clica campanhas para as principais grifes do planeta – Gucci, Yves Saint Lauren, Giorgio Armani, Oscar de la Renta, Calvin Klein, etc. Ele já lançou livros de fotografias, mas o clipe de Rihanna é sua primeira incursão na direção de imagens em movimento. O trabalho se provou um sucesso. Em menos de 24 horas, o vídeo oficial foi visto mais de 4 milhões de vezes e repercutiu forte nas redes sociais. “Kiss It Better” faz parte do oitavo disco da cantora, “Anti”, que diziam não ser “muito comercial”. A sonoridade, que remete à produções dos anos 1980, evoca a época com a ajuda de um sobrevivente do período. Quem toca guitarra é ninguém menos que o português Nuno Bettencourt, da banda Extreme. Para quem não lembra, ele também distorceu o pop clássico de Janet Jackson “Black Cat”.
Rihanna sensualiza nos clipes de Work
Segura o tchan. Rihanna, que completou 28 anos no sábado (20/2), divulgou um vídeo que contém dois clipes distintos para “Work”, primeiro single de seu novo disco “Anti”. Ambos trazem a cantora sensualizando, mas o primeiro, chamado de “explícito”, é que arrepia com muito “twerk”. Nele, Rihanna aparece de biquíni e vestido vazado Tommy Hilfiger, mostrando sua elasticidade enquanto desce ao chão, rebola, rala, esfrega e levanta o rapper Drake, em meio a uma pista lotada de boate reggae – na verdade, um restaurante caribenho de Toronto transformado em clube de dancehall para o clipe. A direção é assinada pelo canadense Director X (responsável por “Hotline Bling”, de Drake), que, na coreografia do vídeo, explora os elementos de dancehall da canção. Uma curiosidade: enquanto o primeiro clipe idolatra o bumbum da cantora, o segundo, com direção do sueco Tim Erem (responsável por “Lean On”, de Major Lazer), destaca seus seios. “Work” é o terceiro trabalho visual conjunto de Rihanne e Drake, que a esta altura já devem estar bem confortáveis um com o outro, encaixando direitinho. Anteriormente, a dupla havia dividido atenções em “Take Care” (2012) e “What’s My Name” (2010).
Anitta dá um selinho em Isis Valverde em seu novo clipe
A funkeira Anitta lançou um novo clipe, bem colorido, que traz participação do cantor e ator Jhama (“No Meu Lugar”) e da atriz Isis Valverde (“Faroeste Caboclo”). Anitta é a dona de casa perfeita na historinha do clipe, ainda que Jhama insista em cantar o refrão pagodeiro que diz “Essa Mina É Louca”. Só que ele acaba dando motivo para ela ficar enlouquecida, ao traí-la com Isis Valverde. Diante do flagra, as duas se unem e o colocam para correr, antes de darem o selinho do final feliz. O clipe, que também faz referência visual ao vídeo de “Bang”, tem a mesma equipe do trabalho anterior, com direção de Bruno Ilogti e orientação criativa de Giovanni Bianco, conhecido por seus trabalhos com a cantora Madonna, como as capas dos discos “Rebel Heart” (2015) e “MDNA” (2012), entre outros trabalhos.
Veja o trailer do novo documentário de Spike Lee sobre Michael Jackson
O canal pago americano divulgou o trailer do novo documentário de Spike Lee centrado em Michael Jackson. “Michael Jackson’s Journey From Motown To Off The Wall” explora a transformação do cantor de soul em fenômeno pop, acompanhando sua transição do grupo Jackson 5 para a carreira solo no disco “Off the Wall”, lançado em 1979. A prévia inclui imagens de arquivo de shows em 1979 e 1981, além de entrevistas com artistas como The Weeknd, David Byrne (do Talking Heads) e Questlove (do Roots), que falam, entre outras coisas, das referências à “Star Wars” na letra do hit “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”. Este é o segundo documentário de Spike Lee sobre o cantor, que em 2012 lançou “Bad 25”, sobre os 25 anos do disco “Bad” (1987). O novo filme terá sua première mundial no Festival de Sundance e será exibido no Showtime em 26 de fevereiro, mesmo dia em que também chegará às lojas numa edição especial de DVD e Bluray, integrando o relançamento do álbum “Off the Wall”.
Taylor Swift enfrenta a natureza no primeiro clipe de 2016
A cantora Taylor Swift lançou o primeiro videoclipe de 2016 – o sexto de seu álbum “1989”. Que, por sinal, já é também o primeiro grande sucesso do ano. Disponibilizado nas primeiras horas de sexta (1/1), o vídeo de “Out of the Woods” foi visto por mais de 2 milhões de pessoas em menos de 24 horas. Com uma fotografia esmaecida e belíssima, e com direito a muitos efeitos visuais, o clipe, gravado em uma locação na Nova Zelândia, mostra a cantora enfrentando toda a força da natureza, em meio à neve, fogo, água, lama, galhos de árvores, sendo perseguida por lobos ferozes na floresta, caindo num abismo até o fundo do mar, mas sempre levantando, até encontrar a si mesma no último minuto. A direção é de Joseph Kahn, responsável pelos igualmente fantásticos clipes anteriores da cantora, “Blank Space”, “Bad Blood” e “Wildest Dreams”.
Selena Gomez assume fase sensual em clipe do diretor de Na Cama com Madonna
A cantora e atriz Selena Gomez não consegue manter as mãos quietas em seu novo clipe, “Hands to Myself”. Além das referências óbvias à masturbação, o vídeo explora a obsessão com as celebridades, mostrando a cantora objetificando o modelo inglês Christopher Mason, que aparece o tempo inteiro sem camisa. Os dois ralam e rolam, mas é tudo fantasia da adolescente, que ao final é presa por invadir a casa e dormir na cama do rapaz, dando um sentido diferente ao acessório “Cinquenta Tons de Cinza” que ela usa no começo da produção: um par de algemas para aquietar suas mãos. O clima sensual faz parte do novo perfil adotado pela cantora e foi filmado pelo cineasta Alek Keshishian, que ficou conhecido como diretor do documentário “Na Cama com Madonna” (1991). Ele também dirigiu a comédia “Amor e Outros Desastres” (2006). Inspirada por Prince e, claro, Madonna, “Hands to Myself” é considerada a melhor música do novo disco de Selena, “Revival”, lançado em outubro.
