Clint Eastwood se recusa a evacuar estúdio em meio a incêndio na Califórnia
Em pleno trabalho de pós-produção do filme “Richard Jewell”, o veterano cineasta Clint Eastwood, de 89 anos, recusou-se a deixar os estúdios da Warner Bros. em Hollywood Hills, na grande Los Angeles, após recomendação de evacuação no fim de semana, diante do avanço dos incêndios florestais na região. Seu filho, o ator Scott Eastwood (“Velozes e Furiosos 8”), registrou no Instagram como a fumaça do incêndio chegou perto dos estúdios. “Isso é de algumas horas atrás”, escreveu Scott em um vídeo que mostra uma cortina de fumaça se aproximando dos prédios da Warner. “A segurança nos mandou evacuar o estúdio. Mas o meu pai de 89 anos disse: ‘Não, estamos bem, há trabalho a ser feito’. Então voltamos para a sala de edição e assistimos ao seu novo filme, ‘Richard Jewell'”. Scott ainda ressaltou que o caso não é inventado. “Como ele diria, voltem para o trabalho e calem a boca. História real. Aliás, era um sábado”. Mais de 230 bombeiros e quatro helicópteros trabalharam na contenção do incêndio, que teria começado num acampamento de sem-tetos na região e ainda não foi controlado. Ver essa foto no Instagram This is from a couple hours ago. Security told us to evacuate the studio. But my 89 year old father said. “No were good, There’s work to be done. “ then we went into the mixing stage and all watched his new movie @richardjewellfilm As he would say, get back to work and shut up. *True story*. By the way it was a Saturday Uma publicação compartilhada por Scott Eastwood (@scotteastwood) em 9 de Nov, 2019 às 6:33 PST
John Witherspoon (1942 – 2019)
O ator John Witherspoon, parceiro de comédias de Eddie Murphy e Ice Cube, morreu na terça (29/10) aos 77 anos. Sua família confirmou a notícia no Twitter, sem divulgar a causa da morte. Witherspoon começou a carreira como comediante de stand-up. Após tentar, sem sucesso, se apresentar em shows de comédia em Las Vegas, foi para Los Angeles e começou a frequentar as noites de microfone aberto na Comedy Store. Ele também trabalhou de porteiro no clube de comédia e acabou contratado como MC, para apresentar os shows. Acabou criando amizade com o famoso comediante Richard Pryor, que o convidou a participar de seu programa humorístico, “The Richard Pryor Show”. Foi a estreia de Witherspoon nas telas, em 1977. Ele também apareceu em séries dramáticas, como “O Incrível Hulk”, “Barnaby Jones” e “Chumbo Grosso” (Hill Street Blues), antes de se lançar no cinema com um pequeno papel no remake de “Nasce um Cantor” (1980). A carreira cinematográfica ganhou fôlego no final dos anos 1980, a partir de parcerias com os cineastas que se destacaram nas primeiras comédias de elenco negro no período. Escalado no sucesso “Confusões em Hollywood” (1987), de Robert Townsend, ele entrou em seguida em “Vou Te Pegar Otário” (1988), de Keenen Ivory Wayans (que escreveu o filme anterior), e ainda repetiu a parceria com Townsend no cultuado musical “Ritmo & Blues – O Sonho do Sucesso” (1991) e em “Homem Meteoro” (1993). Também apareceu em mais duas obras clássicas relacionadas à música, a cinebiografia “Bird” (1988), sobre a vida do jazzista Charlie “Bird” Parker, dirigida por Clint Eastwood, e na popular comédia “Uma Festa de Arromba” (1990), de Reginald Hudlin, com os rappers adolescentes Kid & Play. Hudlin foi quem o transformou em parceiro de Eddie Murphy, dirigindo ambos em “O Príncipe das Mulheres” (1992). Witherspoon ainda filmou “Um Vampiro no Brooklyn” (1995), “Dr. Dolittle 2” (2001) e “As Mil Palavras” (2012) com o famoso comediante. Mas foi a comédia “Sexta-Feira em Apuros” (1995) que lhe deu seu papel mais famoso: Willie Jones, o pai do personagem preguiçoso de Ice Cube. Willie era, entre outras coisas, propenso a dar conselhos paternais enquanto usava o banheiro. Witherspoon apareceu em três filmes da franquia Ele também participou de mais de 100 episódios da série de comédia “Dupla do Barulho” (1995-1999), estrelada pelos irmãos Marlon e Shawn Wayans, com quem ainda contracenou no cinema em “O Pequenino” (2006). Sua filmografia inclui até uma produção de Adam Sandler, “Um Diabo Diferente” (2000), em meio a dezenas de outros projetos. Entre seus últimos trabalhos estão a dublagem da série animada “The Boondocks” (2005-2014), como o vovô Robert Freeman, e a série de comédia “Black Jesus”, atualmente em sua 3ª temporada.
O Caso Richard Jewell: Novo filme de Clint Eastwood ganha primeiro trailer legendado
A Warner divulgou cinco fotos e o primeiro trailer legendado de “O Caso Richard Jewell”, novo filme de Clint Eastwood. Aos 89 anos de idade, o incansável diretor se dedica a mais um drama baseado em fatos reais para explorar seu tema favorito: o heroísmo em todas as variações. O filme gira em torno da ação do segurança Richard Jewell (vivido por Paul Walter Hauser, de “Infiltrado na Klan”) no atentado de Atlanta, em 1996, que deixou um morto e mais de 100 feridos. Inicialmente aclamado como herói, ele acabou se tornando o principal suspeito de plantar as bombas. O FBI revistou sua casa duas vezes e a mídia o apresentou como um policial frustrado que poderia ter planejado tudo pela fama e o desejo de ser visto como herói. Os fatos são históricos e quem quiser saber o desfecho pode procurar na Wikipedia. De todo modo, é uma história emblemática e que deixa Eastwood novamente cotado ao Oscar. Ele já venceu como diretor e com justiça pelo clássico “Os Imperdoáveis” (1992) e “Menina de Ouro” (2004), mas não é indicado à estatueta desde “Cartas de Iwo Jima” (2006). O elenco tem categoria para o Oscar, com dois ex-vencedores do prêmio da Academia: Sam Rockwell (por “Três Anúncios Para um Crime”) e Kathy Bates (por “Louca Obsessão”). Além deles, Olivia Wilde (“Tron: O Legado”), Jon Hamm (“Em Ritmo de Fuga”) e Nina Arianda (“Florence: Quem É Essa Mulher?”) completam o casting. “O Caso Richard Jewell” tem estreia marcada para 13 de dezembro nos Estados Unidos e ainda não possui previsão de lançamento no Brasil.
Clint Eastwood vira cowboy do asfalto em A Mula
Clint Eastwood construiu boa parte da sua carreira em cima da figura do cowboy solitário. Filmes como a trilogia dos dólares ajudaram a estabelecer essa aura em torno do ator. Embora o gênero de western tenha passado por um revisionismo, do qual o próprio Eastwood participou – com o ótimo “Os Imperdoáveis” –, a iconografia do cowboy permanece no nosso imaginário até hoje. Em “A Mula”, seu mais recente trabalho como ator e diretor, Clint Eastwood oferece uma nova revisão do gênero, removendo o vaqueiro do velho oeste e colocando-o nas estradas asfaltadas. Escrito por Nick Schenk (de “Gran Torino”) com base numa história real, o roteiro acompanha Earl (Eastwood), um florista veterano cuja vida foi gasta na estrada, vendendo seus produtos para clientes regulares e participando de convenções, das quais normalmente sai premiado. Earl se sente à vontade nesses ambientes. Ele caminha sorridente pelos corredores, conversa com todo mundo e todos querem conversar com ele. E no bar, é ele quem paga as bebidas. Em contrapartida, sua família precisou se acostumar com a sua ausência. Ele perdeu aniversários, casamentos e outros eventos importantes. Criou um ressentimento grande em todos os seus familiares, com exceção da neta Ginny (Taissa Farmiga), a única com quem ainda mantém contato. Como um tubarão, Earl precisa se manter em constante movimento. E enxerga a família como uma ancora cujo único intuito é mantê-lo em um único lugar, matando-o aos poucos. As semelhanças entre o protagonista de “A Mula” e os demais personagens interpretados por Eastwood são visíveis. Tanto os vaqueiros durões do velho oeste quanto o florista idoso buscam a solidão. E assim como aconteceu com o cowboy quando a lei chegou ao Oeste, não há mais lugar para este florista analógico em um mundo digital. Tudo muda quando um conhecido da sua neta lhe faz uma proposta. Interessado no fato de Earl nunca ter tido uma multa, o sujeito lhe indica alguém disposto a pagá-lo apenas para dirigir. Mais especificamente, para transportar grandes carregamentos de drogas. Da mesma maneira como o cowboy cansado das matanças não hesitava em puxar o gatilho mais uma vez, o florista não pensa duas vezes antes de entrar na sua camionete e pegar a estrada, usando a necessidade de sustentar a família como justificativa para tal. Sua real motivação, porém, é outra. Antes afundado em dívidas e despejado da sua casa, ele encontra no transporte de drogas uma forma de retomar a sua antiga glória. Torna-se uma mula para o cartel, e toma gosto por isso. Agora, Earl recebe agradecimentos por ter reformado o salão de festas da sua comunidade, e pode pagar pelo casamento e pelos estudos da neta. Mantém-se, portanto, a alcunha do sujeito heroico que salva a cidade e cavalga em direção ao pôr-do-sol. A imensidão desértica do velho oeste é substituída por uma estrada reta e asfaltada. Embora Earl faça caminhos diferentes, a jornada sempre converge ao mesmo local (um hotel onde ele entrega sua encomenda e recebe o pagamento). A rotina da mula é repetitiva, assim como a do cowboy. Mas o cowboy era jovem. E a mula é velha. Por mais que tente arrancar resquícios de virilidade de seu personagem (colocando-o a participar não de um, mas de dois ménage a trois), Eastwood encarna bem a figura do velhinho simpático e supostamente alheio ao seu entorno. Algumas mudanças na sua personalidade, porém, são bem-vindas. Agora, ele acolhe os estrangeiros, em vez de enfrenta-los. Até trabalha para um. E mesmo apresentando sinais de racismo, mostra-se disposto a aprender e a mudar. O mesmo não pode ser dito dos policiais. Estes continuam a propagar os estereótipos, parando apenas as pessoas que eles consideravam mais suspeitas, ou seja, imigrantes e minorias. Por ser alguém acima de qualquer suspeita, Earl viaja tranquilamente. Eastwood procura manter a câmera próxima de si na maior parte do tempo, causando uma cumplicidade entre público e protagonista. Sua atuação, aliás, é o ponto alto do filme. De resto, o longa é bastante esquemático na sua execução. Há pouco desenvolvimento dos personagens coadjuvantes. Estes funcionam única e exclusivamente em função do protagonista (o agente interpretado por Bradley Cooper chega a mencionar a esposa em certo momento, mas esta nunca aparece). O roteiro também aposta em muitas coincidências para movimentar a trama, como o fato de Earl ter desviado do caminho justo quando a polícia o esperava. Apesar dos problemas, a mensagem fica intacta: nunca é tarde demais para aprender com seus erros e mudar. Este é o ensinamento trazido pela maturidade de Eastwood. E é a diferença entre Earl, o cowboy do asfalto, e os outros personagens do passado do ator/cineasta Clint Eastwood.
Verna Bloom (1938 – 2019)
Morreu a atriz Verna Bloom, que estrelou os clássicos “Dias de Fogo”, “O Pistoleiro sem Nome”, “O Clube dos Cafajestes”, “Depois das Horas” e “A Última Tentação de Cristo”. Ela tinha 80 anos e faleceu na quarta (9/1) em Bar Harbour, no Maine (EUA), devido a complicações provocadas pela demência. Nascida em 7 de agosto de 1938, em Lynn, Massachusetts, Bloom se formou na Universidade de Boston em 1959. Logo em seguida, mudou-se para Denver e fundou um teatro local, onde ajudou a produzir montagens de provocativas peças contemporâneas. Sua estréia na Broadway aconteceu em 1967, mesmo ano em que começou a fazer participações em séries de TV. Sua chegada no cinema se deu em grande estilo, no clássico “Dias de Fogo” (Medium Cool, 1969), um filme revolucionário de Haskell Wexler, rodado em estilo de guerrilha, no papel de uma mãe solteira que se envolve na violência que toma conta de Chicago durante a caótica Convenção Nacional Democrata de 1968. As cenas de quebra-quebra na cidade foram registros reais, misturando ficção e documentário para narrar a história do envolvimento de Bloom com um cameraman (Robert Forster) que cobre o tumulto. As imagens da atriz em um vestido amarelo em busca de seu filho perdido entre os manifestantes, os disparos de gás lacrimogêneo e o avanço de tanques e soldados armados – pano de fundo 100% real – tornou-se uma das cenas mais impressionantes do cinema americano daquele período – e de todos os tempos. “Ela não era apenas uma atriz maravilhosa, ela era destemida”, disse Wexler, sobre a performance. “Eu estava mais assustado do que ela”, refletiu o diretor, sobre filmar em meio a um dos maiores tumultos civis da história dos EUA. Após essa estreia à fogo, ela virou protagonista em Hollywood, tendo papéis de destaque em westerns como “Pistoleiro sem Destino” (1971), dirigido e estrelado por Peter Fonda, e o clássico “O Estranho sem Nome” (1973), dirigido e estrelado por Clint Eastwood, além do thriller criminal “Ruge o Ódio” (1973), com Robert Duvall. A atriz também se destacou em telefilmes que marcaram a época, como “A Garota Viciada” (1975), em que viveu a mãe da personagem-título (papel da adolescente Linda Blair), “Contract on Cherry Street” (1977), no qual interpretou a mulher de Frank Sinatra, e “Amarga Sinfonia de Auschwitz” (1980), como uma música judia num campo de concentração nazista. Mas foi, ironicamente, por um de seus menores papéis que se tornou mais lembrada: Marion Wormer, a mulher liberada do diretor da universidade de “Clube dos Cafajestes” (1978), que acaba traindo o marido (John Vernon) com um dos estudantes que ele mais odeia (Tim Matheson). Bloom revisitou o papel 25 anos depois num especial criado para acompanhar o lançamento da comédia de John Landis em Blu-ray, que contava, num falso documentário, o que tinha acontecido com os personagens do filme. Ela voltou a trabalhar com Clint Eastwood em “Honkytonk Man – A Última Canção” (1982), antes de aparecer em seus dois últimos filmes, ambos dirigidos por Martin Scorsese, vivendo uma escultora moderna na comédia “Depois das Horas” (1985) e Maria em “A Última Tentação de Cristo” (1988). Verna Bloom acabou se casando em 1972 com uma colaborador frequente de Scorsese, o roteirista Jay Cocks, que foi indicado ao Oscar por seu trabalho em “A Época da Inocência” (1993) e “Gangues de Nova York” (2002), e também escreveu o filme mais recente de Scorsese, “Silêncio” (2016).
Sondra Locke (1944 – 2018)
Morreu a atriz e diretora Sondra Locke, que foi parceira de Clint Eastwood em vários filmes e também na vida pessoal. Ela faleceu vítima de câncer em 3 de novembro, aos 74 anos, mas apenas agora o óbito foi confirmado. Sandra Louise Smith nasceu em 1944 em Shelbyville, Tennessee, e mudou seu nome para Sondra quando foi escolhida para viver a adolescente Mick Kelly em “Por que Tem de Ser Assim?” (1968), seu primeiro filme, que lhe rendeu indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante aos 24 anos de idade. Em seguida, estrelou o drama “Uma Sombra Me Persegue” (1970) e os filmes de terror “Calafrio” (1971) e “A Imagem do Medo” (1972), antes de viver Jesus Cristo de saias em “The Second Coming of Suzanne” (1974). Este lançamento foi tão mal recebido que a afastou do cinema por um bom período, levando-a para as séries. Ela apareceu em “Galeria do Terror”, “Kung Fu”, “Barnabie Jones” e “Planeta dos Macacos” até ser resgatada por Clint Eastwood, que a escalou como protagonista feminina em “Josey Wales, o Fora da Lei” (1976), dando início a uma parceria bem-sucedida também fora das telas. Os dois, que eram casados, passaram a viver juntos. E a filmar juntos também. Sondra emendou mais cinco filmes ao lado do ator e diretor, alguns deles famosíssimos. A lista inclui “Rota Suicida” (1977), “Doido para Brigar… Louco para Amar” (1978), a continuação “Punhos de Aço: Um Lutador de Rua” (1980), “Bronco Billy” (1980) e “Impacto Fulminante” (1983), penúltimo longa da franquia “Dirty Harry”, em que ela se vinga dos homens que a estupraram e a sua irmã. Sem medo de papéis controvertidos, Sondra ainda estrelou o cultuado “Death Game” (1977), em que, ao lado de Colleen Camp, seduzia e torturava um homem ingênuo. O filme ganhou remake recente, “Bata Antes de Entrar” (2015), com Lorenza Izzo e Ana de Armas se revezando na tortura de Keanu Reeves. Em 1986, ela mudou o foca da sua carreira, tornando-se diretora. Sondra dirigiu quatro longas: “Ratboy” (1986), “Tentação Perigosa” (1990), “Death in Small Doses” (1995) e “Ligados pelo Perigo” (1997). “Ratboy” teve mais repercussão, já que a trama lembrava “Calafrio”, do começo da carreira da atriz, mas a crítica foi impiedosa. Clint Eastwood assinou a produção, mas acabou processado por atitudes lesivas em 1989, quando quis abandoná-la. A briga começou quando Eastwood engravidou outra mulher e mudou as fechaduras de sua casa, colocando as coisas de Locke num depósito, enquanto ela estava em outro estado filmando seu segundo longa. Os dois chegaram a um acordo quando ele se comprometeu a produzir os próximos filmes dela, num acordo de distribuição com Warner. Entretanto, isso não foi honrado e, em 1995, Locke voltou a processar o ator e também a Warner por fraude e por conspiração para sabotar sua carreira. O caso acabou resolvido fora dos tribunais, mas Locke ficou com fama de “difícil” em Hollywood e teve sua carreira encurtada. Durante essa fase estressante, ela ainda passou por uma mastectomia dupla em 1990. E, após lançar seu último filme em 1997, publicou sua autobiografia, “The Good, the Bad, and the Very Ugly – A Hollywood Journey”, parafraseando o título de um filme estrelado por Eastwood nos anos 1960. O diretor Eli Roth a creditou como coprodutora de “Bata Antes de Entrar” e isso a recolocou em contato com a indústria cinematográfica. Sondra Locke voltou às filmagens pela última vez em 2017, como protagonista do drama “Ray Meets Helen”, do veterano cineasta Alan Rudolph.
A Mula: Clint Eastwood vira traficante no trailer legendado de sua volta à atuação
A Warner divulgou o trailer legendado de “A Mula” (The Mule), que marca a volta de Clint Eastwood à atuação. O astro de 88 anos de idade não atuava desde “Curvas da Vida”, em 2012. Ele também é o diretor do filme, sobre um veterano idoso da 2ª Guerra Mundial que foi preso pela DEA (Agência Americana Antidrogas) por transportar drogas para um conhecido cartel mexicano – uma quantidade de cocaína avaliada em US$ 3 milhões – pelas estrados dos Estados Unidos em sua antiga caminhonete. A história é real e chega às telas encenada por grande elenco, em clima de suspense criminal. Para contracenar com Eastwood, o filme reúne Bradley Cooper (“Sniper Americano”), Laurence Fishburne, Michael Peña (ambos de “Homem Formiga e a Vespa”), Dianne Wiest (“Life in Pieces”), Taissa Farmiga (“American Horror Story”), Clifton Collins Jr. (“Westworld”), Victor Rasuk (“Jack Ryan”), Manny Montana (“Good Girls”) e Andy Garcia (“Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo”). A estreia está marcada para 14 de fevereiro no Brasil, dois meses exatos após o lançamento nos Estados Unidos.
Clint Eastwood vira traficante idoso no trailer de sua volta à atuação
A Warner divulgou o primeiro trailer de “The Mule”, que marca a volta de Clint Eastwood à atuação. O astro de 88 anos de idade não atuava desde “Curvas da Vida”, em 2012. Ele também é o diretor do filme, sobre um idoso de 90 anos, veterano da 2ª Guerra Mundial, que foi preso pela DEA (Agência Americana Antidrogas) por transportar drogas para um conhecido cartel mexicano – uma quantidade de cocaína avaliada em US$ 3 milhões – através de Michigan em sua antiga caminhonete. A história é real e encenada por um elenco fabuloso em clima de suspense criminal. Para contracenar com Eastwood, o filme reúne Bradley Cooper (“Sniper Americano”), Laurence Fishburne, Michael Peña (ambos de “Homem Formiga e a Vespa”), Dianne Wiest (“Life in Pieces”), Taissa Farmiga (“American Horror Story”), Clifton Collins Jr. (“Westworld”), Victor Rasuk (“Jack Ryan”), Manny Montana (“Good Girls”) e Andy Garcia (“Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo”). A estreia está marcada para 14 de dezembro nos Estados Unidos e ainda não há previsão de lançamento no Brasil.
Clint Eastwood vai voltar a atuar em filme sobre traficante idoso
O veterano astro Clint Eastwood vai voltar a aparecer na frente das câmeras em “The Mule”, a história real de um idoso de 90 anos que colaborava com o Cartel de Sinaloa transportando drogas. Eastwood, que completa 88 anos em 31 de maio, não estrelava um filme desde “Curvas da Vida”, em 2012, focando suas energias atualmente em dirigir. Além de atuar, Eastwood também irá dirigir o longa, no qual ainda retomará sua parceria com Bradley Cooper, após filmar o ator em “Sniper Americano” (2014). Já a última vez que ele dirigiu a si mesmo foi em “Gran Torino”, em 2008. Na trama, Eastwood interpretará Leo Sharp, um veterano da 2ª Guerra Mundial, que foi preso pela DEA (Agência Americana Antidrogas) por transportar drogas para o conhecido cartel mexicano – uma quantidade de cocaína avaliada em US$ 3 milhões – através de Michigan em sua antiga caminhonete. A história é real e Sharp foi condenado a três anos de prisão. A pena reduzida foi obtida após seu advogado alegar que ele sofria de demência. Cooper interpretará o agente da DEA que prendeu Sharp. A produção da Warner ainda não tem previsão de estreia.
Farofeiros invadem os cinemas nas estreias da semana
A programação desta quinta (8/3) está sortida, com besteirol, ação e até lançamentos para celebrar o Dia Internacional da Mulher. São 13 longas e uma dica: reflita bem antes de encarar as filas, porque muitos dessas produções vão logo logo enjoar de tanto reprisar na TV. Clique nos títulos abaixo para assistir aos trailers de todas as estreias. “Os Farofeiros” tem a maior distribuição, levando a mais de 500 telas a décima parceria entre o diretor Roberto Santucci e o roteirista Paulo Cursino – no curto espaço de oito anos. Fábrica de hits, a dupla é responsável pelos blockbusters “De Pernas pro Ar” e “Até que a Sorte nos Separe”, e mantém algumas características “autorais”, como elenco de humoristas da TV, personagens caricatos e interpretações histéricas. As piadas do novo trabalho giram em torno do velho tema das “férias frustradas”, mas em vez de acompanhar uma família, reúne “colegas da firma” numa viagem para o litoral, onde tudo dá errado. Com direito a todos os clichês esperados, a história é melhor resolvida – e engraçada – que outras da dupla, ainda que seja inevitável pensar que funcionaria melhor com personagens e praia paulistas ou como lançamento de verão – ou, melhor ainda, como série do Multishow. Em outros anos, “Encantados” também flertaria com o grande público. Mas o filme já era datado quando foi feito, em 2014, tendo “desencantado” nos cinemas apenas agora – e trazendo consigo o “assediador” José Mayer, justamente no Dia da Mulher… A trama é uma versão tupiniquim dos romances adolescentes sobrenaturais que foram tendência em Hollywood há meia década atrás. Gira em torno da filha de um influente político paraense, que tem visões de um índio bonitão nas águas da Ilha de Marajó. Se o samba-enredo parece conhecido é porque a combinação de folclore, rios místicos e “realismo fantástico” tem sido a base de sucessos noveleiros como “Pantanal” (1990) e “Velho Chico” (2016) – sem esquecer que já há uma versão adulta similar, “Ele, o Boto” (1987). A direção é de Tizuka Yamasaki, que chegou a ser apontada como diretora promissora nos anos 1980, antes de se especializar em filmes da Xuxa. Os filmes B dos EUA Os três filmes americanos da semana foram rodados com baixo orçamento e chegam com atraso no Brasil. Caso mais extremo, “Medo Profundo” foi lançado há oito meses nos Estados Unidos, ocasião em que virou uma das maiores surpresas do ano passado. Custou US$ 5,5 milhões e faturou US$ 44,3 milhões só no mercado doméstico, apesar da trama limitada, que mostra as atrizes Mandy Moore (série “This Is Us”) e Claire Holt (série “The Originals”) presas no fundo do mar, cercadas por tubarões e contando os minutos de oxigênio que lhes restam. Sem maiores pretensões, o suspense aquático sobreviveu à cotação medíocre, de 55% de aprovação no Rotten Tomatoes, para sair direto em DVD em vários países. O Brasil é o último lugar do mundo em que será projetado. Apesar de mais verba para efeitos visuais, “O Passageiro” segue a fórmula de filme B das parcerias anteriores entre o ator Liam Neeson e o diretor Jaume Collet-Serra. Como sempre, o protagonista vive o homem errado, que vira alvo de alguém que irá se arrepender até o fim da exibição. O diretor, que já tentara matar o astro num acidente de carro, de avião e a pé nas ruas, desta vez o coloca numa trem em seu trajeto cotidiano para casa. Ao ser abordado no vagão por uma mulher misteriosa (Vera Farmiga), ele acaba envolvido numa conspiração criminal que ameaça não apenas a sua vida, como a de todos ao seu redor. Um pouco acima da linha da mediocridade, atingiu 58% no Rotten Tomatoes e faturou US$ 36,2 milhões em três meses em cartaz na América do Norte. No “ajuste final”, foi salvo pelo público internacional, que pagou quase o dobro para ver o que Tony Scott filmaria em 2017 se ainda fosse vivo. Outra história de ação ferroviária, “15h17 – Trem para Paris” acabou virando um docudrama com direção do veterano Clint Eastwood. A trama acompanha três americanos de férias na Europa, que usam seu treinamento militar para impedir o ataque de um terrorista armado em um trem que viaja de Amsterdã para Paris. A premissa de filme de Steven Seagal dos anos 1990 aconteceu de verdade em 2015 e foi abordada por Eastwood com um tratamento quase documental, ao optar por dirigir os próprios três amigos, interpretando a si mesmos na recriação da viagem em que viraram heróis. Para ter assunto, o filme também mostra como eles se conheceram desde a infância e seu treinamento militar, e ainda serve como propaganda para o alistamento militar nos Estados Unidos. O resultado não convenceu, com 15% de aprovação. Orçado em US$ 30 milhões, dará prejuízo com apenas US$ 35,2 milhões em dois meses. O empoderamento do circuito limitado As melhores opções em cartaz começam com a produção britânica “Daphne”. Trata-se de uma anti-comédia romântica sobre a personagem-título, que transita pela noite de Londres entre bebedeiras e sexo casual, enquanto navega uma crise existencial a espera de um atrasado amadurecimento. A atriz Emily Beecham, mais conhecida como A Viúva da série “Into the Badlands”, foi premiada no Festival de Torino e indicada ao BIFA (premiação indie britânica) pelo papel. Já o filme tem só 100% de aprovação no Rotten Tomatoes. “A Número Um” é um suspense feminista passado no mundo das grandes corporações. Bastante atual, o longa francês acompanha sua protagonista numa campanha para ser promovida à CEO de sua empresa, defrontando-se com um rival sexista pelo cargo, que faz tudo para lembrá-la de “seu lugar”, inclusive jogar sujo para vê-la chorar como “mulherzinha”. Escrito, dirigido e estrelado por mulheres, destaca a interpretação de Emmanuelle Devos, indicada ao César (o Oscar francês) pelo desempenho. Outra história feminina francesa, “O Filho Uruguaio” acompanha a busca de uma mãe pelo filho pequeno, sequestrado pelo próprio pai. Após quatro anos do divórcio, sem que a polícia o tenha localizado, a mãe resolve procurar o filho por conta própria, planejando um reencontro no Uruguai. A realidade, porém, não acontece como em seus sonhos. O que não é exatamente inesperado. A maternidade também é o tema de “Uma Espécie de Família”, novo suspense do argentino Diego Lerman (“Refugiado”), que venceu o troféu de Melhor Filme do Festival de Chicago, Melhor Roteiro do Festival de San Sebastian e tem oito indicações ao “Oscar argentino”. A trama acompanha uma médica que viaja ao interior, num local distante, para o parto de uma jovem pobre. Pretendendo adotar o bebê, ela é surpreendida por um esquema de extorsão e, quando percebe a verdade sobre a situação em que se meteu, entra em desespero. No papel principal, a espanhola Bárbara Lennie foi coberta de elogios pela imprensa platina. Ela já tem o Goya (o Oscar espanhol) de Melhor Atriz por “A Garota de Fogo” (2014). E os documentários A programação se completa com quatro documentários brasileiros. O melhor é “Torquato Neto – Todas as Horas do Fim”, que resgata um dos expoentes menos lembrados da Tropicália. Culpa dele próprio, que se matou jovem. Jornalista, poeta, compositor, cineasta, deixou alguns clássicos da MPB como legado. “Santoro – O Homem e Sua Música” também resgata ícone esquecido da cultura brasileira do século 20. O amazonense Cláudio Santoro (1919-1989) chegou a ser considerado um dos maiores compositores eruditos do mundo. Mas, em vez de consagração, sofreu perseguição no Brasil por ser comunista. Impedido de exercer sua arte, precisou dar aulas particulares e até criar bois para sobreviver. Por fim, “Pra Ficar na História” registra os esforços de um gaúcho que criou um museu ao ar livre sobre a imigração italiana e “A Imagem da Tolerância” aborda o culto a Nossa Senhora de Aparecida.
Vídeo explora decisão de filmar 15h17 – Trem para Paris com trio que viveu a história real
A Warner divulgou um vídeo de bastidores de “15h17 – Trem para Paris” (The 15:17 to Paris), novo filme de Clint Eastwood, que explora a curiosa decisão do diretor de filmar a trama, baseada numa história verídica, com os três jovens que viveram os fatos reais. Não se trata de um documentário. O filme é um thriller de ação, que marca a estreia de Anthony Sadler, Alek Skarlatos e Spencer Stone como atores, interpretando a si mesmos. Spencer revelou ter tido um insight durante a produção: “Uma hora eu olhei em volta, vi o Sr. Eastwood e caí em mim: ‘Meu Deus, estou aqui mesmo, me interpretando num filme de Clint Eastwood sobre a minha vida”. A trama acompanha três americanos de férias na Europa, que usam seu treinamento militar para impedir o ataque de um terrorista armado em um trem que viaja de Amsterdã para Paris. Além do incidente que os tornou famosos, o filme vai mostrar como eles se conheceram desde a infância, em Carmichael, na Califórnia, e o treinamento militar de Alek e Spencer, respectivamente como Guarda Nacional do Oregon e aviador da Força Aérea dos Estados Unidos. A história foi adaptada para a tela pela roteirista Dorothy Blyskal, assistente de produção de “Sully: O Herói do Rio Hudson” (2016), que também estreia na nova função. Além do trio de protagonistas, fazem parte do elenco os atores Tony Hale (série “Veep”), Jenna Fischer (“O Estado das Coisas”), Judy Greer (“Homem-Formiga”), PJ Byrne (série “Big Little Lies”), Thomas Lennon (“Uma Noite no Museu”) e os meninos Paul-Mikel Williams (série “Westworld”), Bryce Gheisar (“Quatro Vidas de um Cachorro”) e William Jennings (“Wheels”), que interpretam as versões mais jovens de Anthony, Alek e Spencer. A estreia está marcada para fevereiro.
Novo filme de Clint Eastwood ganha primeiro trailer com heróis da vida real
A Warner divulgou o primeiro trailer de “15h17 – Trem para Paris” (The 15:17 to Paris), novo filme de Clint Eastwood. Depois de contar a história do herói do Rio Hudson em seu drama de acidente aéreo “Sully”, aclamado pela crítica, o veterano cineasta recria outro evento heroico da vida real, mas levando a adaptação a um novo nível de precisão. Para contar a história, Eastwood dirigiu os personagens que a viveram de verdade: Anthony Sadler, Alek Skarlatos e Spencer Stone, que estreiam como atores interpretando a si mesmos. A trama acompanha três americanos de férias na Europa, que usam seu treinamento militar para impedir o ataque de um terrorista armado em um trem que viaja de Amsterdã para Paris. Além do incidente que os tornou famosos, o filme vai mostrar como eles se conheceram desde a infância, em Carmichael, na Califórnia, e o treinamento militar de Alek e Spencer, respectivamente como Guarda Nacional do Oregon e aviador da Força Aérea dos Estados Unidos. A história foi adaptada para a tela pela roteirista Dorothy Blyskal, assistente de produção de “Sully: O Herói do Rio Hudson” (2016), que também estreia na nova função. Além do trio de protagonistas, fazem parte do elenco os atores Tony Hale (série “Veep”), Jenna Fischer (“O Estado das Coisas”), Judy Greer (“Homem-Formiga”), PJ Byrne (série “Big Little Lies”), Thomas Lennon (“Uma Noite no Museu”) e os meninos Paul-Mikel Williams (série “Westworld”), Bryce Gheisar (“Quatro Vidas de um Cachorro”) e William Jennings (“Wheels”), que interpretam as versões mais jovens de Anthony, Alek e Spencer. A estreia está marcada para fevereiro.
Sofia Coppola subverte O Estranho que Nós Amamos com feminismo e beleza
Embora “O Estranho que Nós Amamos”, de Sofia Coppola (“Bling Ring”), seja uma nova releitura do romance de Thomas Cullinan, é muito difícil dissociá-lo da primeira adaptação cinematográfica da obra, o filme homônimo de Don Siegel de 1971, até pelo impacto, como thriller, que o clássico mantém até hoje. Os dois longas travam uma espécie de diálogo, mudando a perspectiva da trama, de acordo com a época em que foram produzidos. A intenção da diretora parece ser provocar, ao deliberadamente alterar o ponto de vista da narrativa. Não vemos mais a história pelos olhos do soldado ianque ferido que é desejado por mulheres de todas as idades de um internato de garotas na Virginia, na época da Guerra Civil Americana. No filme de Siegel, Clint Eastwood conseguia tirar proveito dessa situação, como se estivesse numa loja de doces. Ao mesmo tempo, o que acontece a seguir com ele é um pesadelo terrível. O trailer da nova versão, que rendeu à diretora o prêmio de melhor direção no Festival de Cannes, nem fez questão de esconder a parte trágica do que acontece com o soldado, agora vivido por Colin Farrell (“Animais Fantásticos e Onde Habitam”), quando ele adentra aquele território de mulheres, que se veem mudadas e excitadas com sua presença. Em entrevista, Sofia Coppola disse que fez seu filme para as mulheres e para seus amigos gays. Faz sentido, principalmente na cena em que Nicole Kidman, a dona do internato, banha o corpo nu e inconsciente do soldado e sente o calor do desejo. Três gerações de atrizes – Nicole Kidman (“Lion”), Kirsten Dunst (“Melancolia”) e Elle Fanning (“Demônio de Neon”) – se comportam de maneira diferente diante daquele homem. Mas todas elas se sentem bastante atraídas por ele. A mais velha parece ter uma reputação a zelar, mas tenta se aproveitar do fato de mandar naquele lugar; a do meio vê naquele homem uma passagem para a felicidade do amor romântico; já a mais jovem é impulsiva o suficiente para jogar o seu charme e avançar o sinal sem a menor culpa. Mas enquanto trata do desejo de diferentes mulheres por um homem, “O Estranho que Nós Amamos” é também um filme sobre a objetificação masculina e como a aparente fragilidade feminina na verdade esconde força – e até uma maldade. Trata-se de uma obra feminista, como já era o primeiro trabalho da diretora, “As Virgens Suicidas” (1999). Como todos os filmes da diretora, também é um trabalho repleto de beleza. Nas imagens captadas à luz de velas e claridade natural pelo cinematógrafo Philippe Le Sourd (“O Grande Mestre”), nos figurinos sóbrios das moças do internato (de Stacey Battat, em seu terceiro trabalho com a diretora), e em sua direção de arte absolutamente “feminina” (de Anne Ross, no quarto filme com Coppola), que sabe lidar muito bem com o vermelho vivo. O que é natural. Afinal, a mulher sangra todo mês.
