Elisabeth Moss vai viver a irmã do Presidente Kennedy que sofreu lobotomia
A atriz Elisabeth Moss (série “The Handmaid’s Tale”) vai protagonizar “A Letter from Rosemary Kennedy”. Ela terá o papel-título, como a irmã do presidente John Kennedy, Rose Marie “Rosemary” Kennedy, o membro menos conhecido da famosa família de políticos. Sua história é pouco conhecida porque os Kennedys tentaram manter seus problemas mentais escondidos da mídia. Ela chegou a ser submetida a uma lobotomia aos 23 anos de idade, mas o procedimento fracassou e a deixou incapacitada. O filme vai abordar o que levou à essa ação radical e as consequências disso. Anteriormente, Emma Stone (“Guerra dos Sexos”) chegou a estar cotada para o filme, mas o projeto demorou muito para começar a sair do papel. O roteiro do estreante Nick Yarborough estava na Black List de 2016, mas só agora a produção definiu seu diretor: o indiano Ritesh Batra (“The Lunchbox”, “Nossas Noites”). O estúdio indie Mandalay Pictures é responsável pela produção, que ainda não tem previsão de estreia.
Roman Polanski será personagem do novo filme de Quentin Tarantino
O diretor Roman Polanski estará no novo filme de Quentin Tarantino, apurou o jornalista Justin Kroll, da revista Variety. Ele postou a notícia em seu Twitter, mas não publicou nenhum artigo sobre isso. Assim, o texto truncado e mal-escrito nas redes sociais deu margens para diferentes interpretações. A maioria da imprensa brasileira fez a tradução mais tosca, afirmando que Polanski interpretará um papel no filme, além de ter inventado frases completas. O tuíte original é este abaixo: Some QT-Manson updates: The role Pitt and Cruise have met on is for that of a stuntman not prosecutor, the Leo character is also Tate's neighbor in the pic and Polanski will play key role in film, QT going discovery route wants authentic polish thesp — Justin Kroll (@krolljvar) February 1, 2018 E a má tradução já fez diversos internautas pegarem em forcados e tochas para protestar contra a presença do diretor franco-polonês, que foi preso nos anos 1970 por abuso sexual de uma menina de 13 anos. Polanski eventualmente fugiu dos EUA e desde então vive na Europa, onde de tempos em tempos enfrenta batalhas no tribunais contra uma possível extradição. Obviamente, ele não poderia viajar até os Estados Unidos para participar da produção. Na verdade, Polanski é um personagem do filme e não um intérprete. O jornalista escreveu: “Polanski terá papel destacado no filme, Quentin Tarantino vai seguir a via da descoberta e quer um ator polonês autêntico”. Só faltou acrescentar: para viver o personagem. Passado em 1969, o longa tem como pano de fundo as atrocidades cometidas pelos seguidores de Charles Manson, entre elas o assassinato da atriz Sharon Tate, que na época era casada e esperava o filho de Polanski. O jornalista também adiantou detalhes sobre o papel oferecido a Brad Pitt e Tom Cruise, além de desvendar a participação de Leonardo DiCaprio. “O papel que Brad Pitt e Tom Cruise poderiam assumir é para um dublê e não promotor; o personagem do DiCaprio também é vizinho de Sharon Tate e Roman Polanski terá destaque no filme; Quentin Tarantino busca autenticidade e quer o ator polonês”, escreveu o jornalista. Além de vizinho de Sharon Tate e Polanski, o personagem de DiCaprio, conforme anteriormente adiantado, seria um ator falido, que estrelava uma antiga série de faroeste, mas não conseguiu alcançar a fama ao fazer a transição para o cinema. Por enquanto, DiCaprio, que já trabalhou com Tarantino em “Django Livre” (2012), é o único nome confirmado no elenco. O filme será o primeiro papel desde que venceu o Oscar de Melhor Ator, por “O Regresso”, em 2016. O diretor negocia também com Margot Robbie para viver Sharon Tate. A expectativa é que o filme chegue aos cinemas em agosto de 2019, data que coincide com os 50 anos do assassinato de Sharon Tate.
Discovery vira “melhor série Star Trek” com maior reviravolta já vista neste e no outro universo
O texto a seguir é radiativo. Cuidado com os spoilers nucleares. O episódio mais recente da série “Star Trek: Discovery”, disponibilizado nesta semana na Netflix, deixou os fãs pasmos, com comentários e elogios rasgados nas redes sociais. Fãs já chamam “Discovery” de “melhor série ‘Star Trek'”, como se isso não fosse um sacrilégio. A empolgação se deve ao arco de quatro episódios concluído no último domingo (28/1) nos Estados Unidos – e que chegou na segunda ao Brasil. Morta nos primeiros episódios, logo na introdução da série, a personagem de Michelle Yeoh voltou à trama central, e para matar seu substituto, vivido por Jason Isaacs, numa sequência de luta e ação de tirar o fôlego. Trata-se da maior reviravolta já vista no universo das séries. E gerou até memes, tamanho foi seu impacto. Veja abaixo. O detalhe é que ninguém previu. Não houve vazamentos, rumores, nada. A inspiração da reviravolta foi o universo Espelho apresentado em “Mirror, Mirror”, episódio da série clássica dos anos 1960 que mostrava uma realidade paralela em que a Federação era mais selvagem que os klingons. No recente arco, os roteiristas revelaram que o Capitão Lorca (Isaacs) sempre foi malvado, um foragido da outra dimensão, que queria retornar para se vingar da Imperatriz Georgiou (Yeoh, viva no outro universo). E de reviravolta em reviravolta, acabaram trazendo a outra Georgiou para a realidade da Federação – isto é, de volta para a continuidade da série. Foi, na verdade, uma troca de protagonistas, com a morte de Lorca e a “ressurreição” de Georgiou. Em entrevista para a revista Entertainment Weekly, Jason Isaacs explicou que o plano sempre foi esse. Ele foi informado sobre o segredo de Lorca ao aceitar o papel. Isso lhe deu a possibilidade de tornar o personagem ambíguo e explorar sua motivação para trazer Michael Burnham (Sonequa Martin-Green) para o seu lado. Além de brincar com inúmeras dicas ao longo da temporada – como a falta de lembranças sobre eventos de seu passado. Isaacs comentou que ainda não tem informações se voltará a aparecer na série, pois assinou contrato para apenas uma temporada, mas está aberto à possibilidade, porque, se voltar, dará vida a um personagem que ainda não foi visto: o Lorca da Federação. “Se eu fizer outra temporada, sei que não vou mais ter que vestir aquela jaqueta de couro”, afirmou ele, referindo-se ao uniforme do universo Espelho, que foi desintegrado com o vilão. Veja abaixo alguns dos elogios rasgados dos fãs americanos, com direito a citação a “Game of Thrones”. So Lorca is gone. Emperor Georgiou does not play either. #StarTrekDiscovery @startrekcbs #AfterTrek #EmperorGeorgiou #Shook pic.twitter.com/mpUxqNDkkg — Female Blerd SA (@femaleblerd_sa) January 29, 2018 Actual footage of Georgiou and Lorca @jasonsfolly #StarTrekDiscovery pic.twitter.com/jMnwkLTkoA — Maythinee Washington (@maythinee) January 29, 2018 Lorca: "It's poetic justice, don't you think? A scientist destroyed by his own creation. Just kidding. I hate poetry." Me: Buh bye Lorca…@SonequaMG @jasonsfolly #MichelleYeoh #Discovery #StarTrek #StarTrekDiscovery #AfterTrek pic.twitter.com/dDzKDzd6ET — Lea (@CrayCrayRules) January 29, 2018 How cool is #michelleyeoh? She kills her political rivals with a sword in one hand and a coffee in the other! #rehearsingthefight #startrekdiscovery #bts #whatspastisprologue @SonequaMG @jasonsfolly pic.twitter.com/bCQXHRQmoQ — Ted Sullivan (@karterhol) January 31, 2018 Prime Lorca survived the explosion of the Buran and he set up shop in Saragossa, Spain. He's living the high life. #StarTrekDiscovery #aftertrek pic.twitter.com/cUoCR6y8Ym — Carlos (@Carlos_Casorran) January 28, 2018 I honestly think tonight’s episode of @startrekcbs gave me everything I ever wanted out of an episode of Star Trek. #StarTrekDiscovery #AfterTrek — Matt Mira (@MattMira) January 29, 2018 @startrekcbs Just watched this week's episode. You just blew my mind. This Star Trek you can not miss one week. Well done to the writers and the actors. You have revitalized the Star Trek franchise for sure. #AfterTrek. — Robert Reicker (@robert_reicker) January 29, 2018 @StarTrek This episode really had the vibe of the best classic trek episodes. Well executed ? — Ton 余 (@noteey) January 29, 2018 That episode!!! I knew what was going to happen and was still on the edge of my seat letting out dramatic gasps! Oh those high kicks #MichelleYeoh – Go @startrekcbs — Emily Coutts (@couttsemily) January 29, 2018 I’ve yelled “oh shit” more times in these last 4 episodes of #StarTrekDiscovery than in just about anything I’ve ever watched! Thanks & Congrats @StarTrek — Dave Murdock (@davemurdock) January 29, 2018 Seriously, all hats off to @StarTrekRoom for this episode. I love the fact that all the fan predictions just got blown up sky high. Beautiful. #StarTrekDiscovery — Jon Huff (@jonwesleyhuff) January 29, 2018 If you haven't been watching @startrekcbs you're missing out on some amazing #StarTrek — the series has had a stream of edge-of-seat episodes as the first season finale approaches. #StarTrekDiscovery — Danny Sullivan (@dannysullivan) January 29, 2018 Mr. @jasonsfolly You are extremely enjoyable as Captain Lorca. #gratitude #StarTrekDiscovery ???❤️ — Starfleet boy (@starfleetboy) January 29, 2018 I just yelled OH SHIIIIIIIIT!!! watching THAT fight sequence. @karterhol #StarTrekDiscovery — Bo Yeon Kim (@extspace) January 29, 2018 Star trek discovery is getting so very good. Suprised every episode. It's totally changed its formula for star trek. #StarTrekDiscovery #StarTrek — Hyper Guy HD (@Hyperguy_HD) January 29, 2018 During any fight scene involving Michelle Yeoh, I'm just going to assume she kicks everyone's ass. #StarTrekDiscovery — Mala Bhattacharjee (@badnecklace) January 29, 2018 That's got to be the best-choreographed fight scene in all of Star Trek. #StarTrekDiscovery — Michelle (@mtoven) January 29, 2018 Spoiler-free reaction to tonight’s @startrekcbs episode: HOLY CRAP THAT WAS EPIC INTENSE WHOA. Yes, caps were necessary. — Charlynn Schmiedt (@ohtheprofanity) January 29, 2018 MIND BLOWING EPICNESS!!!! Superb performances by #MichelleYeoh, @SonequaMG, @albinokid, @TheRekhaSharma, and @jasonsfolly! ?? Fantastic writing and execution all around. Visuals were exceptional, as always. LOVE THIS SHOW! #StarTrekDiscovery — Jennifer (@JenPhillips721) January 29, 2018 Holy crap, what an ep! The last 15 mins were phenomenal! That throne room fight! That cliffhanger, omg! ? #StarTrekDiscovery — JeffDJ (@Worfles) January 29, 2018 The latest episode of #StarTrekDiscovery was one of the best hours of Trek I have ever watched. Thank you @startrekcbs for giving me that weekly dose of idealism and excitement! — Justin Larson (@thejustinlarson) January 29, 2018
Todd Haynes começa a trabalhar em documentário sobre a banda Velvet Underground
O projeto do documentário do cineasta Todd Haynes (“Carol”) sobre a banda Velvet Underground foi oficializado, com a divulgação de comunicado dos produtores e o início da produção. Haynes vai escrever, dirigir e produzir o filme, em parceria com a Polygram Entertainment e as gravadoras Verve e Universal, e pretende cobrir diversos tópicos, desde a formação da banda até seu impacto na música e na cultura global. “Eu não poderia estar mais entusiasmado em embarcar no meu primeiro documentário, tendo como tema uma das bandas de rock mais radicais e influentes do mundo da música: The Velvet Underground”, ele afirmou em comunicado. Danny Bennett, presidente e CEO da Verve Label Group, deu perspectiva histórica para a produção, ao lembrar: “A Verve Records contratou o Velvet Underground nos anos 1960 para expandir sua icônica trajetória no jazz e avançar os rumos da evolução musical, e sem dúvida eles se tornaram um das bandas mais influentes de todos os tempos. Suas gravações não só desafiaram o status quo, eles criaram uma nova geração musical, que continua a ter relevância até hoje. Sempre foi meu sonho produzir o documentário definitivo do Velvet Underground e me sinto orgulhoso de fazer parte desta produção. Esta história ambiciosa, significativa e envolvente só poderia ser contada por Todd Haynes e estou entusiasmado como os fãs para experimentar a história de The Velvet Underground no contexto de sua época”. O filme tem o apoio de um dos últimos membros fundadores sobreviventes do Velvet Underground, o músico John Cale, e de Laurie Anderson, a artista que foi parceira de vida do cantor Lou Reed. Formada em 1966 por Reed, Cale, o guitarrista Sterling Morrison e a baterista Maureen “Moe” Tucker, Velvet Underground foi a antítese das bandas hippies da época. Enquanto os psicodélicos da Califórnia pregavam paz, amor e lisergia, com músicas ensolaradas, a banda nova-iorquina investia em roupas pretas, óculos escuros e microfonia para exaltar o sadomasoquismo e as drogas mais pesadas, como heroína. Eram apadrinhados pelo artista plástico Andy Warhol, que fez a capa de seu primeiro disco, mas que também lhes impôs a cantora-modelo Nico, com quem só gravaram um disco. Após cantar algumas das melhores músicas da banda, ela teve ajuda de Cale e Reed para se lançar em carreira solo. Eventualmente, os próprios Cale e Reed largaram o Velvet Underground, que acabou implodindo. A banda nunca fez sucesso em sua época. Mas sua repercussão a tornou lendária, como fomentadora das décadas seguintes do rock. Ela é citada como influência por David Bowie – que fez questão de produzir Lou Reed em sua tentativa de emplacar como artista solo – The Jesus and Mary Chain, Sonic York e Nirvana, para citar alguns dos roqueiros que impactou. Haynes falou pela primeira vez do projeto em agosto do ano passado, durante participação no Festival de Locarno, onde foi homenageado pelas realizações de sua carreira. Na época, o diretor revelou as dificuldades previstas em sua empreitada, descrevendo o documentário como “desafiador”, diante da escassez de registros visuais sobre o grupo. Ele confirmou que irá usar os filmes experimentais de Andy Warhol, que registrou performances da banda, e se disse ansioso pela “emoção da pesquisa e montagem visual”. Vale lembrar que, duas décadas atrás, o diretor chamou atenção ao lançar “Velvet Goldmine” (1998), filme sobre artistas fictícios do rock glam, gênero influenciado pelo Velvet Underground, que incluía um personagem inspirado em Lou Reed. Ele também dirigiu “Não Estou Lá” (2007), baseado na vida de Bob Dylan, e um curta animado com bonecas sobre a cantora Karen Carpenter, “Superstar: The Karen Carpenter Story” (1988). Atualmente, Haynes está em cartaz nos cinemas com o filme infantil “Sem Fôlego”.
Jennifer Hudson viverá Aretha Franklin no cinema
Vencedora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante por “Dreamgirls”, Jennifer Hudson voltará a cantar no cinema, na cinebiografia da cantora Aretha Franklin. Ela estava sendo sondado para o projeto da MGM desde 2015 e era a favorita da própria Aretha para vivê-la no cinema. De forma apropriada, o anúncio foi feito pelo antigo produtor da diva, Clive Davis, ex-dono da Arista Records, por quem Aretha lançou alguns de seus maiores sucessos. Em uma das festas mais concorridas do fim de semana do Grammy, o anfitrião Clive Davis convidou Jennifer Hudson para cantar algumas músicas, entre elas clássicos da rainha do soul e, após o pequeno show, divulgou a informação do papel no cinema. O filme deverá ser ambientado nos anos 1960 e 1970, quando Aretha se consagra como uma das maiores artistas dos EUA, cantando clássicos imortais como “I Say a Little Prayer”, “Think”, “Respect” e “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”, além de viver um conturbado relacionamento com seu então marido Ted White. A produção está a cargo de Scott Bernstein, que recentemente fez outra cinebiografia musical de sucesso, “Straight Outta Compton” (2015), e do produtor musical Harvey Mason Jr., que trabalhou com Franklin e também no filme “Dreamgirls”, que consagrou Hudson. O próximo passo é definir roteirista e diretor, por isso ainda não há cronograma de produção ou estreia definida para o filme.
Guillermo Del Toro é acusado de plagiar peça de vencedor do Pulitzer em A Forma da Água
O escritor americano David Zindel está acusando o filme “A Forma da Água”, que recebeu 13 indicações ao Oscar 2018, de plágio. Segundo a acusação, o roteiro do diretor Guillermo Del Toro e Vanessa Taylor copiam a peça de teatro “Let Me Hear You Whisper”, escrita por seu pai Paul Zindel (1936–2003), vencedor do prêmio Pulitzer (por outra peça, “The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds”). A peça de Zindel conta a história de Helen, uma zeladora que se apaixona por um golfinho mantido em cativeiro pelo governo. Para salvar a vida do animal, ela arma um plano para driblar a segurança máxima do local e retirá-lo de lá. A forma como ela arquiteta a fuga do seu amado é bem semelhante ao mostrado no filme de Del Toro. No filme de Del Toro, Sally Hawkins vive uma faxineira muda que se apaixona por uma criatura marinha, que é mantida em cativeiro em um laboratório secreto do governo, e arma um plano para driblar a segurança máxima do local e retirá-lo de lá. O longa é uma produção de época passada nos anos 1960, enquanto peça é uma produção contemporânea, mas feita nos anos 1960. A história de Zindel foi inclusive transformada num telefilme em 1969. “Estamos chocados que um estúdio desse tamanho possa fazer um filme obviamente baseado no trabalho do meu pai, achando que ninguém reconheceria, ou sem nos perguntar sobre os direitos”, disse Zindel, em email enviado ao jornal inglês The Guardian. “Não sou o único impressionado com as semelhanças entre as duas partes e estamos muito gratos aos fãs de Paul Zindel por terem nos avisado sobre o que estava acontecendo”. Apesar da similaridade das tramas, um representante do estúdio Fox Searchlight manifestou-se em defesa de Del Toro, afirmando que o cineasta sequer conhecia a obra de Zindel e tudo não passa de coincidência. “O Sr. del Toro construiu uma carreira ao longo de 25 anos, na qual fez 10 filmes e sempre foi muito aberto sobre aquilo que o influenciou. Se a família Zindel tem perguntas sobre esse trabalho original, estamos abertos ao diálogo”.
Robert Dowdell (1932 – 2018)
O ator Robert Dowdell, astro da série clássica “Viagem ao Fundo do Mar”, morreu na terça-feira (23/1) de causas naturais em Coldwater, Michigan. Ele tinha 85 anos. Dowdell nasceu em 10 de março de 1932, em Park Ridge, Illinois, e trabalhou como mensageiro, guia de caça, ferroviário e engenheiro militar antes de estrear na Broadway em 1956, na peça “The Lovers”, escrita por Leslie Stevens (o futuro criador de “5ª Dimensão”). Após várias peças de sucesso e roteiros de cinema, Stevens decidiu criar sua primeira série em 1962 e convidou Dowdell a integrar o elenco. Intitulada “Stoney Burke”, a atração da rede ABC trazia Jack Lord (futuro astro de “Havaí 5-0”) no papel-título, um peão de rodeio que, acompanhado pelo parceiro Cody Bristol (papel de Dowdell), enfrentava perigos e violência no circuito das competições de cowboys. O elenco da produção era tão bom que ainda incluía Warren Oates (“Meu Ódio Será Sua Herança”) e Bruce Dern (“Os Oito Odiados”), mas a série só durou uma temporada. O ator continuou na folha de pagamento da ABC ao ser imediatamente escalado para uma nova série, “Viagem ao Fundo do Mar”. Desta vez, sua experiência militar foi aproveitada no papel, como o imediato Chip Morton do submarino Seaview. Embora fosse uma adaptação do filme homônimo de 1961, o personagem foi criado especialmente para a série de 1964 e ganhou status de principal coadjuvante, atrás apenas da dupla de protagonistas, o Almirante Nelson (vivido por Richard Basehart, de “Moby Dick”) e o Capitão Crane (David Hedison, de “A Mosca da Cabeça Branca”). Primeira e mais bem-sucedida das séries de ficção científica do produtor-cineasta Irwin Allen nos anos 1960, “Viagem ao Fundo do Mar” durou quatro temporadas e 109 episódios, até 1968. Originalmente concebida como uma série militar futurista, que lidava com perigos da Guerra Fria, a série evoluiu para uma sci-fi mais tradicional, com monstros marinhos e invasores do espaço. A mudança de tom foi refletida de forma visual, com a gravação a cores a partir da 2ª temporada. Após o fim da produção, Dowdell ainda foi convidado por Allen a participar de um episódio de sua quarta série do período, “Terra dos Gigantes”, e também entrou no piloto daquela que seria a quinta, “Cidade Sob o Mar”. Este projeto acabou rejeitado, mas tinha orçamento tão elevado que o piloto foi exibido nos cinemas em 1971. O ator nunca mais emplacou um papel fixo na TV, mas ainda apareceu em diversas séries até 1991, como “S.W.A.T.”, “Buck Rogers”, “CHiPs”, “Casal 20”, “Fama”, “V: A Batalha Final”, “Dinastia”, “Max Headroom” e “Hunter”. Paralelamente, teve pequenas papéis no terror “Iniciação” (1984), com Vera Miles, no filme de ação “Assassinato nos Estados Unidos” (1987), com Charles Bronson, e nas comédias “A Madrasta” (1989), de Larry Cohen, e “As Confusões De Um Sedutor” (1989), de Blake Edwards. Dowdell foi casada com a atriz Sheila Connolly (“Bandoleira por Vingança”) por 14 anos até seu divórcio em 1979. Segundo seus primos, ele achava impressionante que muitos se lembrassem de “Viagem ao Fundo do Mar” e ainda lhe pedissem autógrafo, meio século depois da exibição original.
Matt Smith negocia viver Charles Manson no cinema
O ator Matt Smith (ex-“Doctor Who” e “The Crown”) está negociando o papel do psicopata da vida real Charles Manson no novo filme de Mary Harron, diretora de “Psicopata Americano” (2000). Intitulado “The Family”, o filme examinará os assassinatos infames cometidos pela “família” de Manson, uma seita de hippies assassinos que barbarizou os EUA no final dos anos 1960. A trama será centrada numa estudante que se junta a outras jovens que sofreram lavagem cerebral como parte da seita de Manson. O roteiro, já finalizado, é de Guinevere Turner, com quem Harron trabalhou em “Psicopata Americano”, e se baseia em dois livros: “The Long Prison Journey of Leslie van Houten: Life Beyond The Cult”, escrito por Karlene Faith, e “The Family”, de Ed Sanders, sobre os assassinatos da família Manson. No momento, “The Family” está em processo de escalação de elenco para iniciar suas filmagens na metade do ano, em Los Angeles. Segundo o site Tracking Board, Hannah Murray (da série “Game of Thrones”) e Marianne Rendón (da série “Imposters”) também negociam viver Leslie Van Houten e Susan Atkins, respectivamente. As duas foram condenadas a prisão perpétua. A segunda morreu de câncer na prisão e a segunda teve, neste fim de semana, um novo apelo por liberdade rejeitado pelo Governador da Califórnia. Além do filme de Harron, o novo longa de Quentin Tarantino também lidará com os massacres cometidos pela família de Manson.
Dorothy Malone (1925 – 2018)
A atriz americana Dorothy Malone, vencedora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante pelo filme “Palavras ao Vento” (1956), morreu na manhã de sexta-feira (19/1) aos 92 anos, por causas naturais. Malone iniciou a sua carreira artística nos anos 1940, estrelando dezenas de westerns e filmes noir, venceu o Oscar quase duas décadas depois e atingiu o pico de sua fama nos anos 1960, graças a seu trabalho na série “Caldeira do Diabo” (Peyton Place), exibida entre 1964 e 1969. Dorothy Eloise Maloney nasceu em Chicago em 30 de janeiro de 1925 e teve seu encontro com o destino enquanto estudava na faculdade para virar enfermeira. Sua beleza chamou atenção de um olheiro de Hollywood, que a levou a assinar um contrato com o estúdio RKO Radio Pictures aos 18 anos de idade. Ela figurou em inúmeras produções dos anos 1940, mas foi só quando se acertou com a Warner e encurtou o nome para Malone que sua carreira desabrochou. Howard Hawks ficou impressionado quando ela apareceu entre os figurantes do estúdio. Em 1946, a escalou em “A Beira do Abismo” (The Big Sleep), um dos maiores clássicos do cinema noir. Era um pequena participação, em que ela aparecia diante de Humphrey Bogart para fechar uma livraria e dizer uma única frase. Mais tarde, o diretor revelou que incluiu a sequência no filme “só porque a menina era muito bonita”. Em pouco tempo, seus diálogos aumentaram, num crescimento que envolveu filmes de verdadeiros gênios de Hollywood, como “Canção Inesquecível” (1946), de Michael Curtiz, “Ninho de Abutres” (1948), de Delmer Davis, e “Golpe de Misericórdia” (1949), de Raoul Walsh. Até que, a partir de 1949, seu nome passou a aparecer nos cartazes de cinema. Seu contrato de exclusividade acabou na virada da década, e ela seguiu carreira em westerns baratos, virando uma das “mocinhas” mais vistas nos filmes de cowboy da década de 1950 – ao lado de astros do gênero, como Joel McCrea, Randolph Scott, Jeff Chandler, Fred MacMurray, Richard Egan, Richard Widmark, Henry Fonda e… o futuro presidente Ronald Reagan. Ela chegou até a ilustrar um pôster dispensando “mocinhos”, de chapéu, calças e dois revólveres nas mãos – “Guerrilheiros do Sertão” (1951). Mas não abandonou o cinema noir, coadjuvando em “A Morte Espera no 322” (1954), de Richard Quine, “Dinheiro Maldito” (1954), de Don Siegel, e “Velozes e Furiosos” (1955), um dos primeiros filmes de carros de fuga, dirigido e estrelado por John Ireland. Todos cultuadíssimos. Também fez dois filmes com Jerry Lewis e Dean Martin, outro com Frank Sinatra e causou grande impacto no drama “Qual Será Nosso Amanhã” (1955), seu reencontro com o diretor Raoul Walsh, no papel da esposa solitária de um jovem fuzileiro (Tad Hunter) que embarca para a 2ª Guerra Mundial. Ela completou sua transformação no melodrama “Palavras ao Vento” (1956), do mestre Douglas Sirk. A morena deslumbrante virou uma loira fatal. E roubou a cena da protagonista – ninguém menos que Lauren Bacall. Como um Iago (com “I” maiúsculo”) de saias, ela semeava ciúmes e destruição em cena, colocando dois amigos (Rock Hudson e Robert Stark) em conflito por causa da personagem de Bacall, sem que nenhum tivesse feito nada de errado, além de amar a mesma mulher. Em meio a tantas estrelas, Malone venceu o único Oscar do filme, como Melhor Atriz Coadjuvante. A atriz voltou a se reunir com Hudson, Stack e o diretor Douglas Sirk em “Almas Maculadas” (1957), interpretou a mulher do lendário ator Lon Chaney na cinebiografia “O Homem das Mil Faces” (1957), até ver seu nome aparecer antes de todos os demais pela primeira vez, em “O Gosto Amargo da Glória” (1958). O filme era outra cinebiografia de atores célebres, em que Malone interpretou Diana Barrymore, tia de Drew Barrymore e filha do famoso John Barrymore (vivido no drama por Errol Flynn), numa espiral de autodestruição. No auge da carreira cinematográfica, ela fez seu derradeiro e melhor western, “O Último Por-do-Sol” (1961), uma superprodução estrelada por Rock Hudson e Kirk Douglas, escrita por Dalton Trumbo e dirigida por Robert Aldrich em glorioso “Eastman Color”, antes de inesperadamente virar a “coroa” de um filme de surfe, o cultuado “A Praia dos Amores” (1963), que lançou a “Turma da Praia” de Frankie Avalon e Annette Funicello. As novas gerações acabariam adorando Dorothy por outro papel, como a mãe solteira e superprotetora Constance MacKenzie na série “A Caldeira do Diabo”. A produção fez História como o primeiro novelão do horário nobre da TV americana. Além da narrativa melodramática, tinha a novidade de continuar no próximo capítulo, algo inédito na programação noturna da época, e de abordar sexo fora do casamento, outra ousadia. A personagem de Dorothy já tinha sido interpretado por Lana Turner no cinema, num filme de 1957 que rendeu o Oscar para a atriz. A versão televisiva trouxe uma indicação ao Globo de Ouro para Malone, que interpretava a mãe da futura esposa de Woody Allen, Mia Farrow. A atriz sofreu uma embolia pulmonar enquanto trabalhava na série em 1965 e precisou passar por sete horas de cirurgia durante a produção, sendo substituída temporariamente por outra atriz no programa. Mas também teve que lutar por sua vida na ficção, quando os roteiristas resolveram “matá-la” em 1968, após reclamações de descaso com sua personagem. Dorothy foi à justiça contra a 20th Century Fox e recebeu uma fortuna – mais de US$ 1 milhão na época – e sua Constance sobreviveu, mas saiu da série. Sem problemas, pois “A Caldeira do Diabo” acabou no ano seguinte sem ela. Apesar do clima inamistoso com que saiu da produção, a atriz voltou ao papel de Constance MacKenzie mais duas vezes, em telefilmes que reuniram o elenco original da série, exibidos em 1977 e 1985. Ela ainda contracenou com Alain Delon no giallo “Crepúsculo dos Insaciáveis” (1969), mas o resto de sua carreira foi preenchido por pequenas participações em filmes e séries. Seu último trabalho aconteceu em 1992, no papel de uma amiga de Sharon Stone no suspense “Instinto Selvagem”. O sucesso profissional não se refletiu em sua vida pessoal. Seus casamentos duraram pouco. O primeiro foi com o ator francês Jacques Bergerac, ex-marido de Ginger Rogers, em 1959, com quem teve duas filhas. O matrimônio terminou num divórcio amargo, em que Malone acusou Bergerac de se casar com atrizes famosas para promover sua própria carreira. Em 1969, ela se uniu ao empresário Robert Tomarkin, mas o casamento foi anulado em questão de semanas, com acusações ainda piores: ele seria um golpista tentando extorqui-la – anos depois, Tomarkin foi preso por roubo. O último casamento foi com um executivo do ramo de motéis, Charles Huston Bell, em 1971. Igualmente curto, terminou após três anos. Dorothy Malone costumava dizer que sua vida tinha mais drama que a ficção de “A Caldeira do Diabo”. Cinéfilos também poderiam afirmar que ela foi uma atriz com muito mais classe que a maioria dos filmes que estrelou. Mas quando se portava mal, fazia um bem danado para o cinema.
Diretor de Extermínio 2 fará versão com atores de A Espada Era a Lei
O diretor espanhol Juan Carlos Fresnadillo, que dirigiu o filme de zumbis “Extermínio 2” (2007), está em negociações com a Disney para dirigir a versão com atores do clássico animado “A Espada Era a Lei” (The Sword in the Stone). O desenho de 1963 foi uma das raras produções da Disney que não girava em torno de uma princesa e sim de um príncipe desencantado. O menino não sabia quem era, apesar de receber aulas do velho Merlin, que o preparava para grandes responsabilidades – quando não estava ocupado enfrentando a bruxa Madame Min. Mais interessado em brincar do que aprender, o jovem se torna escudeiro do irmão mais velho. Até que, no dia de uma competição, precisa encontrar uma espada e pega a primeira que vê, largada em plena praça pública, encravada numa pedra. A espada era Excalibur e o jovem da história se chamava Arthur. Esta trama já foi excessivamente filmada por Hollywood, inclusive em 2017, quando rendeu o fracasso “Rei Arthur: A Lenda da Espada”. Mas a versão animada da Disney, baseada no livro infantil homônimo de T.H. White, mantém-se entre as melhores, embora seja a que mais se afasta do mito de Avalon. A produção foi o último desenho do estúdio produzido pelo próprio Walt Disney. A adaptação foi escrita por Bryan Cogman, roteirista da série “Game of Thrones”. A Disney também está desenvolvendo uma adaptação da série de livros da “Saga Merlin”, do escritor norte-americano T.A. Barron, que trata dos mesmos personagens. Longe dos cinemas desde o terror “Intrusos” (2011), Fresnadillo tem se dedicado atualmente às séries, assinando a produção de “Falling Water” e “Salvation”.
Criador da série Empire vai escrever nova versão do musical Oliver para a Disney
O roteirista Danny Strong, criador da série “Empire”, foi encarregado pela Disney de escrever uma nova versão do musical “Oliver!”, grande sucesso da Broadway e que já foi transformado num filme vencedor do Oscar – em 1969. Assim como o filme premiado e a peça original, a trama é uma versão com músicas e danças do clássico infantil “Oliver Twist”, escrito por Charles Dickens no começo do século 19. Inúmeras vezes filmado – até por Roman Polanski! – , a história acompanha um órfão que, ao fugir de casa, vira trombadinha a serviço de um bandido cruel. A nova versão será dirigida por Tommy Kail, que vai estrear no cinema após vencer o Tony (o Oscar do teatro) pelo famoso musical “Hamilton”, e será reimaginada em ritmo de hip-hop. A produção está a cargo de Marc Platt (“La La Land”) e do rapper Ice Cube (“Straight Outta Compton”). Além de produzir, Ice Cube também terá um papel na adaptação, como o vilão Fagin, que comanda a gangue dos menores abandonados. Vale lembrar que, recentemente, outro musical infantil também ganhou versão hip-hop, mas fracassou nas bilheterias: “Annie” (2014), produzido pelo rapper Jay Z. Relembre abaixo um momento clássico da peça original, encenado ao vivo no “Ed Sullivan Show” em 1965, no mesmo dia em que os Beatles se apresentaram no programa. E, sim, o intérprete de Artful Dodger é ninguém menos que Davy Jones, futuro cantor dos Monkees. Veja também a versão da música “I’d Do Anything” conforme encenada no filme de 1968.
Johnny Depp vai produzir série sobre estúdio musical lendário dos anos 1960
O ator Johnny Depp vai produzir uma série dramática sobre o estúdio FAME, que revolucionou a música americana nos anos 1960, graças à gravação de diversos clássicos da música soul. A série vai contar a história real do lendário produtor Rick Hall, que transformou o FAME (Florence Alabama Music Enterprises), localizado em Muscle Shoals, interior do Alabama, no cenário de surgimento de algumas das músicas mais famosas de todos os tempos. Entre os artistas que gravaram hits no estúdio estão Aretha Franklin, Wilson Pickett, Etta James, Percy Sledge, Otis Redding, Clarence Carter, Solomon Burke, Allman Brothers Band e até os Rolling Stones. A trama é baseada na autobiografia de Rick Hall, “The Man From Muscle Shoals: My Journey from Shame to Fame”. A adaptação está a cargo da roteirista Bettina Gilois (do telefilme “Bessie”), a produção musical é da roqueira Nancy Wilson (da banda Heart) e entre os produtores também estão Greg “Freddy” Camalier, que dirigiu o documentário “Muscle Shoals: Um Lendário Estúdio de Rock” (2013), sobre a mesma história, e Richard Branson, que era dono da antiga gravadora Virgin. O projeto está em estágio inicial e ainda não há canal definido para sua exibição.
Homem-Elástico ganha novo uniforme no próximo episódio de The Flash
A rede CW divulgou o trailer e 20 fotos de “The Elongated Knight Rises”, episódio da 4ª temporada de “The Flash”, que vai ao ar na próxima terça (16/1) nos Estados Unidos. O vídeo mostra Barry Allen (Grant Gustin) na prisão, após ser incriminado por um assassinato que não cometeu, deixando o combate ao crime a cargo do time de coadjuvantes da série. É a deixa para o Homem-Elástico (Hartley Sawyer) assumir mais responsabilidade. E com poderes e responsabilidades, vem… um novo uniforme, como demonstra uma das imagens. Já era tempo, já que o traje que ele usava, como o próprio Elástico definiu, era “feio de doer” (tradução aproximada do termo “butt-ugly”). A decisão de incluir o Homem-Elástico na série foi uma das melhores surpresas da temporada. Afinal, Ralf Dibny, o Homem-Elástico, é um dos aliados mais antigos de Barry Allen nos quadrinhos. Ele fez sua estreia justamente numa história do Velocista Escarlate, criado por John Broome e Carmine Infantino em 1960, com grande input do editor Julius Schwartz, que queria um novo coadjuvante para o Flash. Eventualmente, ele ganhou histórias próprias e também entrou na Liga da Justiça. Ao longo dos anos, Ralf fez fortuna no showbusiness e casou com a namorada Sue Dearbon, formando um dos casais mais bacanas dos quadrinhos. Uma das características de suas histórias individuais é que Ralf e Sue investigavam pistas e mistérios ao estilo dos antigos romances de detetives, conseguindo resolver mais crimes que o próprio Batman. Até tudo ruir na minissérie “Crise de Identidade” em 2004, quando Sue foi assassinada por Jean Loring, a esposa de Ray Palmer (o Elektron), levando o herói divertido a se tornar sombrio. Obcecado em trazer Sue de volta à vida, ele fez todo tipo de pactos sobrenaturais, mas só conseguiu reencontrá-la com sua própria morte no crossover “52”. A série destaca o Ralph Dibny divertido das primeiras aventuras do herói, com interpretação de Harley Sawyer (da novela “The Young and the Restless”). “The Flash” é exibida pelo canal pago Warner no Brasil.












