John Boyega diz que Star Wars: Os Últimos Jedi se despede da Princesa Leia “de um jeito fantástico”
O ator John Boyega, que vive o protagonista Finn em “Star Wars: O Despertar da Força” (2015), revelou mais detalhes sobre a participação de Carrie Fisher, intérprete da Princesa e General Leia, no próximo filme da franquia. A atriz morreu em 27 de dezembro, aos 60 anos, após filmar sua parte em “Star Wars: Os Últimos Jedi”. “Esse filme se despede dela [Carrie Fisher] de um jeito fantástico. Ela continuará viva na franquia. Aliás, ela vai viver para sempre, de algum modo”, disse Boyega, insinuando que a trama resolverá todas as pendências em relação ao arco de Leia na saga espacial. Uma reportagem de capa da revista Variety sobre “Star Wars” revelou que Carrie Fisher teria papel central na trama de “Star Wars: Episódio IX”, aina sem título oficial, mas sua morte fez com que os planos para a história fossem revistos. Recentemente, o roteirista britânico Jack Thorne (“Extraordinário”) se juntou ao time de roteiristas do último filme da nova trilogia. A primeira versão da história foi escrita pelo diretor do filme, Colin Trevorrow (“Jurassic World”), e seu parceiro, Derek Connolly (“Kong: A Ilha da Caveira”). As filmagens devem começar em janeiro de 2018, um mês após a estreia de “Star Wars: Os Últimos Jedi”, marcada para 14 de dezembro no Brasil.
Vanity Fair defende reportagem que acusa Angelina Julie de abuso infantil
A revista Vanity Fair não irá se retratar e nem retirar da internet o trecho da entrevista de capa com a atriz e diretora Angelina Jolie, em que ela revelou um “jogo perturbador” no processo de seleção para a protagonista de seu novo filme, “They Killed My Father”, realizado com crianças sem experiência de atuação no Cambodja. Depois da publicação, ela foi criticada por abusar psicologicamente das crianças, o que manchou sua imagem de ativista humanitária. Em comunicado, a artista acusou a entrevistadora de reportar “erroneamente” os testes de elenco. Já seu advogado pediu à publicação que suprimisse os trechos que estariam equivocados e emitisse um pedido de desculpas, além de incluir um novo texto explicando que nada de errado aconteceu durante a produção. A Vanity Fair afirmou ter revisado as anotações da jornalista Evgenia Peretz e ouvido as fitas da entrevista, e garante que a reportagem é condizente com a apuração dos fatos. A publicação anunciou que vai manter o material na íntegra. Mais que isso, ainda divulgou um novo trecho da entrevista, no qual Angelina diz textualmente que as crianças ouviram da equipe de casting que “eles gostariam de brincar de um jogo” com elas. “E o jogo era ‘Nós vamos colocar dinheiro na mesa’. Pense em algo que você precisa (comprar) com esse dinheiro’. Às vezes era dinheiro, às vezes era um cookie. ‘E então pegue’. Aí eles pegavam de volta”, diz a atriz na gravação. A reportagem explica que, segundo as palavras de Angelina, os diretores de elenco do longa colocavam dinheiro na mesa e pediam para as crianças guardarem, pensando em algo que necessitavam. Depois, a equipe fingia pegá-las e as incentivavam a inventar uma mentira para se safar. Em seu comunicado, Angelina ressalta que foi mal interpretada. “Eu estou triste que um pretenso exercício de improvisação, a partir de uma cena que vai estar no filme, tenha sido vista como um enredo real. O centro deste filme é chamar a atenção para os horrores que as crianças encaram na guerra e ajudar na luta pela proteção delas. A sugestão de que dinheiro foi retirado de uma criança durante os testes de elenco é falsa e triste. Eu ficaria ultrajada se fosse isso”, escreveu Angelina. De acordo com a “Vanity Fair”, Angelina procurou crianças nos orfanatos, circos e escolas de favelas. Srey Moch, a garota escolhida para viver a protagonista, teria sido a única a olhar por “muito, muito tempo” para o dinheiro, segundo a atriz. Ao ver que teria que devolver o dinheiro, a cambojana caiu em lágrimas e contou que seu padrinho morrera sem que a família tivesse recursos para um funeral decente. A atriz garantiu que todas as medidas foram tomadas para garantir a segurança, o conforto e o bem-estar das crianças do filme desde os testes. Selecionado para o Festival de Toronto, “Fist They Killed My Father” aborda a loucura genocida do Khmer Vermelho, partido comunista que, ao assumir o poder, massacrou milhões de habitantes no Cambodja nos anos 1970. A trama é baseada no livro de memórias homônimo da ativista de direitos humanos Loung Ung, que relata sua infância cercada pela violência, após testemunhar a morte de toda sua família. O filme será lançado em 15 de setembro pela Netflix, que disponibilizou o primeiro trailer nesta semana. Veja aqui.
Goodbye Christopher Robin: Filme sobre a criação do Ursinho Pooh ganha novo trailer
A Fox Searchlight divulgou um novo pôster e o segundo trailer de “Goodbye Christopher Robin”, que conta a história da criação do Ursinho Pooh pelo escritor Alan Alexander Milne. A trama é complexa, porque o filho de Milne, Christopher Robin, cresceu culpando o pai de ter explorado sua infância para vender livros. A prévia toca brevemente no ressentimento do menino, ao mesmo tempo em que o mostra feliz com seus bichinhos de pelúcia, que originaram os personagens do Bosque dos 100 Acres, além de revelar como escrever os livros curaram seu pai do trauma de ter lutado nas trincheiras da 1ª Guerra Mundial. Na versão cinematográfica, a dificuldade de relacionamento entre pai e filho também teria motivado o artista a criar o célebre personagem, como forma de tentar uma aproximação com o garoto. Produção britânica, o filme marca a segunda parceria entre o diretor Simon Curtis e o ator Domhnall Gleeson, intérprete de Milne, após a ótima comédia “Questão de Tempo” (2013). O elenco também destaca Margot Robbie (“Esquadrão Suicida”) como a mulher do escritor e o estreante Will Tilston como Christopher Robin. O personagem também vai aparecer adulto, interpretado pelo jovem Alex Lawther (“O Jogo da Imitação”). A estreia está marcada para 24 de setembro no Reino Unido e ainda não há previsão de lançamento no Brasil.
Robert Hardy (1925 – 2017)
O ator inglês Robert Hardy, que interpretou o ministro da Magia Cornelius Fudge na franquia “Harry Potter”, morreu aos 91 anos. A morte foi confirmada pela família do ator em um comunicado e a causa não foi revelada. Hardy atuou por mais de 60 anos no teatro, na televisão e em filmes. Ele iniciou a carreira estrelando a série “David Copperfield” (1956) no papel-título do órfão que descobre a vida adulta. Mas o personagem que mais desempenhou na carreira foi o ex-Primeiro Ministro britânico Winston Churchill. Ele chegou a vencer o BAFTA pelo papel, ao estrelar a série britânica “Winston Churchill: The Wilderness Years” em 1981. Depois, repetiu a performance no filme “The Woman He Loved” (1988), na série “War and Remembrance” (1988), no telefilme “Bomber Harris” (1989), num episódio de “Agatha Christie’s Marple” (2006) e no telefilme “Churchill: 100 Days That Saved Britain” (2015), seu último trabalho. O ator nunca filmou em Hollywood, mas deixou sua marca em grandes sucessos do cinema britânico, do clássico de espionagem “O Espião que Veio do Frio” (1965) até a própria franquia “Harry Potter”, da qual participou de quatro filmes – de “Harry Potter e e a Câmara Secreta” (2002) a “Harry Potter e a Ordem da Fênix” (2007). Também chegou a contracenar com John Lennon na sátira “Como Eu Ganhei a Guerra” (1967) e estrelou alguns filmes cultuados do terror britânico, como “Espetáculo de Sangue” (1967), “O Estrangulador de Rillington Place” (1971) e “Herança Maldita” (1973), mas a maior parte de sua carreira foi voltada à TV. Mesmo assim, integrou o elenco grandioso do drama “Razão e Sensibilidade” (1993), ao lado de Kate Winslet, Emma Thompson e Hugh Grant, filme que venceu o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado.
Planeta dos Macacos – A Guerra empolga com ação, efeitos e sensibilidade
Ainda que Matt Reeves não tenha dirigido os três filmes deste reboot de “O Planeta dos Macacos”, foi ele que, ao assumir o segundo ato, “O Planeta dos Macacos: O Confronto” (2014), superou as formulações óbvias do tema. Junto com o colaborador Mark Bomback, tanto em “Confronto” como nesse novo “Planeta dos Macacos: A Guerra”, não brinca apenas com a ideia de um mundo onde a supremacia símia de repente parece ser mais civilizada do que a humana. Ambos – diretor e roteirista – se deliciam em imaginar as implicações desta inversão social. Isso do ponto de vista dramático. Já como entretenimento são igualmente felizes. Realizam dois filmes sagazes, cheios de reviravoltas, com empolgantes cenas de ação e um magnífico trabalho de caracterização dos atores. Esse “Planeta dos Macacos: A Guerra”, pra começar, desmente a apologia do título bélico que o marketing do estúdio investe. Em vez de elogio ao conflito, o filme é todo construído sobre a ideia de como uma guerra aborta traumaticamente os planos das pessoas, e como ela aniquila quase tudo o que pode haver de positivo dentro de um ser. Sim, as ações começam pequenas, mas elas vão se desdobrando e esbarrando em outros símbolos de intolerância, racismo, os perigos da obsessão e o veneno da vingança. A história é contada da perspectiva dos macacos. É óbvio desde as primeiras cenas que eles são os protagonistas e os humanos, os vilões. O principal antagonista, o Coronel vivido por Woody Harrelson, é introduzido obliquamente e não recebe uma cena completa até a metade do filme. Mas mesmo neste delineamento fácil de divisar entre o “bem” e o “mal”, há uma perplexidade em cena. Os gestos simiescos soam terrivelmente arbitrários para nós, e nos chamam a atenção para como terrivelmente arbitrários devem ser os nossos próprios atos. No centro da cena está o macaco César (Andy Serkis), o líder desta contradição. César sempre está pagando as contas por procurar uma convivência pacífica com os humanos. Sem seu rival Koba (Toby Kebbell), agora existente apenas em seus pesadelos, o protagonista enfrenta uma oposição que se multiplica em células. Há mais macacos dissidentes e pelo menos dois tipos de humanos: um grupo que caça os símios apenas pelo prazer de exterminá-los, e outro grupo, que está buscando uma vacina para conter o vírus mutante que continua a aprontar das suas com os humanos. César tem que lutar contra todos eles, mas a maior pedra no caminho é o Coronel. As táticas brutais do oficial forçam César a enfrentar os aspectos mais escuros de sua natureza. Quando o vilão mata a mulher e o primogênito do líder símio, o ponderado protagonista macaco perde o chão. Acompanhado por dois companheiros, Rocket (Terry Notary) e o orangotango Maurice (Karin Konoval), César esquece a racionalidade e busca a vingança a qualquer custo. E Andy Serkis mais uma vez oferece uma performance memorável. Reeves mantém o ator sob seu foco e deixa a câmera namorar o rosto de Serkis, suas expressões. Se precisar dar uma pausa na ação, para ir mais fundo nas emoções, Reeves pára e espera. Essa atuação, sabemos, ganha depois a sobreposição dos efeitos digitais, mas e daí? A forma como essas fronteiras se misturam é um maravilhoso testemunho de quão eficaz os dois instrumentos podem ser juntos. Não adianta só a tecnologia. Quando o humano se sobressai, a dramaturgia sai enriquecida. Serkis domina sua criação com uma densidade dramática rara. Em cada um dos filmes, o ator explorou uma estação emocional do personagem. No primeiro, César era jovem, havia um certo entusiasmo em formação, que foi sendo corrompido até levá-lo ao desencanto e depois à revolta. No segundo filme, o dilema de confiar mais uma vez nos humanos emprestaram nuances dignas de um drama shakespereano e ele pagou um preço que ele não esperava: foi traído por um amigo e teve que matá-lo. Terminou a história como um personagem embrutecido. Neste terceiro, a carga pesa ainda mais. César está velho, cansado, tenta se vender como um guerreiro estrategista implacável, mas, depois da morte dos entes queridos, é tomado pela mesma ira que o levou a matar Koba. Conforme aproxima-se de sua vingança, o fantasma do amigo reaparece parar rir da sua escolha. O lado ponderado perdeu-se em César. Ninguém o desarma. Nem mesmo a adorável Nova (Amiah Miller), menina humana órfã que encontra em sua rota. Maurice acolhe a criança, César olha pra ela com ódio nos olhos. Seu oponente, o militar humano (Harrelson) intencionalmente é uma figura bidimensional – tão frio quanto o gelo, ele range os dentes quase como um animal. O vírus que destruiu a humanidade se modificou em tal ordem que agora está conduzindo os homens a regressão das faculdades mentais. O primeiro indício é a perda da fala, depois a atrofia do raciocínio. O Coronel quer liquidar os macacos, porque não admite que o homem vire o animal dos animais. Em sua resignação, o vilão traz muito do Coronel Kurtz vivido por Marlon Brando em “Apocalypse Now” (1979). Há outras menções apontando o clássico de Coppola como referência para Reeves. O Coronel montou seu exército particular. E também é um sujeito recluso, tentando esconder sua mente torturada por uma série de atos terríveis que cometeu. O tributo a “Apocalypse Now” é inteiro neste Planeta dos Macacos. É evocado ainda na sequência de ataque de uma esquadrilha de helicópteros e numa bela pichação numa gruta, onde lemos “Ape kapylpse Now”! Fosse só o filme de Coppola e a homenagem aos filmes de guerra já estaria de bom tamanho, mas Reeves se dá ao capricho de desfiar sua veia cinéfila, emulando cenas dos clássicos “A Ponte do Rio Kwai” (1957), “Fugindo do Inferno” (1963) e “Nascido para Matar” (1987). Claro, as cenas e sensibilidade são todas mais que familiares, mas o filme transpira uma espécie de charme nostálgico das velhas matinês de aventura e, ao mesmo tempo, é tão agradável e isento da tradicional incoerência dos filmes atuais, que parece que estamos presenciando a história pela primeira vez. Obra-prima? Chega perto. Se há um defeito em “O Planeta dos Macacos: A Guerra”, esse reside nas cenas finais. Obviamente não estou contando o que acontece, mas cabe fazer menção ao sentido do que vemos. O final é redentor, lacrimejante e completamente desnecessário.
Belíssimo, O Filme da Minha Vida confirma talento do diretor Selton Mello
O escritor chileno Antonio Skármeta já teve um texto adaptado para o cinema que alcançou grande sucesso, “O Carteiro e o Poeta”, dirigido por Michael Radford em 1996. “O Filme da Minha Vida”, de Selton Mello, adaptação de “Um Pai de Cinema”, pode repetir o feito. É um filme que lida com o público de modo terno, afetivo e lírico. Traz para o cinema o clima poético e nostálgico do texto de Skármeta, acrescentando-lhe novos personagens e situações e fazendo novos elos que tornam a trama mais clara e compreensível, sem resvalar no melodrama ou nas soluções fáceis. E sem perder o clima de mistério, deixando um caminho para o espectador percorrer, que vai além das imagens e, portanto, também além do texto original. O que Selton Mello fez foi uma adaptação literária, mas de um modo muito pessoal, colocando-se no protagonista e no seu contexto de época. Ao transportar a trama das serras chilenas para as serras gaúchas, ele manteve o espírito interiorano da história, com seus limites, mas ressaltou o sonho dos personagens, envolvendo-os com referências brasileiras, mantendo e dando cor local à bela homenagem ao cinema que o texto de Skármeta faz. Em “O Palhaço” (2010), Selton Mello, um dos grandes atores da sua geração, encontrou seu caminho também como cineasta. Mostrou-se capaz de lidar com emoções de forma intensa, mas equilibrada. Buscou comunicar-se com um público amplo, usando o humor, homenageando a cultura popular, inclusive televisiva, sem adotar seu modelo simplista e popularesco. Ele mantém esse espírito em “O Filme da Minha Vida”, onde também dirige e atua simultaneamente, além de ser roteirista, ao lado de Marcelo Vindicatto. O filme tem a cara de Selton Mello. Já é reconhecível sua autoria neste terceiro longa. A fotografia, a cargo de Walter Carvalho, que tantas contribuições tem dado ao cinema brasileiro, é lindíssima. Nos seus tons marrons e amarelados, ressalta a luminosidade da serra e, sob névoa ou luz baixa, nos conduz ao clima frio serrano e aos anos 1960, em que se situa a história, na hipotética cidade de Remanso. Na verdade, as filmagens ocorreram em sete cidades diferentes, na região de Garibaldi. O filme é recheado de boa música daquele período histórico, com ênfase em canções francesas, já que o protagonista Tony Terranova (Johnny Massaro) também dá aulas de francês para sua turma de alunos e é filho de um francês, Nicolas, papel do conhecido ator Vincent Cassel, agora vivendo no Rio de Janeiro. Nem por isso deixa de soar estranho ouvir “My Way” em versão francesa. Outra estranheza para os mais novos pode ser ouvir a seminal “Rock Around the Clock”, de Bill Haley, em versão nacional. Estranhezas à parte, é fácil sair cantarolando do cinema. “Coração de Papel”, de Sérgio Reis, é um dos hits em destaque. E de Charles Aznavour, “Hier Encore”. A história remete à busca de um pai que abandonou misteriosamente mulher e filho para voltar a viver na França e esqueceu-se da família. Mas essa versão faz sofrer e não convence. O que estará por trás disso? O jovem personagem Tony, enquanto busca saber do pai, vai construindo uma vida como professor de província, lidando com a demanda sexual dos alunos pré-adolescentes e da sua própria demanda amorosa e sexual, ele próprio recém-saído da adolescência. Os meninos personagens dão margem a cenas fascinantes e divertidas. Já com a mãe Sofia (Ondina Clais) há afeto, mas a tristeza da perda marca a relação. As jovens Luna (Bruna Linzmeyer), que encanta Tony com seu jeito meio maluquinho, e sua irmã, Petra (Bia Arantes) têm papel decisivo no desenrolar da narrativa. Assim como o manipulador Paco, o papel de Selton Mello no filme. É um senhor elenco de atores e atrizes que mergulham intensamente em seus personagens, revelando que Selton é um ótimo diretor de atores. O que, afinal, não surpreende, com a cancha de representar que ele tem. Duas participações especiais merecem destaque. Rolando Boldrin faz um maquinista de trem, personagem criado por Selton para o filme, especialmente para ser vivido por ele. Antonio Skármeta também atua numa ponta e contracena com Selton Mello, reunindo, assim, os autores da bela narrativa, tanto literária quanto cinematográfica.
Samuel L. Jackson diz ter descoberto que Capitã Marvel é um prólogo pela internet
O ator Samuel L. Jackson só foi descobrir que “Capitã Marvel” é um prólogo na internet, apesar de estar escalado em seu elenco. Durante a Comic-Con, a Marvel revelou que o filme será ambientado nos anos 1990 e, nesta época, Nick Fury ainda não usava seu tapa-olho. “Eu não sabia até ler sobre isso online. Estou bem, posso trabalhar com meus dois olhos. Será mais fácil de aprender minhas falas”, brincou o ator, em entrevista ao site Fandango. Veja abaixo. Além do ator, o filme até agora só tem confirmada sua protagonista, Brie Larson, que viverá a nova heroína da Marvel. Também foi revelado que a trama lidará com alienígenas da raça skrull – capazes de assumir a forma de qualquer pessoa. “Capitã Marvel” tem roteiro de Meg LeFauve (“Divertida Mente”) e Nicole Perlman (“Guardiões da Galáxia”), e será dirigido pelo casal Anna Boden e Ryan Fleck, responsável por dramas e comédias indies, como “Parceiros de Jogo” (2015), “Se Enlouquecer, Não Se Apaixone” (2010) e “Half Nelson: Encurralados” (2006). A estreia só vai acontecer em março de 2019. Samuel L. Jackson On Having Two Eyes In Captain Marvel Why Samuel L. Jackson is excited for Nick Fury to use both his eyes in Captain Marvel. Publicado por Fandango em Quarta-feira, 2 de agosto de 2017
Bruce Willis vira justiceiro no trailer do remake de Desejo de Matar
A MGM divulgou o trailer, o pôster e quatro fotos do remake de “Desejo de Matar” (1974). A prévia traz Bruce Willis (“Duro de Matar”) reprisando o papel mais famoso da carreira de Charles Bronson. Mas o que se vê na tela mais parece um série de justiceiro da Marvel (e da Netflix), em que o anti-herói esconde sua identidade secreta com um capuz, enquanto combate o crime armado. Apesar da direção ser de Eli Roth, responsável pelo terror “O Albergue” (2005), a falta de cenas sangrentas também chama atenção. A refilmagem de “Desejo de Matar” levou vários anos para sair do papel, e esteve perto de ser rodada pelos diretores Joe Carnahan (“A Perseguição”) e Gerardo Naranjo (“Miss Bala”). Por sinal, o roteiro filmado é de Carnahan. A trama traz Bruce Willis como Paul Kersey, um homem que busca justiça pela morte de sua esposa e ferimentos da filha. Frustrado pelos responsáveis não serem punidos, ele resolve fazer justiça com as próprias mãos. Dirigido por Michael Winner, o “Desejo de Matar” original teve grande impacto na cultura pop, transformando-se no maior representante dos filmes de justiceiros que se popularizaram a partir dos anos 1970. O personagem de Bronson reapareceu em mais quatro longas, até “Desejo de Matar V”, em 1994, mas sua influência persiste até hoje, em filmes como “Valente” (2007) e “Sentença de Morte” (2007) e, sim, nos quadrinhos de “O Justiceiro”, entre outras criações. O elenco também inclui Vincent D’Onofrio (série “Demolidor”), Dean Norris (série “Breaking Bad”), Elisabeth Shue (série “CSI”), Jack Kesy (“Baywatch”), Mike Epps (“Se Beber, Não Case”), Beau Knapp (série “Shots Fired”), Kirby Bliss Blanton (“Canibais”) e Kimberly Elise (“Dope – Um Deslize Perigoso”). A estreia está marcada para 30 de novembro no Brasil, uma semana após a estreia nos Estados Unidos.
Trailer de Como se Tornar o Pior Aluno da Escola ilustra qualidade do filme com diarreia e mijo
A Paris Filmes divulgou o pôster e o trailer de “Como se Tornar o Pior Aluno da Escola”, comédia nacional baseado no livro de mesmo nome do humorista Danilo Gentili (“Mato sem Cachorro”). O vídeo revela a qualidade da produção com cenas de diarreia e mijo. O longa tem direção de Fabrício Bittar, do MTV Sports, e além de Gentili também traz no elenco Bruno Munhoz (“descoberto pelas redes sociais”, segundo o release), Daniel Pimentel, Raul Gazola, Joana Fomm, o músico Rogério Skylab, o cantor Moacyr Franco e o ator mexicano Carlos Villagrán (o Quico do seriado “Chaves”). A estreia está marcada para 12 de outubro.
A Torre Negra recebe críticas negativas e começam os boatos de problemas nos bastidores
O lançamento de “A Torre Negra” neste fim de semana nos Estados Unidos está sendo acompanhado por críticas muito negativas e notícias inquietantes sobre como o filme teria sido mal-visto dentro do próprio estúdio. Fontes ouvidas pela revista Variety apontam que o cofundador da Media Right Capital, Modi Wiczyk, e o CEO da Sony Pictures, Tom Rothman, teriam ficado insatisfeitos com a primeira edição do longa, realizada pelo diretor dinamarquês Nikolaj Arcel (“O Amante da Rainha”). A montagem desagradou tanto que os executivos teriam pensado em interferir e realizar uma edição com outro profissional mais experiente. Wiczyk e Rothman negaram os rumores. Segundo eles, apenas ofereceram ao diretor algumas sugestões. O diretor também respondeu à reportagem. “Num filme com dois estúdios e produtores poderosos, obviamente acontecem muitos debates criativos acalorados sobre como trabalhar determinadas ideias, mas senti que estava tendo apoio durante o processo. Se alguém tivesse assumido minha sala de edição, eu teria saído instantaneamente.” As notícias negativas em torno da produção começaram a surgir em outubro do ano passado, quando aconteceram as primeiras sessões de teste, que teriam sido rejeitadas pelo público. A ideia de substituir Arcel começou a germinar naquele momento, e desde então os executivos passaram a acompanhar mais de perto a pós-produção, assim como o produtor Ron Howard, responsável direto pelo projeto. O filme originalmente estrearia em fevereiro desse ano, mas seu lançamento foi adiado para 24 de agosto, o que revela a atenção dada à pós-produção. Mesmo assim, “A Torre Negra” chega aos cinemas com uma recepção crítica do nível de um “Transformers”, com apenas 18% de aprovação (e caindo) no site Rotten Tomatoes. A expectativa é que o filme estreie em 1º lugar nas bilheterias da América do Norte, mas na casa dos US$ 20 milhões, o que não é exatamente um valor de blockbuster, muito menos de franquia, considerando os planos de continuações e séries de Ron Howard. Vale observar que, enquanto dedos apontam para Arcel, ninguém parece perceber o elefante no meio da sala. Afinal, “A Torre Negra” é mais uma bomba escrita por Akiva Goldsman, o roteirista mais superestimado de Hollywood, que dá prejuízo atrás de prejuízo, enquanto fecha contratos cada vez mais milionários. O gênio, que tem até Oscar, assina nada menos que “Transformers: O Último Cavaleiro”, “O Chamado 3”, “A 5ª Onda”, “A Série Divergente: Insurgente” e “Um Conto do Destino”, para citar as cinco aberrações mais recentes de sua filmografia tenebrosa. “A Torre Negra” estreia no Brasil em 24 de agosto.
Planeta dos Macacos: A Guerra e novo filme de Selton Mello chegam aos cinemas
“Planeta dos Macacos: A Guerra” é a maior estreia desta quinta (3/8), com lançamento em mais de mil cinemas. O longa encerra com chave de ouro a trilogia da Fox, mostrando o confronto final entre o último exército humano e os símios evoluídos liderados por César, numa escala épica e com efeitos visuais bastante realistas. Andy Serkis, o intérprete de César, esteve no Brasil para divulgar a produção, resumindo seu tema como “empatia”. Dirigido por Matt Reeves, que assinou “Planeta dos Macacos: O Conflito”, a continuação estreou com elogios rasgadíssimos e em 1º lugar nas bilheterias norte-americanas. Ao atingir 93% de aprovação no Rotten Tomatoes, ainda realizou uma façanha rara, encerrando uma trilogia com o capítulo mais bem-avaliado de todos. Nem “Star Wars” conseguiu isso. A semana registra apenas outro lançamento com distribuição ampla, o nacional “O Filme da Minha Vida”, terceiro longa dirigido por Selton Mello, que chega em 274 salas. E também é um caso em que o terceiro é o melhor, apesar de “O Palhaço” (2011) já ser sensacional. Selton Mello virou um senhor diretor, entregando um filme belíssimo justamente sobre o amadurecimento. A trama adapta o livro “Um Pai de Cinema”, do escritor chileno Antonio Skármeta (“O Carteiro e o Poeta”). Passado nos anos 1960, gira em torno de Jacques (Johnny Massaro, de “A Frente Fria que a Chuva Traz”), jovem professor de um povoado que foi abandonado pelo pai, um forasteiro francês (Vincent Cassel, de “Em Transe”), há vários anos, herdando apenas uma motocicleta e um amigo, papel do próprio Selton Mello. O elenco também destaca Bruna Linzmeyer (“A Frente Fria que a Chuva Traz”), mais linda que nunca. Outro bom drama nacional chega em circuito limitado. Exibido no Festival de Berlim, premiado no Festival de Brasília e vencedor do Festival de Jeonju, na Coreia do Sul, “Rifle” marca a estreia em longas de ficção do diretor Davi Pretto, que já tinha chamado atenção internacional com seus curtas e documentários. A trama é um western gaúcho, sobre um jovem que vive isolado com sua família em uma região rural e remota do sul do país. Quando um rico proprietário tenta comprar suas terras, ele passa a carregar sempre um rifle para defender seu território. O circuito alternativo também destaca o argentino “Eva Não Dorme”, de Pablo Agüero (“Salamandra”), estrelado por Gael García Bernal (“Neruda”). Com atmosfera claustrofóbica de terror, o drama conta o destino insólito e mórbido do cadáver de Eva Peron, refletindo ao mesmo tempo os horrores que se abateram sobre a Argentina após sua morte. Completam a programação três filmes falados em francês. “Os Meninos que Enganavam Nazistas” é uma coprodução franco-canadense sobre as aventuras de dois meninos judeus em fuga dos nazistas pela Europa dos anos 1940, e reflete a tradição do diretor Christian Duguay (“Belle e Sebastian: A Aventura Continua”) em filmes comerciais medianos. “O Reino da Beleza” é de outro cineasta canadense, Denys Arcand (“As Invasões Bárbaras”), e gira em torno da infidelidade de um arquiteto, o que explica sua estética de revista de decoração. Por fim, “Saint Amour – Na Rota do Vinho” é uma desculpa para Gérard Depardieu encher a cara e ser pago por isso, cortesia dos diretores Gustave Kervern e Benoît Delépine, que já o tinham dirigido em “Mamute” (2010). Trata-se de mais um filme de turismo gourmet, desta vez rodado com câmera na mão para criar um realismo de pseudo-documentário. Clique nos títulos de cada filme para ver os trailers de todas as estreias da semana.
Hayley Atwell entra em Christopher Robin, nova fábula com atores da Disney
A atriz Hayley Atwell (a “Agent Carter”) entrou no elenco de “Christopher Robin”, nova fábula com atores da Disney. Desta vez, o filme é sobre o Ursinho Pooh. O site da revista Variety, que adiantou a informação, não revelou o papel da atriz. Mas ela pode ser a mulher do protagonista. Na trama, Ewan McGregor (série “Fargo”) fará o papel de Robin adulto. Curiosamente, Hayley Atwell e Ewan McGregor já tinham participado antes de fábulas da Disney. Ela viveu a mãe de Cinderela em, claro, “Cinderela” (2015), e ele foi Lumière em “A Bela e a Fera” (2017). Para quem não lembra, Christopher Robin era o único personagem humano da obra infantil de A.A. Milne. Nos livros originais e nos desenhos da Disney, ele é um menino curioso e de imaginação fértil. Mas, no filme, será apresentado como um homem de negócios que prioriza o trabalho à sua esposa e filha. Por isso, a última coisa que precisa é voltar a ver Pooh. Mas o ursinho reaparece pedindo sua ajuda para encontrar seus amigos novamente. Robin terá que achar uma maneira de ajudar o velho amigo sem perder tudo o que conquistou como adulto. Vale observar que a sinopse é muito parecida com “Hook” (1991), com Christopher Robin no lugar do Peter Pan adulto vivido por Robin Williams. A direção está a cargo de de Marc Forster (“Guerra Mundial Z”), que, por sinal, fez um ótimo filme sobre a origem da história de Peter Pan, “Em Busca da Terra do Nunca” (2004). O roteiro é de Allison Schroeder (“Estrelas Além do Tempo”) e Tom McCarthy (“Spotlight”), e ainda não há previsão de estreia. Além deste, há outro filme sobre o Ursinho Pooh que chega aos cinemas em novembro, contando a história do verdadeiro Christopher Robin, filho do escritor A.A. Milne, que realmente não quis mais saber de Pooh quando ficou adulto. Com título provisório de “Goodbye Christoper Robin”, o filme já teve trailer divulgado, é dirigido por Simon Curtis (“A Dama Dourada”) e estrelado por Margot Robbie (“Esquadrão Suicida”) e Domhnall Gleeson (“Star Wars: O Despertar da Força”).
Jessica Chastain confirma que vai filmar X-Men: Fênix Negra
A atriz Jessica Chastain usou seu Instagram para confirmar que viverá a antagonista de “X-Men: Fênix Negra”. Em uma foto em que aparece beliscando James McAvoy, intérprete de Charles Xavier na franquia mutante, a atriz escreveu: “Pronto para mim em Montreal? Farei você chorar muito #xmen”. Não foi divulgado que personagem ela interpretará, mas a imagem com McAvoy e a referência às lágrimas refletem o papel a que ela tem sido relacionada desde junho, quando começaram os rumores de sua participação – no mesmo momento em que o elenco original renovou seus contratos. Na ocasião, comentava-se que ela estava cotada para viver a Imperatriz Lilandra, apresentada como a principal vilã da trama. Leitores dos quadrinhos da Marvel sabem que Lilandra Neramani não é exatamente uma vilã. Na verdade, ela se torna um dos grandes amores da vida de Charles Xavier. Mas sua presença assinala dois fatos importantes: a chegada de alienígenas na franquia e uma abordagem mais próxima dos quadrinhos para a história da Fênix Negra que o infame “X-Men: O Confronto Final” (2006), que já contou uma versão dessa história no cinema – sem Lilandra. Nos quadrinhos, a imperatriz shi’ar chega na Terra ao final da “Saga da Fênix Negra”, com o objetivo de prender, julgar e executar Jean Grey pela destruição de naves de seu planeta e o extermínio de mundos com seus poderes de Fênix. O final trágico é bastante conhecido, mas não definitivo, graças à mania da Marvel de ressuscitar personagens. O roteiro está a cargo de Simon Kinberg, que é produtor da franquia e – atenção! – foi exatamente quem escreveu “X-Men: O Confronto Final”. Ele também fará sua estreia na direção com o longa. A estreia está marcada para novembro de 2018. Hey @jamesmcavoyrealdeal you ready for me up in Montreal? Im gonna make you cry so hard ? #xmen @simondavidkinberg Uma publicação compartilhada por Jessica Chastain (@jessicachastain) em Ago 1, 2017 às 3:29 PDT
