William Friedkin, diretor de “O Exorcista”, morre aos 87 anos
O diretor William Friedkin, vencedor do Oscar por “Conexão Francesa” (1971) e responsável pelo icônico “O Exorcista” (1973), faleceu nesta segunda-feira (7/8) em Los Angeles aos 87 anos. Com uma carreira de mais de cinco décadas, ele era um dos diretores mais admirados da “Nova Hollywood”, uma onda de cineastas brilhantes que deixaram sua marca na década de 1970, como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Michael Cimino, Peter Bogdanovich, Steven Spielberg e George Lucas, entre outros. Início de carreira Nascido em Chicago em 29 de agosto de 1935, Friedkin era filho único de uma ex-enfermeira que ele chamava de “santa” e de um pai que alternava entre empregos para pagar as contas. Ambos vieram com suas famílias judaicas em fuga da Ucrânia após os pogroms do início do século 20. Friedkin começou sua carreira cuidando das entregas de correio de uma estação de TV de Chicago, WGN, onde rapidamente ascendeu para a direção de programas de televisão ao vivo e documentários. Ele afirmou ter dirigido cerca de 2 mil programas de TV durante esses primeiros anos, incluindo o documentário de 1962 “The People vs. Paul Crump”, sobre a reabilitação de um homem no corredor da morte. O documentário ganhou o Golden Gate Award no San Francisco Film Festival e o levou a liderar a divisão de documentários da WBKB e, posteriormente, a um trabalho dirigindo documentários para o produtor David L. Wolper. A transição para o cinema aconteceu com “Good Times” (1967), uma comédia musical estrelada pelo casal de cantores Sonny e Cher. O filme, que parodiava vários gêneros de filmes populares da época, como westerns, filmes de espionagem e dramas de guerra, foi uma oportunidade para Sonny e Cher mostrarem seu talento cômico e musical. Embora não tenha sido um grande sucesso de bilheteria, a obra serviu como um trampolim para a carreira de Friedkin. Após “Good Times”, Friedkin dirigiu outra comédia musical, “Quando o Strip-Tease Começou” (1968), e o suspense “Feliz Aniversário” (1968), adaptação da peça homônima de Harold Pinter, que recebeu elogios da crítica e ajudou a estabelecer a reputação do cineasta. Este filme, juntamente com outra adaptação de teatro, “Os Rapazes da Banda” (1970), demonstrou a habilidade de Friedkin em trabalhar com material dramático complexo e temas provocativos. Primeiro impacto O cineasta começou a dizer a que veio com “Os Rapazes da Banda”, drama baseado na peça de Mart Crowley sobre um grupo de homossexuais em Nova York. O longa marcou época como uma das primeiras produções de Hollywood a retratar personagens gays de maneira aberta e sem julgamentos, e é considerado uma das obras mais importantes da representação LGBTQIAPN+ no cinema. Na época, foi um escândalo, mas não afetou sua carreira como muitos lhe avisaram. Na verdade, teve efeito contrário. A influência de “Os Rapazes da Banda” na trajetória de Friedkin não pode ser subestimada. O filme demonstrou a habilidade do cineasta em lidar com material provocativo e complexo, e estabeleceu-o como um diretor disposto a correr riscos e a desafiar as convenções de Hollywood. A consagração de “Conexão Francesa” A consagração de Friedkin veio no ano seguinte com “Conexão Francesa” (1971), um thriller policial baseado em uma história real sobre dois detetives da polícia de Nova York que tentam interceptar um grande carregamento de heroína vindo da França. Filmado com um orçamento modesto de US$ 1,5 milhão, fez bom uso da experiência documental do diretor para registrar realismo visceral e suspense de tirar o fôlego. A sequência de perseguição de carro do policial Popeye Doyle, interpretado por Gene Hackman, a um trem elevado sequestrado no Brooklyn, é frequentemente citada como a melhor cena de perseguição de carro já filmada. Ela foi rodada sem permissões oficiais nas ruas do Brooklyn, de forma clandestina e em meio ao tráfego real. Friedkin queria que a sequência fosse o mais autêntica possível, então ele e sua equipe filmaram uma perseguição real em alta velocidade, com Hackman de fato dirigindo seu carro. “Conexão Francesa” dominou o Oscar de 1972, vencendo o prêmio de Melhor Filme, Ator (Gene Hackman), Edição, Roteiro Adaptado e, claro, Melhor Direção. A revolução de “O Exorcista” Friedkin conseguiu superar a tensão de “Conexão Francesa” com “O Exorcista”, adaptação do best-seller de terror de William Peter Blatty sobre a possessão demoníaca de uma jovem. Lançado no final de dezembro de 1973, tornou-se um sucesso fenomenal, um dos maiores sucessos de bilheteria de Hollywood até aquela data, com vendas de ingressos de mais de US$ 200 milhões. Foi também o primeiro terror a ser indicado ao Oscar de Melhor Filme – além de outras 9 estatuetas, incluindo novamente Melhor Direção. O filme é famoso por suas cenas intensas e efeitos especiais inovadores. Durante as filmagens, Friedkin usou várias técnicas para obter as reações desejadas de seus atores. Por exemplo, ele disparou uma arma no set para assustar Jason Miller (que interpretou o Padre Karras) e obter uma reação de choque genuína. Além disso, a cena em que Regan (Linda Blair), a menina possuída, vomita sopa de ervilha no Padre Karras foi realizada com uma mangueira escondida e a sopa foi realmente atirada no ator. Para completar, como teste para ver se a boneca animatrônica de Regan, que girava a cabeça em 360 graus, seria convincente o suficiente, pediu para a equipe levá-la em passeios de táxi, deixando motoristas apavorados – foi a primeira pegadinha de terror da História. Mas “O Exorcista” (1973) não foi um marco apenas no gênero de terror, com sua bilheteria recorde e tratamento de superprodução. Seu lançamento desempenhou um papel crucial na formação da era moderna dos blockbusters. O filme foi um fenômeno cultural e comercial, arrecadando mais de US$ 441 milhões em todo o mundo, um feito impressionante para a época. A década de 1970 foi um período de transição significativa para a indústria cinematográfica. Antes de “O Exorcista”, os filmes eram geralmente lançados em um pequeno número de cinemas e só depois se expandiam para um lançamento mais amplo. No entanto, “O Exorcista” quebrou esse molde com um lançamento em larga escala, chegando a centenas de cinemas simultaneamente. Esse método de distribuição, agora conhecido como “lançamento de saturação”, foi uma estratégia de marketing inovadora que ajudou a maximizar a receita do filme e a criar um burburinho imediato. Além disso, “O Exorcista” foi um dos primeiros filmes a usar uma campanha de marketing extensa e agressiva, com trailers provocativos e pôsteres icônicos que se tornaram sinônimos do filme. Essa abordagem de marketing, que agora é padrão na indústria cinematográfica, foi pioneira na época e contribuiu para o sucesso estrondoso do filme. O efeito de “O Exorcista” na indústria cinematográfica abriu caminho para os blockbusters que se seguiram, como “Tubarão” (1975) e “Guerra nas Estrelas” (1977), que usaram os mesmos métodos de saturação e campanhas de marketing agressivas para alcançar um público amplo e gerar receitas recordes, dando início ao cinema moderno. A ressaca Após o sucesso de “Conexão Francesa” e “O Exorcista”, Friedkin tornou-se um dos diretores mais venerados de Hollywood. No entanto, seu filme seguinte foi um documentário de 1975 em que entrevistava um de seus ídolos, o alemão Fritz Lang, diretor do clássico “Metrópolis” (1927) e de vários filmes noir famosos. Depois, decidiu fazer um remake de “O Salário do Medo”, o clássico thriller francês de Henri-Georges Clouzot de 1953. “O Comboio do Medo” (1977) trouxe Roy Scheider no papel originalmente interpretado por Yves Montand, mas a maioria dos críticos achou o filme longo e pouco emocionante em comparação ao original. Foi lançado ao mesmo tempo que “Guerra nas Estrelas” e sumiu rapidamente. Pelo menos, ganhou revisão histórica e voltou a ser considerado um filme importante com o passar do tempo, ao contrário de seu filme seguinte, a comédia policial “Um Golpe Muito Louco” (1978), pouquíssimo lembrada. Nova polêmica O diretor voltou a ousar com “Parceiros da Noite” (1980), com Al Pacino como um detetive de Nova York que se infiltra em bares gays e na subcultura S&M da cidade para resolver um assassinato. O filme provocou forte oposição de ativistas gays, que se opuseram à representação da comunidade e o consideraram nocivo à sua luta por aceitação, para grande desgosto de Friedkin. Mas este longa também se tornou cultuado com o passar dos anos. Alguns críticos e espectadores reavaliaram o filme, argumentando que, apesar de suas falhas, ele oferece uma visão fascinante e complexa da subcultura gay de Nova York no final dos anos 1970. Além disso, a performance intensa de Al Pacino e a direção estilizada de Friedkin foram reconsideradas, e o filme é atualmente reconhecido por sua abordagem sem rodeios de um tema que era considerado tabu na época. Influência nos anos 1980 Depois de marcar o cinema dos anos 1970, Friedkin criou nova estética cinematográfica que acabou adotada por vários cineastas dos 1980 com “Viver e Morrer em Los Angeles” (1985), outro de seus filmes emblemáticos. O thriller policial, que segue dois agentes federais (William Petersen e John Pankow) em uma caçada implacável a um falsificador de dinheiro (Willem Dafoe), é conhecido por sua paleta de cores vibrantes, cinematografia estilizada, abordagem fashion do mundo do crime e trilha sonora sintetizada pulsante, composta pela banda britânica Wang Chung. Esses elementos combinados criaram uma atmosfera que capturou a essência da cultura pop dos anos 1980. Friedkin criou uma nova linguagem, influenciada pela crescente popularidade dos videoclipes da época, aproveitando as técnicas visuais inovadoras que estavam sendo usadas nesse meio para criar uma obra que era tanto uma experiência sensorial quanto uma narrativa de suspense. Ele combinou cenas que pareciam sair da MTV com algumas de suas marcas mais conhecidas, incluindo outra perseguição de carros que é considerada uma das melhores de todos os tempos. Síntese visual dos anos 1980, o filme teve uma influência significativa para as produções de ação que se seguiram, especialmente os filmes de Tony Scott e Michael Bay. Volta matadora no século 21 Friedkin continuou a dirigir suspenses, terrores e filmes de ação, como “Síndrome do Mal” (1987), “A Árvore da Maldição” (1990), “Jade” (1995). “Regras do Jogo” (2000), “Caçado” (2003) e “Possuídos” (2006), mas nenhum deles teve um terço da repercussão de seus trabalhos anteriores. Seu último filme, “Killer Joe – Matador de Aluguel” (2011), foi um thriller sombrio estrelado por Matthew McConaughey como um assassino de aluguel, contratado por um jovem traficante de drogas (Emile Hirsch) para matar sua mãe e coletar o dinheiro do seguro. Quando o traficante não consegue pagar o adiantamento de Joe, ele sugere uma alternativa perturbadora: a irmã mais nova do jovem (Juno Temple) como “garantia sexual” até que o pagamento seja feito. Chocante, mas irresistivelmente envolvente, o filme baseado numa peça de Tracy Letts, foi classificado como NC-17, a mais elevada classificação etária permitida nos cinemas dos EUA, que normalmente limita a distribuição e a bilheteria de um filme. Friedkin não quis negociar e conseguiu lançar o filme sem cortes apenas para maiores de idade. Sacrificando o sucesso comercial, “Killer Joe” causou ótima impressão entre os críticos e ajudou a relançar Matthew McConaughey como um ator a ser levado a sério, capaz de uma performance ao mesmo tempo charmosa e aterrorizante, que ele não demonstrava ser capaz em suas comédias românticas – dois anos depois, McConaughey ganhou o Oscar de Melhor Ator por “Clube de Compra Dallas” (2013). Muitos alardearam “Killer Joe” como a volta de Friedkin à boa forma cinematográfica. Últimas obras O último lançamento do diretor em vida foi o documentário “The Devil and Father Amorth” (2017), sobre o padre exorcista Gabriele Amorth (que inspirou o recente filme de terror “O Exorcista do Papa”). Mas ele deixou finalizado o longa de ficção “The Caine Mutiny Court-Martial”, que terá première mundial nos próximos dias, durante o Festival de Veneza. O filme é baseado no livro de Herman Wouk, que narra o julgamento de um oficial da marinha por motim, após assumir o comando de um navio por sentir que o capitão estava agindo de maneira instável e colocando a vida da tripulação em risco. A...
Academia investiga venda do Oscar de Orson Welles por “Cidadão Kane”
A estatueta do Oscar que Orson Welles ganhou por escrever seu épico de 1941, “Cidadão Kane”, foi vendida por US$ 645 mil em um leilão realizado pela Heritage Auctions. No entanto, a venda pode não ter sido totalmente legal, devido a uma estipulação em um termo assinado pela filha de Welles, Beatrice, ao receber o troféu da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. Estatueta substituta com cláusula de venda A peça vendida não era o Oscar original que Welles ganhou, mas uma substituição que Beatrice solicitou em 1988, três anos após a morte de seu pai em 1985, aos 70 anos de idade. Beatrice pediu à Academia uma substituição, já que a família do cineasta não conseguiu encontrar o Oscar original entre seus pertences quando ele faleceu. A Academia atendeu e enviou uma estatueta substituta, mas ela veio com uma estipulação em um termo que Beatrice assinou. O termo declarava que a estatueta não poderia ser vendida a menos que fosse primeiro oferecida de volta à Academia pelo preço de apenas um dólar. Este é o acordo padrão que a Academia implementou em 1950, depois que Oscars ganhos antes disso foram vendidos ou leiloados. A história se complica A história se complica ainda mais, pois, em 1994, o Oscar “perdido” original de Welles foi colocado em leilão na Sotheby’s de Londres. A estatueta foi vinculada a Gary Graver, um diretor de fotografia que estava trabalhando no inacabado filme de 1974 de Welles, “O Outro Lado do Vento”. Graver alegou que Welles lhe deu o Oscar como pagamento por trabalhar no projeto financeiramente restrito. Graver então vendeu o Oscar por US$ 50 mil para uma empresa não identificada que o colocou em leilão na Sotheby’s com um lance inicial de US$ 250 mil. Quando a Sotheby’s notificou Beatrice para verificar se o Oscar era autêntico, ela processou e o tribunal decidiu que o Oscar não foi dado como “pagamento”, devolvendo o Oscar original para ela. Ela até tentou vender o original em 2003, já que ele não era coberto pela cláusula da Academia. Ainda assim, a organização tentou impedir que ela vendesse o troféu. Ao final, um juiz decidiu a favor de Beatrice e ela vendeu a estatueta por um valor não especificado. Esse comprador desconhecido tentou por anos revendê-la sem sucesso até 2011, quando arrematou impressionantes US$ 871,5 mil. O Oscar ganho pelo co-roteirista de “Cidadão Kane”, Herman J. Mankiewicz, foi leiloado um ano depois por outra soma considerável, US$ 588,4 mil. A questão da legalidade Embora o leilão da Heritage tenha listado vários itens que vieram do Patrimônio de Welles – como três estatuetas do Grammy (US$ 45 mil), a máquina de escrever de Welles (US$ 81,2 mil) e três certificados de indicação ao Oscar de “Cidadão Kane” (US$ 105 mil), o Oscar substituto não foi listado como vindo da família. O consignatário não foi identificado, embora a listagem tenha dito que viria com um certificado de autenticidade. A Heritage também tem uma política que garante que todo consignatário deve ser legítimo e capaz de vender legalmente o item. Se o Oscar substituto veio de Beatrice, a questão permanece por que ela não o listaria sob o Patrimônio de Welles, como fez com os outros itens. A Heritage também tem uma política que permite que os vencedores do leilão ofereçam imediatamente o item à venda por meio deles assim que o leilão termina, e o comprador misterioso parece estar fazendo exatamente isso, oferecendo-o novamente à venda por US$ 967 mil. A Academia investigará Ainda assim, o comprador (e agora potencial vendedor) ainda não foi identificado, embora pareça que a Academia lançará uma investigação de algum tipo. “Eles estarão investigando isso”, disse um porta-voz da organização em uma breve declaração sobre a venda.
Michelle Yeoh, vencedora do Oscar, se casa com ex-chefão da Formula 1
A atriz Michelle Yeoh, vencedora do Oscar de Melhor Atriz por “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo”, se casou na quinta-feira (27/7) com o francês Jean Todt, ex-CEO da Ferrari e ex-presidente da FIA (Federação Internacional de Automobilismo), em uma cerimônia íntima em Genebra, Suíça, para poucos convidados. O casamento ocorreu após um noivado de 19 anos, que começou em 26 de julho de 2004, dois meses após o casal se conhecer em Xangai. A cerimônia contou com a presença apenas de amigos próximos, incluindo o piloto brasileiro Felipe Massa, que compartilhou em suas redes sociais fotos do evento e um cartão que contava a história de amor de Jean e Michelle. Segundo o cartão, “Hoje, após 6992 dias, no dia 27 de julho de 2023, em Genebra, cercados do amor da família e amigos, nós estamos muito felizes de celebrar esse momento juntos!”. Nas imagens compartilhadas por Felipe Massa, é possível ver Michelle Yeoh usando um top de seda branco e saia em camadas, assim como um conjunto nude, completo com saia de renda e top de espartilho com pérolas. Jean Todt, por sua vez, apareceu elegante em um terno azul marinho. Casamento oscarizado Um dos convidados especiais da cerimônia foi o Oscar de Michelle Yeoh. A estrela malaia fez história com sua vitória na premiação deste ano da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas ao se tornar a primeira asiática a disputar e vencer a categoria de Melhor Atriz. Em seu discurso de aceitação do prêmio, Michelle dedicou o troféu à sua mãe, que assistia à cerimônia na Malásia, e para os jovens asiáticos em Hollywood. “Para todos os meninos e meninas que se parecem comigo assistindo esta noite, este é um farol de esperança e possibilidades. Esta é a prova de que, sonhe grande e os sonhos se tornam realidade. E senhoras, não deixem ninguém diz que você já passou do seu auge”, disse Yeoh no palco do Dolby Theatre ao receber o prêmio. “Nunca desista.” Ver essa foto no Instagram Uma publicação compartilhada por Felipe Massa (@massafelipe)
Bo Goldman, roteirista premiado de “Um Estranho no Ninho”, morre aos 90 anos
O roteirista Bo Goldman, vencedor do Oscar por “Um Estranho no Ninho” (1975) e “Melvin e Howard” (1980), faleceu na terça-feira (25/7) em Helendale, Califórnia, aos 90 anos. A notícia foi confirmada por Todd Field, diretor e genro de Goldman. Nascido em Nova York, o escritor era filho de Julian Goldman, proprietário da cadeia de lojas de departamento Goldman, que perdeu sua fortuna durante a Grande Depressão dos anos 1930. Desde cedo, ele frequentou apresentações teatrais com seu pai, um apoiador de shows da Broadway, e foi educado nas melhores escolas. Primeiros passos no teatro e televisão Enquanto estudava em Princeton, Goldman escreveu um musical, “Ham ‘n Legs”, que acabou sendo apresentado no “The Ed Sullivan Show”, programa de TV mais popular da época – onde Elvis e os Beatles cantaram. Após a faculdade e o serviço militar, Goldman começou sua carreira na televisão, onde editou, escreveu roteiros e atuou como produtor associado para a prestigiosa série de antologia “Playhouse 90” da CBS no final dos anos 1950. Ele também foi produtor associado em “The Philco-Goodyear Television Playhouse” e produtor do breve “The Seven Lively Arts” da CBS. Em 1959, ele se lançou na Broadway, assinando tanto as letras quanto a música para uma adaptação musical de “Orgulho e Preconceito”, chamada “First Impressions”, que entretanto fracassou na bilheteria. A experiência negativa o levou de volta à TV, onde finalmente se especializou em roteiros, escrevendo uma adaptação do suspense “Agonia de Amor” (1947), de Alfred Hitchcock, transformada num telefilme de 1962 na rede NBC, e um episódio de 1964 da série “Os Defensores”. “Um Estranho no Ninho” A transição para o cinema foi marcada por seu trabalho em “Um Estranho no Ninho” (1975), que lhe rendeu seu primeiro Oscar, compartilhado com Lawrence Hauben. O drama psicológico, baseado no romance de Ken Kesey, girava em torno de Randle McMurphy (interpretado por Jack Nicholson), um prisioneiro que finge insanidade para ser transferido para uma instituição mental, acreditando que será um lugar mais confortável para cumprir sua sentença. No entanto, ele logo se depara com a rígida enfermeira Ratched (interpretada por Louise Fletcher), que governa o hospital com punho de ferro. McMurphy desafia a autoridade de Ratched e tenta inspirar os outros pacientes a se rebelarem contra as regras opressivas da instituição, resultando em um confronto emocional e trágico. Filme mais celebrado de 1975, “Um Estranho no Ninho” foi o grande vencedor do Oscar, conquistando as estatuetas de Melhor Filme, Melhor Diretor para Milos Forman, Melhor Roteiro Adaptado para Goldman, Melhor Ator para Jack Nicholson e Melhor Atriz para Louise Fletcher, respectivamente. O feito foi considerado impressionante, pois a última vez que um filme ganhou todos esses troféus tinha sido há mais de 40 anos, com “Aconteceu Naquela Noite” (1934). “A Rosa” e “Melvin e Howard” Seu roteiro seguinte foi “A Rosa” (1979), drama sobre uma roqueira autodestrutiva, inspirado na vida de Janis Joplin, que catapultou Bette Midler ao estrelato, indicada ao Oscar de Melhor Atriz pelo papel. Em 1980, Goldman ganhou seu segundo Oscar, desta vez de Roteiro Original, por “Melvin e Howard”, uma sátira do Sonho Americano que contava a história de Melvin Dummar. O homem alegava ter conhecido Howard Hughes e ser um dos beneficiários de um testamento suspeito, que surgiu após a morte do excêntrico bilionário. “Perfume de Mulher” Com o reconhecimento da Academia, Goldman se tornou bastante requisitado para trabalhar em projetos dos grandes estúdios ao longo dos anos 1980 e 1990. Os destaques de sua filmografia incluem ainda o drama “A Chama que Não Se Apaga” (1982), de Alan Parker, “Espiões sem Rosto” (1988), de Richard Benjamin, “Perfume de Mulher” (1992) e “Encontro Marcado” (1998), ambos de Martin Brest, além de trabalho não creditado em filmes como “Segundo Turno” (1984), “Jogo da Vida” (1984) e “Dick Tracy” (1990). Seu roteiro para “Perfume de Mulher”, adaptado do filme homônimo italiano de 1974, rendeu a Al Pacino um Oscar de Melhor Ator, além de render a Goldman uma última indicação na categoria de Melhor Roteiro Adaptado. Final de carreira e legado Seu último filme foi “Regras Não Se Aplicam” (2016), de Warry Beatty, em que voltou ao universo explorado em “Melvin Howard”. Apesar do sucesso que alcançou, Goldman fez muitos filmes apenas por dinheiro. Pela qualidade de seus textos mesmo nos projetos mais comerciais, ele chegou a ser considerado um dos melhores roteiristas de sua geração. Em 1998, Eric Roth prestou homenagem a sua filmografia, dizendo ao jornal New York Times que o “grande Bo Goldman” era “o roteirista preeminente – em minha opinião, o melhor que existe. Ele tem os créditos mais variados e inteligentes, de ‘Um Estranho no Ninho’ a ‘A Chama que Não Se Apaga’, o melhor filme de divórcio já feito, à ‘Perfume de Mulher’, à grande sátira ‘Melvin e Howard’. Ele raramente comete erros, e consegue manter uma voz americana distinta. E ele consegue se manter atual”.
Billie Eilish vira Barbie Existencial em clipe da trilha do filme
Billie Eilish lançou o clipe de “What Was I Made For?”, música criada para a trilha sonora de “Barbie”. Com uma melodia envolvente e uma letra existencial, a cantora lida com as frustrações da vida e ainda aparece com um visual retrô, que remete a própria Barbie. A gravação é um plano-sequência (cena filmada sem cortes) com Billie organizando roupinhas da boneca. Enquanto a música se intensifica, a cantora luta para deixar seu brinquedo de pé enquanto enfrenta chuva e ventos fortes. Conforme a câmera se afasta, ela ainda vai ficando do tamanho de uma boneca. “Eu costumava flutuar / Agora eu só caio / Eu costumava saber, mas agora não tenho certeza / Para que fui feita? / Para que fui feita?”, canta. “Dirigindo, eu era uma ideia / Parecia tão viva, mas descobri que não sou real / Apenas algo pelo qual você pagou / Para que fui feita?”. Vale mencionar que o vídeo foi gravado pela própria Billie, uma função que ela já exerceu diversas vezes em canções como “Happier Than Ever” e “Lost Cause”. A música inédita foi escrita e produzida pela cantora e seu irmão Finneas. Em comemoração ao lançamento, ela revelou que os dois se basearam em trechos inacabados de “Barbie” mostrados por Greta Gerwig, diretora do longa. “Não tínhamos nenhuma ideia do que esperar… ficamos tão emocionados… que no dia seguinte estávamos escrevendo e não conseguíamos parar de falar sobre isso, hahaha, e acabamos escrevendo quase toda a música naquela noite”, contou no Instagram. “Para ser sincera com vocês, tudo isso aconteceu em um momento em que eu realmente precisava. Sou muito, muito grata por isso”. Sucesso em trilhas sonoras Diante das altas expectativas sobre “Barbie” e as primeiras reações bastante positivas do filme, a canção pode colocar Billie e Finneas novamente na linha de disputa nas principais premiações. Em 2022, a dupla venceu o Oscar na categoria de Melhor Música Original por “No Time to Die”, música tema de “007: Sem Tempo para Morrer”. A trilha sonora de “Barbie” ainda conta com canções de Dua Lipa, Nicki Minaj, Ice Spice, Charli XCX, Lizzo, Karol G, PinkPantheress, Ava Max, Dominic Fike, Khalid, The Kid Laroi, Tame Impala, Haim, Gayle, Fifty Fifty FIFTY e Kali. “Barbie” estreia nos cinemas brasileiros na próxima quinta-feira, dia 20 de julho. Ver essa foto no Instagram Uma publicação compartilhada por BILLIE EILISH (@billieeilish)
Coco Lee, cantora de “Mulan”, morre após tentativa de suicídio aos 48 anos
Coco Lee, cantora e compositora chinesa, faleceu após uma tentativa de suicídio aos 48 anos. A informação foi divulgada pelas suas irmãs em uma publicação no Facebook nesta quarta-feira (5/7). A cantora estava em coma após tentar tirar a própria vida no último domingo (2/7). De acordo com suas irmãs, ela lidava com uma batalha contra a depressão há anos. “Com grande tristeza, estamos aqui para dar a notícia mais devastadora: Coco estava sofrendo de depressão há alguns anos, mas sua condição piorou drasticamente nos últimos meses”, afirmaram as irmãs Carol e Nancy. “Embora Coco tenha procurado ajuda profissional e tenha feito o possível para combater a depressão, infelizmente aquele demônio dentro dela levou a melhor”. A cantora ficou conhecida internacionalmente pela versão em mandarim da música “Reflection” do filme “Mulan”, lançado pela Disney em 1998. Ela também se tornou a primeira artista chinesa a se apresentar no Oscar, cantando a música “A Love Before Time” do longa “O Tigre e o Dragão” (2000), indicada ao Oscar de Melhor Canção Original. “2023 marca o 30º aniversário da carreira de cantora de CoCo e, nos últimos 29 anos, ela ganhou inúmeros elogios internacionais com canções entre as mais vendidas e deixou o público com uma impressão surpreendente com suas excelentes apresentações ao vivo”, homenagearam suas irmãs na publicação. “CoCo também é conhecida por ter trabalhado incansavelmente para abrir um novo mundo para cantores chineses no cenário musical internacional e ela fez de tudo para brilhar para os chineses. Estamos orgulhosos dela!”. Ela era casada com o empresário canadense Bruce Rockowitz, ex-CEO da empresa de cadeia de suprimentos Li & Fung Lee, desde 2011. Descoberta em reality show Nascida na cidade de Hong Kong em 1975, a cantora se mudou para os Estados Unidos ainda adolescente e finalizou seus estudos no Ensino Médio em território americano. Após se formar, ela voltou a sua cidade natal para visitar as irmãs e acabou se apresentando num reality chinês de competição musical, “New Talent Singing Awards”, onde acabou em 2º lugar. Com a notoriedade que ganhou no programa, ela logo foi contratada pela gravadora chinesa Capital Artists e deu início a sua carreira na música com seus primeiros álbuns em mandarim. Poucos anos depois, assinou um contrato com a Sony Music e seu álbum “Coco Lee” se tornou o disco mais vendido de 1996 no continente asiático. Mulan e participações em trilhas sonoras Ao lançar um sucesso atrás do outro, ela também teve sua música “Colors of the World” usada como abertura da Copa do Mundo de 1998. Em seguida, foi convidada pela Disney para dar voz à versão em mandarim de “Mulan” (1998), onde também interpretou a música tema “Reflection”. Com a notoriedade internacional, ela lançou seu primeiro álbum inteiramente em inglês “Just No Other Way” em 1999. No mesmo ano, sua canção “Before I Fall in Love” foi incluída na trilha sonora do filme “Noiva em Fuga” (1999), estrelado por Julia Roberts. Desde então, ela equilibrou a carreira nos Estados Unidos e na China, com músicas e álbuns virando sucessos absolutos nas vendas. Com o passar dos anos, a artista ficou conhecida pelas sua voz poderosa em apresentações ao vivo. Já em 2001, ela fez parte da trilha sonora do longa de ação “O Tigre e o Dragão” (2000), estrelado por Michelle Yeoh. A canção “A Love Before Time” foi um verdadeiro sucesso e recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original, levando Lee a se apresentar durante a cerimônia. Aparições em filmes e na televisão Em paralelo à carreira na música, ela também atuou nos longas chineses “No Tobacco” (2002), “Master of Everything” (2004) e “Para Sempre Jovem” (2015). Na televisão, também participou como jurada de diversos reality shows musicais, como a versão chinesa do programa “Ídolos”. Durante os anos, a cantora também realizou diversas parcerias musicais e participou de eventos organizados por artistas como Michael Jackson e will.i.am, do Black Eyed Peas. Ao todo, ela lançou 18 álbuns de estúdio, cantando em inglês e mandarim, durante seus 30 anos em atividade.
“Pequena Miss Sunshine” se despede do avô Alan Arkin
A morte do ator Alan Arkin na quinta-feira (29/6), aos 89 anos, rendeu vários tributos de colegas de elenco e cineastas famosos de Hollywood. Mas uma homenagem em especial chamou atenção, ao ser publicada neste domingo (2/7). A atriz Abigail Breslin, intérprete da personagem-título de “Pequena Miss Sunshine”, disse que sempre lembrará de Arkin como seu avô. Breslin e Arkin estrelaram a comédia ácida de 2006, “Pequena Miss Sunshine”, como parte de uma família disfuncional em uma viagem de kombi amarela pelos EUA. A jornada tinha o objetivo de levar a filha mais nova (Breslin, então com 10 anos de idade) a um concurso de beleza infantil. Arkin interpretava o avô sem noção, que ensinou à menina uma coreografia imprópria para o evento, e que acaba falecendo durante a viagem. Os dois receberam indicações ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante pelo filme, com Arkin ganhando como Melhor Ator Coadjuvante por seu papel, depois de décadas na indústria. “Alan Arkin foi um dos atores mais gentis, amáveis e hilários com quem eu já trabalhei”, disse Breslin em um comunicado enviado à revista People. “Podemos não ter sido parentes na vida real, mas ele sempre será meu avô em meu coração. Envio minhas mais profundas condolências à sua esposa Suzanne e à sua família.” Antes de ganhar seu Oscar por “Pequena Miss Sunshine”, Arkin era um estimado ator de teatro, que venceu um Tony de Melhor Ator Coadjuvante por “Enter Laughing” de Joseph Stein em 1963. Ele também recebeu outras duas indicações ao Oscar de Melhor Ator, por “Os Russos Estão Chegando” (1966) e “Por que Tem que Ser Assim?” (1968), e uma posterior de Ator Coadjuvante por “Argo” (2013). “Nosso pai era uma força única e talentosa da natureza, tanto como artista quanto como homem”, disse a família de Arkin em um comunicado. “Um marido e pai amoroso, avô e bisavô, ele era adorado e terá sua falta sentida profundamente.” Veja abaixo o trailer de “Pequena Miss Sunshine”. Dirigido por Jonathan Dayton e Valerie Faris, o filme também venceu o Oscar de Melhor Roteiro Original (de Michael Arndt).
Alan Arkin, vencedor do Oscar por “Pequena Miss Sunshine”, morre aos 89 anos
O ator Alan Arkin, vencedor do Oscar por “Pequena Miss Sunshine”, morreu na quinta-feira (29/6) em sua casa em San Marcos, na Califórnia (EUA), aos 89 anos. A informação foi compartilhada por seus filhos num comunicado à imprensa nesta sexta (30/6). Até o momento, a causa da morte não foi revelada. “Nosso pai era uma força da natureza excepcionalmente talentosa, tanto como artista quanto como homem. Um marido amoroso, pai, avô e bisavô, ele era adorado e sua falta será profundamente sentida”, disseram os três herdeiros no comunicado. Com mais de 60 anos de carreira, o ator emplacou trabalhos no cinema, teatro e televisão, tanto como ator quanto diretor. Embora tenha se destacado mais em produções do gênero da comédia, também estrelou dramas bastante intensos. Em “A Pequena Miss Sunshine”, viveu o avô da protagonista, que morre durante uma longa viagem com a família, mas não sem antes ensinar uma coreografia ofensiva para a netinha usar num concurso de beleza infantil. Sua performance rendeu sua única estatueta do Oscar, embora tenha sido indicado três outras vezes na premiação. Ao longo de sua trajetória, ele também estrelou um filme brasileiro, “O Que É Isso Companheiro?” (1997), e recebeu inúmeros outros prêmios, incluindo o Tony, Globo de Ouro e BAFTA, além de seis indicações ao Emmy. Começo na Broadway Nascido em 26 de março de 1934, em Nova York, Alan Wolf Arkin era filho de imigrantes russo-alemães. Seus primeiros contatos com a indústria do entretenimento foi como músico na banda The Tarriers, onde cantava e tocava violão. Apesar do grupo não ter ficado junto por muito tempo, eles conseguiram emplacar um sucesso com a música “The Banana Boat Song” em 1957. Logo em seguida, Arkin começou a atuar nos palcos do teatro. Seus primeiros trabalhos foram como membro da The Second City, famoso grupo de comédia de improvisação que serviu como ponto de partida para diversos artistas, como Steve Carell (“The Office”) e Tina Fey (“Um Maluco na TV”). Em 1961, o ator fez sua estreia na Broadway com a trupe de comediantes. Apenas dois anos depois, ele recebeu seu primeiro prêmio Tony pela sua atuação na peça “Enter Laughing” (1963), do diretor Joseph Stein. Com o sucesso nos palcos, Arkin começou a investir a carreira no cinema com a paródia da Guerra Fria “Os Russos Estão Chegando! Os Russos Estão Chegando!” (1966), onde interpretou o tenente Rozanov, um oficial soviético que atraca nos Estados Unidos. Aclamado pela crítica, o longa rendeu sua primeira indicação ao Oscar e seu primeiro Globo de Ouro. Destaque nas principais premiações Ao mesmo tempo, o ator também chamou a atenção na televisão e recebeu sua primeira indicação ao prêmio Emmy ao participar da antologia “ABC Stage 67”, que teve apenas uma temporada exibida pelo canal americano ABC. Ele também estrelou um dos filmes mais populares daquela época, o suspense “Um Clarão nas Trevas” (1967), como um bandido que tenta se aproveitar da cegueira de Audrey Hepburn (“Bonequinha de Luxo”). Em seguida, o ator interpretou o icônico inspetor Jacques Clouseau no longa “Inspetor Clouseau” (1968), após Peter Sellers se recusar a voltar ao papel do policial do universo de “A Pantera Cor-de-Rosa”. Apontado como um dos nomes mais promissores de sua geração, Arkin recebeu sua segunda indicação ao Oscar pelo longa “Por que Tem de Ser assim?” (1968), onde interpretou um homem surdo-mudo que se torna o confidente de várias pessoas solitárias em uma pequena cidade americana. E mais uma indicação ao Globo de Ouro pela comédia dramática “Popi” (1969), que estrelou com a atriz porto-riquenha Rita Moreno (“Amor, Sublime Amor”). Na trama, Arkin interpretou o personagem-título, um pai porto-riquenho. Em 1971, ele deu vida ao Capitão John Yossarian na cultuada sátira de guerra “Ardil 22” (1971), dirigido por Mike Nichols (“Closer”). E no ano seguinte estreou como diretor na comédia de humor ácido “Pequenos Assassinatos”, que também estrelou ao lado do ator Elliott Gould (“Treze Homens e um Novo Segredo”). Destaque na comédia Especializando-se em comédias, o ator acumulou créditos no gênero, como “O Último Don Juan” (1972), “Duas Ovelhas Negras” (1974), “Visões de Sherlock Holmes” (1976, no papel de Freud), além de ser novamente indicado ao prêmio Tony por dirigir a peça “The Sunshine Boys” (1972). Arkin ainda dirigiu e estrelou “Os Incendiários Estão Chegando” (1977), e protagonizou uma das comédias mais mais populares dos anos 1970, “Um Casamento de Alto Risco” (1979). No filme, contracenou com Peter Falk (“Columbo”) como dois sogros metidos em uma série de aventuras improváveis. Ele diminuiu o ritmo anos 1980, após tropeçar na comédia de terror “O Jovem Lobisomem” (1981) e no musical de super-herói “O Retorno do Capitão Invencível” (1983), que fracassaram nas bilheterias. Mas foi dar a volta por cima na TV, com a minissérie de guerra “Fuga de Sobibor” (1987), do diretor Jack Gold, que lhe rendeu sua segunda indicação ao Emmy. Já nos anos 1990, diversificou sua filmografia com grandes produções como “O Cadillac Azul” (1990), de Joe Roth, “Havana” (1990), de Sydney Pollack, o clássico da cultura pop “Edward Mãos de Tesoura” (1990), de Tim Burton, e a adaptação de quadrinhos “Rocketeer” (1991), de Joe Johnston, e o drama criminal “O Sucesso a Qualquer Preço”, ao lado de grandes nomes do cinema como Al Pacino (“O Irlandês”) e Ed Harris (“Top Gun: Maverick”). Ele seguiu ativo em vários gêneros, até voltar à comédia em “Matador em Conflito” (1997), produção cultuada com John Cusack (“Alta Fidelidade”). Sucesso em filme brasileiro Arkin também estrelou o filme brasileiro “O Que É Isso, Companheiro?” (1997), dirigido por Bruno Barreto (“Flores Raras”), no papel do embaixador dos Estados Unidos no Brasil, Charles Burke Elbrick. Baseado no livro de Fernando Gabeira, o longa contava a história do sequestro de Elbrick durante a luta armada contra a ditadura militar e contava com vários atores brasileiros no elenco, como Pedro Cardoso (“A Grande Família”), Fernanda Torres (“Tapas e Beijos”) e Selton Mello (“Sessão de Terapia”). A produção foi indicada ao Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira. No mesmo ano, Arkin coadjuvou na cultuada ficção científica “Gattaca – A Experiência Genética” (1997), dirigida por Andrew Niccol. E ainda indicado mais uma vez ao Emmy pela aparição na série “Esperança de Chicago” (1997). O ator ainda teve um última indicação ao Emmy em 2003, pelo seu papel no filme televisivo “Segredos do Pentágono”, estrelado por James Spader (“Lista Negra”). O Oscar de “Pequena Miss Sunshine” A consagração definitiva veio com “Pequena Miss Sunshine” (2006). O pequeno filme independente do casal Jonathan Dayton e Valerie Faris colecionou troféus e foi um verdadeiro sucesso nas bilheterias, arrecadado mais de US$ 100 milhões contra um orçamento de apenas US$ 8 milhões. A atuação de Arkin como o vovô excêntrico e doente lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, além de uma infinidade de elogios da crítica. Após o Oscar, ele apareceu em vários outros filmes, incluindo “Agente 86” (2008) e “Os Muppets” (2011), antes de ganhar nova indicação ao Oscar pelo thriller de espionagem “Argo” (2012), dirigido e estrelado por Ben Affleck. No longa, Arkin interpretou Lester Siegel, um produtor de Hollywood que colabora com a CIA para criar uma filme falso para uma operação de resgate durante a crise dos reféns no Irã. Fim da carreira na Netflix Nos últimos anos, Arkin voltou à participar de diversas comédias, trabalhando com Steve Carell (“O Incrível Mágico Burt Wonderstone”), Steve Martin (“O Natal dos Coopers”) e Morgan Freeman (“Despedida em Grande Estilo”), antes de embarcar no universo dos streamings com a série “The Kominsky Method”, criada em 2018 por Chuck Lorre (“Big Bang Theory”). Na série, ele viveu Norman Newlander, um agente de talentos aposentado e amigo próximo de um ator fracassado vivido por Michael Douglas (“Homem-Formiga”). Pelo papel, Arkin recebeu suas duas últimas indicações ao Emmy. A série chegou ao fim em maio de 2021, quando o ator já estava com 87 anos. Seus últimos trabalhos no cinema foram a versão live-action de “Dumbo” (2019), produzida pela Disney, e a animação “Minions 2: A Origem de Gru” (2022), como voz do vilão Willy Cobra.
Taylor Swift, The Weeknd e brasileiros são convidados a votar no Oscar
A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos EUA, responsável pelo Oscar, anunciou os novos convidados a ingressarem como membros da organização. O anúncio foi divulgado nesta quarta-feira (28/6) e a lista inclui artistas bastante conhecidos. Dentre os selecionados, estão Taylor Swift (“Cats”), The Weeknd (“The Idol”), David Byrne (“Stop Making Sense”), Austin Butler (“Elvis”), Nicholas Hoult (“The Great”), Keke Palmer (“Não! Não Olhe!”), Selma Blair (“Hellboy”), Bill Hader (“Barry”), Paul Mescal (“Aftersun”) e os vencedores do Oscar Ke Huy Quan e os diretores de “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo”. Ao todo, a lista soma 398 convidados que representam a indústria cinematográfica, divididos entre atores, diretores, roteiristas, compositores, figurinistas, maquiadores, executivos e outros profissionais foram selecionados. “A Academia tem o orgulho de dar as boas-vindas a esses artistas e profissionais como membros”, disseram o CEO da Academia, Bill Kramer, e a presidente Janet Yang, no comunicado. Brasileiros convidados Os convites também chegaram a brasileiros como a cineasta Anita Rocha da Silveira (“Medusa”) e o animador Fernando de Goes (“Red: Crescer é uma Fera”), que trabalha em efeitos visuais na Pixar. Além deles, o cineasta nova-iorquino Antonio Campos (“O Diabo de Cada Dia”), filho do jornalista brasileiro Lucas Mendes, também foi lembrado. “Eles representam um talento global extraordinário em todas as disciplinas cinematográficas e tiveram um impacto vital nas artes e ciências do cinema e nos fãs de cinema em todo o mundo”, diz a Academia. Diversidade na Academia A nova lista de convidados destaca a busca por diversificar a Academia. Cerca de 40% são mulheres, enquanto 34% pertencem a grupos étnicos e raciais subrepresentados. Por fim, 52% dos convidados vêm de 50 países e territórios fora dos Estados Unidos, reforçando também a tendência de globalização do Oscar. De todo modo, a iniciativa ainda está longe de equilibrar a votação do Oscar, dominada por homens brancos, americanos e idosos. Caso todos os convidados aceitem o convite, a Academia será composta por 9.375 membros. Deste total, 34% são mulheres, 18% são pessoas não-brancas e 20% são indivíduos não-americanos. Confira abaixo a lista completa de novos convidados. ATORES Zar Amir-Ebrahimi – “Holy Spider” (2022) Sakura Ando – “Um Homem” (2022) Selma Blair – “Hellboy” (2004) Marsha Stephanie Blake – “I’m Your Woman” (2020) Austin Butler – “Elvis” (2022) Raúl Castillo – “Cha Cha Real Smooth” (2022) Chang Chen – “Transferencia de Almas” (2021) Ram Charan – “RRR” (2022) Kerry Condon – “Os Banshees de Inisherin” (2022) Robert John Davi – “007 – Permissão para Matar” (1989) Dolly De Leon – “Triângulo da Tristeza” (2022) Martina Gedeck – “A Vida dos Outros” (2006) Bill Hader – “Barry” (2018) Nicholas Hoult – “A Favorita” (2018) Stephanie Hsu – “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo” (2022) Tin Lok Koo – “Exército do Amanhã” (2022) Vicky Krieps – “Corsage” (2022) Joanna Kulig – “Guerra Fria” (2018) “Elles” Lashana Lynch – “Mulher Rei” (2022) A Martinez – “Ambulância – Um Dia de Crime” (2022) Noémie Merlant – “Tár” (2022) Paul Mescal – “Aftersun” (2022) Richard Mofe-Damijo – “Oloibiri” (2015) Keke Palmer – “Não! Não Olhe!” (2022) Park Hae-il – “Decisão de Partir” (2022) Ke Huy Quan – “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo” (2022) NT Rama Rao Jr. – “RRR” (2022) Paul Reiser – “Whiplash” (2014) Rosa Salazar – “Alita : Anjo de Combate” (2019) DIRETORES DE ELENCO John Buchan – “Entre Mulheres” (2022) Pauline Hansson – “Triângulo da Tristeza” (2022) Nina Haun – “The School of Magical Animals” (2021) Lissy Holm – “O Rei Perdido” Jeanette Klintberg – “Midsommar” (2019) Jason Knight – “Entre Mulheres” (2022) Alexandra Montag – “Tár” (2022) Pat Moran – “Union Bridge” (2019) Mathilde Snodgrass – “Asterix & Obelix: O Reino do Meio” (2023) Rachel G. Tenner – “Spirited – Um Conto Natalino” (2022) CINEMATOGRAFIAS Jolanta Dylewska – “Ayka” (2018) James Friend – “Nada de Novo no Front” (2022) Martin Gschlacht – “Boa Noite, Mamãe!” (2022) Florian Hoffmeister – “Tár” (2022) Benjamin Kracun – “Bela Vingança” (2020) KK Senthil Kumar – “RRR” (2022) Tommy Maddox-Upshaw – “Homens Brancos Não Sabem Enterrar” (2023) Kate McCullough – “A Menina Sileciosa” (2022) Andrij Parekh – “The Catcher Was a Spy” (2018) Christopher Ross – “As Nadadoras” (2022) María Secco – “Sorcery” (2023) Virginie Surdej – “Túnica Turquesa” (2022) ESTILISTAS DE FIGURINO Trisha Biggar – “A Esposa” (2017) Alex Bovaird – “The White Lotus” (2021) Bob Buck – “Avatar: O Caminho da Água” (2022) Monika Buttinger – “Corsage” (2022) Pam Downe – “Mr. Malcolm’s List” (2022) Deirdra Elizabeth Govan – “O Sol Também é uma Estrela” (2019) Shirley Kurata – “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo” (2022) Linda Muir – “O Homem do Norte” (2022) Annie Symons – “Meu Policial” (2022) DIRETORES Colm Bairéad – “A Menina Sileciosa” (2022) Abner Benaim – “Plaza Catedral” (2021) Edward Berger – “Nada de Novo no Front” (2022) Antonio Campos – “O Diabo de Cada Dia” (2020) Anthony Chen – “Wet Season” (2019) Lukas Dhont – “Close” (2022) Andreas Dresen – “Parada em Pleno Curso” (2011) Nils Gaup – “Amor Alucinante” (1996) Rashaad Ernesto Green – “Premature” (2019) Ana Katz – “O Cão que Não Se Cala” (2021) Joseph Kosinski – “Top Gun: Maverick” (2022) Daniel Kwan – “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo” (2022) Francisco Lombardi – “Sem Compaixão” (1994) Carlos López Estrada – “Raya e o Último Dragão” (2021) Mounia Meddour – “Dançando no Silêncio” (2022) “Papicha” Santiago Mitre – “Argentina, 1985” (2022) CJ “Fiery” Obasi – “Mami Wata” (2023) Mani Ratnam – “Kannathil Muthamittal” (2002) Anita Rocha da Silveira – “Medusa” (2021) Hiner Saleem – “Goodnight Soldier” (2022) Daniel Scheinert – “Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo” (2022) Maria Schrader – “Ela Disse” (2022) Michael Showalter – “Os Olhos de Tammy Faye” (2021) Agnieszka Smoczyńska – “As Gêmeas Silenciosas” (2022) Chaitanya Tamhane – “O Discípulo” (2020) DOCUMENTÁRIO Maxim Arbugaev – “Haulout” (2022) Evgenia Arbugaeva – “Haulout” (2022) Paul Barnes – “Unforgivable Blackness: The Rise and Fall of Jack Johnson” (2004) Mark Becker – “Art and Craft” (2014) Alan Berliner – “First Cousin Once Removed” (2012) Tze Woon Chan – “Blue Island” (2022) Sonya Childress – “Strong Island” (2017) Lauren Cioffi – “Ben Crump pelos Direitos Civis” (2022) Erika Cohn – “Belly of the Beast” (2020) Patrick Creadon – “I.O.U.S.A.” (2008) Daniel Cross – “I Am the Blues” (2015) Ally Derks Andrés Di Tella – “Private Fiction” (2019) Lauren Domino – “Time” (2020) Lindsey Dryden – “Unrest” (2017) Katja Esson – “Poetry of Resilience” (2011) Violet Du Feng – “Hidden Letters” (2022) Jennifer Fox – “My Reincarnation” (2011) Sonia Kennebeck – “Enemies of the State” (2020) Teddy Leifer – “Tudo O que Respira” (2022) Simon Lereng Wilmont – “A House Made of Splinters” (2022) Petr Lom – “Diários de Myanmar” (2022) Melanie Miller – “Navalny” (2022) Julia Nottingham – “Be Water” (2020) Ilja Roomans – “Mestre da Luz” (2022) Nancy Schwartzman – “Vítima x Suspeita” (2023) Joshua Seftel – “Stranger at the Gate” (2022) Shaunak Sen – “Tudo O que Respira” (2022) Daniel Sivan – “Camp Confidential: America’s Secret Nazis” (2021) Chris Smith – “Sr.” (2022) Corinne van Egeraat – “Myanmar Diaries” (2022) Tyler H. Walk – “Bem-vindo a Chechénia” (2020) Eden Wurmfeld – “The Big Scary ‘S’ Word” (2021) Debra Zimmerman – “Why Women Stay” (1980) EXECUTIVOS Craig Alexander Bela Bajaria Stephen Basil-Jones Racheline Benveniste Sean Berney Efe Egemen Cakarel Peter Dodd Tara Duncan Zev Foreman Jeffrey Goore Amelia Louise Granger Daniel Guando Jessie Henderson Ynon Kreiz Ollie Madden Shivani Pandya Malhotra Janet Pierson Shivani Rawat Kent Sanderson Guy Shani Sarah Elizabeth Shepard Jesse Sisgold Jonathan Turell Joana Vicente Brian Stuart Weinstein Paul Wiegard Rob Williams Tamara Y. 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Angela Basset receberá Oscar honorário após duas indicações na premiação
Angela Basset (“Pantera Negra”) finalmente receberá seu Oscar após duas indicações na premiação. A atriz foi anunciada como uma das homenageadas pela Academia de Academia de Artes e Ciências Cinematográficas (AMPAS) com o Oscar honorário, prêmio pelas realizações de sua carreira. Ao lado dela, o ator e diretor Mel Brooks (“O Jovem Frankenstein”) e a editora Carol Littleton (“E.T. – O Extraterrestre”) também receberão o troféu. Além disso, a Academia também premiará a produtora Michelle Satter, fundadora do Sundance Institute, com o troféu humanitário Jean Hersholt. A cerimônia é um evento paralelo à premiação principal e está agendada para o dia 18 de novembro, sem transmissão ao vivo. Apesar disso, trechos de discursos dos homenageados devem ser disponibilizados nas redes da Academia. O evento também concede o Prêmio Humanitário Jean Hersholt para Michelle Satter, diretora do Instituto de Sundance. “A junta de Governadores da Academia está emocionada em homenagear quatro pioneiros que transformaram a indústria cinematográfica e inspiraram gerações de cineastas e fãs de cinema”, declarou Janet Yang, presidente da Academia. “Ao longo de sua carreira de décadas, Angela Bassett continuou a entregar performances transcendentes que estabelecem novos padrões na atuação”. “Mel Brooks ilumina nossos corações com seu humor, e seu legado teve um impacto duradouro em todos os aspectos do entretenimento”, completou. “A carreira de Carol Littleton na edição de filmes serve como um modelo para aqueles que a seguem. Michelle Satter, um pilar da comunidade de filmes independentes, desempenhou um papel vital nas carreiras de inúmeros cineastas ao redor do mundo”. No ano passado, a cerimônia concedeu os Oscars honorários para a diretora Euzhan Palcy (“Sugar Cane Alley”), a compositora Diane Warren (“Armageddon”) e o diretor Peter Weir (“O Show de Truman”). O Prêmio Humanitário Jean Hersholt foi para o ator Michael J. Fox, conhecido como Marty McFly na franquia “De Volta para o Futuro”. Indicação histórica no Oscar Vale mencionar que Basset fez história na última edição da premiação como a primeira atriz da Marvel a ser indicada ao Oscar. Ela concorreu ao troféu de Melhor Atriz Coadjuvante por “Pantera Negra: Wakanda Para Sempre”, mas perdeu para Jamie Lee Curtis (“Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo”). Por outro lado, ela foi vencedora da mesma categoria no Globo de Ouro. Anteriormente, a atriz já havia sido indicada na categoria de Melhor Atriz pelo drama biográfico “Tina – A Verdadeira História de Tina Turner” (1993), que lhe rendeu seu primeiro Globo de Ouro. Ela também acumula vitórias no Critics’ Choice e tem um troféu do Sindicato dos Atores (SAG, na sigla em inglês) por “Pantera Negra” (2019). Vencedora do Emmy Ao longo de seus 40 anos de carreira, a atriz se envolveu em diversas produções renomadas, como o drama criminal “Os Donos da Rua” (1991). O longa foi dirigido por John Singleton, que se tornou o primeiro cineasta negro e a pessoa mais jovem indicada ao Oscar de melhor diretor. Ela fez sua estreia no Universo Cinematográfico Marvel com o aclamado “Pantera Negra” (2019), que entrou para a história da Academia como o primeiro filme de super-herói indicado ao Oscar de Melhor Filme. Outras produções de destaque estreladas pela atriz incluem “Malcolm X” (1992), “A Nova Paixão de Stella” (1998), “Missão: Impossível – Efeito Fallout” (2018) e “Soul” (2020). Já na televisão, a atriz deixou seu legado com sete indicações ao prêmio Emmy, incluindo participações em “Os Jacksons: Um Sonho Americano” (1992), “A História de Rosa Parks” (2002) e “História de Horror Americana” (2011). Vale mencionar que ela está entre as apostas para a próxima edição do Emmy como atriz principal em drama pela série “9-1-1” e como narradora do documentário “Boa Noite, Oppy”. Cerimônia celebra um vencedor do EGOT Aos 96 anos, o diretor, produtor, escritor, compositor e ator Mel Brooks também terá sua carreira homenageada pela Academia durante a cerimônia. Conhecido pelos seus trabalhos na comédia, ele é uma das 18 pessoas a conquistarem o renomado EGOT, termo que reúne vitórias nas quatro principais premiações americanas: Emmy, Grammy, Oscar e Tony. Ele foi um dos criadores da sitcom “Agente 86”, lançada em 1965. A série ganhou popularidade por parodiar o conceito de agente secreto, que estava em ascensão na época com os filmes de “OO7”. Nas telonas, ele ganhou destaque por dirigir e escrever “Primavera para Hitler” (1967), que venceu o clássico “2001: Uma Odisseia no Espaço” (1968) na categoria do Oscar de Melhor Roteiro Original. Com a adaptação do longa para o teatro, a história se tornou um aclamado musical da Broadway, que conquistou o recorde de maior número de vitórias no prêmio Tony, vencendo 12 categorias – três das quais foram para Brooks. Ele também ganhou destaque na década de 1970 por “Banzé no Oeste” (1974) e “O Jovem Frankenstein” (1974), que juntos somaram cinco indicações ao Oscar, além de “Alta Ansiedade” (1977), uma paródia cultuada dos filmes de Alfred Hitchcock, e “S.O,S: Tem um Louco Solto no Espaço” (1987), sua sátira de “Star Wars”. Recentemente, seu clássico “A História do Mundo – Parte 1” (1981) virou uma série de comédia da plataforma Star+, “A História do Mundo – Parte 2”. Demais homenageadas Já a editora de filmes Carol Littleton acumula mais de 50 anos de carreira com apenas uma indicação ao Oscar de Melhor Edição, conquistada pelo seu trabalho em “E.T. – O Extraterrestre” (1982). Ela também se destaca pelos filmes “O Reencontro” (1983), “Um Lugar no Coração” (1984) e “Sob o Domínio do Mal” (2004). Já Michelle Satter, homenageada com o Prêmio Humanitário Jean Hersholt, atua como diretora sênior dos Programas de Artistas do Sundance Institute, que se concentra no impacto cultural do apoio a contadores de histórias independentes. Ao longo de 40 anos de carreira, ela incentivou centenas de cineastas pela organização sem fins lucrativos.
Frederic Forrest, ator de “Apocalypse Now” e “A Rosa”, morre aos 86 anos
O ator americano Frederic Forrest faleceu na sexta-feira (23/6) em sua casa em Santa Mônica, aos 86 anos. Ele era conhecido por filmes clássicos como “Apocalypse Now” (1979), “A Rosa” (1979), “O Fundo do Coração” (1981) e “Hammett – Mistério em Chinatown” (1982). Sua morte foi revelada pela atriz Bette Midler (“Abracadabra 2”), com quem o ator contracenou em “A Rosa”, através de uma publicação nas redes sociais. “O grande e amado Frederic Forrest faleceu. Agradeço a todos os seus fãs e amigos por todo o apoio nesses últimos meses. Ele foi um ator notável e um ser humano brilhante, e tive a sorte de tê-lo em minha vida. Ele estava em paz”, escreveu Midler no Twitter. De acordo com o The Hollywood Reporter, seu amigo e ator Barry Primus (“A Amante”) confirmou que ele faleceu após uma longa batalha contra uma doença não revelada. Em setembro do ano passado, haviam criado duas páginas na GoFoundMe, plataforma americana que permite arrecadação de dinheiro pelos usuários, para auxiliar Forrest com as despesas do tratamento. Ao longo da carreira, o ator ganhou notoriedade por papeis como coadjuvante. Embora raramente tenha sido escalado para o papel principal, ele acumulou elogios da crítica, o que já rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Seu maior reconhecimento veio pelo papel como Huston Dyer, um sargento do exército, em “A Rosa”. Na trama, ele fez par romântico com Bette Midler, com quem construiu uma grande amizade. Forrest também apareceu em grandes filmes de Francis Ford Coppola como “A Conversação” (1974) e “Tucker: Um Homem e seu Sonho” (1988). Além de outros longas como “Duelo de Gigantes” (1976), “A Volta do Monstro” (1978), “Sonhos Rebeldes” (1983), “O Menino de Pedra” (1984), “A Chave do Enigma” (1990), “Uma Loira em Apuros” (1994), “Lassie” (1994), “Vingança à Queima-Roupa” (1998) e “The Quality of Light” (2003). Início no teatro com Al Pacino Frederic Fenimore Forrest Jr. nasceu em 23 de dezembro de 1936, em Waxahachie, no Texas. Sua mãe, Virginia, era dona de casa, e seu pai possuía uma loja de móveis. Na infância, ele jogava futebol americano, praticava atletismo e ia ao cinema. Foi quando assistiu ao ator James Dean em “Vidas Amargas” (1955) que decidiu correr atrás da carreira como ator. Em 1957, ele se mudou para Nova York a procura de papéis no teatro. Ele estudou na Academia de Artes Dramáticas de Nova York e no HB Studio, antes de se tornar um membro fundador da já extinta companhia de teatro Circle Repertory Company. No início dos anos 1960, apareceu em várias produções teatrais, fazendo sua estreia na Broadway em 1965 com a peça “The Indian Wants the Bronx”, ao lado de Al Pacino (“O Irlandês”). A produção foi aclamada pela crítica e rendeu indicações para Pacino e Forrest no Tony Award. Com a recepção positiva, o ator começou a fazer participações em filmes e séries. Na década seguinte, ele apareceu em produções maiores como “Quando Morrem as Lendas” (1972) e “A Morte do Chefão” (1973). Foi em 1974 que Forrest começou sua parceria com o renomado diretor Francis Coppola, no longa “A Conversação”. Em seguida, o ator chamou a atenção na televisão americana no telefilme “Larry”, produzido pelo canal CBS naquele mesmo ano. Na trama, ele interpretou o personagem-título em uma história real sobre um homem com inteligência mediana institucionalizado por ser considerado mentalmente deficiente. Parceria com Francis Ford Coppola Após fazer pequenas aparições em seriados e estrelar outras produções, Forrest voltou a trabalhar com Coppola no longa “Apocalypse Now”, um de seus maiores feitos ao longo da carreira. A história da trama era uma crítica do diretor a Guerra do Vietnã, onde Forrest interpretou Jay “Chef” Hicks, um nativo de Nova Orleans despretensioso que vai parar no meio da selva no sudeste asiático, a bordo de um pequeno barco numa missão para acabar com guerrilheiros comandados por um desertor, o terrível Coronel Kurtz (Marlon Brando). É uma jornada rumo ao inferno, com vários encontros e situações desconcertantes ao longo do caminho. O sucesso de “Apocalypse Now” o levou a protagonizar o romance “A Rosa”, dirigido por Mark Rydell. O ator estrelou o longa ao lado de Bette Midler, que na ocasião fazia sua estreia no cinema como Mary Rose Foster, uma diva do rock viciada em excessos, álcool e drogas – uma personagem inspirada em Janis Joplin. Na trama, Forrest interpretou Huston Dyer, o motorista de limusine que se apaixona perdidamente pela estrela. Com a estreia do longa, o ator foi aclamado pela crítica, o que rendeu uma indicação ao Globo de Ouro e ao Oscar pelo papel. Isso o encaminhou para seu terceiro trabalho com Coppola, no polêmico musical “O Fundo do Coração”, lançado em 1981. Desta vez, o ator viveu o protagonista, formando um casal com Teri Garr, que se separa após uma briga em Las Vegas. Os dois passam a buscar companhia de um novo parceiro para passar o feriado de 4 de julho. A nova mulher na vida de Forrest era ninguém menos que a belíssima Nastassja Kinski (recém-saída do sucesso de “Tess”, último filme de Roman Polanski nos EUA), mas ele não conseguia esquecer sua antiga paixão. O romance foi concebido como um musical com trilha de Tom Waits e vários recursos teatrais da Broadway, o que custou uma fábula. Na tentativa de recriar cenários inteiramente dentro de seu recém-lançado estúdio em São Francisco, o cineasta acabou estourando o orçamento da produção. Diante do alto custo do filme, a Paramount desistiu de apoiar o projeto, o que rendeu um grande prejuízo a Coppola, especialmente quando as baixas bilheterias não justificaram o investimento. Com o tempo, porém, o filme se tornou cultuadíssimo. Pouco tempo depois, Forrest se envolveu em mais uma produção problemática. Em 1982, ele estrelou o drama noir “Hammett – Mistério em Chinatown”, produzido por Coppola e dirigido por Wim Wenders (“Perfect Days”). Na trama, ele interpretou o lendário escritor Dashiell Hammett, que usava das suas habilidades de detetive para resolver mistérios. Mas assim como aconteceu com “O Fundo do Coração”, os bastidores do filme foram repletos de intrigas com a Warner Bros., o que resultou em refilmagens da maior parte das cenas, sem o aval de Wenders. Últimos papéis Os problemas nos filmes que protagonizou impediram Forrest de se tornar uma das grandes estrelas da época. Dessa forma, ele procurou investir mais em produções televisivas, o que resultou em aparições na série “Anjos da Lei” (1987), além de destaque em minisséries como “Quo Vadis?” (1985) e “Die Kinder” (1990). Nesse meio tempo, o ator fez sua última colaboração com Coppola, no longa “Tucker: Um Homem e seu Sonho” (1988). O longa foi aclamado pela crítica e rendeu indicações no Oscar daquele ano, embora nenhuma tenha sido para Forrest. Nos anos seguintes, ele participou de longas de qualidades variadas como “O Menino de Pedra” (1984), “A Chave do Enigma” (1990), “Uma Loira em Apuros” (1994), “Lassie” (1994), “Vingança à Queima-Roupa” (1998) e “The Quality of Light” (2003). Sua última aparição nas telas foi no drama político “A Grande Ilusão”, dirigido por Steven Zaillian. A história acompanha a vida do político Willie Stark, interpretado por Sean Penn (“O Franco-Atirador”). Na trama, Forrest deu vida ao personagem de Penn Mesmo que nunca tenha alcançado um grande estrelato, o ator deixou sua marca na indústria cinematográfica e na televisão pelas suas atuações memoráveis. Fora das telas, Forrest foi casado três vezes, sempre com atrizes famosas. Sua primeira esposa foi com Marilu Henner (“L.A. Story”), com quem teve dois filhos. Seu segundo casamento foi com Christine Hendricks (“Mad Men”), e seu terceiro casamento foi com Elan Oberon (“Reação Mortal”). Ele também teve um relacionamento de longa data com a atriz Valerie Perrine (“Superman – O Filme”). The great and beloved Frederic Forrest has died. Thank you to all of his fans and friends for all their support these last few months. He was a remarkable actor, and a brilliant human being, and I was lucky to have him in my life. He was at peace.” — bettemidler (@BetteMidler) June 24, 2023
Oscar muda exigências da disputa de Melhor Filme em resposta aos streamings
A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas anunciou uma mudança significativa para as produções que almejam entrar na disputa pelo Oscar de Melhor Filme. A organização reformulou os requisitos que devem ser cumpridos para concorrer na categoria. Com isso, foi determinado que os filmes precisam ser exibidos em mais cidades e por mais tempo que apenas os habituais fins de semana em Los Angeles e Nova York. Agora, as exibições foram expandidas a sete dias, consecutivos ou não consecutivos, em 10 dos 50 principais mercados dos EUA, que devem acontecer no máximo 45 dias após o lançamento inicial. “Em apoio à nossa missão de celebrar e honrar as artes e as ciências da produção cinematográfica, esperamos que essa expansão da presença nas salas de cinema aumente a visibilidade dos filmes em todo o mundo e incentive o público a experimentar nossa forma de arte em um ambiente cinematográfica”, declarou a organização em comunicado. “Com base em muitas conversas com parceiros da indústria, sentimos que essa evolução beneficia tanto os artistas quanto os amantes do cinema”. Reação ao streaming As mudanças foram motivadas pela entrada dos streamings na competição nos últimos anos, com destaque para Netflix e Apple (que venceu o Oscar de Melhor Filme com “No Ritmo do Coração” no ano passado). O avanço dos streamings foi facilitado pelo relaxamento das exigências de exibições nos cinemas durante o auge da pandemia de covid-19. Agora, a Academia reverte a marcha e engata uma ré acelerada. O prazo prolongado e o alcance maior visa incentivar a retomada do público nas salas de exibição. Por coincidência, a tendência já vinha sendo antecipada por Amazon Prime Video e Apple TV+, que declararam planos de levar seus principais lançamentos aos cinemas antes de lançá-los em streaming – algo que a Netflix só faz timidamente, oferecendo uma semana de exibição a títulos selecionados. No início do ano, a Amazon investiu pesado na exibição presencial de “Air – A História por trás do Logo”, dirigido por Ben Affleck. O longa foi lançado em mais de 3 mil cinemas ao redor do mundo e arrecadou mais de US$ 50 milhões nas bilheterias antes de estrear no streaming. A Apple também planeja um lançamento especial em outubro de “Assassinos da Lua das Flores”, novo longa de Martin Scorsese, que valorizará a experiência cinematográfica. Prazo para a mudança É importante ressaltar que as novas exigências só vão começar a valer para os filmes da 97ª edição do Oscar, que acontece em 2025, e são exclusivas da categoria principal. Outro detalhe é que filmes lançados no final do ano, com expansões previstas para após 10 de janeiro de 2025, deverão enviar seu planos de lançamento com antecedência à Academia para verificação. Isso força os estúdios a se planejarem melhor para a distribuição dos títulos no prazo da competição.
Cormac McCarthy, autor de “Onde os Fracos Não tem Vez”, morre aos 89 anos
Cormac McCarthy, escritor vencedor do Prêmio Pulitzer, que teve várias obras adaptadas para o cinema como “Onde os Fracos Não tem Vez” e “A Estrada”, faleceu nesta terça (13/6) em sua casa em Santa Fé, Novo México (EUA) aos 89 anos. McCarthy era famoso por sua prosa precisa e visão sombria da humanidade, bem como suas tramas violentas e rebeldia contra as aspas e ponto e vírgula, sendo celebrado como um dos principais autores americanos de seu tempo. “Ele é o grande pessimista da literatura americana, usando suas frases para iluminar um mundo em que quase tudo (inclusive a pontuação) já se transformou em pó”, escreveu um perfil de 2009 do jornal The Guardian. O legado literário Nascido Charles McCarthy em Providence, Rhode Island, o escritor foi casado três vezes e deixa dois filhos, além de um imenso legado na literatura americana. Dentre suas obras mais notáveis, destaca-se a “Trilogia da Fronteira” – composta por “Todos os Belos Cavalos” de 1992, “A Travessia” de 1994 e “Cidades da Planície” de 1998 – e sua tragédia pós-apocalíptica “A Estrada”, publicada em 2006. McCarthy recebeu o Prêmio Pulitzer de Ficção por este último livro perturbador sobre a jornada de um pai e seu filho por um mundo desolado. Seu estilo de escrita distintivo caracterizava-se por “frases simples e declarativas”, conforme o próprio autor. Ele nunca sentiu a necessidade de usar aspas quando seus personagens falavam. Sempre relutante em promover seu trabalho, o autor raramente promoveu sua própria obra, apesar do grande interesse do público. Ele deu poucas entrevistas e se manteve bastante isolado do mundo literário. Porém, a fama veio inevitavelmente com a adaptação de seus romances para o cinema, levando sua visão distinta para um público ainda mais amplo. Dos livros para as telas Sua primeira obra a ser adaptada para o cinema foi “Todos os Belos Cavalos”, que virou o filme “Espírito Selvagem” em 2000, dirigido por Billy Bob Thornton e estrelado por Matt Damon e Penélope Cruz. Em seguida veio seu título mais popular: “Onde os Velhos Não Tem Vez” virou o vencedor do Oscar “Onde os Fracos Não tem Vez”, dos irmãos Joel e Ethan Coen, vencedor das estatuetas de Melhor Filme, Direção, Roteiro Adaptado e Ator Coadjuvante (Javier Bardem). O sucesso do drama criminal dos irmãos Coen despertou o interesse nas obras do escritor, levando à adaptação do impactante “A Estrada” logo em seguida. Lançado em 2009, o filme do diretor John Hillcoat foi estrelado por Viggo Mortensen e venceu o Festival de Cinema do Amazonas, além de vários prêmios da crítica. Em uma reviravolta irônica, McCarthy revelou que originalmente concebeu “Onde os Velhos Não Tem Vez” como um roteiro, mas, após receber um feedback negativo, decidiu transformá-lo em um romance. Ele só foi escrever seu primeiro e único roteiro original para o cinema anos depois. O resultado foi “O Conselheiro do Crime”, com direção de Ridley Scott e um elenco grandioso – Penélope Cruz, Michael Fassbender, Javier Bardem e Cameron Diaz, entre outros – , que entretanto não agradou a crítica especializada. Ele também adaptou sua peça “The Sunset Limited” para o telefilme “Ao Limite do Suicídio” da HBO de 2011, estrelado por Tommy Lee Jones e Samuel L. Jackson, e ainda permitiu que James Franco cometesse a adaptação de seu terceiro livro, “Child of God” (lançado em 1973), num filme estrelado por Tim Blake Nelson em 2013. Última adaptação de sua obra McCarthy ainda aumentará a lista de obras transformadas em filme em breve. O diretor John Hillcoat, de “A Estrada”, está trabalhando na adaptação de “Meridiano de Sangue”, um romance notável por sua descrição explícita da violência no Oeste americano, o que sempre foi apontado como dificuldade para sua produção – o que já fez várias tentativas anteriores, de nomes notáveis como Ridley Scott, James Franco e Tommy Lee Jones, falharem. Publicado em 1985, o romance é amplamente considerado uma das maiores obras da literatura americana. Baseado em eventos históricos que ocorreram na fronteira entre Texas e México na década de 1850, o livro segue as fortunas de um jovem de 14 anos do Tennessee que tropeça em um mundo de pesadelos onde os índios estão sendo assassinados e o mercado para seus escalpos está prosperando, entre as muitas violências e depravações da colonização do Oeste dos EUA. O próprio Cormac McCarthy e seu filho, John, apoiaram a escolha de Hillcoat para fazer a adaptação e são creditados como produtores executivos no estúdio New Regency.
