Ator de “Nashville” é encontrado morto em casa
O ator americano Cody Longo (“Nashville”) foi encontrado morto em sua casa em Austin, Texas, nos Estados Unidos. A esposa dele, Stephanie, tentou falar com ele, mas não conseguiu. Então, ela chamou a polícia, que o encontrou. A causa da morte do ator de 34 anos ainda está sendo investigada. “Cody era o nosso mundo inteiro. As crianças e eu estamos arrasados e devastados. Ele era o melhor pai. Sempre sentiremos sua falta e o amaremos”, disse a esposa para a revista People. O empresário dele, Alex Gittelson, também falou sobre o rapaz. “Meu coração está partido por sua linda família. Ele tinha tirado um tempo da atuação para se dedicar à música e passar mais tempo com sua família, mas mantivemos contato regularmente e ele estava animado para voltar a atuar este ano. Cody era uma pessoa tão leal, amorosa e talentosa e sua falta será sentida”, disse ele. Cody Longo era conhecido pela novela “Hollywood Heights”, de 2011. Ele também fez várias participações recorrentes em séries como “Make it or Break it”, “Nashville”, “CSI” e “CSI: New York”, além de papéis em produções adolescentes lançadas diretamente em vídeo. Sua carreira não decolou por problemas de comportamento. Ele chegou a ser detido sob acusações de agressões e também já foi internado em clínica de reabilitação por causa de vício em álcool. Ele deixou três filhos: uma menina de 7 anos, um menino de 5 anos e outro menino de um ano de idade.
Hugh Hudson, diretor de “Carruagens de Fogo”, morre aos 86 anos
O cineasta britânico Hugh Hudson, que dirigiu o filme vencedor do Oscar “Carruagens de Fogo” (1981), morreu nessa sexta-feira (10/2) em Londres, aos 86 anos. A família de Hudson emitiu uma declaração dizendo: “Hugh Hudson, 86 anos, querido marido e pai, morreu no hospital Charing Cross em 10 de fevereiro após uma doença curta. Ele é sobrevivido por sua esposa Maryam, seu filho Thomas e sua primeira esposa Sue.” Hudson nasceu em 25 de agosto de 1936, em Londres. Após a sua dispensa do exército, ele começou a trabalhar com audiovisual editando documentários, mas não demorou até que formasse uma sociedade com Robert Brownjohn e David Cammell, para fundar sua própria produtora e desenvolver seus próprios documentários. Depois de ter feito vários curtas-metragens, Hudson se arriscou no comando de um longa-metragem com o documentário “Fangio: Una vita a 300 all’ora” (1980), sobre o campeão de Fórmula Um Juan Manuel Fangio. E logo no ano seguindo realizou sua obra mais conhecida e premiada: “Carruagens de Fogo”, seu primeiro longa de ficção. O filme narra a rivalidade entre dois corredores britânicos, um judeu e um cristão, que acabam se unindo no time britânico de atletismo dos Jogos Olímpicos de 1924. “Carruagens de Fogo” rendeu a Hudson a indicação ao Oscar de Melhor Diretor. E embora ele não tenha vencido, o filme foi contemplado com quatro estatuetas, incluindo Melhor Filme e Melhor Trilha Sonora – composta por Vangelis, também recentemente falecido. A música-tema do filme é lembrada até hoje e, na época, foi uma escolha arriscada, por se tratar de uma composição eletrônica, que poderia não combinar com um filme de época. O sucesso de “Carruagens de Fogo” abriu várias portas para o diretor, que fez em seguida o projeto grandioso “Greystoke: A Lenda de Tarzan, o Rei da Selva” (1984). A versão revisionista da história de Tarzan dividiu opiniões na época do seu lançamento e não foi o sucesso esperado. Ainda assim, o pior veio em seguida, quando Hudson dirigiu “A Revolução” (1985), sobre a luta da independência dos EUA, estrelado por Al Pacino. Com um orçamento de cerca de US$ 28 milhões, a obra rendeu apenas US$ 400 mil nos EUA. Depois do fracasso de “A Revolução”, o cineasta reduziu a escala dos seus projetos e fez o filme intimista “De Volta Para Casa” (1989), sobre a vida de um adolescente alienado que mora em Los Angeles. Praticamente uma produção indie, o filme era estrelado por Adam Horovitz, mais conhecido como o rapper MCA dos Beastie Boys. O filme foi selecionado para o Festival de Cannes e foi bastante elogiado pela crítica, mas sua carreira nunca recuperou o brilho de “Carruagens de Fogo”. Nos 10 anos seguintes, Hudson comandou alguns especiais de TV, curtas-metragens e um segmento da antologia “Lumière e Companhia” (1995). Até que, quase duas décadas após “Carruagens de Fogo”, voltou a se reunir com o produtor David Puttnam no filme “Tempo de Inocência” (1999), outra obra passada na década de 1920, estrelado por Colin Firth. Assim como o filme seguinte, “África dos Meus Sonhos” (2000), com Kim Basinger, a volta aos longas não teve muita repercussão, e a falta de sucesso o deixou outra década longa do cinema. Ele voltou em 2011 com um documentário, “Rupture: A Matter of Life OR Death”, sobre a luta da ex-Bond Girl Maryam d’Abo contra uma doença hemorrágica, e se despediu com a ficção “Altamira” (2016), estrelada por Antonio Banderas e focada na descoberta de cavernas com pinturas pré-históricas na Espanha.
Carlos Saura, um dos maiores cineastas da Espanha, morre aos 91 anos
O cineasta espanhol Carlos Saura, responsável por filmes conceituados como “Cria Corvos” (1976) e “Carmen” (1983), morreu nessa sexta-feira (10/2) de problemas respiratórios na sua casa na Espanha, aos 91 anos. Ele já estava com a saúde debilitada há algum tempo. No ano passado, Saura teve um AVC e, em outro momento, sofreu uma queda. Esses dois incidentes contribuíram para a deterioração do seu estado de saúde. Com mais de 50 trabalhos no seu currículo, Saura era considerado um dos principais cineastas espanhóis, ao lado de grandes nomes como Luis Buñuel e Pedro Almodóvar. Nascido em 4 de janeiro de 1932, em Huesca, no nordeste da Espanha, Saura tinha apenas quatro anos quando a Guerra Civil Espanhola estourou em 1936, e sua infância foi impactada pela conflito. Anos mais tarde, ele ganharia sua reputação como um crítico do regime de Franco. Mas não tratava dessa temática de maneira direta. Em vez disso, usava alegorias em seus filmes para se esquivar da censura. Saura começou a sua carreira no cinema na década de 1950, realizando curtas-metragens. Sua estreia no comando de um longa-metragem aconteceu em 1960, quando ele dirigiu “The Delinquents”, selecionado para o Festival de Cannes. Ele ficou conhecido internacionalmente com “A Caça” (1966), vencedor do Urso de Prata no Festival de Berlim. O filme abordou o legado da Guerra Civil Espanhola por meio da história de três veteranos que relembram suas experiências durante uma viagem que fazem para caçar coelhos. A partir daí, Saura se tornou uma presença frequente no festival alemão, vencendo o Urso de Prata novamente no ano seguinte, pelo suspense hitchcockiano “Peppermint Frappé” (1967), e o Urso de Ouro com “Depressa, Depressa” (1981), trama criminal de delinquentes juvenis. Mas foi o Festival de Cannes que consagrou um dos seus trabalhos mais conhecidos, “Cria Corvos” (1976), que conta a história de uma mulher que acredita ter sido a causadora da morte do seu pai, um militar franquista, por meio de um estranho poder. O filme venceu o prêmio do júri no festival francês. Com uma filmografia repleta de clássicos, ele também dirigiu o drama “O Jardim das Delícias” (1970), o gótico “Ana e os Lobos” (1973), o nostálgico “A Prima Angélica” (1974), a comédia fantasiosa “Mamãe Faz 100 Anos” (1979), e a partir dos anos 1980 se especializou em musicais com coreografia e iconografia ibérica e latina-americana. Foram nada menos que 11 obras do gênero, entre dramatizações e documentários: “Bodas de Sangue” (1981), “Carmen” (1983), “Amor Bruxo” (1986), “Sevillanas” (1992), “Tango” (1998), “Salomé” (2002), “Fados” (2007), “Flamenco Flamenco” (2010), “Argentina” (2015), “Jota de Saura” (2016) e “El Rey de Todo el Mundo” (2021). Ativo ao longo das décadas, ele também filmou o épico “El Dorado” (1988), os policiais “Taxi” (1996) e “O Sétimo Dia” (2004), a cinebiografia “Goya” (1999) e a homenagem ao surrealismo espanhol “Buñuel E a Mesa do Rei Salomão” (2001). Seu último longa foi o documentário “Las Paredes Hablan” (2022), sobre a história da arte. “Tive sorte na vida fazendo aquilo que mais me atraía: dirigi cinema, teatro, ópera e desenhei e pintei a minha vida toda”, disse ele, em 2020, em entrevista ao jornal El País. E se definiu como “um ser de sorte, que dirigiu uns 50 filmes e fez os filmes que quis. E isso é um milagre.” Ao anunciar a morte do Saura, a Academia Espanhola de Cinema descreveu-o como “um dos cineastas mais importantes da história do cinema espanhol”. Ele receberia, neste sábado (11/2), um prêmio Goya de honra, que assim se torna um prêmio póstumo.
Morre Burt Bacharach, compositor vencedor do Oscar por “Butch Cassidy”
O músico e compositor Burt Bacharach, vencedor de três Oscars, morreu na quarta-feira (8/2), de causas naturais em sua casa, em Los Angeles, aos 94 anos. Burt Freeman Bacharach nasceu em 12 de maio de 1928, em Kansas City, Missouri, e compôs cerca de 50 músicas que chegaram top 10 das paradas, incluindo seis que alcançaram o 1º lugar. Bacharach sempre demonstrou interesse pela música e fez parte da banda da escola. Ele foi convocado para o Exército durante a Guerra da Coréia e enviado para a Alemanha, onde conheceu o cantor Vic Damone e visitou as bases do Exército como pianista concertista. Após o serviço, Bacharach estudou música na faculdade, excursionou com Damone e logo tornou-se o maestro pessoal da atriz Marlene Dietrich (“O Anjo Azul”). “Eu não estava perseguindo isso. Eu não sabia o que queria fazer. Eu fui pego na deriva das coisas”, disse ele certa vez, a respeito do seu sucesso inicial. “As coisas simplesmente aconteceram para mim. Tive muita sorte.” Em 1957, ele fez parceria pela primeira vez com o letrista Hal David (que o acompanharia ao longo da sua carreira) e logo encontrou na cantora Dionne Warwick sua grande intérprete. Antes de Bacharach a colocar para cantar “Don’t Make Me Over” em 1962, ela fazia backing vocals em gravações do grupo Drifters. Mas quando aquela música se tornou um hit, sua história mudou, iniciando uma colaboração que duraria mais de uma década e a transformaria numa estrela com oito sucessos no Top 10 durante esse período. “Dionne tinha esse tipo de voz que me permitia desafiá-la de uma sessão para outra”, disse Bacharach. “Eu poderia fazer uma coisa, poderia ver que ela era capaz disso e dizer: ‘ela pode fazer mais do que isso – ela pode cantar mais alto, ela pode cantar mais suave, ela pode cantar em um alcance mais amplo’… então isso me permitiu me alongar”. A parceria com Dionne Warwick inspirou Bacharach a experimentar com novos ritmos e harmonias, o que gerou melodias inovadoras como aquelas ouvidas em “Anyone Who Had a Heart”, “I Say a Little Prayer” e “Walk on By”. O sucesso musical o levou ao cinema. E seu primeiro trabalho, a música-tema de “Que é que Há, Gatinha?”, “What’s New Pussycat”, acabou se tornando mais popular que o próprio filme de 1965 e rendeu sua primeira indicação ao Oscar. Ele reprisou nomeações por “Como Conquistar as Mulheres” (1966) e “Casino Royale” (1967). E quando a consagração veio, foi em dose dupla, com dois Oscars por seu trabalho em “Butch Cassidy” (1969): Melhor Canção por “Raindrops Keep Fallin’ on My Head” e melhor trilha sonora. Doze anos depois, ele ainda voltou a vencer o Oscar de Melhor Canção Original por “Arthur’s Theme (Best That You Can Do)”, música do filme de “Arthur, o Milionário Sedutor” (1981). Ele manteve o sucesso nos anos seguintes, quando escreveu e produziu canções com Carole Bayer Sager, incluindo “That’s What Friends Are For”, que foi gravada por Warwick e venceu o Grammy de 1986 como música do ano. Além disso, Bacharach se manteve envolvido com o cinema, compondo as músicas “They Don’t Make Them like They Used To”, gravada por Kenny Rogers para o filme “Os Últimos Durões” (1986), e a trilha de “Presente de Grego” (1987). Em 1998, Bacharach escreveu um álbum de canções com Elvis Costello e, depois da virada do século, trabalhou em filmes como “Ela é Inesquecível” (2000), “Histórias Breves 5” (2009) e “Po” (2016). Este último filme o atraiu porque falava sobre uma família que precisa lidar com uma criança com autismo. A filha de Bacharach, Nikki, morreu de suicídio em 2007, aos 40 anos, após uma longa luta contra a síndrome de Asperger. Ao longo dos anos, as canções de Bacharach ganharam versões feitas por dezenas de artistas dos mais variados gêneros, como Perry Como, Dusty Springfield, Gene Pitney, The 5th Dimension, Herb Alpert, Tom Jones, The Carpenters, B.J. Thomas, Aretha Franklin, Isaac Hayes, Alicia Keys e The White Stripes. Além de três Oscars, Bacharach recebeu oito prêmios Grammy, incluindo um troféu pelo conjunto de sua obra em 2008, após ser indicado mais de 20 vezes à premiação da Academia de Gravação. E em 2011, ele e David receberam o Prêmio Gershwin de Canção Popular da Biblioteca do Congresso dos EUA. Ele também ganhou citações e homenagens em vários filmes. Toda a trilha da comédia “O Casamento do Meu Melhor Amigo” (1997), estrelada por Julia Roberts, foi com músicas de Bacharach, e ele também foi convidado a interpretar a si mesmo em dois filmes da franquia “Austin Powers”. Fã de Burt Bacharach, Paul McCartney se dizia humilde diante das músicas do compositor. “Suas canções são muito mais musicais do que as coisas que escrevemos – são muito mais técnicas”, disse o cantor em 1965, no auge da Beatlemania.
Charles Kimbrough, ator de “Murphy Brown”, morre aos 86 anos
O ator Charles Kimbrough, conhecido por sua participação na série “Murphy Brown”, morreu em 11 de janeiro em Culver City, Califórnia, aos 86 anos. Sua morte foi confirmada ao New York Times por seu filho, John Kimbrough. Nascido em 23 de maio de 1936 em St. Paul, Minnesota, Kimbrough cresceu em Highland Park, Illinois, perto de Chicago. Ele se formou em música e teatro na Universidade de Indiana, e mais tarde fez um mestrado na Yale School of Drama. Sua primeira aparição na TV foi em um episódio da série “Outro Mundo”, exibido em 1964. Seus trabalhos seguintes só aconteceram dez anos depois, quando ele participou da série “Kojak” (1975) e do filme “Testa-de-Ferro por Acaso” (1976). As aparições esporádicas na TV e no cinema tinham um motivo. Kimbrough priorizava o teatro. Em 1970, ele estrelou a famosa peça “Company”, de Stephen Sondheim, que lhe rendeu uma indicação ao prêmio Tony. O ator também participou da peça seguinte de Sondheim, “Sunday in the Park With George”, que estreou em 1984. Outros créditos nos palco incluem “Candide”, “Same Time, Next Year”, “Accent on Youth” e “O Mercador de Veneza”. Mais recentemente, Kimbrough estrelou a peça “Harvey” (2012) ao lado de Jim Parsons (“The Big Bang Theory”). Ele também apareceu em filmes como “A Vida Íntima de um Político” (1979), “Esta É Minha Chance” (1980), “Troca de Maridos” (1988), “O Preço da Paixão” (1988), além de ter dublado a gárgula Victor na animação “O Corcunda de Notre Dame” (1996). Porém, seu papel de maior destaque foi como âncora Jim Dial na série de comédia “Murphy Brown”. Ao todo, Kimbrough participou de 245 episódios da série, e, em 1990, chegou a ser indicado ao Emmy na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia. Além disso, fez mais três participações no revival da atração, que teve uma temporada extra em 2018. Outros trabalhos de destaque foram nos filmes “O Casamento dos Meus Sonhos” (2001), “Marci X, uma Loira Muito Louca” (2003) e nas séries “Ally McBeal” (2002) e “Hora do Recreio”, em que ele dublou o personagem Mort Chalk. Por sinal, Kimbrough também foi a voz original de Victor na animação da Disney “O Corcunda de Notre Dame” (1996).
George R. Robertson, ator da franquia “Loucademia de Polícia”, morre aos 89 anos
O ator canadense George R. Robertson, que interpretou o chefe Hurst nos primeiros seis filmes de “Loucademia de Polícia”, morreu aos 89 anos. Sua família disse que ele faleceu em 29 de janeiro no Sunnybrook Health Sciences Centre, em Toronto, no Canadá, mas não deu mais detalhes. Robertson trabalhava na TV e no cinema há quase 15 anos, quando foi escalado como o exigente chefe Henry Hurst na sátira policial de 1984 estrelada por Steve Guttenberg. Seu personagem era o chefe da Academia de Polícia onde o protagonista, Carey Mahoney (Guttenberg), se matricula, após a recém-eleita prefeita de sua cidade anunciar que o departamento deveria aceitar qualquer um que se candidatasse. Responsável por supervisionar o treinamento dos cadetes, o chefe Hurst muitas vezes se via enfrentando situações hilárias causadas pelos próprios alunos, tornando-se uma das principais fontes de comédia na franquia. O filme de 1984 se provou um imenso sucesso e gerou mais seis sequências. Robertson só não participou da última, lançada uma década depois, em 1994. Sua longa carreira abrange mais de meio século de produções, iniciando-se com uma figuração no terror clássico “O Bebê de Rosemary”, em 1968. Ele também apareceu em pequenos papéis em três indicados ao Oscar de Melhor Filme: “Aeroporto” (1970), “Norma Rae” (1979) e “JFK” (1991). Robertson continuou a trabalhar de forma constante nas telas ao longo das décadas, com créditos que se estendem até 2017. Entre seus destaques mais recentes estão o papel do vice-presidente Dick Cheney na minissérie “The Path to 9/11” (2006), e do senador Barry Goldwater na minissérie “The Reagans” (2000). Ele foi nomeado Humanitário do Ano no Prêmio Gemini (o Oscar canadense) de 2004, apresentado pela Academia de Cinema e Televisão Canadense por sua “extraordinária compaixão e envolvimento comunitário [que teve] um enorme impacto na vida das crianças no Canadá e em todo o mundo.”
Melinda Dillon, indicada ao Oscar por “Contatos Imediatos”, morre aos 83 anos
A atriz Melinda Dillon, indicada ao Oscar por “Contatos Imediatos do Terceiro Grau” (1977) e “Ausência de Malícia” (1981), morreu aos 83 anos. Sua família informou que ela faleceu em 9 de janeiro em Los Angeles, mas não deu mais detalhes. Nascida em 13 de Outubro de 1939, Dillon começou sua trajetória no teatro antes de se mudar para Hollywood. Ela fez sua estreia no cinema em 1969 com a comédia “Um Dia em Duas Vidas” e teve seu primeiro papel de destaque em “Esta Terra é Minha Terra” (1976), cinebiografia do cantor folk Woody Guthrie, onde interpretou a esposa do protagonista, vivido por Keith Carradine. O desempenho lhe rendeu o Globo de Ouro de Melhor Estreia do ano. No ano seguinte, fez seu papel mais lembrado, como a mãe que tem o filho abduzido em “Contatos Imediatos do Terceiro Grau”. O filme foi um grande sucesso de bilheteria e recebeu várias indicações ao Oscar, inclusive para Melinda, que disputou a estatueta de Melhor Atriz Coadjuvante. Em 1981, ela foi novamente indicada como Melhor Atriz Coadjuvante por “Ausência de Malícia”, interpretando uma amiga próxima do protagonista, vivido por Paul Newman – com quem ela já tinha contracenado na comédia “Vale Tudo” (1977). Além desses desempenhos consagrados pela Academia, ela também marcou época em outro grande sucesso, vivendo a mãe de Ralphie no clássico da Disney “Uma História de Natal” (1983). Com uma carreira repleta de sucessos, ela ainda se destacou como a esposa do personagem de John Lithgow na comédia “Um Hóspede do Barulho” (1987), a mãe do Capitão América na adaptação de 1990, a paciente da psiquiatra vivida por Barbra Streisand em “O Príncipe das Marés” (1991), no elenco do filme coral “Magnólia” (1999) e como a sogra de Adam Sandler no drama “Reine Sobre Mim” (2007), seu último papel antes de se aposentar. Ao longo de cinco décadas, Melinda ainda fez participações em várias séries, sem nunca integrar um elenco fixo, estrelou montagens da Broadway e trabalhou com alguns dos diretores mais premiados de Hollywood, como Steven Spielberg, Sydney Pollock, Norman Jewison, Paul Thomas Anderson, Hal Ashby, George Roy Hill e Barbra Streisand. Ao saber da morte da atriz, Steven Spielberg se manifestou: “Melinda foi generosa de espírito e emprestou tanta gentileza ao personagem que interpretou em ‘Contatos Imediatos do Terceiro Grau’. Ela era uma atriz maravilhosa e tão talentosa em dramas – incluindo sua passagem inesquecível em ‘Ausência de Malícia’ – quanto em comédias amadas como ‘Uma História de Natal’, ‘Um Hóspede do Barulho’ e ”Vale Tudo'”. Todos sentiremos a falta dela.” Lembre de duas das cenas mais famosas de “Contatos Imediatos” com Melinda Dillon.
Jornalista Glória Maria morre no Rio de Janeiro
Glória Maria, ícone do Jornalismo brasileiro, morreu na manhã desta quinta-feira (2/2) no Hospital Copa Star, na Zona Sul do Rio. A repórter, que lutava contra o câncer, enfrentava metástases no cérebro. Em nota, a TV Globo informou que o tratamento da jornalista parou de surtir efeito nos últimos dias. “Em meados do ano passado, Glória Maria começou uma nova fase do tratamento para combater novas metástases cerebrais que, infelizmente, deixou de fazer efeito nos últimos dias”, afirma. No começo de janeiro, a apresentadora deixou o comando do “Globo Repórter” após 13 anos à frente do programa semanal. Ela estava afastada desde dezembro, quando anunciou que precisava se internar para tratar de seu câncer. Na ocasião, a rede Globo explicou que seu estado de saúde era estável e previu o retorno de Gloria Maria como repórter da programação para este ano. Em 2019, a apresentadora foi diagnosticada com um câncer de pulmão e precisou se submeter ao tratamento de imunoterapia. Na época, Gloria Maria obteve resultados satisfatórios. Há cerca de três anos, a jornalista voltou a adoecer e descobriu metástases cerebrais. Ela enfrentou uma cirurgia no cérebro, que também foi realizada com êxito. No entanto, os tratamentos continuaram e, nos últimos dias, não tiveram o mesmo êxito. Além disso, em janeiro de 2021, Gloria Maria também encarou uma internação após testar positivo para Covid-19. No hospital, ela precisou colocar um dreno no pulmão. “Eu não vivo mais de sonhos. Eu vivo de realidade. Tenho muita coisa para realizar. Ganhei mais um prazo de validade e estou aproveitando de todas as maneiras”, disse numa entrevista recente à revista GE. Glória Maria Matta da Silva nasceu em 15 de agosto 1949, no bairro de Vila Isabel, no Rio de Janeiro. Filha do alfaiate Cosme Braga da Silva e da dona de casa Edna Alves Matta, começou sua carreira no Jornalismo na década de 1970 após ser levada por uma amiga para ser radio escuta nos estúdios cariocas da Globo. Em pouco tempo, Glória produziu sua 1ª reportagem, que narrava o desabamento do Elevado Paulo de Frontim. Ela conquistou a emissora. Glória Maria tornou-se âncora do “RJTV”, passou a apresentar reportagens no “Jornal Hoje” e até comandou o “Bom Dia, Rio”. Cerca de 16 anos depois, a jornalista migrou para a equipe do “Fantástico”. Em 1998, Glória Maria tornou-se responsável pelas reportagens especiais do programa dominical. Como apresentadora, Glória ficou conhecida por viajar a lugares exóticos e entrevistar celebridades como Roberto Carlos, Michael Jackson, Usain Bolt, Leonardo Di Caprio, Madonna e Nicole Kidman. Glória Maria foi pioneira do Jornalismo inúmeras vezes. Para além de protagonizar momentos históricos em mais de 100 países, ela foi a primeira repórter negra da TV Globo, bem como a primeira repórter a entrar ao vivo e a cores no “Jornal Nacional”. Não parou por aí. Glória também contou com o repórter cinematográfico Lúcio Rodrigues para realizar a primeira transmissão em HD da televisão brasileira, numa matéria do “Fantástico” em 2007. Em seu extenso portfólio, a jornalista guarda a cobertura da guerra das Malvinas (1982), a invasão da embaixada brasileira do Peru por um grupo terrorista (1996), os Jogos Olímpicos de Atlanta (1996) e a Copa do Mundo na França (1998). Mesmo assim, sofreu racismo até de um presidente brasileiro. Em entrevista ao programa Roda Viva, da TV Cultura, ela lembrou de um episódio em que o general João Figueiredo, último presidente da ditadura, afirmou não querer perto dele “a neguinha da Globo”, em referência à jornalista. Em razão dos ataques racistas, Glória lembrou, nessa mesma entrevista, que foi a primeira pessoa a fazer uso da Lei Afonso Arinos, promulgada em 1951 contra a discriminação racial. Ela acionou a Justiça depois de ter sido barrada em um hotel por ser negra. A eterna jornalista deixa duas filhas, Laura e Maria.
Ator Ilya São Paulo morre dentro de casa aos 59 anos
Ilya São Paulo, um dos protagonistas do remake de “Irmãos Coragem” (1995) na Globo, foi encontrado morto dentro de sua casa nesta terça-feira (31/1), aos 59 anos. Claudia Provedel, esposa do ator, foi quem encontrou o corpo sem vida.2020, como Juarez. Segundo o ator Anselmo Vasconcelos, que divulgou a notícia da morte em seu perfil no Facebook, Ilya havia passado por uma longa internação no Hospital Municipal Miguel Couto, no Rio de Janeiro, para tratar de um grave ferimento no ombro. Em seu texto na rede social, Vasconcellos contou que Ilya havia sido seu aluno na Escola de Teatro Martins Penna, onde conheceu a esposa, com quem teve uma filha. Ele era filho do cineasta Olney São Paulo e irmão do ator Irwing São Paulo, que faleceu precocemente aos 41 anos de idade. Ilya São Paulo nasceu em 13 de setembro de 1963, na cidade baiana de Feira de Santana. Ele era ator de cinema, teatro e televisão, e fez sua estreia nas telas aos 11 anos de idade, figurando como trombadinha no filme “O Amuleto de Ogum” (1974), de Nelson Pereira dos Santos. O primeiro trabalho na televisão foi na Globo, em 1992, como um dos personagens da novela “Perigosas Peruas”. Em 1995, fez o seu papel mais famoso como um dos protagonistas de “Irmãos Coragem”. Na emissora, ele acabou se especializando em minisséries, estrelando “Os Maias” (2001), “A Casa das Sete Mulheres” (2003), “Hoje É Dia de Maria” (2005) e “JK” (2006), entre outras produções. Paralelamente, continuou filme longas importantes, como “Policarpo Quaresma, Herói do Brasil” (1997), de Paulo Thiago, “Villa-Lobos: Uma Vida de Paixão” (2000), de Zelito Viana, “As Tranças de Maria” (2003), de Pedro Carlos Rovai e “Brasília 18%” (2006), em que voltou a trabalhar com Nelson Pereira dos Santos. Depois disso, foi para a Record, onde trabalhou em “A Lei e o Crime” (2009) e “Betty, a feia” (2009). Retornou pra Globo em 2012, no remake de “Gabriela”, e participou de novas séries, incluindo “Onde Nascem os Fortes” (2018) e “Ilha de Ferro” (2019). Sua última aparição foi em “Amor de Mãe”, onde interpretou Juarez, o cunhado que tem um atrito com Lurdes (Regina Casé) quando ela volta à cidade de Malaquias.
Lisa Loring, a Wandinha original, morre aos 64 anos
A atriz Lisa Loring, que ficou conhecida por interpretar a personagem Wandinha na série original de “A Família Adams”, exibida entre 1964 e 1966, morreu no domingo (29/1), vítima de um derrame, aos 64 anos. A notícia da morte de Loring foi divulgada por sua filha, Vanessa Foumberg, num comunicado. “Ela foi em paz com as duas filhas segurando suas mãos”, disse Foumberg. Lisa Loring nasceu em 16 de fevereiro de 1958, nas Ilhas Marshall. Seus pais serviram na marinha e ela morou no Havaí antes de se mudar para Los Angeles com a mãe. Ainda criança, começou a trabalhar como modelo e, aos seis anos de idade, foi escalada para participar de um episódio da série “Dr. Kildare”, exibido em 1964. A participação chamou atenção e, no mesmo ano, Loring foi escalada na série que a tornou mais conhecida. Sua personagem, Wandinha Addams, era doce e sombria, e tinha uma tendência para colecionar animais de estimação assustadores, como uma aranha viúva-negra e um lagarto. Ela também costumava brincar com uma boneca sem cabeça. A dança de Loring, chamada “The Drew”, ficou conhecida pelas novas gerações por conta da série “Wandinha”, da Netflix, em que Jenna Ortega faz sua própria interpretação dos bizarros passos de dança. Depois que “A Família Addams” terminou suas duas temporadas, Loring fez participações em diversas séries, como “A Garota da U.N.C.L.E.” (1966), “Ilha da Fantasia” (1978), “Barnaby Jones, O Detetive” (entre 1978 e 1979) e na novela “As the World Turns” (1980-1983). A partir do final dos anos 1980, ela se dedicou a filmes de terror como “Sede de Sangue” (1987), “Temporada de Sangue” (1989), “Way Down in Chinatown” (2014) e “Doctor Spine” (2015), seu último crédito como atriz. O ator Butch Patrick, que interpretou o menino Eddie Munster na série “Os Monstros”, da mesma época de “A Família Addams”, prestou uma homenagem a atriz no seu Facebook: “Sinto muito pela morte de minha querida amiga Lisa Loring. Éramos muito próximos e trabalhávamos juntos com frequência. Eu sei que ela estava muito fraca. Eu estava em sua companhia apenas algumas semanas atrás. Boa sorte, minha amiga”.
Annie Wersching, atriz de “24 Horas” e “Star-Trek: Picard”, morre de câncer aos 45 anos
A atriz americana Annie Wersching, que teve destaque na série “24 Horas”, morreu neste domingo (29/1) aos 45 anos, por complicações de um câncer diagnosticado em 2020. Wersching surgiu pela primeira vez nas telas num episódio de 2003 de “Star Trek: Enterprise” e rapidamente chamou atenção pela aparência marcante. Ruiva e sardenta, ela começou a ser vista em diversas atrações nos anos seguintes, de “Angel: O Caça-Vampiros” a “Sobrenatural”. A carreira da atriz mudou de status em 2009, quando ela foi escalada no papel da agente do FBI Renee Walker em “24 Horas”. Assumindo o segundo papel mais importante da 7ª temporada, ela dividiu o protagonismo dos episódios com Keefer Sutherland, e voltou a aparecer no 8º ano para encenar a morte de sua personagem num dos últimos capítulos da série, encerrada em 2010. Depois disso, Wersching passou a interpretar mais papéis constantes. Entre as participações recorrentes, destacam-se a 6ª e 7ª temporadas de “The Vampire Diaries”(2015-16), em que viveu a mãe vampira dos irmãos protagonistas. A atriz também teve papéis recorrentes em “Bosch” (entre 2014 e 2021), “Timeless” (2017-18) e “Rookie” (2019-22), e protagonizou as três temporadas de “Fugitivos da Marvel” (Runaways, 2017–19), na pele de uma das mães malignas dos jovens heróis da trama. Sua última personagem fechou um círculo, trazendo-a de volta à franquia “Star Trek” como a Rainha Borg da 2ª temporada de “Picard”, exibida em 2022. Além das séries que a tornaram conhecida, Wersching fez alguns aparições pequenas no cinema e trabalhou na indústria dos videogames. Seu desempenho mais famoso nesse meio foi como Tess no jogo original de “The Last of Us”. A atrize Jeri Ryan, que trabalhou com ela em “Picard”, lamentou a perda nas redes sociais. “Que luz linda e brilhante perdemos hoje. Tive muita sorte de ter tido a chance de trabalhar e brincar com a incrível Annie Wersching. Meu coração se parte por sua linda família e por todos que tiveram a sorte de conhecê-la.”
Tom Verlaine, líder da banda punk Television, morre aos 73 anos
O cantor e músico Tom Verlaine, conhecido por liderar a banda Television durante as gerações punk e pós-punk, morreu neste sábado em Nova York, aos 73 anos. Segundo a filha de sua velha amiga Patti Smith, ele morreu “após uma breve doença”, sem que maiores detalhes fossem divulgados. Verlaine, cujo nome verdadeiro era Thomas Miller, começou sua história roqueira no palco imundo do CBGB, boteco de motoqueiros transformado em club de rock nos anos 1970, que também serviu de base de lançamento dos Ramones, Blondie, Talking Heads e muitas outras bandas nova-iorquinas da época. Apesar de ter estudado piano, tocar saxofone e ser fã de jazz, ele se destacou como um dos guitarristas mais importantes do punk rock americano. Miller virou Verlaine, em homenagem ao poeta francês do século 19, quando formou o Television com Richard Hell, Richard Lloyd e Billy Ficca. A banda estreou em um pequeno teatro da Times Square em 2 de março de 1974, com o visual incomum para a época: cabelos curtos despenteados e roupas rasgadas emendadas por alfinetes de segurança – que acabou exportado para a Inglaterra por Malcolm McLaren, quando o empresário resolveu lançar os Sex Pistols um ano depois. Hell e Verlaine convenceram em seguida o dono do CBGB a lhes dar espaço regular no bar, o que começou a atrair atenção para seu estilo musical estranho, diferente de tudo o que existia. A então crítica de rock Patti Smith escreveu uma resenha elogiosa que acabou sendo copiada em todo o mundo para descrever o estilo de Verlaine, mencionando “guitarra tocada com paixão angular invertida”, que soava como “mil rouxinóis cantando”. Patti Smith e Verlaine acabaram namorando, e o guitarrista ajudou a escritora a virar cantora, tocando em seu disco de estreia de 1975, além de compor a música “Break It Up” para ela. Sentindo-se excluído e com ciúmes da atenção conquistada pelo colega, Richard Hell largou o Televison para formar outra banda – The Voidoids, com quem gravou o clássico “Blank Generation” em 1977. Com o baixista original do Blondie, Fred Smith, no lugar de Hell, Television gravou uma faixa de sete minutos que foi lançada em dois lados de seu primeiro single em setembro de 1975. O lançamento marcou o começo de uma nova era, por ser totalmente independente. A música “Little Johnny Jewel” despertou o interesse de uma nova gravadora e a banda acabou assinando com a Elektra Records em julho de 1976. Seu primeiro álbum, “Marquee Moon” (1977), e sua ambiciosa faixa-título de 10 minutos com dois solos de guitarra foram definidoras para o rock independente americano que surgiu nas décadas seguintes. O pioneirismo do Television foi juntar a energia dos shows de punk rock com a dissonância vanguardista da banda The Velvet Underground, de Lou Reed nos anos 1960. Seu álbum seguinte, “Adventure”, aprimorou ainda mais o som do grupo, que era ao mesmo tempo frágil e agressivo, suave e ríspido. Mas a banda se dissolveu semanas após a gravação do disco de 1978, devido ao abuso de drogas de Richard Lloyd. Embora o Television nunca tenha obtido grande sucesso comercial, o impacto do modo de tocar de Verlaine, totalmente despojado e livre de estruturas – um jazzista no punk rock – influenciou tudo o que surgiu depois, de Sonic Youth a Galaxy 500, passando por Dream Syndicate, Pixies e Wilco. Todos os membros do Television seguiram carreira musical, com o baterista Billy Ficca atingindo maior sucesso com a banda new wave The Waitresses (do hit “I Know What Boys Like”). Mas, a longo prazo, Verlaine foi quem se manteve mais tempo sob os holofotes. Ele lançou nove discos solo entre 1979 e 2009, ainda que só tenha conseguido um único quase hit, “A Town Called Walker”, em 1987. Tanto que, em 1992, voltou a se juntar com os antigos parceiros para um terceiro álbum, intitulado apenas “Television”, que acabou se tornando o último disco da banda. No mesmo ano, Verlaine lançou um disco instrumental, “Warm and Cool”, e em seguida silenciou. Ele decidiu não gravar novos discos por quase uma década e meia, aparecendo apenas em shows e gravações da ex Patti Smith, além de produzir um disco póstumo elogiado do cantor Jeff Buckley. Muitas das músicas do Televison e da carreira solo de Verlaine ganharam novas vidas em trilhas de filmes e séries. Isso fez o músico ser convidado a compor para o cinema. Sua estreia como compositor de trilhas aconteceu no documentário “I Am a Promise: The Children of Stanton Elementary School”, em 1993. Ele também assinou a trilha de outro documentário: “On Hostile Ground”, em 2001. Mas só trabalhou num longa de ficção: “Um Amor e Uma 45”, thriller indie dirigido por C.M. Talkington em 1995. Além disso, o guitarrista e a banda Television também viraram filme, sendo retratados no longa “CBGB: O Berço do Punk Rock”, de 2013. Numa entrevista de 2006 para o jornal New York Times, Verlaine foi questionado sobre como definia sua trajetória, e disse que gostaria de ser lembrado como alguém que passou a vida “lutando para não ter uma carreira profissional”. Lembre abaixo algumas músicas marcantes do artista.
Sylvia Syms, atriz de “Sob o Sol da África”, morre aos 89 anos
A atriz britânica Sylvia Syms, conhecida por seus papéis em filmes como “Sob o Sol da África” (1958) e “Meu Passado me Condena” (1961), morreu nessa sexta-feira (27/1), em Londres, aos 89 anos. Segundo informações divulgadas pela sua família à emissora Sky News, Syms morreu em Denville Hall, uma casa de repouso em Londres para pessoas aposentadas da indústria do entretenimento. “Nossa mãe, Sylvia, morreu pacificamente esta manhã. Ela viveu uma vida incrível e nos deu alegria e riso até o fim”, disse a família em comunicado. “Ainda ontem estávamos relembrando juntos todas as nossas aventuras. Ela fará muita falta. Também gostaríamos de aproveitar esta oportunidade para agradecer a todos no Denville Hall pelo excelente cuidado que tiveram com nossa mãe no ano passado.” Sylvia Syms nasceu em 6 de janeiro de 1934 em Londres, na Inglaterra. Ela frequentou a Academia Real de Artes Dramáticas e fez a sua estreia na TV em séries como “Terminus”, “Life With the Lyons” e o telefilme “The Romantic Young Lady”, todos lançados em 1955. Mas não demorou até que ela conseguisse papéis de destaque no cinema, como no cultuado “Sob o Sol da África” (1958), em que atuou ao lado de John Mills e Anthony Quayle. O filme se passa no norte da África, durante a 2ª Guerra Mundial, e acompanha um grupo de médicos que precisa cruzar o deserto em sua ambulância para chegar às linhas britânicas em Alexandria. Ainda em 1958, Syms também estrelou a aventura “O Espadachim do Rei” e a comédia “Satã à Meia-Noite”, seguidos por “Expresso Bongo” (1959), “O Proscrito de Hong Kong” (1959), “Uma Saudade em Cada Alma” (1960), “O Mundo de Suzie Wong” (1960) e “As Virgens de Roma”. Um dos seus papéis de maior destaque foi em “Meu Passado me Condena” (1961), em que interpretou a esposa de um advogado gay (vivido por Dirk Bogarde). O filme foi bastante controverso na época do seu lançamento e não recebeu o selo de aprovação do American Motion Picture Production Code (o código de censura da época). Ela se manteve ocupada nas décadas seguintes com diversas participações em filmes e séries, com destaque para “Sementes de Tamarindo” (1974), um thriller sobre a Guerra Fria co-estrelado por Julie Andrews e Omar Sharif, que lhe rendeu uma indicação ao BAFTA. Mais tarde, Syms ficou conhecida por interpretar personagens britânicas notáveis, incluindo Margaret Thatcher, que viveu no telefilme “Thatcher: The Final Days” (1991), e a Rainha Mãe (ou Elizabeth I) no filme “A Rainha” (2006). Outros papéis de destaque foram nos filmes “Uma Luz na Escuridão” (1992), “Tudo que uma Garota Quer” (2003), “Vingança Final” (2003), “A Aventura do Poseidon” (2005) e “Together” (2018). Seu último crédito como atriz foi em um episódio da série “Gentleman Jack”, exibido em 2019 na HBO.
