Morreu Terry Kirkman, cantor da banda The Association, que fez sucesso nos anos 1960
Terry Kirkman, membro fundador e cantor da banda pop rock The Association, faleceu no último sábado (23/9). A morte foi anunciada na página oficial do Facebook da banda. “Estamos tristes em informar que Terry Kirkman faleceu ontem à noite, RIP Terry”, escreveu a banda. “Ele viverá em nossos corações e na música que ele escreveu de forma brilhante.” Nascido em 12 de dezembro de 1939, em Salina, Kansas, Kirkman se tornou um dos membros fundadores da The Association em 1965, em Los Angeles, juntamente com Jules Gary Alexander, Russ Giguere, Ted Bluechel Jr., Brian Cole e Bob Page. Gestado na mesma cena folk californiana do grupo The Mamas and the Papas e também conterrâneo (e influenciado) pelos Beach Boys, The Association ficou conhecido por suas harmonias vocais complexas e exuberantes, e alcançou sucesso rapidamente com seu álbum de estreia em 1966, “And Then… Along Comes the Association”, que atingiu o 5º lugar na Billboard 200. Sucessos que marcaram época Duas músicas desse álbum se tornaram marcas registradas do grupo, ambas cantadas por Kirkman: “Cherish”, que ele compôs e ficou três semanas no topo da Billboard Hot 100, e “Along Comes Mary”, escrita por Tandyn Almer, que alcançou o 7º lugar na paradas pop. “Cherish” foi regravado por artistas tão diversos quanto Dizzy Gillespie, The Lettermen, Nina Simone, The Four Tops, Jodeci, Barry Manilow, Pat Metheny, Kenny Rogers e o elenco de Glee. Kirkman também dividiu os vocais principais com Larry Ramos e Russ Giguere em dois sucessos memoráveis de 1967 da banda: “Windy”, que liderou a Hot 100 por quatro semanas, e o hit número 2 “Never My Love”. Ambos os singles venderam mais de 1 milhão de cópias e o último foi destaque no álbum “Insight Out”, que ficou entre os 10 discos mais vendidos. A banda se apresentou no lendário Festival Pop de Monterey no mesmo ano e também atingiu o Top 10 pop com “Everything that Touches You” em 1968, que atingiu o 4º lugar. Ao todo, The Association foi indicada a seis prêmios Grammy, incluindo três por “Cherish”. Kirkman deixou o grupo em 1972, mas retornou para um período entre 1979 e 1984. Ele deixa a esposa Heidi, a filha Sasha e dois netos. Confira abaixo cinco dos maiores hits de The Association.
Rafael Ilha questiona morte de Gugu: “Não morreu consertando ar condicionado”
Rafael Ilha, ex-cantor do grupo Dominó e vencedor de “A Fazenda 10”, voltou a polemizar ao questionar as circunstâncias da morte de Gugu Liberato em 2019. Em participação no canal NaREAL nesta sexta-feira (22/9), ele duvidou que o apresentador tenha morrido ao sofrer uma queda, enquanto tentava arrumar o ar condicionado de sua casa em Orlando, nos Estados Unidos. No momento do acidente, Gugu estava acompanhado apenas de sua mulher, Rose Di Matteo. Questionamento sobre Gugu Liberato Em relação à morte de Gugu Liberato, Rafael Ilha foi enfático ao negar a versão oficial. “Com certeza ele não estava consertando um ar condicionado, né. Ele não ia estar entrando em um sistema de condicionamento de ar pra consertar algo”, afirmou Ilha. O artista ainda acrescentou: “O que eu acho é que ele foi lá em cima procurar algo. Eu acho, tenho o direito de achar. É uma coisa que me traz muita dor e raiva ao mesmo tempo.” O ex-Dominó explicou sua teoria: “Se você chegar pra mim e falar: ‘Poxa Rafael, deu pau aqui no condicionamento de ar do quarto. Você pode ver aqui o que aconteceu?’, eu vou falar: ‘Não! Não tenho condição nunca de fazer isso, não é a minha especialidade’, imagine o Gugu!”, apontou. Polêmica sobre Kayky Brito Recentemente, Rafael Ilha também deu o que falar ao opinar sobre o acidente sofrido por Kayky Brito, que teria tido o socorro negado pelo amigo Bruno de Luca, acusando os dois de estarem drogados. O artista, que teve conhecidos problemas com as drogas, questionou o tratamento recebido pelos envolvidos nas redes sociais, comparando com a reação que ele próprio receberia em situação semelhante. “Queria questionar sobre uma situação: e se fosse eu, Rafael Ilha, que estivesse deixado minha esposa e meus filhos em casa, e tivesse sido atropelado de madrugada, muito louco de álcool e de drogas? Será que o carinho, a solidariedade, e a torcida seriam as mesmas que estão acontecendo hoje?”
Maria Carmem Barbosa, criadora de “Sai de Baixo” e diversas novelas, morre aos 77 anos
Maria Carmem Barbosa, escritora e dramaturga, faleceu na madrugada desta sexta-feira (22) aos 77 anos, no Rio de Janeiro. Internada há dois meses na Casa de Saúde Pinheiro Machado, no bairro de Laranjeiras, a autora sofreu uma queda brusca de pressão, seguida de uma parada cardiorrespiratória. Ela também enfrentava o Mal de Alzheimer. Filha do humorista, jornalista e compositor Haroldo Barbosa, Maria Carmem foi uma figura proeminente na televisão brasileira. Seu pai foi uma influência significativa em sua decisão de seguir a carreira artística, iniciada aos 20 anos, quando passou a escrever programas educativos para a Rádio MEC. Trajetória de sucesso na Globo Na década de 1970, Maria Carmem entrou para a TV Globo como produtora da linha de shows. Atuou em programas humorísticos como “Satiricon” e “Chico City”, além de produzir musicais como “Mulher 80”, a série “Grandes Nomes” e especiais da Xuxa, Gilberto Gil e da banda Blitz. Como roteirista, fez parte da equipe que escreveu as séries “Armação Ilimitada” (1985-1988), produção pioneira para jovens na Globo, e “Delegacia de Mulheres” (1989-1990), abordando a temática de violência contra mulheres. O elenco contava com nomes como Heloísa Mafalda, Zilda Cardoso e Lúcia Veríssimo. Em seguida, escreveu sua primeira novela, “Lua Cheia de Amor” (1990), em parceria com Ricardo Linhares, seguida por “Olho por Olho” (1993), com Antonio Calmon. Em 1996, Maria Carmem criou seu maior sucesso, a série “Sai de Baixo”, em colaboração com o ator Luis Gustavo. A produção durou sete anos e contou com um elenco formado por Marisa Orth, Miguel Falabella, Aracy Balabanian, Tom Cavalcanti e Luis Gustavo, além de ter originado um filme. Além disso, a produção gerou uma parceria bem-sucedida com Miguel Falabella, com quem escreveu as novelas “Salsa & Merengue” (1996) e “A Lua Me Disse” (2005). Maria Carmen também esteve por trás do fenômeno da série “Sandy & Junior” (1999-2001) e de “Toma Lá, Dá Cá” (2007-2009), onde se reuniu novamente com Falabella e Marisa Orth. Seu último trabalho foi a série “Os Ausentes”, lançada em 2021 pela HBO Max. Tributo de Miguel Falabella Miguel Falabella, parceiro de longa data da autora, expressou seu pesar com a notícia de sua morte nas redes sociais. “A vida é sempre surpreendente. Acabei de postar uma homenagem pelo aniversário de Zezé e recebo a notícia da passagem de Maria Carmem Barbosa, minha parceira e amiga por anos incontáveis. Escrevemos juntos novelas, peças e roteiros, viajamos juntos, sonhamos e idealizamos projetos, foi uma amizade daquelas que ficam gravadas nas estrelas”, escreveu. O astro também lamentou o avanço rápido do Alzheimer que acometeu a autora, afirmando que ela “já tinha nos deixado há alguns anos, quando resolveu dar o viver já por vivido e saiu do ar, com muita rapidez, desligando-se do mundo. Agora, veio a morte física”.
Angus Cloud, ator de “Euphoria”, morreu por overdose
O médico legista do Condado de Alameda, na Califórnia, revelou nesta quinta-feira (21/9) que o ator Angus Cloud, intérprete de Fezco na série “Euphoria”, morreu por overdose acidental. O artista foi encontrado morto em sua casa no dia 31 de julho de 2023, aos 25 anos. Ele sofreu uma intoxicação aguda em decorrência da combinação de fentanil, cocaína, benzodiazepina e metanfetamina. Último dia de vida Na ocasião da morte, a causa não foi divulgada, levando à especulações nas rede sociais. Lisa Cloud, mãe do ator, chegou a fazer uma publicação emocionada no Facebook afirmando que seu filho não tinha se suicidado. Em sua postagem, ela detalhou como foi o último dia de Angus, descrevendo que ele passou o dia reorganizando seu quarto. “Não sei se ou o que ele pode ter colocado em seu corpo depois disso. Só sei que ele encostou a cabeça na mesa onde estava trabalhando em projetos de arte, adormeceu e não acordou. Podemos descobrir que ele teve uma overdose acidental e trágica, mas é abundantemente claro que ele não pretendia sair deste mundo.”
Estopinha, maior pet influencer do Brasil, morre aos 14 anos
A cachorra Estopinha, do especialista em comportamento animal Alexandre Rossi, morreu nesta quarta (20/9) aos 14 anos. Pet influencer mais famosa do Brasil, ela vinha lutando com problemas de saúde há alguns dias. “Estopinha se foi… Dormimos juntinhos e ela estava sem dor. Isso era o mais importante pra mim. Recebeu cuidados durante a noite e pode descansar na minha cama com todo o carinho que podia dar. Mesmo assim estou muito mal. Uma parte de mim foi destruída. 14 anos de convívio intenso e muito amor, aventura e travessuras. Valeu cada segundo com ela. Obrigado pelo carinho de vocês todos. Significam muito pra gente”, escreveu Alexandre Rossi, também conhecido como Dr. Pet, no Instagram Estopinha contraiu uma infecção na unha e teve um problema no intestino agravado pelos medicamentos. Segundo o tutor, ela ficou abatida, sem apetite, sem conseguir andar e sentindo muita dor. As etapas do tratamento foram compartilhadas pelas redes sociais do Dr. Pet. Ela chegou a passar dias internada em uma clínica veterinária, em estado grave, levando Rossi a antecipar o processo de luto. “Talvez a morte seja o maior motivador da vida. A morte mostra que a vida dever ser curtida, vivida e sentida. Se não houvesse a morte, a gente não viveria tão bem. Mas meu processo de luto tem sido muito duro. Isso significa que a vida foi muito boa ao lado dela”, ele desabafou. A carreira de Estopinha Estopinha era uma cachorrinha de abrigo, que foi adotada em 2009 pelo Dr. Pet após ser devolvida duas vezes por famílias adotantes por “mau comportamento”. Ela fez aulas de adestramento e ganhou seu novo nome – antes, era Rita. A cachorrinha era exatamente o que Rossi procurava: um pet cheio do que as pessoas chamam de “problemas”. A convivência ajudou o especialista em comportamento a levar informações de qualidade e mais conhecimento aos tutores ou pretendentes a pais de pets. Ela começou a se tornar famosa ao acompanhar Rossi em vários programas de TV, como “Dr. Pet”, quadro do “Domingo Espetacular” da Record, “Desafio Pet” no programa da Eliana no SBT, “Missão Pet” no Nat Geo, e também no “É de Casa”, da Rede Globo. Em 2011, Estopinha ganhou um perfil nas redes sociais que conta com mais de 800 mil seguidores. Nele, Rossi escreveu: “Não consigo mensurar a dor que estou sentindo, mas não posso deixar de agradecer cada mensagem, cada oração, cada pensamento positivo, cada conselho. O que mais me conforta é saber que ela foi imensamente amada e ajudou a mudar tantas vidas, começando pela minha”. Ver essa foto no Instagram Uma publicação compartilhada por Alexandre Rossi Dr Pet (@alexandrerossi_oficial)
Byun Hee-bong, ator de “O Hospedeiro” e “Okja”, morre aos 81 anos
O veterano ator sul-coreano Byun Hee-bong, conhecido por suas colaborações com o diretor Bong Joon-ho (“Parasita”), faleceu aos 81 anos nesta segunda-feira (18/9), após complicações relacionadas ao retorno de um câncer de pâncreas. A informação foi confirmada por sua família à imprensa local. Byun iniciou sua carreira no teatro antes de se tornar dublador na rede de televisão estatal MBC em 1966. Na TV, destacou-se em séries como “The First Republic” (1981) e “The Joseon Dynasty 500 Years: Seouljungmae” (1985). Parceria com diretor de “Parasita” Apesar da longa carreira, Byun Hee-bong só foi ganhar notoriedade internacional após suas colaborações com o diretor Bong Joon-ho. Ele trabalhou em quatro filmes do cineasta: “Cão que Ladra Não Morde” (2000), “Memórias de um Assassino” (2003), “O Hospedeiro” (2006) e “Okja” (2017). Sua atuação em “O Hospedeiro” lhe rendeu diversas indicações a prêmios de melhor ator coadjuvante na Coreia e na Ásia, convertendo duas delas em vitórias no Asia Pacific Film Festival e no Blue Dragon Awards da Coreia. Ele também foi premiado com a Ordem Eungwan de Mérito Cultural em 2020, a segunda maior condecoração cultural da Coreia do Sul. Últimos trabalhos Byun continuava ativo até recentemente. Ele foi um ator regular em séries como “Something About 1%” (2003), “My Girlfriend Is a Gumiho” (2010) e “Grandpas Over Flowers Investigation Team” (2014-15). Sua última aparição na tela foi em 2019, na comédia “By Quantum Physics: A Nightlife Venture” e na série dramática “My Lawyer, Mr. Jo 2: Crime and Punishment”, que é uma sequência da série de 2016 “My Lawyer, Mr. Jo”.
Giuliano Montaldo, mestre do cinema italiano, morre aos 93 anos
O renomado cineasta italiano Giuliano Montaldo faleceu nesta quarta-feira (6/9) em sua casa em Roma, aos 93 anos. A causa da morte não foi divulgada. Amplamente reconhecido por sua vasta contribuição ao cinema, Montaldo fez filmes clássicos como “Sacco & Vanzetti” (1971) e “Giordano Bruno” (1973), que levantaram muitas discussões. Sua carreira também foi marcada por uma colaboração íntima com o compositor Ennio Morricone. De sua filmografia de 20 filmes, 16 foram embalados pela música de Ennio Morricone, consolidando uma colaboração sem precedentes com o compositor famoso. Início da carreira Nascido em Gênova em 22 de fevereiro de 1930, Montaldo começou sua carreira como ator em sua cidade natal, participando de espetáculos de “teatro de massa” organizados pelo Partido Comunista. Sua transição para o cinema ocorreu após ser descoberto pelo diretor Carlo Lizzani, que lhe ofereceu um papel no filme “A Rebelde” (1951). Ele seguiu atuando nos filmes seguintes de Lizziani, “Tortura de Duas Almas” (1953) e “Os Amantes de Florença” (1954), e em papéis menores em diversas produções, até progredir para assistente de direção e, finalmente, como diretor no filme “Dilema de um Bravo”, que foi lançado em competição no Festival de Veneza de 1961. A obra de estreia explorava a consciência política de um jovem fascista e foi recebida com críticas mistas, especialmente em um contexto ideológico pós-guerra. Mas já deixava claro sua intenção de fazer cinema para incomodar e gerar discussões. ste filme serviu como um prenúncio dos temas sociais e políticos que se tornariam recorrentes em sua filmografia, abrindo portas para projetos futuros com profissionais da indústria. O filme seguinte, “Uma Vontade de Gritar” (1965), explorou a classe trabalhadora e a ascensão social na Itália do pós-guerra, e conseguiu capturar o espírito do tempo, abordando temas de exploração e desigualdade social. A obra recebeu elogios da crítica e é frequentemente citada como um dos primeiros filmes italianos a explorar esses temas, consolidando Montaldo como um diretor comprometido com questões sociais. Em 1967, “Ad Ogni Costo” mostrou uma guinada de Montaldo para o cinema de gênero. Este filme de ação e aventura trazia um elenco americano, com Edward G. Robinson e Janet Leigh. Mas mesmo sendo um thriller, não abandonou os temas éticos e morais, mostrando que Montaldo poderia equilibrar comercialismo com substância. Ele seguiu esse caminho com “A Fúria dos Intocáveis” (1969), uma produção de gângsteres que colocava um foco específico em questões de lealdade e moralidade dentro do crime organizado. A obra foi enriquecida pela atuação marcante de John Cassavetes, no papel de um criminoso recém-liberado que tenta reajustar-se à vida fora da prisão. O longa é considerado um dos grandes clássicos italianos do gênero. A consagração Em 1971, Montaldo lançou seu filme mais famoso, “Sacco e Vanzetti, que rendeu a Riccardo Cucciolla o prêmio de Melhor Ator no Festival de Cannes pelo papel de Nicola Sacco. O filme dramatiza a história real de Nicola Sacco e Bartolomeo Vanzetti, dois imigrantes italianos anarquistas acusados de assassinato nos Estados Unidos em 1920. Montaldo não apenas buscou fazer uma reconstituição histórica do caso, como também lançou um olhar crítico sobre o sistema de justiça americano e a xenofobia predominante na época. O elenco também destaca Gian Maria Volonté. A trilha sonora, composta por Ennio Morricone e com canções interpretadas por Joan Baez, é outro ponto alto da obra, acentuando o clima de tensão e injustiça que permeia a história. O resultado cinematográfico é considerado um dos filmes políticos mais importantes da época. A briga com a Igreja Depois de atacar a xenofobia americana, Montaldo posicionou sua câmera contra à Igreja Católica em “Giordano Bruno” (1973), biografia histórica do filósofo e teólogo renascentista que foi condenado pela Inquisição. O filme retrata a prisão de Bruno em Veneza e seu subsequente julgamento por heresia em Roma, culminando com sua execução na fogueira em 1600. A obra destaca a intransigência de Bruno em renunciar à ciência em favor do negacionismo, incluindo a crença no heliocentrismo e na pluralidade dos mundos, que eram vistas como ameaças à doutrina da Igreja Católica na época. Além de destacar uma narrativa centrada no confronto entre ciência e dogma religioso, a obra também é lembrada pela força de suas performances, especialmente a de Gian Maria Volonté no papel-título, que materializa na obra a postura de resistência e protesto contra a repressão da liberdade intelectual. O final dos anos 1970 Montaldo voltou ao tema da 2ª Guerra Mundial com “L’Agnese Va a Morire” (1976), adaptação do romance homônimo de Renata Viganò, que explora os horrores e as complexidades da guerra através dos olhos de Agnese, interpretada por Ingrid Thulin. Situado na Itália ocupada pelos nazistas, o filme segue a trajetória de Agnese, que se torna uma relutante heroína da resistência italiana, em meio às complexas relações humanas que se desenvolvem em meio ao conflito, servindo como uma crítica poderosa aos horrores e às consequências devastadoras da guerra sobre as pessoas comuns. Ele encerrou a década com “Il Giocattolo” (1979), um thriller psicológico que mergulha no mundo do jornalismo e da política. Estrelado por Nino Manfredi e Marlène Jobert, o filme gira em torno de um jornalista que, em busca de um grande furo de reportagem, acaba se envolvendo em uma trama de assassinato e corrupção. O longa examina as nuances éticas e morais do jornalismo, questionando até onde um repórter irá em busca da verdade. Sucesso televisivo Na década de 1980, Giuliano Montaldo fez uma transição notável de sua carreira cinematográfica para trabalhos na televisão. Esse movimento coincidiu com um período de transformações na indústria cinematográfica italiana e global, marcado pelo declínio do cinema de autor e pelo avanço de filmes mais comerciais. A transição para a televisão permitiu que Montaldo explorasse formatos narrativos mais longos, como minisséries, que proporcionam tempo adicional para o desenvolvimento de personagens e tramas complexas. Sua incursão televisiva resultou numa obra-prima de aventura: “Marco Polo” (1982), minissérie sobre o explorador veneziano que recebeu críticas positivas e conquistou uma ampla audiência internacional. Transmitida em 46 países, a atração conquistou dois prêmios Emmy, incluindo Melhor Minissérie do ano, e contou com um elenco estelar que incluiu Ken Marshall, F. Murray Abraham, Denholm Elliott, David Warner, Anne Bancroft e Leonard Nimoy. Filmes mais recentes Montaldo voltou mais duas vezes ao tema da 2ª Guerra Mundial em obras como “Tempo de Matar” (1989), que aborda o colonialismo e traz Nicolas Cage no papel de um soldado italiano na África durante o conflito, e “Os Óculos Dourados” (1987), um drama que explora questões de identidade e perseguição durante o regime fascista na Itália, abordando temas de homossexualidade e antissemitismo, uma corajosa escolha temática para a época. Após se dedicar a documentários, ele voltou à ficção em “Demônios de San Petersburgo” (2008), em que explorou a vida do escritor Fyodor Dostoevsky, seguido por seu último longa como diretor, “L’industriale” (2011), que mergulha na vida de um industrial falido, oferecendo uma representação multifacetada da pressão corporativa e seus dilemas éticos. Ele se despediu do cinema seis anos depois com “Tudo o Que Você Quer” (2017), uma comédia dramática dirigida por Francesco Bruni, em que atuou como um idoso sofrendo de Alzheimer. Contribuições culturais Montaldo foi mais do que um cineasta; ele foi uma personalidade vibrante que contribuiu de forma significativa para a cultura e política italianas. Além de seus filmes, ele trabalhou em obras de cineastas renomados como Carlo Lizzani, Gillo Pontecorvo e Elio Petri. Entre outras obras, Montaldo foi crucial na filmagem de muitas das cenas de multidão e ação do famoso filme “A Batalha de Argel” (1966), dirigido por Gillo Pontecorvo. Marco do cinema político, que foi proibido no Brasil pela ditadura, “A Batalha de Argel” retrata a luta pela independência da Argélia contra o domínio francês e é notável por seu estilo documental e uso inovador de atores não profissionais. Montaldo foi responsável por organizar e coordenar as cenas que envolviam o maior número de figurantes, um desafio logístico considerável dada a autenticidade e a escala que a obra buscava retratar. O filme ganhou o Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza e foi nomeado para três Oscars. O diretor também foi nomeado o primeiro presidente da RAI Cinema, a divisão cinematográfica da emissora estatal italiana RAI, um cargo que ocupou de 1999 a 2004. Esse período marcou um renascimento do cinema italiano, que contou com impulso de Montaldo, já que a RAI Cinema é um dos principais players na indústria cinematográfica italiana, com investimentos em uma variedade de projetos, desde produções locais até colaborações internacionais. Em seus anos finais, o cineasta ainda se aventurou no mundo da ópera. Montaldo dirigiu obras como “Turandot” na Arena de Verona e “Otello” com Plácido Domingo. Ele deixa um legado de peso, sempre com um olhar atento às questões sociais e à “insofferenza dell’intolleranza”, uma aversão à intolerância que marcou toda a sua carreira.
Cantor e músico Gary Wright, parceiro de George Harrison, morre aos 80 anos
Gary Wright, cantor, músico e compositor americano de hits como “Dream Weaver” e “Love is Alive”, morreu aos 80 anos. Segundo seu filho Justin Wright, o artista sofria de doença de Parkinson e demência com corpos de Lewy. O músico faleceu em sua casa na quarta-feira (30/8), cercado por familiares e pessoas próximas. Carreira e legado Nascido em 26 de abril de 1943 em Cresskill, Nova Jersey, Wright ingressou no showbiz ainda criança. Fez sua estreia televisiva aos sete anos, em um programa infantil chamado “Captain Video and His Video Rangers”. Em 1954, interpretou um dos filhos de Florence Henderson no musical da Broadway “Fanny”. Ao mudar-se para o Reino Unido para estudar, foi um dos fundadores da banda de rock Spooky Tooth em 1967, banda que terminou e retornou várias vezes ao longo das décadas. Sua carreira tomou novos rumos ao colaborar com George Harrison em seu primeiro álbum pós-Beatles, “All Things Must Pass” (1970), atuando como tecladista. Wright tocou em todos os álbuns solo subsequentes de Harrison dos anos 1970 e 1980, bem como em lançamentos de outro ex-Beatle, Ringo Starr, como “It Don’t Come Easy” e “Back Off Boogaloo”. Em 1971, seu álbum solo “Footprint” também foi gravado com contribuições de Harrison. O lançamento coincidiu com a formação de sua banda de curta duração, Wonderwheel, que contava com o guitarrista Mick Jones (Foreigner). Durante o início dos anos 1970, Wright atuou em gravações notáveis de artistas como B.B. King, Jerry Lee Lewis, Ringo Starr, Harry Nilsson e Ronnie Spector. Mas foi o álbum “The Dream Weaver”, lançado em 1975, que consolidou a carreira solo de Wright, tornando-se um sucesso comercial e crítico. A música-título vendeu mais de 1 milhão de singles e virou uma das mais tocadas do ano. Trilhas e trabalhos recentes A partir da década de 1980, Wright voltou-se para o trabalho em trilhas sonoras de filmes, como o suspense “A Morte Vem do Céu” (1982), o thriller “Stallone: Cobra” (1986) e uma regravação de sua canção mais popular, “Dream Weaver”, para a comédia “Quando Mais Idiota Melhor” (1992). Após uma turnê de reunião da Spooky Tooth em 2004, Wright seguiu apresentando ao vivo frequentemente, seja como membro da All-Starr Band de Ringo Starr, com sua própria banda ao vivo ou em reuniões subsequentes da Spooky Tooth. Ele chegou a gravar um álbum no Brasil, “First Signs of Life” (1995), que teve sessões no Rio de Janeiro e em seu próprio estúdio em Los Angeles. O álbum combinou ritmos brasileiros com elementos da tradição vocal africana, criando o que o guia musical AllMusic descreve como “um contagiante híbrido de batida mundial”. O disco contou com participações especiais do baterista Terry Bozzio (da banda Missing Persons), do guitarrista brasileiro Ricardo Silveira (que tocou com Elis e a banda Chicago) e de George Harrison. Seus álbuns solo mais recentes, como “Waiting to Catch the Light” (2008) e “Connected” (2010), foram lançados em seu próprio selo, Larkio. Lembre abaixo o maior sucesso da carreira do artista.
Cantor americano Jimmy Buffett morre aos 76 anos
O cantor Jimmy Buffett, um dos nomes mais emblemáticos da música norte-americana, faleceu na noite de sexta-feira (1/9) aos 76 anos. A informação foi divulgada por meio de seu perfil em uma rede social. “Jimmy faleceu pacificamente na noite de 1º de setembro, cercado por sua família, amigos, música e cachorros”, informou o comunicado oficial, sem revelar a causa da morte. Nascido em 25 de dezembro de 1946, em Pascagoula, Mississippi, Buffett teve um começo de carreira modesto. Mudou-se para Nashville após concluir a faculdade e trabalhou inicialmente com uma banda cover. Embora seu álbum de estreia, “Down to Earth”, de 1970, não tenha conquistado grande público, o artista não desistiu. Praia, margaritas e sucesso Foi apenas após mudar-se para Key West, Flórida, que Buffett começou a criar a persona relaxada à beira-mar pela qual ficou conhecido. Em 1973, lançou “White Sport Coat and a Pink Crustacean”, álbum que iniciou sua ascensão. Mas o almejado estouro comercial só veio no sexto álbum, “Changes in Latitudes, Changes in Attitudes”, lançado em 1977. A faixa “Margaritaville”, inclusa no disco, passou 22 semanas no Billboard Hot 100 e entrou para o Hall da Fama do Grammy. Graças a “Margaritaville”, o cantor tornou-se também um empreendedor bem-sucedido. A canção originou uma cadeia de restaurantes e hotéis temáticos. Além disso, Buffett lançou várias linhas de roupas e livros ao longo de sua carreira. Buffett teve outros hits notáveis, como “It’s 5 O’Clock Somewhere” e “Cheeseburger in Paradise”, além de sucessos em colaborações com artistas renomados, entre eles Zac Brown Band em “Knee Deep” e um projeto conjunto com Clint Black, Kenny Chesney, Alan Jackson, Toby Keith e George Strait, que gerou a canção “Hey Good Lookin’”. Doença não especificada O artista havia revelado mais cedo este ano que havia sido hospitalizado devido a uma doença não especificada. “Envelhecer não é para os fracos, eu lhes garanto”, escreveu em uma postagem em rede social. Ele deixa esposa e três filhos.
Jack Sonni, ex-guitarrista do Dire Straits, morre aos 68 anos
O guitarrista Jack Sonni, ex-integrante da banda Dire Straits, morreu na quinta-feira (31/8), aos 68 anos. A informação foi confirmada no perfil oficial do grupo musical nas redes sociais, mas a causa da morte não foi revelada. Multi-instrumentista, Sonni nasceu em 1954 em Indiana, Pensilvânia, e começou a se dedicar à música ainda na infância. Depois de aprender piano e trompete, ele começou a tocar guitarra aos 14 anos. Sua paixão pelo instrumento o levou a abandonar o curso de Literatura na Universidade de Connecticut para entrar no Conservatório de Música de Hartford. Em 1978, quando trabalhava em uma loja de guitarras em Manhattan, Nova York, ele conheceu os irmãos Mark e David Knopfler, que tinham fundado a banda britânica no ano anterior. O encontro rendeu amizade e um convite para Sonni entrar na banda em 1985, substituindo o guitarrista Hal Lindes durante as gravações do álbum “Brothers in Arms”, o maior sucesso da história da banda – e disco mais vendido de todos os tempos no Reino Unido. Sonni seguiu no grupo na turnê do álbum, que permaneceu por nove semanas em primeiro lugar no Billboard Top 200 e vendeu mais de 30 milhões de cópias em todo o mundo, puxado por hits como “Money for Nothing”, “So Far Away”, “Walk of Life” e a faixa-título. Durante o período em que passou no grupo, Sonni ficou carinhosamente conhecido como “o outro guitarrista”, numa referência a Mark Knopfler, guitarrista principal. Das suas contribuições para “Brothers in Arms”, uma das mais conhecidas é a guitarra sintetizada de “That Man’s Too Strong”. Entretanto, após a turnê de lançamento do álbum, que incluiu o show histórico no Live Aid com participação de Sting, ele saiu da banda. O cantor e compositor Mark Knopfler, líder do Dire Straits, lamentou a morte do artista: “Uma triste despedida do nosso velho amigo. Jack era um verdadeiro entusiasta da guitarra, que adorava tocar, improvisar e conversar sobre guitarras e amplificadores o dia todo”. Veja a apresentação da banda no Live Aid, em 1985.
Cissa Guimarães comemora prisão de responsáveis pela morte de seu filho
Cissa Guimarães comemorou nesta segunda (28/8) a decisão da Justiça do Rio de Janeiro, que determinou o retorno à prisão de Rafael de Souza Bussamra e Roberto Bussamra. Pai e filho são apontados como responsáveis pela morte de Rafael Mascarenhas, filho da atriz, em 2010. “Treze anos! Treze anos! E depois de um fim de semana de muita dor, vem um acalento e a esperança de justiça, finalmente”, desabafou a atriz numa publicação no Instagram. O que aconteceu O filho de Cissa Guimarães e do músico Raul Mascarenhas morreu em 20 de julho de 2010, aos 18 anos. Ele andava de skate com amigos no Túnel Acústico, na Gávea, zona sul do Rio de Janeiro, quando foi atropelado por Rafael Bussamra. Este fugiu do local sem prestar socorro. Roberto Bussamra, seu pai, tentou subornar policiais para livrar o filho da culpa. Após um julgamento inicial em 2015, Rafael Bussamra foi condenado a sete anos de prisão em regime fechado e mais cinco anos e nove meses em regime semiaberto. No ano seguinte, conseguiu diminuir a sentença para três anos e seis meses em regime semiaberto e foi liberado para prestar serviços comunitários. Roberto Bussamra, seu pai, havia sido condenado a oito anos em regime fechado e nove meses em semiaberto e também obteve permissão para atividades comunitárias. O novo rumo do caso Na quarta (23/8), o Superior Tribunal de Justiça (STJ) acolheu o recurso do Ministério Público e decidiu que a pena não deveria ser convertida em serviços comunitários, como havia ocorrido anteriormente. “O STJ acolheu recurso do MP e concluiu não caber a conversão da pena, que terá de ser cumprida inicialmente em regime semiaberto”, informou nota do tribunal. Entretanto, a demora no trâmite do processo resultou na prescrição de outros delitos cometidos por pai e filho, incluindo normas previstas no Código de Trânsito Brasileiro. Ver essa foto no Instagram Uma publicação compartilhada por Cissa Guimarães (@cissaguimaraes)
Arleen Sorkin, dubladora original e inspiração da Arlequina, morre aos 67 anos
Arleen Sorkin, atriz que inspirou a criação e dublou a personagem Arlequina da DC Comics, morreu na quinta-feira (24/8) aos 67 anos, de causa não revelava. Segundo o portal TMZ, Sorkin enfrentava uma série de problemas de saúde que a afastaram do trabalho nos últimos anos. A atriz iniciou sua carreira no mundo do entretenimento em 1982 com uma breve aparição no humorístico “Saturday Night Live”, e logo em seguida entrou na novela infinita “Days of Our Lives”, interpretando a personagem Calliope Jones em mais de 400 episódios, entre 1984 e 2010. Ela participou ainda de comédias famosas como “Trocando as Bolas” (1983), “Doidos, Malucos e Perigosos” (1986) e “Minha Filha Quer Casar” (1991), além de ter integrado os elencos das séries “Duet” (1987-1989) e “Open House” (1989-1990). A verdadeira origem da Arlequina Em 1991, quando estava trabalhando em “Batman: A Série Animada”, o roteirista e produtor Paul Dini ficou doente e precisou ficar em casa, quando viu Arleen na TV, num episódio de “Days of Our Lives” em que ela interpretava uma arlequina numa sequência de sonho. Ele lembrou que a atriz tinha sido sua colega de faculdade e inspirou-se nela para criar uma capanga para o Coringa. Ele a convidou para dublar a personagem, que foi batizada com um nome muito parecido com o da própria Arleen: Harley Quinn, a Arlequina. A ideia original de Dini era que a personagem aparecesse num único episódio. Intitulado “Joker’s Favor”, o capítulo foi ao ar em 1992. E fez tanto sucesso que Dini resolveu incluí-la em mais um capítulo. E em outro. Até que a personagem se tornou uma das mais populares da animação e acabou fazendo o crossover para os quadrinhos, passando a ser parte oficial o universo da DC Comics. Arleen dublou Arlequina por uma década. Além dos desenhos de Batman, ela também participou dos primeiros longas animados do herói, como “Batman e Superman: Os Melhores do Mundo” (1997) e “Batman do Futuro: O Retorno do Coringa” (2000), além de dezenas de episódios de outras animações da DC, incluindo “Superman: A Série Animada”, “As Novas Aventuras do Batman”, “Gotham Girls”, “Super Choque” e “Liga da Justiça”, e uma pilha de videogames. Seus últimos trabalhos foram como dubladora de Arlequina nos games “Batham: Arkham Asylum” (2009) e em dois volumes de “DC Universe Online” (de 2011 e 2012). Homenagens dos colegas Inicialmente contratada como voz de Batgirl, Tara Strong acabou substituindo Arleen como Arlequina nos projetos que se seguiram, acumulando as duas personagens após a dubladora original ter problemas de saúde. Ela usou as redes sociais neste domingo (27/8) para expressar sua tristeza. “Sem essa deusa linda e talentosa, Arlequina nunca teria existido. Ela foi a inspiração, o coração e a alma deste personagem icônico”, afirmou. “Eu ficava impressionada como Batgirl, assistindo-a ao lado de Mark Hamill e Kevin [Conroy, o falecido dublador de Batman]”. O ator Mark Hamill, que além de ser conhecido como Luke Skywalker nos filmes de “Star Wars” também marcou época como a voz do Coringa, ressaltou que Arleen “não era apenas um talento maravilhoso, mas uma pessoa verdadeiramente maravilhosa”. E James Gunn, que dirigiu Margot Robbie como Arlequina no filme “O Esquadrão Suicida”, reforçou que a atriz “ajudou a criar o personagem que tantos de nós amamos”.
Morte de MC Marcinho gera reações de Anitta, Ludmilla, D2, Pocah, Babu e Gilberto Gil
A morte de MC Marcinho por infecção generalizada neste sábado (26/8) causou comoção na cena do funk brasileiro. Vários famosos manifestaram homenagens ao cantor de “Glamurosa”, que era chamado de Príncipe do Funk. Uma das primeiras manifestações partiu de MC Cacau, ex-namorada e ex-parceira de MC Marcinho nos anos 1990. Ela compartilhou diversas imagens e momentos ao lado do cantor e agradeceu pelo relacionamento que tiveram. “Cacau e Marcinho sempre vão ser um casal com o mais puro amor. Obrigada pelas milhares de vezes falada: ‘Claudia, eu amo você’”, declarou MC Cacau. De Anitta a Gilberto Gil Outros nomes da música brasileira, de Anitta e Gilberto Gil, também prestaram suas homenagens. Anitta destacou a importância de Marcinho no cenário musical do país em seu perfil no X. “Marcou para sempre o funk e a nossa música. Descanse em paz”, declarou a cantora. Gilberto Gil expressou que Marcinho foi “uma perda imensa para o mundo do funk e da música negra brasileira”. Ludmilla valorizou a importância do artista. “MC Marcinho vai deixar um vazio enorme em nossos corações. Um pilar do nosso movimento funk que nos deixa mas deixa também um legado eterno cheio de lutas, conquistas e uma história linda. Descanse em paz, meu amigo!” “MC Marcinho marcou uma época, gente boa demais, ele é um pilar do funk carioca e da música brasileira. Que descanse em paz”, publicou Marcelo D2. O ator Babu Santana, que gravou “Salve Favela” com o funkeiro, exaltou no Instagram: “Todo mundo fala que você é o Príncipe do Funk, mas para mim você é o rei, Rei do Funk, Rei dos Românticos. Eu te amo, Marcinho! Meus sentimentos à família. Nós aqui na terra, seus fãs, vamos eternizar sua música”. “E agora só restam memórias e as músicas mais históricas de um MC que fez história!”, acrescentou Pocah. Do turismo ao futebol Marcelo Freixo, presidente da Embratur, aproveitou para enaltecer o papel do cantor na descriminalização do funk. “Juntos fizemos e aprovamos a lei que definiu o funk como movimento cultural. Um vitória construída por artistas como MC Marcinho”, afirmou. Até a equipe do Flamengo, clube de preferência de MC Marcinho, lamentou a morte do artista. “O cantor embalou gerações com seus hits e vai deixar saudades em milhões de fãs”, publicou a equipe. Marcelly Garcia, filha do artista, também expressou seu luto nas redes sociais. “Você foi o melhor pai que poderia ser. Descansa”, declarou em seus Stories do Instagram.
