Ed Motta diz que “quem ouve hip hop é burro” e aproveita engajamento
Declaração viralizou e rendeu lotação em live, onde o cantor "respondeu" as críticas com música ao piano
David Sanborn, ícone do jazz, morre aos 78 anos
Saxofonista renomado, que gravou com Stevie Wonder e David Bowie, faleceu após longa luta contra o câncer
Colman Domingo será Nat King Cole e pai de Michael Jackson no cinema
O ator Colman Domingo, que na terça (23/1) foi indicado ao Oscar por seu papel em “Rustin”, entrou no elenco de mais duas biografias. Desta vez, o tema é musical. Ele assumirá o papel de Joe Jackson, pai de Michael Jackson, no filme biográfico “Michael”, dirigido por Antoine Fuqua (“O Protetor”). Ao mesmo tempo, Domingo também se transformará no lendário cantor Nat King Cole em um filme que ele mesmo escreveu e pretende dirigir. No filme “Michael”, Domingo interpretará pai controvertido dos Jackson Five, marcando sua presença em um elenco que inclui Jaafar Jackson, sobrinho de Michael, no papel principal. Domingo expressou entusiasmo com o projeto, destacando a oportunidade de interpretar um personagem rico e complexo, e testemunhar a transformação impressionante de Jaafar Jackson. A produção do filme começou em 22 de janeiro, com lançamento previsto para 18 de abril de 2025. Depois de “Michael”, Domingo revelou que vai embarcar na jornada de dar vida a Nat King Cole em um filme musical. Este projeto marcará sua estreia como diretor de longas-metragens e é fruto de um trabalho que vem desenvolvendo há alguns anos. O ator já havia explorado a vida de Cole no teatro e agora quer levar sua admiração pelo músico para as telas de cinema. Ainda não foram revelados detalhes específicos sobre o enredo, mas o legado de Cole como um dos músicos mais influentes do século 20 é inegável, com clássicos como “Unforgettable” e “Smile”.
Marlena Shaw, cantora do hit “California Soul”, morre aos 81 anos
A cantora Marlena Shaw, conhecida pelo sucesso “California Soul”, morreu na sexta (19/1) aos 81 anos. A notícia foi divulgada foi divulgada no Facebook por sua filha, Marla, sem detalhes sobre a causa da morte. “Olá a todos, é com um coração muito pesado que, em nome de mim mesma e da minha família, anuncio que nossa amada mãe, seu ícone e artista adorada, Marlena Shaw, faleceu hoje às 12:03”, disse Marla no vídeo. “Ela estava em paz, estávamos em paz”, completou. Carreira e sucessos Nascida em New Rochelle, Nova York, em 1942, Shaw assinou com a Chess Records, famosa gravadora de blues/R&B de Chicago, em 1966. Seu maior sucesso, “California Soul”, foi lançado em seu álbum de 1969, “The Spice of Life”. “California Soul” foi escrita por Ashford & Simpson e gravada inicialmente por The Messengers, mas foi a versão da cantora que se tornou icônica, tornando-se uma das mais sampleadas da História do hip hop – com trechos aparecendo em gravações de Gang Starr, DJ Shadow, Diplo e Nightmares on Wax, entre outros – , além de integrar trilhas sonoras de blockbusters como “Uma Saída de Mestre” (2003) e “O Poder e a Lei” (2011), sem esquecer o videogame “Grand Theft Auto V” (2013) e muitos anúncios de televisão. A faixa possui mais de 100 milhões de streams no Spotify. Ela também fez muito sucesso com o álbum “Sweet Beginnings” de 1977, o disco de maior vendagem de sua carreira, graças à faixa “Look at Me, Look at You”, que duas décadas depois retornou como hit na cena rare groove/acid jazz britânica. Ela também emplacou um grande hit com “Don’t Ask to Stay Until Tomorrow”, música-tema do filme “À Procura de Mr. Goodbar”. Marlene Shaw teve uma carreira de cinco décadas e seguia ativa até recentemente. Em 2015, ela se apresentou no SESC Pompeia, em São Paulo.
George Brown, baterista da banda funk Kool and the Gang, morre aos 74 anos
Fundador da famosa banda funk Kool and the Gang, o baterista George Brown morreu de câncer no pulmão em sua casa, em Los Angeles, nesta quinta-feira (16/11), aos 74 anos. A informação foi divulgada pela sua gravadora, a Universal Music. Conhecido na banda pelo apelido de “Funky”, Brown foi um dos sete amigos de escola de Jersey City, Nova Jersey, que se uniram em 1964 como um grupo instrumental de jazz e soul, que se autodenomina Jazziacs. Outros membros incluíam Robert “Kool” Bell no baixo, o irmão Ronald Bell nos teclados e Charles Smith na guitarra. A banda passou por várias mudanças de nome, incluindo New Dimensions, Soul Town Band e Kool & the Flames antes de se decidir por Kool & the Gang, que a tornaria mundialmente famosa. Eles assinaram com a De-Lite Records e lançaram um primeiro álbum totalmente instrumental em 1970. O sucesso veio três anos depois, quando começaram a misturar jazz e funk, incluindo seus primeiros vocais na faixa “Jungle Boogie”, que virou hit e um funk bastante influente para as gerações posteriores, da era do acid jazz. Eles repetiram a dose em 1974, com “Hollywood Swinging”, e após uma entressafra em busca de sua identidade musical, voltaram 100% funk em 1979 com “Ladies Night”, um de seus maiores sucessos, só superado pelo hit de 1980 “Celebration”. Outras faixas conhecidas da banda incluem “Funky Stuff”, “Get Down on It”, “Fresh”, “Cherish” e “Too Hot”. A batida característica do baterista nas primeiras gravações de Kool & the Gang foi fortemente sampleada por artistas como Beastie Boys, Jay-Z, Madonna, Janet Jackson, Cypress Hill, P. Diddy e The Killers. Ele se dizia “totalmente honrado” com a frequência com que sua música era reutilizada por artistas das novas gerações. Quando solicitado a descrever seu estilo musical, Brown – que lançou um livro de memórias este ano intitulado “Too Hot: Kool & the Gang and Me” – costumava responder: “É o som da felicidade”. Lembre abaixo alguns dos maiores sucessos de Kool and the Gang
Lady Gaga homenageia Tony Bennett no dia que seria seu aniversário de 97 anos
A cantora Lady Gaga prestou uma homenagem emocionante ao amigo e ícone do jazz Tony Bennett, que teria completado 97 anos nesta quinta-feira (3/8). Bennett faleceu em 21 de julho passado, após muitos anos vivendo com a doença de Alzheimer. Em sua conta no Instagram, Lady Gaga compartilhou fotos tiradas em Nova York, onde aparece com um elegante vestido preto em frente a um carrinho de cachorro-quente. Na legenda, a cantora relembrou o amigo. “Feliz aniversário, Tony. 3 de agosto é o dia de Tony Bennett. Um dia para sorrir. Mas eu vou celebrar você muito mais do que uma vez no ano. Irei te celebrar toda vez que estiver no palco cantando jazz, toda vez que estiver com sua família, todas as vezes que andar pelas ruas de Nova York. Eu vou olhar a minha volta e me lembrar tudo o que você fez por essa cidade e por todo o mundo”, escreveu Gaga. Parceria musical e amizade Lady Gaga e Tony Bennett eram grandes parceiros na música e na vida pessoal. Juntos, lançaram dois álbuns – “Cheek to Cheek”, em 2014, e “Love for Sale”, em 2021. Com o primeiro, Bennett quebrou seu próprio recorde ao se tornar o artista mais velho a emplacar um álbum no topo da Billboard 200. A cantora sentia um carinho tão grande pelo ícone do jazz que eternizou o amigo em uma tatuagem, que é um desenho esboçado por ele. Lembranças e ensinamentos Após a morte de Bennett, Gaga levou alguns dias para se pronunciar ao público e fez um texto emocionante se despedindo daquele que ela chamou de seu melhor amigo. “Eu vou sentir saudades do meu amigo para sempre. Eu vou sentir saudades de cantar com ele, gravar com ele, conversar com ele, estar no palco com ele”, escreveu a cantora no Instagram. “Com Tony, eu consegui viver minha vida em um túnel do tempo. Tony e eu tínhamos um poder mágico. Nós nos transporávamos para outra era, modernizávamos a música juntos, e dávamos nova vida a ela como uma dupla de cantores. Mas não foi um ato. Nosso relacionamento era muito real”, acrescentou. Gaga também destacou os ensinamentos que recebeu de Bennett. “Claro que ele me ensinou sobre música, sobre a vida no showbiz, mas também me mostrou como manter meu ânimo elevado e minha cabeça no lugar. ‘Em frente’, ele dizia. Ele era um otimista, acreditava em trabalho de qualidade e vida de qualidade. Além disso, havia a gratidão… Tony sempre foi grato. Ele serviu na 2ª Guerra Mundial, marchou com Martin Luther King Jr. e cantou jazz com os maiores cantores e músicos do mundo”, destacou. A luta contra o Alzheimer Bennett foi diagnosticado com Alzheimer, uma doença neurodegenerativa que compromete a memória e funções diárias do paciente, no ano de 2016. Apesar dos problemas causados pela condição, ele continuou se apresentando até 2021. “Perder Tony para o Alzheimer foi doloroso, mas também foi muito bonito. Uma era de perda de memória é um momento tão sagrado na vida de uma pessoa. Há um sentimento de vulnerabilidade e um desejo de preservar a dignidade”, disse a popstar sobre o diagnóstico de Alzheimer. Mensagem ao mundo Por fim, a artista completou a homenagem ao músico dizendo que se pudesse dizer algo ao mundo, diria para que os mais velhos não fossem menosprezados. “Eu nunca vou esquecer esta experiência. Nunca vou esquecer Tony Bennett. Se eu pudesse dizer algo ao mundo sobre isso, diria para não menosprezar os mais velhos, não os deixe para trás quando as coisas mudarem. Não vacile quando se sentir triste, apenas siga em frente, a tristeza faz parte. Cuide dos mais velhos e prometo que aprenderá algo especial. Talvez até mágico. E preste atenção ao silêncio — algumas das trocas mais significativas de meu parceiro musical e eu não tinham nenhuma melodia”, finalizou. Ver essa foto no Instagram Uma publicação compartilhada por Lady Gaga (@ladygaga) Ver essa foto no Instagram Uma publicação compartilhada por Lady Gaga (@ladygaga)
Tony Bennett, ícone da música jazz romântica, morre aos 96 anos
Tony Bennett, ícone do jazz romântico, morreu nesta sexta-feira (21/7) aos 96 anos. A informação foi confirmada por Sylvia Weiner, sua representante pessoal. O cantor completaria 97 anos no próximo dia 3 de agosto. Sylvia não especificou a causa da morte, porém Bennett foi diagnosticado com Alzheimer em 2016. O artista fez sua última aparição em agosto do ano passado ao lado de Lady Gaga, na apresentação chamada de “One Last Time”. Tony Bennett Anthony Dominick Benedetto nasceu em Nova York, nos Estados Unidos, em 3 de agosto de 1926. Ele era filho de pais imigrantes italianos. A carreira de Tony Bennett teve início ainda na juventude, mas foi interrompida para lutar nos meses finais da 2ª Guerra Mundial. Logo em seu começo, sua carreira ficou marcada por sua voz forte e cheia de personalidade, disputando o favoritismo do público com Frank Sinatra. Dentre as suas principais faixas, ele cantou “Because of You”, “Rags to Riches”, “The Good Life”, “Fly Me to the Moon” e “I Left My Heart in San Francisco”. Durante a carreira, Bennett lançou mais de 70 álbuns e ganhou mais de 19 prêmios Grammy. Ele também fez duetos históricos com artistas clássicos e contemporâneos, entre eles Aretha Franklin, Elvis Costello, Amy Winehouse e Lady Gaga, além de parcerias com ícones latinos como Gloria Estefan, Thalía, e as brasileiras Maria Gadú e Ana Carolina. Comprovando que sua influência se estendeu a gerações, o cantor também gravou dois “Acústico MTV”. Numa das ocasiões, ele foi além de evitar equipamentos elétricos, cantando até sem microfone em determinando momento, para espanto da plateia que conseguiu ouvir claramente sua voz potente mesmo sem auxílio do equipamento. Seu último registro musical foi em 2021, , um novo dueto com a cantora Lady Gaga, chamado “I Get a Kick Out of Yout”. A artista apareceu visivelmente emocionada num vídeo registrado em estúdio. Esse foi o segundo projeto da dupla, que também havia gravado “Cheek to Cheek” em 2014. Além da música, Bennetr também ficou conhecido por sua atuação política, com participação na marcha pelos direitos civis da população negra, que aconteceu de Selma a Montgomery em 1965, por exemplo. Ele ainda cantou para Nelson Mandela, John Kennedy e Bill Clinton, além de se apresentar no jubilei do 50º aniversário da Rainha Elizabeth II.
Confira os vencedores do Grammy, em noite de Olivia Rodrigo, Jon Batiste e Foo Fighters
A Academia da Gravação premiou na noite de domingo os melhores da indústria musical com o Grammy 2022. E a premiação contou com uma brasileira vencedora: a pianista Eliane Elias, que venceu prêmio na categoria Melhor Álbum Latino de Jazz pelo disco “Mirror Mirror”. Foi o segundo Grammy da paulistana de 62 anos, que também foi premiada na mesma categoria em 2016 com o álbum “Made in Brazil”. O novo trabalho foi realizado em parceria com Chick Corea e Chucho Valdés. O primeiro, que faleceu em fevereiro deste ano, também foi premiado na categoria Melhor Solo Improvisado de Jazz por “Humpty Dumpty”. A jovem Olivia Rodrigo, de apenas 19 anos, foi uma das artistas mais premiadas da noite, com três Grammys: Artista Revelação, Melhor Álbum Pop e Melhor Performance Pop Solo. O mesmo número de vitórias foi conquistada por duas bandas. Uma delas foi o projeto Silk Sonic, formada por Anderson .Paak e Bruno Mars, nas categorias Canção do Ano, Gravação do Ano e Melhor Performance de R&B. A outra foi Foo Fighters, que na semana passada perdeu o baterista Taylor Hawkins, premiada por Álbum de Rock, Música de Rock e Performance de Rock. Hawkings foi homenageado por Billie Eilish e, no segmento In Memoriam, a surpresa foi uma menção à cantora sertaneja Marília Mendonça, vítima de uma acidente aéreo em novembro de 2021. A homenagem, entretanto, não incluiu uma das maiores artistas da música brasileira, Elza Soares, morta em janeiro deste ano. Mas o destaque da premiação foi Jon Batiste. Além de Álbum, Gravação e Clipe do Ano, ele se destacou com o maior número de troféus – 11 ao todo – graças à diversidade de projetos realizados, incluindo em sua lista de vitórias a trilha de “Soul”, animação da Pixar. Confira abaixo uma relação com 40 das principais categorias do Grammy – de um total de 70 troféus distribuídos para os mais diferentes gêneros e setores da produção musical. Artista Revelação Olivia Rodrigo Música do Ano “Leave The Door Open” – Silk Sonic Álbum do Ano “We Are” – Jon Batiste Melhor Album Pop “Sour” – Olivia Rodrigo Melhor Performance Pop Solo “Drivers License” – Olivia Rodrigo Melhor Performance de Grupo ou Duo Pop “Kiss Me More” – Doja Cat Featuring SZA Melhor Videoclipe “Freedom” – Jon Batiste Gravação do Ano “Leave The Door Open” – Silk Sonic Melhor Álbum de Rap “Call Me If You Get Lost” – Tyler, The Creator Melhor Performance de Rap “Family Ties” – Baby Keem feat. Kendrick Lamar Melhor Álbum Pop Tradicional “Love For Sale” – Tony Bennett e Lady Gaga Melhor Álbum de R&B “Heaux Tales” – Jazmine Sullivan Melhor Performance de R&B “Leave The Door Open” – Silk Sonic (empate) “Pick Up Your Feelings” – Jazmine Sullivan Melhor Performance de Rock “Making A Fire” – Foo Fighters Melhor Música de Rock “Waiting On A War” – Foo Fighters Melhor Álbum de Rock “Medicine At Midnight” – Foo Fighters Melhor Álbum de Rock Alternativo “Daddy’s Home” – St. Vincent Melhor Performance de Metal “The Alien” – Dream Theater Melhor Performance de Rock Latino “Origen” – Juanes Melhor Álbum de Pop Latino “Mendó” – Alex Cuba Melhor Álbum de Música Urbana “El Último Tour Del Mundo” – Bad Bunny Melhor Álbum de Blues Tradicional “I Be Trying” – Cedric Burnside Melhor Álbum de Blues Contemporâneo “662” – Christone “Kingfish” Ingram Melhor Álbum de Folk “They’re Calling Me Home” – Rhiannon Giddens with Francesco Turrisi Melhor Solo Improvisado de Jazz “Humpty Dumpty (Set 2)” – Chick Corea Melhor Álbum Latino de Jazz “Mirror Mirror” – Eliane Elias, Chick Corea e Chucho Valdés Melhor Álbum Instrumental de Jazz “Skyline” – Ron Carter, Jack DeJohnette & Gonzalo Rubalcaba Melhor Composição Instrumental “Eberhard” – Lyle Mays Melhor Álbum de Música Global “Mother Nature” – Anjelique Kidjo Melhor Música para Mídia Visual “All Eyes on Me” – Bo Burnham Melhor Álbum para Mídia Visual “The United States vs. Billy Holiday” – Andra Day Melhor Trilha para Mídia Visual “The Queen’s Gambit” – Carlos Rafael Rivera (empate) “Soul” – Jon Batiste, Trent Reznor e Atticus Ross Melhor Filme Musical “Summer of Sul (… ou Quando a Revolução Não Pôde ser Televisionada)” Melhor Álbum de Teatro Musical “The Unofficial Bridgerton Musical” – Abigail Barlow e Emily Bear Melhor Álbum de Comédia “Sincerely Louis CK” – Louis C.K Melhor Performance Country Solo “You Should Probably Leave” – Chris Stapleton Melhor Álbum de Gospel “My Savior” – Carrie Underwood Melhor Álbum Dance/Música Eletrônica “Subconsciously” – Black Coffee Melhor Remix “Passenger” – Mike Shinoda remix Melhor Álbum Falado “Carry On: Reflections for a New Generation from John Lewis” – Don Cheadle
Tommy Lane (1936–2021)
O ator Tommy Lane, que participou de “Com 007 Viva e Deixe Morrer” e “Shaft”, morreu na segunda-feira (29/11) no Florida Medical Center em Fort Lauderdale após uma longa luta contra a doença pulmonar obstrutiva crônica. Ele tinha 83 anos. Nascido e criado no bairro de Liberty City, em Miami, Lane começou a carreira de ator com participações da série “Flipper”, filmada na Flórida, entre os anos de 1964 e 1966, e chegou em Hollywood durante o auge da tendência blaxploitation, de filmes criminais de trilha soul e elenco negro. Sua estreia no cinema foi em “Rififi no Harlem” (1970), um dos primeiros lançamentos de blaxploitation. E logo em seguida foi enfrentar Shaft. No filme de 1971, Lane deu vida a um pequeno gângster chamado Leroy, capanga do rei do crime do Harlem, Bumpy (Moses Gunn). O destino de seu personagem foi ser jogado pela janela pelo detetive particular eternizado por Richard Roundtree. A participação marcante em “Com 007 Viva e Deixe Morrer” (1973) também foi como capanga. Filmadas na Jamaica e no estado de Louisiana, as cenas de Lane envolveram uma famosa perseguição de barco, além do característico racismo policial, a tentativa de transformar o James Bond vivido por Roger Moore em ração de crocodilos e uma saída de cena literalmente explosiva, com chamas para todos os lados. Ele também figurou em “Paixão pelo Perigo” (1973), estrelado por Burt Reynolds, “Ganja & Hess” (1973), “O Piloto” (1980), estrelado e dirigido por Cliff Robertson, “Eureka” (1983), dirigido por Nicolas Roeg, e na série “Carga Dupla” (Simon & Simon). Como a carreira de ator não lhe rendeu o reconhecimento que buscava, ele acabou trocando as telas pela música nos anos 1980, assumindo sua paixão pelo jazz como integrante da banda do clube Blue Note, em Nova York. Tocou trompete e flugelhorn por vários anos no clube mais tradicional do jazz americano.
Zoë Saldaña se diz arrependida por ter vivido Nina Simone no cinema
A atriz Zoë Saldaña (“Guardiões da Galáxia”) se disse arrependida por interpretar Nina Simone na cinebiografia “Nina”, lançada em 2016. Na época da produção, a escalação de Saldaña rendeu polêmica entre ativistas negros, porque a atriz tem pele mais clara e traços latinos, que não condiziam com a negritude da cantora. “Eu nunca deveria ter interpretado Nina. Eu deveria ter feito tudo que podia, na época – porque eu tenho um tipo de poder, embora não seja o mesmo [das pessoas brancas] – para pressionar pela escalação de uma mulher negra para interpretar Nina, que era uma mulher negra excepcionalmente perfeita”, disse a atriz numa live no Instagram, durante conversa com Steven Canals, criador da série “Pose”, cujo tema era justamente afro-latinidade e “colorismo” (discriminação baseada em tons de pele negra). Filha de pai dominicano com raízes haitianas e de mãe porto-riquenha, Saldaña precisou usar maquiagem para escurecer sua pele, além de usar próteses dentárias e próteses para alargar o nariz, de modo a assumir feições afro-americanas. Ela foi bastante criticada por essa “black face”, mesmo sendo negra. Os herdeiros da cantora reforçaram que Zoë “não era negra o suficiente” para o papel e India Arie, que viveu a cantora na série “American Dreams” (em 2003) defendeu que Nina Simone fosse interpretada por Viola Davis, que havia acabado de vencer o Oscar por “Histórias Cruzadas” (2011). Em uma entrevista ao The Hollywood Reporter, India Arie lembrou que a pele escura foi determinante para Nina Simone, não apenas por sua participação destacada nos movimentos civis. “Ela teria tido uma carreira diferente se fosse mais parecida com Lena Horne ou Dorothy Dandridge. Ela poderia ter sido a primeira pianista negra famosa em todo o mundo”, disse. No auge da polêmica, Lisa Simone Kelly, a filha de Nina Simone, veio a público defender Zoë Saldaña, declarando que o problema não estava na atriz, mas nos responsáveis pelo filme, especialmente a diretora e roteirista Cynthia Mort (roteirista do thriller “Valente”), que teria inventado quase toda a história e não recebido aprovação para as filmagens. “Ela [Zoë] claramente trouxe o melhor de si para o projeto e, infelizmente, está sendo atacada por algo que não é sua culpa, pois não é responsável pelas mentiras do roteiro”. A produção também foi acusada de privilegiar o período de decadência da cantora, quando ela enfrentava internações hospitalares por seu alcoolismo e o desinteresse do mercado. No Facebook, a conta de Nina Simone chegou a sugerir um boicote ao longa-metragem, pedindo aos fãs para fazerem suas próprias homenagens, ficando em casa no dia da estreia nos cinemas. Hoje, Zoë Saldaña concorda com todas as críticas. “Na época, eu achei que tinha permissão para interpretá-la, porque sou uma mulher negra. E sou mesmo. Mas estamos falando de Nina, e ela teve uma jornada que deveria ser honrada de forma específica… ela merecia melhor, e eu sinto muito, porque amo a música dela”, acrescentou a atriz. Ela finalizou o assunto fazendo um apelo para Hollywood contar novamente a história da cantora, desta vez com uma atriz afro-americana e apresentando sua importância de forma correta. Ver essa foto no Instagram Zoe Saldana (@zoesaldana) sits down with "Pose" (@poseonfx) creator and executive producer Steven Canals (@stevencanals) to chat about Afro-Latinidad, colorism in the Latinx community, Nina Simone, and more. #AfroLatinx #AfroLatinidad #BESE #ZoeSaldana #StevenCanals #Pose #PoseFX #AfroLatinos #Dominican #PuertoRican Uma publicação compartilhada por BESE (@bese) em 3 de Ago, 2020 às 6:54 PDT
Annie Ross (1930 – 2020)
A atriz e cantora Annie Ross, conhecida pelo hit de jazz “Twisted” e por papéis em filmes como “Superman 3” (1983) e “Short Cuts – Cenas da Vida” (1993), morreu na terça (21/7) por complicações cardíacas. Nascida Annabelle Macauley Allan Short, ela começou sua longa carreira ainda na infância, graças à influência da tia, a atriz e cantora Ella Logan, aparecendo em curtas dos Batutinhas aos sete anos de idade. Sua estreia em longa-metragem foi como irmã mais jovem de Judy Garland na comédia musical “Lilly, A Teimosa” (1943). Mas o trabalho que lhe deu projeção acabou sendo uma música. Ela virou a queridinha do jazz americano na década seguinte, com o lançamento de “Twisted”, música de 1952 sobre as memórias perturbadas de uma paciente psiquiátrica. Durante os anos 1950 e 1960, Annie Ross cantou ao lado de Dave Lambert e Jon Hendricks no trio Lambert, Hendricks & Ross, que lançou o disco “Sing a Song of Basie” (1957) considerado um clássico do jazz. Em 1962, eles venceram um Grammy pelo álbum “High Flying”. O sucesso musical a afastou das telas. Ela ficou tão famosa que, quando aparecia em alguma produção, interpretava a si mesma, como aconteceu num episódio da série britânica “O Santo”, em 1965. Mas após duas décadas dedicadas à música, Annie precisou voltar aos cinemas a partir dos anos 1970, após um divórcio que a deixou falida. Ela alternou participações em musicais de teatro com pequenos papéis em filmes como “Alfie – O Eterno Sedutor” (1975), “Os Yankees Estão Voltando” (1979) e principalmente “Superman III” (1983), em que interpretou a irmã do vilão Ross Webster (Robert Vaughn), transformada em um ciborgue na história. Curiosamente, acabou tendo maior projeção em duas continuações da franquia de terror “Basket Case”, produzidas em 1990 e 1991, além de ter interpretado a diretora da escola de Christian Slater no cultuado “Um Som Diferente” (1990), um filme sobre o poder subversivo do rock alternativo. Neste período, ela descobriu que tinha um fã no diretor Robert Altman, que a incluiu em dois filmes consecutivos. Após viver a si mesma em “O Jogador” (1992), Altman a escalou em “Short Cuts – Cenas da Vida” (1993), como uma cantora de jazz que lutava para se recuperar do vício em heroína e voltar aos holofotes. A personagem parecia ter sido escrita sob medida, já que Annie Ross enfrentou o vício da droga na vida real. “Short Cuts” representou um renascimento da carreira musical de Ross, que também cantou em sua trilha sonora. O filme lhe rendeu convites para retomar as turnês artísticas. Reinventando-se como cantora de cabaret, com espetáculos lotados, ela despediu-se dos cinemas pela última vez no ano seguinte, encerrando sua filmografia com “Céu Azul” (1994), um romance estrelado por Jessica Lange e Tommy Lee Jones. Ross se apresentou regularmente no Metropolitan Room até o fechamento da sala de espetáculos nova-iorquina em 2017, e, em 2014, lançou seu último álbum, “To Lady with Love”, uma homenagem a Billie Holiday.
Earl Cameron (1917 – 2020)
O ator Earl Cameron, um dos primeiros e maiores astros negros do cinema britânico, morreu na sexta-feira (3/7) em sua casa em Kenilworth, na Inglaterra, de causas não reveladas. Ele tinha 102 anos. Cameron virou ator por acaso. Imigrante de Barbados, trabalhava como lavador de pratos quando foi visitar um amigo nos bastidores de um musical no West End londrino no final dos anos 1940. Naquele dia, um ator foi demitido e ele acabou aproveitado no ensaio para cantar um refrão. Não só entrou na peça como participou de diversas montagens teatrais, antes de fazer sua estreia bombástica nas telas em 1951, escalado pelo célebre diretor Basil Dearden como um marinheiro recém-chegado de navio em Londres, no clássico noir “Beco do Crime”. Naquele filme, o personagem de Cameron se envolvia com uma garota branca (Susan Shaw), num contexto de racismo e crime que entrou para a História. Foi o primeiro romance interracial produzido pelo cinema britânico. Apesar desse começo impactante, ele foi relegado a papéis menores nos longas seguintes, atuando geralmente em produções passadas na África, ainda no período colonial britânico, como “Simba” (1955), “Odongo” (1956), “A Morte Espreita na Floresta” (1956), “A Marca do Gavião” (1957) e até na série “O Caçador Branco” (1957). Só foi voltar à Londres urbana em novo filme de Dearden, o clássico “Safira, a Mulher Sem Alma” (1959), noir excepcional, vencedor do BAFTA de Melhor Filme Britânico, que se passava nos clubes noturnos de jazz da capital inglesa e novamente revisitava as relações interracionais e o racismo contra imigrantes caribenhos. Desde vez, ele interpretou um médico, irmão da personagem-título. Era o assassinato de sua irmã, confundida com uma mulher branca pela polícia, que dava início à trama, apresentada como uma investigação de crime racial. Após outras aventuras coloniais, inclusive um Tarzan – foi parceiro do herói em “Tarzan, o Magnífico” (1960) – , ele estrelou seu terceiro drama racial, “Lá Fora Ruge o Ódio” (1961), mais uma vez numa relação com uma mulher branca. Dirigido por Roy Ward Baker, o drama trazia o ator como o operário-modelo de uma fábrica, que era selecionado para receber uma promoção, despertando grande ressentimento entre seus colegas brancos. Cameron fez outro Tarzan – “Os Três Desafios de Tarzan” (1963) – e sua maior produção colonial, “Os Rifles de Batasi” (1964), de John Guillermin, antes de virar um agente secreto aliado de James Bond em “007 Contra a Chantagem Atômica” (1965). Ele também participou de “Dezembro Ardente” (1973), romance estrelado e dirigido por Sidney Poitier em Londres, integrou a produção libanesa “Maomé – O Mensageiro de Alá” (1976), ao lado de Anthony Quinn, e voltou a contracenar com o intérprete de 007, Sean Connery, em “Cuba” (1979). Mas aos poucos tomou o rumo da TV, onde apareceu em dezenas de produções, inclusive nas célebres séries “Doctor Who” e “O Prisioneiro”, antes de dar uma pausa de 15 anos nas telas. Retornou apenas na década de 1990 para dar continuidade à longa filmografia. Entre seus trabalhos mais recentes estão o thriller “A Intérprete” (2005), de Sydney Pollack, estrelado por Nicole Kidman, o premiado “A Rainha” (2006), de Stephen Frears, que consagrou Helen Mirren, e “A Origem” (2010), de Christopher Nolan, com Leonardo DiCaprio.
