Clipe de Justin Bieber revela os bastidores de sua nova turnê
Justin Bieber divulgou o clipe do seu mais novo single, “Company”, que troca as historinhas românticas e as coreografias por um vislumbre nos bastidores de sua última turnê, entre palcos, paisagens de cartão postal, rolês de skate e snowboarding, e até uma sessão de fotos para a Calvin Klein. Dirigido por Rory Kramer, o fotógrafo da entourage de Bieber, o clipe é dá imagens ao quarto single derivado do álbum “Purpose”, que já rendeu os hits “What Do You Mean”, “Sorry” e “Love Yourself”.
Jared Leto viverá o Coringa em clipe da trilha de Esquadrão Suicida
O ator Jared Leto (“Clube de Compra Dallas”) vai viver o Coringa num clipe musical. Intérprete do vilão no vindouro filme do “Esquadrão Suicida”, ele postou recentemente fotos nas redes sociais em que voltava a usar a fantasia no personagem. Houve quem acreditasse que o retorno ao visual do Coringa tinha a ver com refilmagens, mas o site Batman News descobriu que ele estava em Miami gravando o clipe. Ainda sem título, a música junta o rapper Rick Ross e o produtor Skrillex e teve um trecho divulgado no SoundCloud (ouça abaixo). A gravação não é oficial e foi registrada por um fã, quando Skrillex apresentou a faixa pela primeira vez no WAV Nightclub, em Atlantic City, no início do ano. A letra faz várias referências ao vilão, que se chama Joker em inglês. Rick Ross ainda menciona Suicide Squad, Gotham City, Killer Croc e a Lamborghini roxa que o Coringa dirige no filme. O vídeo será lançado no dia 1º de julho. “Esquadrão suicida” é um dos filmes mais aguardados do ano. A produção acompanha um grupo de supervilões dos quadrinhos da DC Comics, que aceita participar de uma missão suicida para o governo em troca da redução de suas sentenças. Além do Coringa de Jared Leto, o longa ainda destaca Margot Robbie (“Golpe Duplo”) como Arlequina e Will Smith (também de “Golpe Duplo”) como o Pistoleiro. Escrito e dirigido por David Ayer (“Corações de Ferro”), “Esquadrão Suicida” estreia em 4 de agosto no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Novo clipe do Coldplay é uma apoteose surreal
A banda Colplay lançou seu novo clipe, “Up&Up”, povoado de gigantes e miniaturas vivas. O vídeo é uma apoteose surreal, onde é possível mergulhar num prato de massa, fazer pipoca num vulcão e dirigir sobre os anéis de saturno. Composto inteiramente de justaposições de imagens, a obra mistura cenas de filmes, imagens históricas e gravações inéditas de forma única, bela e atordoante, que subvertem dimensões para criar cenas de poesia sci-fi. É o melhor clipe de toda a carreira da banda inglesa. O surpreendente clipe da Terra de Gigantes é o quarto vídeo extraído do disco “A Head Full of Dreams” e reforça a proposta da banda de trabalhar com diferentes e inovadores artistas visuais em cada canção. Desta vez, a obra foi criada por dois israelenses de 30 anos, Vania Heymann e Gal Muggia. Ambos trabalham em publicidade e já dirigiram clipes. Heymann, por sinal, assinou um bem famoso, a nova versão de “Like A Rolling Stone”, de Bob Dylan, em 2013. Já Muggia vinha trabalhando com artistas do pop israelense, como Ester Rada e Adi Ulmansky.
Jennifer Lopez rebela-se através das décadas com ótimo clipe feminista
A cantora e atriz Jennifer Lopez (série “Shades of Blue”) divulgou seu novo e surpreendente clipe “Ain’t Your Mama”, em que vive diversas mulheres, em diferentes épocas, proclamando que não vai cozinhar, lavar ou fazer o trabalho de nenhum marmanjo, porque não é mãe de homem feito. Estruturado como um curta, o ótimo vídeo começa com um discurso feminista, em que uma versão telejornalista da cantora, com visual de guerrilheira, conclama todas as mulheres a se rebelarem. Para servir de exemplo, ela vive uma dona de casa dos anos 1950, uma secretária dos anos 1960, uma empregada de fábrica dos anos 1970 e uma funcionária da uma grande corporação dos anos 1980, sempre aludindo ao tratamento abusivo de maridos, patrões e colegas que querem colocá-la “em seu lugar”, fazendo todo o trabalho. No final, várias mulheres de jeans se juntam para dançar na rua com a cantora, numa alusão às coreografias dos anos 1990. A mensagem clara, o refrão fácil e a batida dançante são contagiantes. Uma boa forma de retomar a carreira musical, após dois anos sem lançar músicas. Composta em parceria com a também cantora Meghan Trainor, que tem metade da idade de J-Lo, “Ain’t Your Mama” é o primeiro single do novo álbum da diva, que só deve chegar às lojas no final do ano. Entretanto, ele embute uma contradição, na figura do produtor Dr. Luke, acusado por Keisha de ser abusivo, manipulador e outras coisas que nenhuma feminista defenderia. O vídeo, por sua vez, foi dirigido por Cameron Duddy, editor do filme “Antes Só do Que Mal Casado” (2007) e especialista em clipes de artistas populares, como Bruno Marz, Fifth Harmony, Rita Ora e Britney Spears. “Ain’t Your Mama”, porém, é disparado o seu melhor trabalho.
Radiohead divulga novo clipe com direção de Paul Thomas Anderson
A banda britânica Radiohead divulgou seu segundo clipe em menos de uma semana semana, “Daydreaming”, três dias após surpreender os fãs com “Burn the Witch”. O novo vídeo tem direção do cineasta americano Paul Thomas Anderson, que costuma trabalhar com o guitarrista Jonny Greenwood nas trilhas de seus filmes – os dois colaboraram em “Sangue Negro” (2007), “O Mestre” (2012) e “Vício Inerente” (2014). “Daydreaming”, por sinal, tem clima de trilha cinematográfica. Trata-se de um pós-rock melancólico, com arranjo de cordas e piano, marcado por progressão minimalista e dissonâncias. Mas, ao receber o vocal abissal de Thom Yorke, ela possibilita uma definição mais sintética: chata. Se Greenwood parece monopolizar os bastidores da canção, quem põe sua cara torta no vídeo é o cantor. Ele recebe diversos closes enquanto caminha, de moleton e cabelo ensebado, acompanhado de perto pela câmera de Anderson. O traveling é uma coleção de portas abertas para diferentes ambientes, que levam Yorke por estacionamentos, lojas, casas, praia, floresta e neve, até revelar seu destino numa caverna primordial, enquanto a melodia se torna gutural e hibernante – com direito a “roncos” de cordas. Literalmente coloca o ouvinte para dormir. A música faz parte do próximo álbum da banda, ainda sem título, que deverá receber lançamento digital no domingo (8/5).
Janet Jackson lança novo clipe, igual aos que fazia há 27 anos
A cantora Janet Jackson lançou o clipe de “Dammn Baby”, terceiro single do seu novo álbum “Unbreakable”. No vídeo, a irmã de Michael Jackson dá seu recado, dizendo-se “original”. E o resultado é tudo menos isso, repetindo-se com uma coreografia cheia de passinhos sincronizados com dançarinos de fundo, em gravação preto e branco – “Rhythm Nation” e “Miss You Much” (ambos de 1989) revisitados. Seu revival da estética da MTV, quando vídeos com dancinhas já valiam um Astronauta Prateado, serve como antítese contrastante de outra época, a do “disco visual” de Beyoncé. O diretor Dave Meyers, por sinal, já ganhou um Astronauta da MTV por “Work It”, de Missy Elliott, em 2003. E desde então virou o cineasta responsável pelo remake do terror “A Morte Pede Carona” (2007), que ninguém viu. Outro sinal dos tempos: a música “Dammn Baby” foi composta pela veterana dupla Jimmy Jam e Terry Lewis, com quem Janet já trabalhava há 27 anos. E os velhos hitmakers continuam adorando clichês de R&B dançante, com batida e sample repetitivos de hip-hop, datados há pelo menos uma década. “Unbreakable” marca a volta da cantora depois de oito anos sem lançar álbuns. Prestes a completar 50 anos, Janet anunciou que seus planos para o resto do ano incluem “começar uma família”. A cantora estaria grávida, segundo boatos mais ou menos confirmados por ela própria. A turnê do disco ficou para 2017.
Racionais MCs lançam novo clipe com clima de filme policial
Famosos por letras impactantes e bastante descritivas, que materializam histórias verídicas da periferia, os Racionais MCs aprimoraram a abordagem narrativa em seu novo clipe, “Um Preto Zica”. Em vez de aparecerem declamando a letra ou girando discos, Mano Brown, Edi Rock, Ice Blue e KL Jay atuam no vídeo, que gira em torno de um encontro num bar, caguetado por um traíra, o preto zica do título. A mensagem do informante mobiliza a polícia em torno do bar, mas o vídeo, de pouco mais de dois minutos, prefere avançar a trama e, sem mostrar o confronto policial, revela o desfecho com o traidor de joelhos, cercado pelo quarteto racional, numa lição sobre a justiça da favela. Primeiro clipe do álbum “Cores e Valores”, lançado em 2014, “Um Preto Zica” tem direção do paulista Konrad Cunha Dantas, mais conhecido como Kondzilla, que gerou milhões de visualizações em seu canal no YouTube com clipes de funk – onde é possível ver vídeos de MC Boy do Charmes, MC Nego Blue, MC B.Ó. e Karol Conka, entre muitos outros. Kondzilla também assinou o roteiro do clipe. Declarando desejo de continuar a parceria, ele afirma ter histórias já escritas para novos vídeos dos Racionais.
Beyoncé surpreende com “disco visual” de quase uma hora de duração
A cantora Beyoncé voltou a surpreender com o lançamento de um novo álbum-surpresa e coleção de clipes, dois anos após inventar a moda. No momento em que o mundo ainda lamenta a morte de Prince, ela mostra que o funk continua vivo e evoluindo com “Lemonade”, uma porrada sonora, que chega acompanhado de um “visual album”, um vídeo com quase uma hora de duração – originalmente exibido como um especial da HBO no fim de semana. “Lemonade”, o vídeo, junta os clipes do disco, dando imagens e contexto à sua proposta, que vai do tom confessional, em mensagens pouco amistosas, aparentemente endereçadas a seu marido, o rapper Jay Z, até o tom de protesto, enquadrando a violência racial da polícia americana. De um lado, seu casamento conturbado. Do outro, o divórcio da população e a justiça. Repleto de referências, o vídeo passeia por paisagens da história dos negros americanos, desde os plantações da escravatura – o título “Lemonade” é referência ao uso de limonada para clarear a pele dos escravos – , pelo jazz de Nova Orleans, os ônibus simbólicos da luta pelos direitos civis, a era do orgulho racial, evocado nos samples de Isaac Hayes que ressoam na música “6 Inch”, até chegar aos dias do rap e da violência policial. Segundo a cantora, o disco é “baseado na jornada de autoconhecimento e cura de todas as mulheres”. Assim, há muitas alusões a figuras femininas. Uma mulher de vestido branco pendurada numa árvore lembra “Strange Fruit” de Billie Holiday, o blues sobre os frutos das árvores dos negros enforcados. Há também um close no rosto de Nina Simone na capa de um disco. E mulheres dos dias de hoje, como modelo Winnie Harlow, que tem o rosto descolorido pelo vitiligo, e as mães dos jovens Trayvon Martin e Michael Brown, recentemente assassinados pela polícia americana. Musicalmente, o passeio também encontra diversas paisagens intrigantes, de gospel, country, rock, soul, funk e até dub, na companhia de gente tão distinta quanto o guitarrista Jack White, os cantores The Weeknd e James Blake e o rapper Kendrick Lamar. A música com guitarra e vocais de Jack White, “Don’t Hurt Yourself”, é o primeiro single, que vai do reggae leve ao rock pesado com impressionante naturalidade. Não menos impressionante é “Freedom”, com Kendrick Lamar, que usa o gospel de forma sobrenatural. Por sua vez, a síntese visual de “Lemonade” pode ser evocada na imagem de Beyoncé destruindo carros com um taco de beisebol, com um sorriso no rosto, balançando ao som de uma batida ska que também faria a alegria da geração 2-Tone dos anos 1980. A música se chama “Hold Up” e tem sample da banda de rock Yeah Yeah Yeahs. Este vídeo, por sinal, tem direção do grande mestre dos clipes Jonas Åkerlund. Mas a lista de diretores que se mesclam na produção (um clipe continua no outro, entrecortados por poemas de Warsan Shire) inclui ainda outros visionários, como Kahlil Joseph, Melina Matsoukas, Dikayl Rimmasch, Todd Tourso, o cineasta Mark Romanek (“Não me Abandone Jamais”) e a própria Beyoncé Knowles Carter.
Playlist (Superfly): 35 clipes do funk sintetizado dos anos 1980
O funk de sintetizadores new wave e batida sincopada marcou a sonoridade dos anos 1980 graças a Prince. Infelizmente, a preservação dessa história foi comprometida pelo próprio artista, que proibiu seus clipes no YouTube, vetou homenagens, como a série “Glee”, e barrou o compartilhamento dos registros de seus shows feitos por fãs. Após sua morte na quinta (21/4), dois clipes apareceram de forma não autorizada no portal de vídeos do Google. Eles abrem e fecham a lista abaixo, que junta 35 vídeos de artistas do R&B e da new wave para evocar o complô de influências que prosperou durante o reinado do funk sintético de Prince.
Rihanna é assassina sensual em clipe assinado pelo diretor de Spring Breakers
A cantora Rihanna lançou seu novo clipe, “Needed Me”, uma balada literalmente matadora e para maiores. O vídeo tem direção de Harmony Korine, o cineasta de “Spring Breakers” (2012). E possui muito em comum com aquele filme, com grandes doses de ostentação, violência e sensualidade. A historinha destaca dois momentos. Rihanna surge com figurino transparente, seios à mostra e arma na mão. Enquanto isso, motos cruzam a noite, negros tatuados e armados fazem caras de mau e o cenário do confronto se materializa no interior de uma boate decadente de strip tease. O momento da decisão acontece quando Rihanna adentra o recinto, caminhando entre seios fartos, bundas de fio dental e dólares jogados pro alto, até encontrar seu destino, um homem a quem despacha, no meio de uma sessão de lap dance, enquanto a música a descreve como uma selvagem, capaz de foder cavalo selvagem e carruagem. O tema de vingança feminina do clipe também lembra “Bitch Better Have My Money”, lançado no ano passado. Produzida por DJ Mostard, a música faz parte do novo disco da cantora, “Anti”, que por ocasião de seu lançamento foi descrito como pouco comercial. Um grandioso equívoco, considerando o sucesso da música anterior, “Work”, e o fato de “Anti” manter-se há 12 semanas como um dos cinco discos mais populares dos EUA.
Fernanda Abreu lança clipe realizado pela diretora de Muitos Homens Num Só
A cantora Fernanda Abreu lançou o primeiro clipe de seu novo disco, a faixa “Outro Sim”, que foi dirigido pela cineasta Mini Kerti (“Muitos Homens Num Só”) e produzido pela Conspiração Filmes. O clipe foi rodado em preto e branco, mas contém tons vermelhos como o design de Giovanni Bianco para a arte do single (veja acima). Bianco também é responsável pela arte de CDs de Madonna e de “Bang”, o mais recente lançamento de Anitta. O vídeo em si traz a cantora em estúdio, cantando, dançando e gesticulando muito, num figurino masculino (de Claudia Kopke, figurinista de “Que Horas Ela Volta?”), que inclui um chapéu em referência a Michael Jackson. A música “Outro Sim” faz parte do CD “Amor Geral”, o primeiro com músicas inéditas da cantora desde “Na Paz”, de 2004.
Playlist (The Sound of Silence): Veja 15 clipes de clássicos do folk rock
O “fracasso” de “Batman vs. Superman: A Origem da Justiça” teve um efeito colateral curioso: a viralização de um vídeo sobre as críticas negativas, que enfatizavam a reação – ou falta dela – de Ben Affleck, com trilha do clássico “The Sound of Silence”, de Simon & Garfunkel. Em consequência dessa brincadeira, 50 anos após estrear no topo das paradas, a música de 1966 voltou às paradas de sucesso americanas: em 6º lugar no ranking de Hot Rock Songs da revista Billboard e em 2º entre as mais ouvidas em sites de streaming, com 5,6 milhões de execuções apenas na semana passada. Originalmente um gênero de grandes narrativas, criadas por bardos medievais para espalhar lendas, louvar feitos ou zombar dos poderosos, o folk se provou um instrumento poderoso nas vozes dos cantores de protesto dos anos 1960. Mas também evoluiu com o rock, adotando a temática hippie para falar de amor ao violão. “The Sound of Silence” surgiu justamente durante um momento de transição do folk, quando o gênero trocava a preocupação social por canções existenciais. A diferença é visivelmente traçada entre os festivais de Newport e Woodstock, mas no meio desse caminho ainda houve a trilha de “A Primeira Noite de um Homem” (The Graduate, 1967). O filme com músicas de Simon & Garfunkel deu imagens à sensação de vazio e desapego que emergia no final da década de 1960, transformando “The Sound of Silence” numa espécie de hino da depressão. Aproveite para ver abaixo este e outros clássicos da época em que o folk entrou na história do rock.
Playlist (Vapour Trail): 15 clipes que inauguraram o indie rock nos anos 1980
Existem várias teorias para explicar como surgiu o rock indie. Há quem prefira apontar os primeiros discos (EPs e singles) independentes, lançados pelas próprias bandas a partir de 1977, durante o auge da estética DIY (Do It Yourself) do punk rock. Em 1980, já havia tantos compactos de gravadoras independentes circulando que o semanário britânico Record Week criou a primeira parada de sucessos voltada apenas para refletir os hits com distribuição alternativa, influenciando outras publicações a seguirem a iniciativa. Mas foi só na metade daquela década que o termo “indie” passou a ser usado como definição musical e não apenas econômica. Em novembro de 1985, o primeiro álbum radicalmente diferente do que havia surgido no pós-punk chegou às lojas: “Psychocandy”, de The Jesus and Mary Chain. Sem saber direito como lidar com a banda, a crítica a rotulou como “o novo Sex Pistols”, tecendo uma analogia entre seu som barulhento e os tumultos que marcavam seus primeiros shows. Mas havia sinais que aquele barulho não era isolado. O empresário do Jesus and Mary Chain, Alan McGee, lotava seu clube londrino, The Living Room, com bandas novas. Ele mesmo era integrante de uma delas (Biff Bang Pow) e dava os primeiros passos com sua própria gravadora, a Creation Records, por onde lançaria a banda paralela do baterista do Jesus, chamada Primal Scream. A verdade é que desde 1984 as bandas se multiplicavam, alimentando, por sua vez, o surgimento de diversas gravadoras pequenas. E foi um movimento tão súbito e intenso que deixou até a imprensa musical perdida, sem conseguir identificar para seus leitores os inúmeros artistas que pareciam surgir de uma só vez. Para cumprir essa tarefa, o semanário NME (New Musical Express) teve a ideia de lançar uma amostragem desses novatos, disponibilizando uma fita K7 junto de uma de suas edições. A iniciativa rendeu a primeira coletânea indie de todos os tempos, a “C86”, assim batizada em homenagem à “classe de 1986”. A “C86”, que completa 30 anos, acabou simbolizando o ponto de virada da música indie. Além de reunir diversos artistas diferentes, ela foi acompanhada por uma longa reportagem da publicação, contextualizando sua representatividade. O objetivo de seus idealizadores era demonstrar como a nova música britânica independente tinha evoluído nos últimos anos, afastando-se do pós-punk, de forma quase desapercebida, enquanto o pop com sintetizadores e influenciado pelo R&B americano dominava as paradas de sucesso. Em contraste, a nova geração priorizava guitarras sobre os sons eletrônicos do período, o que também rendeu a definição genérica “guitar bands” para definir aquela geração no Brasil. O impacto do lançamento do “C86” uniu a imprensa musical britânica em torno da bandeira indie. As publicações rivais da NME, como Melody Maker e Sounds, passaram a incluir novas reflexões sobre a revolução em andamento, nem que fosse para declarar que aquele K7 não era, assim, tão representativo. De fato, se lá havia Primal Scream, The Pastels, Close Lobsters e The Wedding Present, por exemplo, sobravam bandas que não foram a lugar algum, enquanto as ausências de The Jesus and Mary Chain, Spaceman 3 e The Loft, entre outros, gritavam. Aproveitando a discussão, a Creation Records passou a lançar suas próprias coletâneas, revelando My Bloody Valentine, House of Love, Jasmine Minks, The Weather Prophets (sucessor de The Loft) e a geração shoegazer. O fato é que 1986 representou uma grande virada. Ainda havia muitos artistas interessados em levar adiante a sonoridade pós-punk, influenciados por PIL e até Echo and the Bunnymen, por exemplo. Mas os talentos que passaram a monopolizar a atenção da crítica citavam influências mais antigas, incomuns até então, de artistas dos anos 1960: o jangle pop de bandas como The Byrds e outros artistas com guitarras de 12 cordas, o wall of sound dos girl groups como Shangri-Las e The Ronettes e a explosão de microfonia entronizada no clássico “Sister Ray”, do Velvet Underground, banda que também contava com os vocais “frágeis” de Lou Reed e “gélidos” de Nico. Essas sementes, que renderam as primeiras bandas da música indie, acabaram frutificando em novas ramificações musicais na década seguinte, o twee pop e o shoegazer. Em suma, foi assim que tudo começou. Relembre, abaixo, os sons mais distorcidos dessa era, responsáveis por tirar o Velvet Underground da obscuridade para transformá-la na banda mais influente do mundo – como atestam as microfonias, as melodias murmuradas e os kits minimalistas de bateria (tocada em pé) que, desde então, se tornaram indissociáveis da cena indie.
