Fábula de A Forma da Água é bela, politicamente correta e também convencional
Ah, o cinemão clássico norte-americano… Desta vez, conduzido por um cineasta mexicano, “estirpe” que vem dominando – com méritos – Hollywood nesta década. Em 1962, no período da Guerra Fria, uma criatura estranha é capturada na América do Sul e levada por um militar (um vilão caricatural interpretado por Michael Shannon) para estudos em um laboratório ultra-secreto do governo dos EUA. Os norte-americanos desejam utilizar a criatura na corrida espacial, e espiões russos acompanham os estudos, pensando num sequestro. A parte disso tudo, a faxineira (muda) Elisa Esposito (a ótima Sally Hawkins) segue uma rotina diária: ela acorda, coloca alguns ovos para cozinhar, entra no banho, se masturba, toma café, pega o ônibus para o trabalho e chega quase sempre em cima do horário. Elisa trabalha no laboratório e em um momento de faxina se depara com a criatura, iniciando uma história de amor nos moldes do clássico “A Bela e a Fera”. O cineasta Guillermo Del Toro recria com capricho o território de fábula que o tornou conhecido com “O Labirinto do Fauno” (2006) num filme sexy que ora homenageia o “O Monstro da Lagoa Negra” (1954), ora acena para “La La Land” (2016), e tem todos os elementos politicamente corretos para os tempos modernos: Elisa é latina e seus melhores amigos são uma negra, a também faxineira Zelda (Octavia Spencer sempre excelente e merecidamente indicada ao Oscar como Atriz Coadjuvante), e um gay, o ilustrador Giles (Richard Jenkins eficiente e também indicado no papel de coadjuvante). A criatura é feia, mas também tem um bom coração e se comove com música, tanto quanto se apaixona pelos ovos feitos por Elisa. O romance destes dois perdidos numa banheira suja é delicadamente bonito e a paisagem gótica um dos pontos altos de um filme que recebeu 13 indicações ao Oscar, e deve levar entre três e quatro para casa (o México?), mas falta alguma coisa nesse oceano de citações, recortes, clichês e acusações de plágio que torne o filme… único. O resultado: uma bela e bem-feita fábula tradicional.
Superestimado, Três Anúncios para um Crime é bom filme que corre risco de vencer o Oscar
Apesar da carreira curta, em que se destaca “Na Mira do Chefe”, uma boa comédia B que utiliza a paisagem encantadora de Bruges e que recebeu indicação ao Oscar de Melhor Roteiro em 2009, o terceiro longa de Martin McDonagh, ainda que superestimado, foi uma das boas surpresas de uma temporada acima da média. Indicado a sete Oscars (incluindo Melhor Filme), “Três Anúncios para um Crime” conta a história de Mildred Hayes (Frances McDormand), mãe de uma garota que foi violentada e assassinada na pequena Ebbing, cidade (que não existe) caipiríssima do interior do Missouri. Para chamar a atenção da imprensa, da cidade e da polícia, que, segundo Mildred, “está ocupada demais torturando negros para resolver um crime de verdade”, ela aluga três outdoors visando cobrar uma solução para o caso. Sob o comando do delegado Willoughby (Woody Harrelson), uma policia local repleta de racistas, como Dixon (Sam Rockwel), tenta se movimentar, mas tudo foge ao controle num roteiro que soa (algumas vezes de forma até forçada) bastante inspirado nas obras originais dos irmãos Coen (o que faz a escalação de Frances, mulher de Joel Coen, parecer tanto um acerto quanto um disparate). Entretanto, lhe falte a sagacidade, a inventividade e a porralouquice dos irmãos. O resultado é um bom filme que consagra elenco, já premiado pelo Sindicato dos Atores. Frances é favoritíssima ao Oscar de Melhor Atriz, enquanto Sam Rockwel deve levar o de Melhor Ator Coadjuvante – prêmio a que Woody Harrelson, excelente, também foi indicado. O filme ainda disputa com menos chances a estatueta de Roteiro Original (“Corra!” é favorito) e Edição (num mundo justo, “Eu, Tonya” levaria), mas corre o risco de vencer a categoria de Melhor Filme e ser esquecido… como “Crash” (2004). Será?
Eu, Tonya recria tragédia real como espetáculo surreal de adrenalina, talento e diversão
Patinadora artística, Tonya Harding disputou por duas vezes os Jogos Olímpicos, foi campeã norte-americana em 1990 e conquistou a medalha de prata no Campeonato Mundial de 1991. Sua carreira, porém, acabou aos 24 anos quando ela foi acusada de participar de uma conspiração que culminou em um ataque à adversária Nancy Kerrigan, que teve o joelho ferido. A vida “real” pode ser muito mais maluca (inventiva ou mesmo criativa) do que a arte, e caso “Eu, Tonya” não fosse inspirado em eventos reais, poderia muito bem ser taxado de inverossímil – ainda que duvide-se que tudo aquilo ali aconteceu… realmente do jeito que é contado. O que se vê em 120 minutos de exibição é uma produção divertidamente e tragicamente acelerada, com grandes méritos para a Edição, indicada ao Oscar, que se utiliza da constante quebra da quarta-parede para colocar o espectador ao lado de Margot Robbie (numa atuação magistral, digna do Oscar a que concorre), como protagonista de uma surreal epopeia esportiva dos tempos modernos. A narrativa flagra uma grande atleta (“caipirona”, segundo juízes, que não queriam uma garota “chucra” representando os Estados Unidos, mesmo que seu talento no rinque de patinação fosse inegável) abusada emocionalmente pela mãe (Allison Janney, também indicada ao Oscar) e fisicamente pelo marido (Sebastian Stan). Irmão torto de “A Grande Jogada” (2017) no quesito “os podres bastidores do esporte em níveis olímpicos” ou “o preço que cobramos dos jovens para nos trazer medalhas de ouro”, o filme do diretor Craig Gillespie (“Horas Decisivas”) é depressivamente realista e cinematograficamente empolgante, uma descarga imensa de adrenalina, violência (doméstica, social, esportiva, familiar e profissional) e dramatização que, ao final, deixa o gosto amargo de uma poça de sangue na boca.
Lady Bird briga com as expectativas e encara o fracasso com ternura
A personagem Christine “Lady Bird” McPherson, vivida pela brilhante Saoirse Ronan, tem uma vontade imensa de sair de sua cidade natal, Sacramento – que é capital da Califórnia, mas para a personagem simboliza o cúmulo da cidade do interior – , e fazer faculdade em Nova York, bem longe dali, apesar de suas notas baixas. Baseada nas memórias da diretora estreante Greta Gerwig, a trama se passa no ano de 2002, o que se reflete num dos momentos mais bonitos e simples do filme, quando a protagonista está no carro com o pai ouvindo a agridoce “Hand in My Pocket”, de Alanis Morrissette, e observa que a cantora compões a música em apenas 10 minutos. Isso diz muito sobre a personagem, de sua vontade de dar um salto às cegas, mesmo sabendo de suas dificuldades em ser tão boa quanto suas colegas de classe, que conseguem tirar melhores notas em Matemática. A formatura está logo ali e ela se sente frustrada com a difícil possibilidade de ingressar em uma universidade do lado leste do país, distante de sua família, como forma de cortar o mais rápido possível o cordão umbilical com a mãe, Marion (Laurie Metcalf), excessivamente preocupada com a filha única. A auto-batizada Lady Bird acha que a mãe, apesar de amá-la muito, não gosta dela, não a aceita como ela é, com suas imperfeições. São coisas como essas que tornam a jovem protagonista tão encantadora, tão apaixonante. E um dos grandes méritos da direção de Greta Gerwig é conseguir deixar o espectador com aquele friozinho na barriga em situações de novidade para a protagonista: a primeira transa, a espera pela correspondência das universidades, a autoafirmação através de novas amizades na escola, a busca de namorados que façam de sua primeira transa algo especial. E nesse sentido nem sempre ela é bem-sucedida. O que não quer dizer que não seja possível se solidarizar e se alegrar com suas pequenas conquistas. Estar com o nome na lista de espera de uma universidade não deixa de ser uma vitória. Ou quase. “Lady Bird” é desses filmes que lidam com o fracasso com muita ternura: há a melhor amiga gordinha que sofre com a solidão e há o pai desempregado (Tracy Letts, sempre ótimo) que sofre com depressão. Há também um outro jovem com um problema complicado que encontrará a compreensão da jovem. O que se projeta nas telas não é simplesmente um filme que conseguiu quase 100% de aprovação no site Rotten Tomatoes, mas uma obra simples e pequena de cinema independente, com sutilezas e sensibilidades que a tornam especial para uma boa parcela da audiência. O curioso é que Gerwig faz o possível para evitar o melodrama e provocar choro fácil, mas isso não impede que o amor transborde e contamine os sentimentos extremos de Lady Bird em relação a sua cidade e sua mãe. A jovem diretora está cercada por atores ótimos, tanto os veteranos já citados, como dois adolescentes presentes em filmes marcantes do cinema americano recente: Lucas Hedges, que brilhou em “Manchester à Beira-Mar”, e o genial Timothée Chalamet, que nem precisa provar mais nada para ninguém depois do que mostrou em “Me Chame pelo seu Nome”. Sem falar em garotas como Odeia Rush e Beanie Feldstein, prestes a estourar. “Lady Bird”, lançado nos cinemas brasileiros com um apêndice – “A Hora de Voar” – foi indicado a cinco troféus do Oscar 2018: Melhor Filme, Direção, Roteiro Original (ambos de Gerwig), Atriz (Saoirse Ronan) e Atriz Coadjuvante (Laurie Metcalf).
O Sacrifício do Cervo Sagrado é um dos mais assustadores filmes de terror recentes
O trabalho do cineasta grego Yorgos Lanthimos não é apreciado por muitos – basta ver a quantidade de pessoas indignadas no IMDb e dispostas a jogar pedras no seu mais recente filme. Embora já tenha seis longas-metragens em seu currículo e um outro já pronto para ser lançado ainda este ano, ele é mais lembrado por dois títulos: “Dente Canino” (2009) e “O Lagosta” (2015), filmando o que talvez sejam o drama adolescente e a comédia romântica mais estranhos já feitos. Os filmes do diretor na verdade são inclassificáveis, mas se a história de um homem que vai se transformar em um animal (uma lagosta) simplesmente por não ter conseguido uma namorada ou uma esposa pode ser vista como um romance, “O Sacrifício do Cervo Sagrado” se aproxima mais do horror. E nesse sentido, é um dos mais assustadores filmes de horror já feitos neste milênio. Pode parecer uma afirmativa exagerada, mas por não ser exatamente um filme agradável, pode levar alguns espectadores a fugir correndo da sala de cinema – como cheguei a presenciar na sessão de que participei. Pena que, ao ser lançada no meio da temporada do Oscar, possa acabar passando batido, com pouco tempo em cartaz. Ainda assim, é melhor do que não ser exibido no cinema, como aconteceu com “O Lagosta”. Trata-se de um filme especial, desses que ficam com o espectador ao final da sessão e por alguns dias ainda, com suas imagens poderosas, estranhas e muitas vezes aterrorizantes. A primeira imagem de “O Sacrifício do Cervo Sagrado” é um grande close na cirurgia de um coração. Trata-se de uma imagem real de uma cirurgia que foi aproveitada para o filme. O protagonista, Dr. Steven Murphy (Colin Farrell), é um cirurgião cardiologista. Ao término de uma cirurgia de rotina, ele anda com um colega pelos corredores do hospital e conversa sobre um relógio bonito. “Onde o comprou?”, pergunta ele. Mais tarde, saberemos de seus encontros estranhos com um garoto de 16 anos (Barry Keoghan, que já tem um rosto um tanto incomum e por isso se encaixa perfeitamente com o personagem). A princípio, não sabemos do que se tratam esses encontros do médico e esse rapaz. Haveria ali uma espécie de relacionamento impróprio, por assim dizer? Chama a atenção também o tipo de dramaturgia em que as falas dos personagens são despidas de emoção, algo já visto em “O Lagosta”. Trata-se de um tipo de trabalho que lembra bastante o uso de modelos no trabalho de Robert Bresson, que em entrevistas é tido como uma das grandes influências do cineasta grego. As estranhezas chegam também em casa, com a esposa (Nicole Kidman) alimentando uma das taras do marido: fingir que está imobilizada em anestesia geral para que ele possa desfrutar dessa fantasia aparentemente recorrente. Yorgos Lanthimos segue, assim, mantendo a atenção do espectador cada vez mais em alta. Inclusive pela utilização de uma trilha sonora que aos poucos vai se tornando perturbadora, principalmente a partir do momento em que um dos dois filhos de Steven afirma não conseguir se levantar da cama, teria perdido a mobilidade dos membros. É quando as respostas para isso surgem em uma conversa com o incômodo Martin, o garoto de 16 anos, que àquela altura já havia visitado a família de Steven e feito o médico visitar sua mãe (Alicia Silverstone, em uma única mas marcante sequência). As respostas para esse pesadelo que se transformou a vida do cirurgião seriam dadas em poucos segundos, a ponto de o espectador ficar não apenas aterrorizado, mas também desnorteado. Mais uma vez, Lanthimos trabalha com o tema da punição, e o que acontece a seguir é impressionante. Imagens das cenas seguintes, de tão bizarras – algumas delas chocantes – certamente ficarão presentes na memória de muitos espectadores, mesmo aqueles que sairão da sessão com um pouco de raiva do filme. O ar de tragédia seria inspirado na peça de Eurípides sobre Ifigênia, filha de Agamemnon, o general grego que venceu a guerra de Troia. Segundo os textos que precedem a “Ilíada”, Agamemnon teve que sacrificar a própria filha por ter matado um cervo sagrado em uma floresta. Só assim os deuses soprariam os ventos que levariam sua frota para Troia. Mas após dez anos de guerra, ao voltar para casa, ele é assassinado pela esposa, como vingança pelo sacrifício da filha. O ciclo continua, com o assassinato da mulher pelos dois filhos remanescentes e vingativos, Orestes e Electra – ato que, por sinal, deu origem a outra peça. Tragédia grega, horror arrepiante, Bresson e o que muitos dizem ser uma imaginação saída de uma mente doentia são alguns dos ingredientes para a construção deste espetáculo singular e perturbador que é “O Sacrifício do Cervo Sagrado”.
Drake distribui felicidade e todo o orçamento de seu novo clipe nas ruas de Miami
O rapper Drake lançou o primeiro clipe 100% assistencialista da música pop. Logo no início, letreiros anunciam: “O orçamento deste vídeo foi de US$ 996.631,90. Nós doamos tudo. Não contem à gravadora”. Logo em seguida, ao som da música “God’s Plan”, ele aparece distribuindo dinheiro para diversas pessoas. A verba destinada à produção do vídeo acabou tendo destino bem diferente, financiando compras de um grupo de pessoas num mercado. “Tudo o que vocês escolherem hoje é de graça”, disse o rapper, ao chegar no local, com um autofalante em punho. Drake também ajudou pessoas nas ruas e surpreendeu ao dar uma bolsa de estudos na Universidade de Miami a uma jovem. Em seu Instagram, o rapper disse que o clipe, dirigido pela atriz Karena Evans (da série “Mary Kills People”) e gravado nas ruas de Miami, tinha sido a ação mais importante já realizada por ele. “A coisa mais importante que já fiz em toda a minha carreira”, escreveu. Veja abaixo. A atitude rendeu diversos elogios nas redes sociais. “Drake, como você me faz chorar assim. Que clipe mais incrível”, tuitou uma internauta. “O vídeo de God’s Plan é obrigatório para que todos assistam. Ele mostra aos jovens que, se você tem sonhos, você pode alcançá-los e uma pessoa pode fazer toda a diferença para tornar isso possível. Isso mostra que você nunca é muito legal, muito importante ou muito famoso para ajudar!”, elogiou outra internauta. Vale lembrar que, no ano passado, o rapper Young Thug torrou a verba de um clipe milionário sem aparecer para as gravações. O diretor teve que se virar, já que tinha contratado mulheres, carros e o escambau para a produção, e criou um trabalho muito elogiado de metalinguagem, que resultou engraçado, mas também embutiu uma forte crítica ao descaso das estrelas do universo da ostentação. Agora, Drake oferece um exemplo oposto do que fazer com o dinheiro de um megaclipe. O hit “God’s Plan” já lidera a parada da Billboard há três semanas. The most important thing I have ever done in my career…drop a ?? if I can share it with you. Uma publicação compartilhada por champagnepapi (@champagnepapi) em 15 de Fev, 2018 às 9:09 PST
Rebecca Gayheart pede divórcio de Eric Dane
O casal de atores Eric Dane (série “The Last Ship”) e Rebecca Gayheart (“Lenda Urbana”) estão se separando. A atriz foi quem pediu o divórcio de Dane após 14 anos de casamento. Ela deu entrada nos papéis na sexta-feira (16/2) em Los Angeles. Nos documentos, Gayheart solicita a custódia jurídica e física conjunta das duas filhas do casal: Billie de 7 anos e Georgia de 6 anos. Ela também vai buscar uma pensão do marido, de acordo com os termos do divórcio. A atriz citou diferenças irreconciliáveis como motivo de sua separação, mas os documentos não citam quando o casal se separou. Em vez disso, a data de separação foi escrita como “TBD” (to be determined, a ser determinado). Apesar disso, quem deu uma declaração pública foi Dane. “Depois de 14 anos juntos, decidimos que acabar com nosso casamento é a melhor decisão para a nossa família”, disse o ator de 45 anos, em um comunicado publicado pela revista People. “Vamos continuar nossa amizade e trabalhar como uma equipe para o bem de nossas duas lindas meninas, pois elas são a coisa mais importante do mundo para nós. Agradecemos que respeitem a nossa privacidade durante este período enquanto navegamos na próxima fase de nossas vidas”. Os sinais de que algo não estava bem na vida particular do ator soaram em maio do ano passado, quando as gravações de “The Last Ship” foram paralisadas, após Dane sofrer uma crise de depressão. Em um comunicado divulgado da época, um representante do ator confirmou que ele pediu “uma pausa para lidar com questões pessoais”. Mesmo assim, o casal superou muita coisa juntos. O momento mais difícil do casamento aconteceu há nove anos, quando uma sex tape dos dois transando com outra mulher, uma ex-miss adolescente, caiu na internet. Dois anos depois, Dane entrou em reabilitação devido a um vício em analgésicos, após uma lesão esportiva.
Atriz de Grey’s Anatomy vai estrelar piloto do remake da série Roswell
A atriz Jeanine Mason, intérprete da Dra. Sam Bello em “Grey’s Anatomy”, vai estrelar o piloto do remake da série sci-fi “Roswell”, em desenvolvimento na rede CW. A ideia é atualizar o romance alienígena juvenil da produção de 1999 com uma subtrama de imigrantes ilegais (que também são chamados de aliens em inglês). Desenvolvida por Jason Katims (criador de “Parenthood”), a série original era baseada na coleção literária adolescente “Roswell High”, de Melinda Metz, sobre três alienígenas que viviam disfarçados entre humanos no colegial. Vale lembrar que seu piloto antecipou em detalhes a história depois escrita por Stephenie Meyer com o título “Crepúsculo”, com uma pequena diferença – Meyer usou vampiros em vez de aliens. A nova versão é da roteirista Carina MacKenzie (escritora de “The Originals”) e também se passa em Roswell, cidade conhecida por supostamente ter sido o local da queda de um disco voador nos anos 1950. Segundo a sinopse oficial, a trama vai acompanhar Liz Ortecho (Mason), uma pesquisadora biomédica e filha de imigrantes ilegais, que descobre uma verdade chocante sobre sua antiga paixão adolescente: ele é um alienígena que manteve suas habilidades sobrenaturais ocultas a vida inteira. Ela protege seu segredo enquanto os dois se reconectam e começam a investigar suas origens, mas quando um ataque violento e um acobertamento do governo apontam para uma grande presença alienígena na Terra, a política de medo e ódio ameaça expô-los e destruir o seu romance. A protagonista da atração dos anos 1990 era Shiri Appleby (hoje na série “UnReal”) e os alienígenas foram vividos por Jason Behr (série “Breakout Kings”), Brendan Fehr (série “The Night Shift/Plantão Noturno”) e Katherine Heigl (ela mesmo, antes de “Grey’s Anatomy”). Além deles, o bom elenco de apoio incluía Majandra Delfino (série “Friends with Better Lives”), Nick Wechsler (série “Revenge”), Colin Hanks (série “Fargo”), Emilie de Ravin (séries “Lost” e “Once Upon a Time”), Adam Rodrigues (série “Criminal Minds”) e William Sadler (série “Power”). Todos tiveram carreiras de sucesso. O remake está em desenvolvimento na rede CW. Para quem não lembra, a rede surgiu em 2006 da união de duas emissoras, a UPN e a WB (Warner). Pois “Roswell” era originalmente exibido no canal da Warner. Outra curiosidade sobre o piloto é que ele marcará a estreia na direção de Julie Plec, produtora-roteirista de “The Vampire Diaries” e “The Originals”. Ela também vai produzir a série com Carina MacKenzie, caso o piloto seja aprovado. Relembre abaixo as aberturas das três temporadas da série original, numa montagem ao som da música-tema, o hit “Here with Me”, de Dido.
Jamie Foxx abandona entrevista ao vivo após menção de seu namoro com Katie Holmes
O ator Jamie Foxx abandonou uma entrevista ao vivo da ESPN ao ouvir uma menção ao seu relacionamento com Katie Holmes. O ator de 50 anos, que estava se preparando para jogar na NBA All-Star Celebrity Game, um jogo beneficentes na sexta-feira à noite, estava sendo entrevistado ao vivo pelo jornalista Michael Smith, do SportsCenter, mas simplesmente tirou o microfone e saiu andando após ouvir a menção à sua namorada – segundo inúmeros tabloides. Smith mencionou, bem-humorado, que sabia que ele estava preparado para o jogo, porque viu fotos dele e Katie Holmes jogando basquete juntos no Dia dos Namorados. Entusiasmado, ele citou em seguida o título de uma comédia romântica esportiva, “como um verdadeiro Love & Basketball”, aludindo ao filme lançado no Brasil como “Além dos Limites” (2000). Incrédulo com a reação, ele ainda perguntou ao vivo para os produtores: “Estamos perdendo ele?”. Veja abaixo. Rumores explicam este comportamento. Segundo o site americano de fofocas Radar Online, Katie Holmes teria assinado um contrato de divórcio com cláusulas específicas, que a proíbe de assumir publicamente um namoro por cinco anos, período que se completa em poucos meses. O contrato seria o motivo dela e Foxx não aparecerem juntos em eventos, nem sua filha Suri ser fotografada ao lado dele. Mas Katie já circula por aí com um anel de diamante, que representaria um noivado – ou, no mínimo, um compromisso muito sério. Guess Jamie Foxx had to go and couldn't answer a question about playing basketball with Katie Holmes ??? pic.twitter.com/XYq9fPHt3v — Rob Lopez (@r0bato) February 16, 2018
Descendentes 3 é confirmado com teaser que revela novo vilão
O Disney Channel surpreendeu os fãs da franquia “Descendentes” com a divulgação de um teaser anunciando a produção do terceiro telefilme. Mais que isso, o vídeo já revela quem será o novo vilão da história: o pai misterioso de Mal (Dove Cameron), a filha da bruxa Malévola. Não é de surpreender que a Disney planeje continuar explorando as aventuras dos filhos dos vilões das fábulas encantadas. “Descendentes 2” foi um dos maiores fenômenos de audiência do canal dos últimos anos. Ao vivo, em sua exibição original em julho, o telefilme infantil foi visto por 5,3 milhões de telespectadores, mas, somadas as reprises, transmissões em outros canais e plataformas online, o número atingiu 21 milhões de telespectadores, e isto apenas em seu fim de semana de estreia. “Descendentes 2” também se destacou como o programa mais visto de 2017 por crianças entre 2 e 11 anos de idade. Além disso, sua trilha sonora atingiu o 1º lugar na parada do iTunes. Com música, dança e magia, a franquia dirigida por Kenny Ortega (“High School Musical”) conta a história dos filhos dos grandes vilões das fábulas, que foram aceitos no Reino Encantado, após o príncipe herdeiro, filho da Bela e a Fera, dar-lhes uma chance para provar que não eram iguais aos seus pais, e assim poder estudar na mesma escola que os filhos das princesas da Disney. Todo o elenco está confirmado em “Descendentes 3”, assim como Kenny Ortega e as roteiristas Josann McGibbon e Sara Parriott (de comédias dos anos 1990, como “Três Solteirões e uma Pequena Dama” e “Noiva em Fuga”), que criaram a atração. Mas ainda não há previsão para a estreia da continuação.
Jogador Nº 1: Novo trailer e 22 fotos exploram o futuro dirigido por Steven Spielberg
A Warner divulgou um novo trailer e 22 fotos novas de “Jogador Nº 1” (Ready Player One), que destacam cenas de ação intensa, explosões, efeitos visuais e o universo virtual da trama futurista. A prévia mostra melhor acabamento nas sequências de animação digital que os vídeos anteriores, mas mantém a impressão de que o suposto mundo imersivo não supera animações de videogames da década passada, embora, na trama, o Oasis seja o mais moderno dos games já inventados. Claro que sempre há a possibilidade de o escuro do cinema e o 3D interagirem para criar uma ilusão mais convincente, como aconteceu com o mundo virtual de “Avatar” (2009), por exemplo. O longa, que marca a volta do diretor Steven Spielberg à ficção científica, é uma adaptação do livro homônimo de Ernie Cline. A história se passa em 2044, quando a humanidade se conecta no Oasis, uma utopia virtual, onde as pessoas podem viver o que sonham, interagir com outros jogadores e até se apaixonar. Mas o protagonista Wade Watts (Tye Sheridan, de “X-Men: Apocalipse”) quer mais que sonhar. Ele pretende resolver o enigma do criador do Oasis (Mark Rylance, de “Ponte dos Espiões”), que escondeu uma série de pistas na realidade virtual para premiar quem resolvê-las com a herança de sua enorme fortuna – e até o próprio Oasis. Milhões tentam conseguir o prêmio, sem sucesso, mas Wade está na frente da competição. Isto porque as chaves do enigma são baseadas numa cultura esquecida que ele domina: o entretenimento pop dos anos 1980. Assim como o personagem procura pistas para o ovo dourado, escondido pelo Willy Wonka futurista, o público também tem centenas de easter eggs na produção para identificar. Os vídeos disponibilizados já trouxeram várias menções à cultura pop, desde o protagonista da animação “O Gigante de Ferro” (1999) até o DeLorean de “De Volta para o Futuro” (1985). O elenco também inclui Olivia Cooke (série “Bates Motel”), Ben Mendelsohn (série “Rogue One: Uma História Star Wars”), Simon Pegg (“Missão Impossível: Nação Fantasma”), Hannah John-Kamen (série “Killjoys”), Ralph Ineson (“A Bruxa”), T.J. Miller (“Deadpool”), Lena Waithe (série “Master of None”), Win Morisaki (“Gokusen: The Movie”) e Letitia Wright (“Pantera Negra”). “Jogador Nº1” estreia em 29 de março no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Dwayne Johnson enfrenta monstros gigantes no novo trailer legendado de Rampage
A Warner divulgou um novo trailer legendado de “Rampage”, que ganhou o subtítulo “Destruição Total” no Brasil. A prévia destaca o ator Dwayne Johnson (“Baywatch”), sua amizade com o gorila George e a mutação que afeta o primata e mais dois animais, transformado-os em criaturas gigantes. Além da ação e dos efeitos, não faltam piadinhas, enquanto Johnson embarca em sua missão para salvar seu amigão e, claro, o mundo. O filme é uma adaptação do velho game homônimo, lançado em 1986, em que três monstros gigantes (o macaco George, o lagarto Lizzy e o lobisomem Ralph) destruíam cidades e lutavam contra militares. A adaptação foi escrita pelos roteiristas Carlton Cuse e Ryan Condal (criadores da série “Colony”), marcando um reencontro entre Condal e Johnson após “Hércules” (2014). “Rampage”, por sinal, também é o terceiro filme do ator dirigido por Brad Peyton, que o comandou em “Terremoto: A Falha de San Andreas” (2015) e “Viagem 2: A Ilha Misteriosa” (2012). Todos muito bem-sucedidos nas bilheterias. Além de Johnson, o elenco da produção inclui Naomi Harris (“Moonlight”), Joe Manganiello (“Magic Mike”), Jeffrey Dean Morgan (série “The Walking Dead”), Marley Shelton (“Planeta Terror”), Malin Akerman (série “Billions”) e Jake Lacy (série “Girls”). A estreia está marcada para 19 de abril no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Olivia Wilde vai estrear como diretora em comédia adolescente feminina
A atriz Olivia Wilde (série “Vinyl”) vai fazer sua estréia como diretora. Ela vai comandar a comédia adolescente feminina “Booksmart”, que será estrelado por Kaitlyn Dever (“Detroit em Rebelião”) e Beanie Feldstein (“Vizinhos 2”). A história segue as personagens de Dever e Feldstein, que, na véspera da formatura do ensino médio, percebem que deveriam ter se esforçado menos e se divertido mais. Determinadas a não ficarem atrás dos colegas, as meninas partem em uma missão para tirar o atraso de quatro anos de diversão em uma noite. O roteiro original é de Emily Halpern e Sarah Haskins (criadoras de “Trophy Wife”), e passou por revisões de Susanna Fogel (“Parceiras Eternas”) e Katie Silberman (“Como Ser Solteira”). A produção está a cargo da Gloria Sanchez, que não é uma pessoa de verdade, mas o nome de uma nova “divisão feminina” da Gary Sanchez Productions, a produtora do ator Will Ferrell (“Pai em Dose Dupla”) e do cineasta Adam McKay (“A Grande Aposta”). Gloria é comandada por Jessica Elbaum, produtora associada da dupla há uma década, desde “Quase Irmãos” (2008), primeiro longa estrelado por Ferrel e dirigido por McKay para a Gary Sanchez. “Booksmart” representa o tipo de filme que a Gloria Sanchez pretende lançar: escrito, dirigido e estrelado por mulheres. Para este filme, a produtora ainda vai se associar com a Annapurna, que também é comandada por uma produtora, Megan Ellison. A experiência de Olivia Wilde como diretora inclui dois curtas e um par de clipes, entre eles “Dark Necessities”, da banda Red Hot Chili Peppers. Ela também já atuou como produtora de cinco documentários em curta-metragem, além de dois filmes indies que estrelou, “Um Brinde À Amizade” (2013) e “Meadowland” (2015)
