Helen Mirren enfrenta fantasmas em novo trailer e fotos do primeiro terror de sua carreira
A CBS Films divulgou um novo pôster, 12 fotos e o segundo trailer de “A Maldição da Casa Winchester”. Trata-se do primeiro terror da carreira cinquentenária da atriz Helen Mirren (“A Rainha”). E a prévia tem direito a vários clichês do gênero, com casa mal-assombrada, fantasmas e possessão, sem esquecer da mulher de preto – a própria atriz. Mesmo assim, a história é baseada em fatos reais. No filme, Mirren interpreta Sarah Winchester, herdeira do fabricante dos famosos rifles Winchester, popularizados no Velho Oeste, que acredita ser perseguida pelos fantasmas de todas as vítimas da arma. Após as súbitas mortes do marido e do filho, ela se dedica obcecadamente a construir e se trancar em uma mansão enorme e labiríntica para manter os espíritos distantes. O elenco também destaca Jason Clarke (“Planeta dos Macacos: O Confronto”) como o psiquiatra chamado para avaliar o estado mental da viúva, além de Sarah Snook (“O Predestinado”) e Angus Sampson (série “Shut Eye”). O roteiro e a direção são dos irmãos Michael e Peter Spierig (“O Predestinado”). E apesar de a história lembrar ligeiramente a série “Wynonna Earp”, sua inspiração é uma casa mal-assombrada real. A mansão tortuosa de Winchester existe de verdade, em San Jose, na Califórnia. Sua construção durou continuamente de 1884 a 1922, resultando na casa mais incomum do mundo, em forma de labirinto, com 160 quartos, 2 mil portas, 10 mil janelas, 9 cozinhas, 13 banheiros e 47 escadas, muitas das quais não levam a lugar algum. Na época, o custo da obra foi de US$ 5 milhões. A estreia está marcada para 1 de março no Brasil, um mês após o lançamento nos Estados Unidos.
Trailer da continuação do terror Os Estranhos mostra novo ataque dos psicopatas mascarados
A Aviron Pictures divulgou o segundo trailer da continuação do terror “Os Estranhos” (2008), que vai chegar aos cinemas uma década após o longa original. A prévia mostra os assassinos mascarados aterrorizando uma nova família numa região pouco habitada. Os letreiros juram se tratar de história real. Desde que “Os Estranhos” chegou aos cinemas, atormentando o casal vivido por Liv Tyler e Scott Speedman, fala-se na produção da sequência da história, que, embora não fosse totalmente original, inspirou dezenas de produções similares com sádicos mascarados. A continuação ganhou o título em inglês de “Strangers: Prey at Night” e foca uma família em viagem que, ao parar num estacionamento de trailers para passar a noite, vira alvo dos mesmos psicopatas do primeiro filme. As vítimas da vez são Christina Hendricks (série “Mad Men”), Martin Henderson (série “Grey’s Anatomy”), Bailee Madison (série “Good Witch”) e Lewis Pullman (“A Guerra dos Sexos”). O cineasta inglês Johannes Roberts (“Do Outro Lado da Porta”) comanda o massacre, que foi escrito pelo diretor do primeiro filme, Bryan Bertino. O roteiro ainda foi retrabalhado por Ben Ketai (de “Floresta Maldita”). A estreia vai acontecer em 9 de março nos EUA e ainda não há previsão para o lançamento no Brasil.
Pantera Negra: Stan Lee comenta criação do super-herói em novo vídeo legendado do filme
A Marvel divulgou um novo vídeo legendado de “Pantera Negra”, que traz entrevistas com a equipe criativa e o ator Chadwick Boseman (“Capitão América: Guerra Civil”). Mas o mais interessante é ouvir Stan Lee falar sobre a criação do personagem há 50 anos. A trama se passa imediatamente após os eventos de “Capitão América: Guerra Civil” (2016) e acompanha a volta de T’Challa (Chadwick Boseman) para a isolada e tecnologicamente desenvolvida nação africana de Wakanda para assumir seu lugar como Rei. Entretanto, quando um velho inimigo reaparece no radar, a fibra de T’Challa como Rei e Pantera Negra é testada, e ele é levado a um conflito que coloca o destino de Wakanda e do mundo todo em risco. “Pantera Negra” tem direção de Ryan Coogler (“Creed”) e o elenco também inclui Michel B. Jordan (“Creed”), Letitia Wright (série “Humans”), Angela Bassett (“Invasão a Londres”), Forest Whitaker (“Busca Implacável 3”), Daniel Kaluuya (“Corra!”), Danai Gurira (série “The Walking Dead”), Lupita Nyong’o (“12 Anos de Escravidão”), Martin Freeman (reprisando seu papel de “Capitão América: Guerra Civil”), Winston Duke (série “Pessoa de Interesse”) e Andy Serkis (também retomando o vilão visto em “Capitão América: Guerra Civil”). A estreia está marcada para 15 de fevereiro no Brasil, um dia antes do lançamento nos Estados Unidos.
Verónica: Trailers do novo terror do diretor de [REC] mostram possessão “real”
A Sony espanhola e a produtora francesa Wild Bunch divulgaram trailers e pôsteres de “Verónica”, o novo terror de Paco Plaza, diretor que revigorou os filmes de zumbis com a franquia “[REC]”. O filme acompanha a personagem do título (interpretada pela estreante Sandra Escacena), uma jovem que usa o tabuleiro de Ouija durante um eclipse e traz algo terrível do além para sua casa. As prévias garantem que a história é real. Já exibido na Espanha, atingiu a maior bilheteria de terror de 2017 no país e foi indicado a oito prêmios Goya (o Oscar espanhol). Mas continua muito requisitado no circuito dos festivais internacionais – após passar no Festival de Toronto, atingiu impressionantes 100% de aprovação no site Rotten Tomatoes. Por isso, ainda não tem previsão de lançamento comercial nos Estados Unidos ou no Brasil.
Verdade ou Desafio: Terror com astros de Pretty Little Liars e Teen Wolf ganha primeiro trailer
A Universal Pictures divulgou o pôster e o primeiro trailer do terror “Verdade ou Desafio” (Truth or Dare), que transforma o joguinho adolescente que lhe dá título num pesadelo sobrenatural. A trama acompanha um grupo de amigos que vê seu passatempo inofensivo de uma noite de férias no México se transformar num jogo de horror, que não quer parar e irá persegui-los até matar a todos. O jogo é simples: responda a verdade para uma pergunta íntima ou cumpra um desafio. Caso contrário, acidentes trágicos acontecem. O elenco inclui atores conhecidos de séries adolescentes, como Lucy Hale (“Pretty Little Liars”), Tyler Posey (“Teen Wolf”), Violet Beane (“The Flash”), Aurora Perrineau (“Chasing Life”), Nolan Gerald Funk (“Awkward”), Sophia Ali (“Faking It”) e Landon Liboiron (“Hemlock Grove”). A direção é de Jeff Wallow (“Kick-Ass 2”) e a produção é da Blumhouse, produtora de “Corra!”, “Fragmentado”, “A Morte te Dá Parabéns” e inúmeros sucessos do gênero. A estreia está marcada para 27 de abril.
Mulher-Maravilha e Corra! são indicados ao prêmio dos Produtores dos EUA
O Sindicato dos Produtores dos Estados Unidos anunciou os indicados à sua premiação anual, os PGA Awards. Um dos mais importantes prêmios da indústria, o prêmio serve como um bom termômetro para o Oscar 2018, já que os integrantes do sindicato também votam no prêmio da Academia. Desde 2000, as duas premiações só diferiram quatro vezes, quando “Moulin Rouge!” (2001), “Pequena Miss Sunshine” (2006), “A Grande Aposta” (2015) e “La La Land” (2016) venceram o prêmio dos produtores e, digamos assim, os filmes errados (“Uma Mente Brilhante”, “Os Infiltrados”, “Spotlight” e “Moonlight”) ficaram com Oscar. Curiosamente, a lista de candidatos ao troféu de melhor produção cinematográfica de 2017 inclui 11 indicados, em vez dos tradicionais 10. E a surpresa fica por conta da inclusão de “Mulher-Maravilha”. Vale lembrar que “Deadpool” apareceu entre os indicados do ano passado, mas foi esnobado pelo Oscar. Entre os demais títulos lembrados estão alguns que já venceram diversas premiações, como “Corra!”, “Me Chame Pelo Seu Nome”, “A Forma da Água”, “Três Anúncios para um Crime” e “Lady Bird”. O PGA Awards também premia séries, e curiosamente sua lista já registra a mudança de status de “Big Little Lies”. Exibida como minissérie, a atração teve 2ª temporada confirmada, e assim terá que disputar reconhecimento na categoria de série dramática, contra “The Crown”, “Game of Thrones”, “The Handmaid’s Tale” e “Stranger Things”. Difícil. Os vencedores serão anunciados no dia 20 de janeiro. Confira abaixo a lista dos indicados nas categorias de cinema e séries. Indicados ao PGA Awards 2018 Melhor Filme “Doentes de Amor” “Me Chame Pelo Seu Nome” “Dunkirk” “Corra!” “Eu, Tonya” “Lady Bird – A Hora de Voar” “A Grande Jogada” “The Post – A Guerra Secreta” “A Forma da Água” “Três Anúncios para um Crime” “Mulher-Maravilha” Melhor Animação “O Poderoso Chefinho” “Viva – A Vida É Uma Festa” “Meu Malvado Favorito 3” “O Touro Ferdinando” “Lego Batman: O Filme” Melhor Documentário “Chasing Coral” “City of Ghosts” “Cries from Syria” “Earth: One Amazing Day” “Jane” “Joshua: Teenager vs. Superpower” “The Newspaperman: The Life and Times of Ben Bradlee” Melhor Série Dramática “Big Little Lies” “The Crown” “Game of Thrones” “The Handmaid’s Tale” “Stranger Things” Melhor Série Cômica “Curb Your Enthusiasm” “The Marvelous Mrs. Maisel” “Master of None” “Silicon Valley” “Veep” Melhor Minissérie ou Filme para TV “Black Mirror” “Fargo” “FEUD: Bette and Joan” “Sherlock: The Lying Detective” “O Mago das Mentiras”
Ridley Scott negocia dirigir filme sobre a juventude do mago Merlin para a Disney
A Disney está negociando com o diretor Ridley Scott a realização de uma aventura passada na juventude do mago Merlin. O longa será baseado na série de livros da “Saga Merlin”, do escritor norte-americano T.A. Barron. Segundo a revista Variety, o estúdio e o diretor também conversam sobre outro filme com o personagem: a adaptação da animação clássica “A Espada Era a Lei” (1963), em que o futuro Rei Arthur ainda é um menino e aprende com Merlin o seu destino de empunhar a lendária espada excalibur, cravada em uma pedra. Enquanto o segundo longa faz parte da estratégia do estúdio de refilmar seu catálogo de animações com atores de verdade, o primeiro visa lançar uma nova franquia, uma vez que a saga de Barron já rendeu 12 livros – só três deles foram lançados no Brasil até o momento. Além disso, está numa fase mais adiantada de pré-produção, com roteiro encomendado para Philippa Boyens, responsável pelas adaptações das trilogias “O Senhor dos Anéis” e “O Hobbit”. A saga do jovem Merlin começou a ser publicada em 1996 com “Merlin: Os Anos Perdidos”, sobre a juventude desconhecida do mago da corte do Rei Arthur. Vale observar que a premissa não é muito diferente da apresentada na série da TV britânica “As Aventuras de Merlin” (Merlin). O mais recente trabalho de Scott é o longa “Todo o Dinheiro do Mundo”, sobre a história real do rapto de John Paul Getty III (Charlie Plummer), herdeiro do homem mais rico de sua época, que foi sequestrado nos anos 1970. O filme também virou notícia pela decisão do diretor de substituir o ator Kevin Spacey, acusado de diversos abusos sexuais, após as filmagens terem sido finalizadas. Seu substituto, Christopher Plummer, chegou a receber indicação ao Globo de Ouro. “Todo o Dinheiro do Mundo” tem estreia marcada para 25 de janeiro no Brasil.
Atriz da série de Spike Lee entra no filme da Capitã Marvel
A atriz DeWanda Wise, que conquistou o público da Netflix com a série “She’s Gotta Have It”, adaptação do filme “Ela Quer Tudo” (1986), de Spike Lee, entrou no filme “Capitã Marvel”. O papel não foi revelado, mas se trata da primeira investida importante da atriz no cinema, após também estrelar as séries “Shots Fired” e “Underground”. O primeiro filme de super-heroína da Marvel será estrelado por Brie Larson (“Kong: A Ilha da Caveira”) no papel-título e voltará a trazer Samuel L. Jackson (“Capitão América: O Soldado Invernal”) como Nick Fury. Além deles, o elenco inclui Jude Law (“Rei Arthur: A Lenda da Espada”) e Ben Mendelson (“Rogue One”) em papéis não confirmados, mas que geram grande especulação entre os fãs dos quadrinhos. O que foi revelado até agora é que os skrulls estarão na trama e que a história será passada nos anos 1990. A roteirista Geneva Robertson-Dworet (do vindouro “Tomb Raider”) foi contratada em agosto para ajeitar o roteiro, trabalhando em cima da premissa escrita por Meg LeFauve (“Divertida Mente”) e Nicole Perlman (“Guardiões da Galáxia”). A direção está a cargo do casal Anna Boden e Ryan Fleck, responsável por dramas e comédias indies, como “Se Enlouquecer, Não Se Apaixone” (2010), “Parceiros de Jogo” (2015) e “Half Nelson: Encurralados” (2006). A estreia é prevista para março de 2019.
120 Batimentos por Minuto registra radicalização histórica pela vida contra a Aids
Despontam os anos 1990 e há quase uma década a descoberta da Aids já produziu mudanças muito intensas no comportamento e na vida das pessoas. Estigmatizando grupos, como os homossexuais, bissexuais, prostitutas, dependentes de drogas, hemofílicos, pessoas encarceradas. A sociedade ainda não sabia lidar bem com uma questão que mexia diretamente com a vida sexual, com valores, comportamentos, hábitos. Que exigia prioridade e investimentos do Estado e um grande trabalho educacional, que envolvia, sobretudo, o combate aos preconceitos e a necessidade de encarar a vida real, sem tabus. Mais ainda do que isso: era preciso encarar a morte de frente. O filme de Robin Campillo trata desse momento político fundamental, na França, a partir da atuação de um grupo de ativistas, o Act Up Paris, que reunia soropositivos, doentes com Aids e colaboradores, em luta por uma prevenção eficaz e tratamento para os portadores do vírus HIV e para os doentes que acumulavam um número de mortes trágico. Enfrentar uma sentença de morte sem que a pesquisa evoluísse o suficiente para gerar esperanças, sem poder contar com tratamento efetivo e disponibilização dos medicamentos então existentes – AZT e DDI – e tendo de enfrentar o preconceito social e o descaso das autoridades, exigia, como ainda exige, que as pessoas se organizassem. O grupo retratado, como o filme mostra, partia para ações agressivas para poder ser ouvido e notado, como jogar tinta vermelha em pessoas e instituições que estavam sendo questionadas, denotando um desespero e a falta de mecanismos de diálogo eficazes. A ponto de simbolizar o rio Sena todo vermelho do sangue que contamina e mata. As sequências finais, que não vou revelar aqui, são muito fortes e representativas de uma luta radicalizada. Gente jovem encarando tanto uma sexualidade que buscava se expressar, apesar da contaminação, quanto a perspectiva da morte, se organiza politicamente e parte para o ativismo, tentando ser democrática. Não é fácil. A urgência acirra os conflitos, produz dissenção, julgamentos às vezes injustos, competitividade. E excessos. Mas a vida pulsa, os desejos se manifestam, ainda que não possam ser duradouros. É de tudo isso que o filme fala, em personagens emotivamente fortes e impactantes, que fizeram emocionar às lágrimas o presidente do júri do Festival de Cannes, Pedro Almodóvar. Ele sempre trabalhou com essa temática, mas num registro diferente, em que a compreensão, a solidariedade e o humor encontravam guarida e davam um respiro à situação retratada. Esses elementos também estão presentes em “120 Batimentos por Minuto”, mas são minoritários e a luta política se sobrepõe a tudo. Chama atenção no filme o contexto fortemente opositor entre a organização da sociedade civil, o governo, os laboratórios e as seguradoras. A realidade brasileira do período foi, certamente, menos conflitiva e alcançaram-se grandes avanços na prevenção e no tratamento da Aids, com a disponibilização universal dos medicamentos alcançando a todos. A ação das ONGs e do Estado resultou em sucesso no controle da epidemia e as ações educacionais prosperaram, detendo o quadro apocalíptico que muitos pintavam. Trabalhei bastante nessa área de prevenção, naquele período, e posso aquilatar que os avanços eram reais. Tanto que me preocupa, hoje, o retrocesso que estamos experimentando, tentando retornar a valores morais do século 19, em pleno século 21. Parece que temos de voltar a proclamar a necessidade do uso da camisinha, da discussão das relações de gênero e da diversidade sexual, como se isso fosse uma coisa nova. Será que a sanha por cortes no tamanho do Estado também vai atingir as políticas de saúde bem sucedidas do Brasil nesse terreno? É bom que o cinema trate do assunto com clareza, como faz “120 Batimentos por Minuto”. É hora de avançar, nunca de retroceder.
The Square simplifica o que Buñuel já transformou em clássicos
Nas premiações em festivais, “The Square – A Arte da Discórdia” vem se mostrando imbatível. Venceu a Palma de Ouro deste ano em Cannes, foi considerado o melhor de 2017 no European Film Awards e será o provável favorito ao Oscar de Filme Estrangeiro, mas toda essa festividade não esconde as contradições que o filme oferece. Na sessão prévia para os jornalistas havia uma parte entusiasmada saudando como obra-prima, assim como um grupo se reservava o direito de fechar a cara e sair do cinema em silêncio. Nem tanto o céu, nem tanto o inferno. “The Square”, em princípio, funciona bem como sátira da crise de valores políticos sociais e culturais que andam assolando nosso mundinho, mas, no decorrer, o que parece incisivo, descamba para o usual. Como muito do que é produzido hoje, o filme é oportunista e conveniente. Oportunista, porque trata o mal-estar europeu em lidar com o drama dos refugiados como se fosse um “case” publicitário, e conveniente pelo modo como ligeiramente escamoteia a questão social para centrar-se no papel que a arte adquiriu dentro dos museus no século 21. Está tudo interligado? Não, cada assunto merece uma discussão à parte. O diretor sueco Ruben Östlund, que antes criou outro sucesso, “Força Maior” (2014), sobre uma avalanche nos Alpes, agora desloca sua atenção para mais perto de casa. “The Square” desenvolve-se em Estocolmo, onde um curador do museu, Christian (Claes Bang), manobra suas exposições na vanguarda da arte moderna. É um sujeito fino, suave, e o filme é projetado para desconstruí-lo. Perto do começo, ele é roubado e se diverte com o fato de ser feito de bobo. Duas horas depois, Christian se arrasta no meio da chuva, vasculhando sacos de lixo quase como um mendigo. O título refere-se a um trabalho instalado no pátio do museu: um pequeno quadrado vazio delimitado por uma luz de neon. Na placa, a artista refere-se a obra como “um santuário de confiança”, onde quem entrar, deve compartilhar direitos e obrigações iguais. Parece um pouco vago? O que um quadrado vazio é capaz de ativar no público? A conceito em si é de grande beleza. É um quadrado no chão, mas podia ser um papel em branco, um cartaz, uma tela de cinema. O diretor Östlund usa os limites da figura geométrica, para demonstrar como se comporta o pacato cidadão do século 21. Na visão de Östlund, pensamos de uma forma, mas agimos de outra, muito diferente. O idioma que descreve a instalação sugere que o estado natural da humanidade tende para o equilíbrio e a justiça – ou que estes podem pelo menos ser alcançados como ideia. Mas quando esse pensamento é levado para o mundo real, é claro, o caos ocorre e, através de suas vinhetas um tanto calculadas, que a trama avança. Seja por meio de uma cena de encontro sexual onde um preservativo usado torna-se uma questão de disputa e desconfiança impagáveis, ou numa discussão da diretoria do Museu, onde a todo momento se fala em arte, mas quase ninguém parece interessado no produto, e sim em debater sua repercussão. Christian pensa em si mesmo como uma pessoa decente e justa. Mas sua visão de si mesmo é seletiva. Quando ele está se sentindo bem, ele dá dinheiro aos mendigos; Quando está preocupado e distraído, ele os ignora. Ele é um progressista boa praça e justo em teoria, mas quando as pessoas menos privilegiadas que ele cometem a injustiça de enfrentá-lo, ele se irrita e esbraveja. No fundo, sua preocupação maior reside em administrar os grupos de pressão que giram em volta, as panelinhas, para manter seu status quo. Que o ator Claes Bang consiga transformar este protagonista num sujeito encantador, mesmo que o filme interrogue seu privilégio e sua própria natureza, certamente é uma conquista. Outro ponto admirável e que rende bem em “The Square” é o potencial de encenador de Östlund. O diretor tem um domínio de quadro, de tempo, de comicidade fabulosos. É muito estimulante como ele associa imagens de “quadrados” no filme todo, até mesmo a espiral de uma escada, a certa altura, sugere que o personagem está preso num cercado. Östlund também tem uma predileção para criar cenas provocativas, que alguns espectadores vão adorar. Seus alvos maiores são os limites da correção política e a pompa pequeno burguesa. O ataque mais delicioso que desfere, acontece num jantar de gala de museu. O evento é interrompido por um homem que finge ser um primata (interpretado por Terry Notary, o dublê americano que viveu o macaco Rocket na trilogia “Planeta dos Macacos”). A experiência primeiro é tomada por todos como divertida mas, eventualmente, o artista extrapola os limites e, então, as pessoas furiosas, esquecem-se dos bons modos e partem para espancá-lo com selvageria. A cena reitera algumas das questões-chave no coração de “The Square”: quando deixado para seus próprios dispositivos, a humanidade encontra equilíbrio ou se desintegra em agressores? Ou numa sociedade moderna, onde se estabelece a fronteira da civilização? Claro, nada disso é novo. Luis Buñuel desferiu ataques muito mais obscenos a tradição em seus clássicos “O Anjo Exterminador” (1962) e “O Discreto Charme da Burguesia” (1972). “The Square” tem uma maneira incrivelmente clara e simplificada de fazer as mesmas perguntas.
Vencedor da Palma de Ouro, The Square discute o que é arte no mundo atual
Em 1917, o dadaísta Marcel Duchamp colocou num museu uma das suas mais famosas obras, A Fonte, que nada mais era do que um urinol virado de cabeça para baixo. Considerado polêmico por muitos na época, este ato suscitou diversas discussões acerca da natureza da arte e do papel do artista – discussões que perduram até hoje. O filme sueco “The Square – A Arte da Discórdia”, grande vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes 2017, retoma essa percepção polêmica da arte, por meio uma abordagem bem-humorada, criticando de maneira ávida não apenas aqueles que produzem arte, mas também quem a aprecia e, principalmente, aqueles que a expõe. Escrito e dirigido por Ruben Östlund (do ótimo “Força Maior”), o longa-metragem acompanha a rotina de Christian (Claes Bang), o curador de um conceituado museu que se prepara para receber uma exposição intitulada The Square (o quadrado). Visando atrair um grande público para a exposição, o museu realiza coquetéis para convidados da alta sociedade – que parecem mais interessados na comida do que no conteúdo da exposição – e contrata dois jovens publicitários “especializados” em marketing digital – que querem, a qualquer custo, criar um conteúdo viral. Desta forma, a exposição surge apenas como uma desculpa para que possamos conhecer melhor a rotina daqueles indivíduos. Vivendo no alto de um pedestal de arrogância, Christian defende as peças que expõe como sendo a “arte de hoje”, ou até mesmo a “arte do futuro”. Sua erudição, porém, é uma fachada, já que logo no início ele não consegue sequer explicar à jornalista americana Anne (Elisabeth Moss) o significado de um texto que ele próprio escreveu. Já em outro momento, ele sugere remontar uma peça danificada, ignorando completamente a “aura” da arte e o fato de ela ser a expressão única e inimitável do artista. Ou seja, essas supostas “pessoas cultas” viram alvo do humor sagaz do cineasta, uma vez que elas habitam um mundo próprio, longe da realidade. Permitindo-se bizarrices como levar um cachorro ao local de trabalho ou invadir um castelo durante uma noite de bebedeira, os habitantes desse universo paralelo vivem num mundo muito diferente do restante da população, em especial daqueles menos favorecidos. São mundos distintos, que não se misturam. E o diretor expõe essa diferença ao mostrar como a população nem quer entrar em alguns espaços do museu ou só entra para tirar selfies ao lado das peças, ou ainda ao destacar a dificuldade de um faxineiro para limpar o ambiente de uma exibição feita de montes de sujeira. Quanto mais baixa for a condição social, menos visível o povo se torna para essa alta sociedade, e é preciso um esforço muito grande para ser notado pelos cidadãos “importantes” – o homem com Síndrome de Tourette que atrapalha uma entrevista é um exemplo irônico disso. Assim, embora o garotinho que exige um pedido de desculpas após ter sido acusado injustamente de roubo receba um mínimo de atenção, os mendigos que se enfileiram nas calçadas são ignorados até mesmo pela população mais simples, pois ninguém repara naquele que está abaixo na escada social. O arco dramático do personagem principal se completa quando ele começa a notar essas pessoas. Christian é visto como um sujeito pedante durante quase toda a projeção, e Östlund destaca isso por meio dos pequenos detalhes, como ao mostrá-lo ensaiando um discurso de tal forma que este pareça improvisado, vestindo as luvas antes de cometer um “delito” ou quando, durante o sexo, seu olhar foge do rosto da garota e foca no lustre do teto. Mas quando as coisas começam a fugir do seu controle, ele sai da sua zona de conforto e sua figura até então inabalável, como uma estátua de mármore, torna-se confusa e sem nexo, tal qual aquelas peças que ele exibe em seu museu. Apesar de essa “redenção” soar um pouco exagerada, como a tentativa de trazer humanidade a um ser inanimado, é preciso levar em conta que até mesmo quando o protagonista tem que – literalmente – se arrastar pelo lixo, o cineasta enquadra essa cena de tal maneira que parece ter se inspirado no conceito de “estetização da pobreza” – o que, por sua vez, é algo bastante elitista. Assim, “The Square – A Arte da Discórdia” apresenta um olhar ácido sobre o mundo da arte e seus habitantes. E se sua crítica social parece um pouco didática em alguns momentos, isso não o impede de ser um excelente longa, pois as discussões que suscita vão além do que é dito no filme e estão presentes no mundo da arte há muito tempo – e no mundo real, como demonstram manchetes sobre performances de homens nus no Brasil.
Perda Total: Comédia de ação dos criadores de Workholics ganha trailer legendado
A Netflix divulgou o pôster e o primeiro trailer completo de “Perda Total” (Game Over, Man!), comédia de ação em que três garçons resolvem enfrentar criminosos altamente armados, que invadiram um evento cheio de famosos num hotel de Los Angeles. Um dos “famosos” é o sumido cantor Shaggy, que aparece sob a mira de metralhadoras. Fãs de Shaggy devem lembrar de outros filmes com esta premissa: a situação de reféns do “Duro de Matar” (1988) original e o cozinheiro que enfrenta os sequestradores de “A Força em Alerta” (1992). Já quem era da geração de Bob Marley pode apontar que a principal cena cômica da prévia já tinha sido elemento de grande tensão em “Inferno na Torre” (1974). No meio disso, uma piada sobre Kendrick Lamar lembra que a trama se passa no século 21. O filme é estrelado por Adam Devine, Anders Holm e Blake Anderson. Além de atuar, Anders Holm também escreveu o roteiro. Já a direção é de Kyle Newacheck. E os quatro (Devine, Holm, Anderson e Newacheck) trabalharam juntos na série “Workholics”, que eles mesmos criaram. A estreia está marcada para 20 de abril.
Trailer do terror Slender Man ganha versões dublada e legendada em português
O trailer do terror “Slender Man” ganhou versão legendada e dublada em português. Além de apresentar as cenas obscuras da produção, o vídeo também confirma o nome que o filme recebeu no Brasil. É “Slender Man: Pesadelo Sem Rosto”, dando sequência à tendência dos subtítulos, responsáveis por títulos gigantescos. O Slender Man foi criado no Photoshop pelo internauta Erick Knudsen como um meme em 2009, mas ganhou tanta popularidade que se espalhou pela internet e começou a gerar relatos de pessoas que afirmam tê-lo visto de verdade. Sua lenda atingiu picos de notoriedade quando duas crianças de 12 anos esfaquearam 19 vezes uma terceira e tentaram culpar a criatura. Por sinal, o pai de uma das meninas está acusando a Sony de explorar a tragédia para seu filme, que tem direção de Sylvian White (“Assassinato em Quatro Atos”) e roteiro de David Birke (do aclamado suspense francês “Elle”). O elenco inclui Annalise Basso (“Ouija: A Origem do Mal”), Joey King (“7 Desejos”), Julia Goldani Telles (série “The Affair”), Jaz Sinclair (série “The Vampire Diaries”) e Kevin Chapman (série “Sneaky Pete”). A estreia está marcada para 17 de maio no Brasil, um dia antes do lançamento nos Estados Unidos.
