Mário Monjardim (1935-2021)
Poucos dias após a morte de Orlando Drummond, foi a vez de seu colega Mário Monjardim falecer. Assim, foram-se praticamente juntos os dubladores dos inseparáveis Scooby-Doo e Salsicha. Assim como os personagens, os dois eram muito amigos, e Drummond chegou a ser um dos padrinhos de casamento do filho de Monjardim. O dublador morreu na sexta (31/7), aos 86 anos. Pai do diretor de dublagem Júlio Monjardim e primo do diretor de novelas Jayme Monjardim, ele faleceu em casa, no Rio de Janeiro. Monjardim já não trabalhava mais com dublagem, após sofrer um AVC no ano passado, mas continuará a ser ouvido por anos a fio, e por várias gerações que ainda não nasceram, por representar a voz brasileira de personagens icônicos. Além do Salsicha em “Scooby-Doo”, ele também foi responsável pela personalidade nacional do Pernalonga, símbolo máximo das animações da Warner. Ele começou a carreira em 1954 na Rádio Vitória, na capital capixaba, onde nasceu, e também teve uma breve experiência como ator em programas da Globo, entre eles as primeiras versões das séries “Carga Pesada” e “O Sítio do Picapau Amarelo”, e os programas humorísticos “Chico Anysio Show” e “Os Trapalhões”, todos na década de 1980.
Jean-Francois Stévenin (1944–2021)
O ator francês Jean-Francois Stévenin morreu nesta quarta (28/7) aos 77 anos, de causa não divulgada. Segundo informou seu filho, ele estava internado num hospital há alguns dias. Stévenin começou a carreira na virada dos anos 1970 trabalhando em clássicos da nouvelle vague, a maioria dirigidos por François Truffaut, como “O Garoto Selvagem” (1970), “Uma Jovem tão Bela Quanto Eu” (1972), “A Noite Americana” (1973) e “Na Idade da Inocência” (1976). Também filmou com Jacques Rivette obras icônicas como “Não me Toque” (1971), “Out 1: Spectre” (1972) e “Um Passeio por Paris” (1981). A experiência com os gênios a nouvelle vague o inspirou a se aventurar atrás das câmeras. Ele dirigiu três longas de forma bastante espaçada: “Passe Montagne” (1978), “Doubles Messieurs” (1986) e “Mischka” (2002). Todos se tornaram cultuados. A partir dos anos 1980, ele se tornou um coadjuvante bastante requisitado, estrelando muitos filmes franceses populares, que lhe garantiram uma carreira longeva. Entre os trabalhos mais marcantes de sua filmografia, destacam-se ainda “Um Quarto na Cidade” (1982), de Jacques Demy, “Meu Marido de Batom” (1986), de Bertrand Blier, “O Pacto dos Lobos” (2001), de Christophe Gans, e “Uma Passagem para a Vida” (2002), de Patrice Leconte, sem esquecer seu trabalho com o americano Jim Jarmusch em “Os Limites do Controle” (2006). Requisitadíssimo até o final da vida, ele deixa três filmes inéditos no circuito comercial, incluindo “Entre Nous”, que teve première no recente Festival de Cannes.
Rick Aiello (1958-2021)
O ator Rick Aiello, que apareceu ao lado do pai Danny Aiello em filmes como “Faça a Coisa Certa” (1988), “Os Donos da Noite” (1989) e “Homens de Honra” (1998) morreu na segunda-feira (26/7) de câncer no pâncreas em um hospital em Warwick, Nova York, aos 65 anos. Seu irmão Danny III, dublê de seu pai em “Faça a Coisa Certa”, morreu em 2010 da mesma causa. Já Danny Aiello, o dono da pizzaria de “Faça a Coisa Certa” e pretendente apaixonado de Cher em “Feitiço da Lua” (1987), morreu em dezembro de 2019 aos 86 anos. Rick Aiello também trabalhou com seu pai na série “Dellaventura” (1997-1998) e chegou a aparecer em mais dois filmes de Spike Lee, sempre interpretando policiais de Nova York – os demais foram “Febre da Sela” (1991) e “Irmãos de Sangue” (1995). Sua filmografia é repleta de séries e filmes, mas seus papéis nunca foram grandes, o que o levou a ser visto brevemente em dezenas de produções, incluindo “CSI”, “A Família Soprano” (The Sopranos), “Sex and the City: O Filme” e “Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer”. Seu último papel foi no thriller “Nobody’s Perfect”, lançado em 2016.
Orlando Drummond (1919-2021)
O ator Orlando Drummond, intérprete do Seu Peru na “Escolinha do Professor Raimundo”, morreu nesta terça (27/7) em sua casa, no Rio, aos 101 anos, em decorrência de falência múltipla dos órgãos. Ele foi o artista famoso mais velho a ser vacinado contra a covid-19, em 31 de janeiro, e chegou a ficar internado de abril a junho deste ano num hospital para tratar de um quadro grave de infecção urinária. A maioria das pessoas lembra Drummond como o personagem Seu Peru. E, de fato, ele completou quase 70 anos no papel, que começou a interpretar ainda na versão de rádio da “Escolinha do Professor Raimundo”, em 1952. Quando o programa foi para a TV, ele foi junto. E, em 2019, para homenagear os 100 anos de seu nascimento, Drummond foi convidado a reviver o personagem no remake da “Escolinha”, ao lado de seu intérprete mais recente, Marcos Caruso. Além de comediante, Drummond também foi um dublador talentoso e ator incansável, que manteve a atividade até o começo da pandemia. Ele marcou época como a voz inigualável do Scooby-Doo, mas também deu tom ameaçador ao Vingador de “A Caverna do Dragão” e a Gargamel em “Os Smurfs”, sem esquecer da afetividade do pai de “Speed Racer”, o heroísmo de Popeye e a grande personalidade que a Alf, o ETeimoso ganhou com sua voz fanha – entre muitos outros papéis. No cinema, filmou com Ankito duas comédias dos anos 1950 (“O Rei do Movimento” e “Angu de Caroço”), trabalhou com Renato Aragão na década de 1970 (“Bonga, o Vagabundo”) e estendeu sua filmografia até o ano passado, quando lançou seu trabalho mais recente, uma participação no filme “De Perto Ela Não é Normal”, lançado em novembro. “Algumas coisas me levaram até os 101 anos. Minha família, meus amigos, meu trabalho e o amor”, ele listou por ocasião de sua vacinação, celebrando também a Medicina num momento em que se achou imune à morte, ao menos por coronavírus.
André Ceccato (1960-2021)
O ator André Ceccato, que se destacou em “Carandirú”, morreu na segunda-feira (26/7) aos 61 anos em sua casa, em São Paulo, de causa da ainda não divulgada. Formado na Escola de Artes Dramáticas da USP em 1984, ele começou sua carreira no teatro, mas ainda nos anos 1980 estreou nos cinemas, participando dos filmes “O País dos Tenentes” (1987) e “Kuarup” (1989). Mas foi só nos anos 2000 que a carreira audiovisual decolou, com “Bicho de Sete Cabeças” (2000) e “Carandiru” (2003). No filme de Hector Babenco, conquistou seu papel de maior projeção: Barba, que começa a briga que origina a rebelião no presídio e a reação enérgica que culminou no infame massacre do Carandiru. Ele voltou a interpretar Barba na série derivada de “Carandiru”, “Carandiru, Outras Histórias”, exibida em 2005 na rede Globo. Ceccato também participou do filme “Meu Mundo em Perigo” (2007) e das séries “Força-Tarefa” (2010), “A Cura” (2011) e “A Teia” (2014) na Globo. E deixou um último filme inédito: “O Palhaço, Deserto”, de Patrícia Lobo, sobre a aposentadoria de um palhaço veterano, que tem estreia marcada para o próximo mês. Antes de morrer, ele ensaiava a série “O Mal Secreto”. Seu colega na produção, Sergio Guizé, contou nas redes sociais que ele estava animado para voltar às gravações após o período de paralisação da pandemia. “Ele estava felizão com os novos projetos e falava: ‘Guizé, quando essa pandemia passar vai cair trabalho no nosso colo que nem saco de batata, as pessoas vão precisar ainda mais de arte’. Parabéns, você deve estar muito bem, alegre como sempre, mas essa sua força toda vai fazer falta”, escreveu Guizé no Instagram.
Pilar Bardem (1939-2021)
A atriz espanhola Pilar Bardem, mãe do astro Javier Bardem, morreu no sábado (17/7) aos 82 anos, anunciaram seus filhos nas redes sociais. “Queremos compartilhar a notícia de que nossa mãe, nosso exemplo, faleceu. Partiu em paz, sem sofrer, e cercada pelo amor de seus entes”, informaram Carlos, Mónica e Javier em nota publicada no Twitter de Carlos esta noite. Nascida na cidade de Sevilha em 1939, Pilar era filha de um casal de atores e irmã do cineasta Juan Antonio Bardem. Com uma carreira iniciada nos anos 1960, ela participou de dezenas de filmes, peças de teatros e séries, construindo uma carreira sólida na Espanha. Sua filmografia inclui trabalhos de alguns dos maiores cineastas espanhóis, como Pedro Almodóvar (“Carne Trêmula”), Julio Medem (“Vacas”), Bigas Lunas (“As Idades de Lulu”) e do próprio irmão (“El Poder del Deseo”). Embora seja considerada uma especialista em comédias, ela atuou em todos os gêneros e venceu o Prêmio Goya de Melhor Atriz Coadjuvante pelo suspense “Ninguém Falará de Nós Quando Estivermos Mortos”, de Agustín Díaz Yanes, em 1995. Ela também era uma ativista reconhecida pelo envolvimento em causas solidárias e pela melhoria das condições do sindicato de atores. “Ela nos deixa seu enorme legado no cinema, no teatro e na televisão. Mas a grande Pilar Bardem era, antes de tudo, uma defensora da igualdade, da liberdade e dos direitos de todas e todos”, tuitou o chefe de governo espanhol, Pedro Sánchez. Pilar Bardem teve três filhos e todos deram sequência à tradição de artes da família. O mais famoso deles, Javier, conquistou o Oscar por seu papel em “Onde os Fracos Não Têm Vez” (2007).
Biz Markie (1964–2021)
O ator e rapper Biz Markie morreu na sexta-feira (16/7), aos 57 anos, em um hospital de Baltimore de complicações de diabetes. Nascido Marcel Theo Hall no Harlem, em Nova York, ele adotou o nome artístico de Biz Markie ao buscar sucesso como rapper nos anos 1980. Seu álbum de estreia, “Goin ‘Off”, foi lançado em 1988 e emplacou o hit “Make the Music with Your Mouth, Biz”, que destacava sua habilidade como beat box humano. Mas foi o segundo disco, “The Biz Neverleep”, de 1989, que o catapultou para o topo das paradas de sucesso, graças à faixa “Just a Friend”, um rap romântico até hoje em evidência graças à inúmeros samples em gravações da nova geração. Sua carreira sofreu um baque na época do terceiro álbum. “I Need a Haircut” (1991) foi tirado de circulação pela gravadora Warner após um processo ruidoso do compositor Gilbert O’Sullivan, devido ao uso sem permissão de um trecho de seu sucesso de 1972, “Alone Again (Naturally)”. O caso se provou histórico e forneceu uma lição cruel para os artistas de hip-hop, demonstrando a necessidade de obter autorização dos detentores dos direitos autorais antes de utilizar discos de terceiros como bases musicais. Biz Markie brincou com a situação com o título de seu quarto álbum, “All Samples Cleared!” (todos os samples liberados, de 1993), mas o lançamento não fez o mesmo sucesso de outrora e ele só foi lançar outro disco dez anos depois – “Weekend Warrior” (2003), que teve ainda menos repercussão e encerrou sua discografia. Apesar disso, ele continuou sendo celebrado como pioneiro do rap por seus trabalho clássicos, recebendo convites para parcerias com vários artistas ao longo dos anos, incluindo os Beastie Boys em três álbuns – “Check Your Head” (1992), “Ill Communication” (1994) e “Hello Nasty” (1998) – , além de Snoop Dogg (o single “The Vampors”), Will Smith (“So Fresh”) e até os Rolling Stones (“Anybody Seen My Baby?”). Ao mesmo tempo em que a carreira musical estagnava, Markie foi convidado pelo cineasta Robert Townsend para interpretar a si mesmo na comédia de super-herói “Homem Meteoro” (1993). Entusiasmado com a experiência, fez aparições no humorístico “In Living Color” em 1994, mas a carreira de ator não fez sombra a seu legado como rapper. Ainda assim, fez algumas figurações que chamaram atenção, como um rapper alienígena em “Homem de Preto II” (2002) e um pizzaiolo em “Sharknado 2: A Segunda Onda” (2014). Nos últimos anos, ainda apareceu como ele mesmo em episódios das séries “Empire” (em 2016) e “Black-ish” (em 2016), além de fazer discotecagens e apresentar um programa de rádio. O artista estava trabalhando num filme chamado “Chaaw” antes de passar mal e precisar ser internado. Notícias de sua morte chegaram a circular na semana passada, mas foram prematuras. Ele deixa sua esposa, Tara Hall. Lembre abaixo o grande sucesso de Biz Markie.
Libero de Rienzo (1978–2021)
O ator italiano Libero de Rienzo morreu na sexta-feira (16/7) aos 44 anos, após sofrer um ataque cardíaco em sua residência na cidade de Roma. Ele virou ator seguindo os passos do pai, Fiore De Rienzo, que teve uma trajetória curta na TV, mas trabalhou nos bastidores de vários filmes entre os anos 1970 e 1980. Depois de estrear num telefilme de 1998, rapidamente começou a se destacar no cinema, em filmes como “Para Minha Irmã” (2001), da polêmica Catherine Breillat, e na comédia “Santa Maradona” (2002), de Marco Ponti, que lhe rendeu o primeiro prêmio de sua carreira, o David di Donatello de Melhor Ator Coadjuvante. De Rienzo foi indicado mais duas vezes ao “Oscar italiano”, pelo drama “Fortapàsc” (2009), de Marco Risi, em que interpretou o jornalista napolitano Giancarlo Siani, assassinado pela Camorra em setembro de 1985, e por um papel coadjuvante na comédia “Paro Quando Quero” (2014). Entre seus últimos trabalhos estão a comédia “Amigos Para Sempre” (2018), de Antonello Grimaldi, e o drama “Dois Papas” (2019), dirigido pelo brasileiro Fernando Meirelles. Além de atuar, ele também escreveu, dirigiu e editou um longa-metragem: “Sangue: La Morte Non Esiste”, que venceu o Festival de Brooklyn, nos EUA, em 2006. O ministro da Cultura da Itália, Dario Franceschini, lamentou sua morte nas redes sociais. “A notícia da morte repentina de Libero De Rienzo é terrível e nos deixa todos sem palavras. Perdemos um jovem talento, um protagonista do cinema italiano que já tinha visto sua arte ser reconhecida com vitória no David di Donatello. O mundo da cultura italiana abraça sua família, seus filhos pequenos, sua esposa e todas as pessoas que o amavam, estimavam e apreciavam com carinho e condolências”. O ator era casado com a figurinista e designer de produção Marcella Mosca, com quem trabalhou pela primeira vez num de seus últimos filmes, a sci-fi “Fortuna” (2020), e deixa dois filhos de 6 e 2 anos de idade.
Charlie Robinson (1945–2021)
O ator Charlie Robinson, que marcou época na TV americana como o escrivão da sitcom clássica “Night Court”, morreu no domingo (11/7) de complicações de câncer num hospital em Los Angeles. Ele tinha 75 anos. Ao longo de sua carreira de meio século, Robinson acumulou mais de 125 créditos na TV e no cinema, trabalhando sem parar até este ano. Ele começou com um pequeno papel no primeiro filme dirigido pelo astro Jack Nicholson, “O Amanhã Chega Cedo Demais”, em 1971. Também apareceu no terror blaxploitation “A Vingança dos Mortos” (1974) e até como um soldado figurante no clássico de guerra “Apocalypse Now” (1979), antes de conseguir seu primeiro papel recorrente numa produção televisiva. Após aparecer em sete capítulos da novela “Flamingo Road”, em 1981, foi contratado para o elenco fixo de “Buffalo Bill”, sitcom de 1983 que trazia Dabney Coleman como um apresentador desprezível de talk show regional. Ao todo, a produção da rede NBC teve apenas duas temporadas, ambas indicadas ao Emmy de Melhor Série de Comédia. Mas nem o cancelamento precoce em 1984 impediu Robinson de se destacar como Newdell, um maquiador de TV que não aceitava desaforos. Seu desempenho rendeu convite para continuar na NBC, entrando no mesmo ano em “Night Court”. A série já tinha exibido a 1ª temporada e era considerada um sucesso, mas a introdução de Robinson como Mac Robinson, o novo escrivão da Corte Noturna, ajudou a atração a se consolidar como uma das mais assistidas da TV americana nos anos seguintes. “Night Court” ficou no ar por nove temporadas, entre 1983 e 1992, oito delas com Robinson, e venceu sete prêmios Emmy. O fim da série não o tirou da TV, onde ele emendou uma série de comédia atrás da outra por mais uma década, como “Love & War” (1992-1995), que durou três temporadas na Fox, “Ink” (1996-1997), com uma temporada completa na CBS, e “Buddy Faro” (1998), meia temporada na ABC, além de aparecer de forma recorrente em “Home Improvement” (de 1995 a 1999). Nos últimos anos, apareceu ainda em arcos de episódios múltiplos de “The Game” (de 2007 a 2014), “Hart of Dixie” (2012-2015) e “Mom” (2015-2019), além de participar de capítulos individuais de várias atrações populares como “Charmed”, “House”, “How I Met Your Mother”, “Grey’s Anatomy” e “This Is Us”. Incansável, Charlie Robinson continuou trabalhando mesmo com o diagnóstico de câncer. Ele estrelou a minissérie “Love in the Time of Corona” para a plataforma Disney+, no ano passado, e ainda terminou mais três longas antes de precisar ser hospitalizado.
William Smith (1933–2021)
O ator William Smith, que enfrentou Clint Eastwood em “Punhos de Aço: Um Lutador de Rua”, foi pai de Conan, o Bárbaro, e marcou época como vilão de “Pobre Homem Rico”, morreu na segunda-feira passada (5/7) num hospital de artistas de cinema em Woodland Hills, na Califórnia, aos 88 anos, de causa não divulgada. Ele começou sua carreira como figurante em “A Alma de Frankenstein”, de 1942, quando tinha oito anos de idade, e apareceu em vários clássicos da época, como “A Canção de Bernadette” (1943), “O Bom Pastor” (1943) e até mesmo “Gilda” (1946) e “O Menino dos Cabelos Verdes” (1948), antes de entrar na adolescência. Uma década depois, integrou o elenco do cultuado filme de rock “Escola do Vício” (1959), estrelado por Jerry Lee Lewis, antes de ganhar seu primeiro papel de destaque. Isto aconteceu na série policial “Asphalt Jungle” em 1961. Smith também estrelou a série de faroeste “Laredo” (1965-1967), como um Texas Ranger, e a última temporada de “Hawaí 5-0”, em 1979, como um policial havaiano. Entre uma série e outra, ainda apareceu em episódios de diversas outras atrações populares do período, como “Gunsmoke”, “O Homem de Virgínia”, “Perry Mason”, “Batman”, “Daniel Boone”, “Missão: Impossível”, “Kung Fu”, “Mod Squad”, “O Homem de Seis Milhões de Dólares”, “Os Gatões”, “Esquadrão Classe A”, etc. Mas seu papel mais memorável na TV foi, disparado, o do vilão Anthony Falconetti na minissérie de 1976 “Pobre Homem Rico” (Rich Man, Poor Man), que bateu recordes de audiência. Fez tanto sucesso que ganhou continuação no ano seguinte, explorando ainda mais a rivalidade entre Falconetti (caracterizado com um tapa-olho!) e os irmãos Jordache (Peter Strauss e Nick Nolte). O ator interpretou um vilão tão convincente que recebeu convite para enfrentar Clint Eastwood em “Punhos de Aço: Um Lutador de Rua”, lançado em 1980. Sua cena principal com Eastwood foi considerada a luta mais longa até então filmada no cinema. Antes disso, sua carreira cinematográfica era uma coleção de filmes trash apelativos. Curiosamente, muitos deles se tornaram cultuados, na linha do “tão ruim que é bom”, como “Motoqueiros Selvagens” (1970), “O Monstro de Duas Cabeças” (1971), “O Túmulo do Vampiro” (1971), “Invasão das Mulheres Abelhas” (1972) e “O Guerreiro do Futuro” (1975). Também chegou a escrever, produzir e estrelar “Hollywood Man” (1976), em que satisfez seu ego ao interpretar um astro de Hollywood. Mas depois de trocar socos com Estwood, acabou tento um gostinho do que era trabalhar de verdade em filmes de grande orçamento e com mestres do cinema. Foram dois longas de John Milius, como o pai de “Conan, o Bárbaro” (1982) e um comandante soviético que invadia os EUA em “Amanhecer Violento” (1984). E duas preciosidades de Francis Ford Coppola, como um balconista em “Vidas sem Rumo” (1983) e o policial assediador de “O Selvagem da Motocicleta” (1983). Os papéis, infelizmente, eram pequenos e a fase comercial se encerrou com o terror “Maniac Cop: O Exterminador” (1988). O resto de sua carreira pode ser resumida como uma coleção vasta de produções para videolocadoras, geralmente terror e ação de baixíssimos orçamentos. Ele ainda gravou participações em clipes das bandas de rock Ramones e Pantera. E atuou sem parar até o ano passado, despedindo-se na comédia pouco vista “Irresistible”, estrelada por Steve Carell e lançada direto em DVD no Brasil.
Chick Vennera (1947–2021)
O ator Chick Vennera, que estrelou os filmes “Até que Enfim é Sexta-Feira” (1978) e “Rebelião em Milagro” (1988) morreu na quarta-feira (7/7) em sua casa em Burbank, na Califórnia, aos 74 anos, após uma batalha contra o câncer de pulmão. Nascido Francis Vennera, o nova-iorquino começou a carreira como dançarino, acrobata e palhaço do espetáculo itinerante “Disney on Parade”, antes de se tornar ator da Broadway com a montagem original de “Grease”. Sua estreia nas telas aconteceu em 1975, em séries como “Lucas Tanner”, “O Vigilante” e “Baretta”, até que o talento demonstrado em musicais o levou a ser escalado para seu primeiro papel nos cinemas, como o dançarino latino Marv Gomez de “Até que Enfim é Sexta-Feira”. No longa de 1978, estrelado por Donna Summers, os Commodores e um jovem Jeff Goldblum, ele dança sobre capôs de carros e vence um concurso numa discoteca com uma parceira (Valerie Landsburg) que nunca tinha visto até aquela noite. Seu outro papel notável foi o agricultor frustrado que começa a situação descrita no título de “Rebelião em Milagro”, filme também estrelado por Sônia Braga, dirigido por Robert Redford e vencedor do Oscar de Melhor Trilha Sonora (Dave Grusin). Apesar disso, sua carreira cinematográfica não deslanchou. Vennera participou de muitos fracassos de bilheteria – comédias como “Alto Risco” (1981) e “Um Calouro em Apuros” (1986) e os terrores “Ritual de Sangue” (1988) e “Olhos Noturnos” (1990) – e acabou priorizando a TV, onde acumulou participações em episódios de “Super Gatas” (Golden Girls), “Vega$”, “Carro Comando” (TJ Hooker) e “Louco por Você” (Mad About You), entre outros programas. Em 1985, fez uma pequena participação vocal num episódio de uma nova versão da série animada “Os Jetsons”, que deu novo rumo à sua carreira. Os produtores da Hanna-Barbera gostaram tanto de seu desempenho que o convidaram a entrar no elenco fixo de “Foofur e seu Bando”, animação lançada no ano seguinte. O trabalho, por sua vez, repercutiu em outras divisões da animação da Warner (dona da Hanna-Barbera), rendendo-lhe emprego até sua aposentadoria. Ele dublou personagens em “Batman: A Série Animada”, “Batman do Futuro”, “Animaniacs”, “As Incríveis Aventuras de Jonny Quest”, “A Vaca e o Frango” e “Super Choque”, seu último trabalho animado em 2004. Nos últimos anos, Vennera vinha dando cursos de atuação na Beverly Hills Playhouse e no Renegade Theatre and Film Group, que só foram interrompidos com o início da pandemia no ano passado.
Suzzanne Douglas (1957–2021)
A atriz Suzzanne Douglas, que estrelou a minissérie “Olhos que Condenam”, morreu na terça-feira (6/7) aos 64 anos, de causa não informada. Nascida em Chicago, filha de mãe solteira numa família com poucos recursos, Suzzanne Douglas se destacou nos estudos e ganhou bolsas para se aprimorar em artes dramáticas e música, o que a levou ao cinema em 1989, com um papel importante no musical “Tap – A Dança de Duas Vidas”. O desempenho da estreia lhe rendeu o Image Awards da NAACP, uma das mais antigas organizações culturais do movimento dos direitos civis nos EUA. No mesmo ano, começou a fazer aparições em séries, que incluíram “Um Homem Chamado Falcão” e “The Cosby Show”, até ser escalada em 1995 como protagonista da série “The Parent ‘Hood”, no papel da esposa de um professor universitário (Robert Townsend) e mãe de quatro filhos. A atração durou cinco temporadas. Ela também se destacou em filmes como “A Face da Verdade” (1994), “Um Verão Especial” (1994), “A Nova Paixão de Stella” (1998) e “Escola do Rock” (2003), onde viveu a mãe de Tomika, personagem de Maryam Hassan. Pelo telefilme da Disney “Sounder” (2005) foi premiada com o Black Reel Awards, que elege as melhores obras e artistas negros dos EUA. Um de seus últimos papéis foi em “Olhos que Condenam” (2019), minissérie da Netflix dirigida por Ava DuVernay, em que interpretou Grace Cuffee, a mãe de um dos jovens condenados a anos de prisão por um crime que não cometeram. DuVernay foi às redes sociais lamentar a morte da atriz, a quem descreveu como “uma pedra preciosa em forma de mulher”. “Ela era uma atriz confiante e cuidadosa, que dava vida às palavras do roteiro e fazia com que elas brilhassem em tela. Fico grata por nossos caminhos de vida terem se cruzado. Que ela faça sua jornada com paz e amor”, completou.
Robert Downey (1936–2021)
O cineasta Robert Downey, pai do ator Robert Downey Jr, morreu enquanto dormia na manhã desta quarta (7/7) em sua casa em Nova York. O diretor tinha 85 anos e sofria do Mal de Parkinson há pelo menos 5 anos. O intérprete do Homem de Ferro escreveu sobre seu pai no Instagram: “Na noite passada, meu pai passou em paz enquanto dormia após anos suportando a devastação do Parkinson… ele era um verdadeiro cineasta independente”. Downey ficou conhecido nos anos 1960 por ser um dos cineastas mais identificados com o movimento contracultural dos EUA, responsável por pelo menos um filme cultuadíssimo, “Putney Swope”, de 1969, além de ter se tornado um autor importante da história do cinema independente americano. Curiosamente, Robert Downey também era Jr. Seu nome verdadeiro era Robert John Elias Jr. Ele era filho da modelo conhecida apenas como Elizabeth (McLoughlin) e Robert Elias, que trabalhava na gestão de hotéis e restaurantes. Mas ao se tornar maior de idade adotou o sobrenome de seu padrasto, James Downey. Seus primeiros filmes foram iniciativas rodadas praticamente sem orçamento, filmes realmente independentes, que mesmo em condições mínimas se destacaram por situações cômicas e absurdas, e redefiniram o cinema underground. O curta “Balls Bluff” (1961), o média “Babo 73” (1964) e os longas “Chafed Elbows” (1966) e “No More Excuses” (1968) impactaram muitos jovens cineastas da época, entre eles Martin Scorsese, que teve a iniciativa de restaurar todas essas obras por sua Film Foundation. “No More Excuses” tornou-se influentíssimo por trazer Downey encarnando situações fictícias e malucas, registradas nas ruas de Nova York, no Yankee Stadium e num vagão de metrô lotado, em meio a reações de pessoas reais. Neste filme, ele foi Borat 40 anos antes de Sacha Baron Cohen. Não foi à toa que foi definido como “anarquicamente caprichoso e contracultural com C maiúsculo” pelo Village Voice, a publicação mais alternativa de Nova York na época. A repercussão o deixou famoso o suficiente para conseguir seu primeiro orçamento e contrato de distribuição, permitindo que o filme seguinte tivesse maior alcance. Em 1969, “Putney Swope” expôs seu estilo a um público mais amplo, que ficou chocado – alguns diriam horrorizado. O filme era uma sátira devastadora da Madison Avenue, o centro publicitário dos EUA, e mostrava o que acontecia quando um ativista afro-americano recebia carta branca para fazer o que quisesse numa agência de publicidade. A ousadia do filme foi revolucionária. “Putney Swope” entrou na lista dos 10 melhores filmes do ano da New York Magazine, mas também foi execrado pela imprensa conservadora. Com o passar dos anos, sua reputação só aumentou, tornando-o um dos filmes mais cultuados da história do cinema americano. Downey entrou nos anos 1970 com novas provocações, como “Pound”, em que atores fingiam ser cachorros esperando para serem adotados – entre eles, o estreante Robert Downey Jr. de cinco anos de idade – , e “Greaser’s Palace” (1972), uma encenação ultrajante da vida de Cristo no contexto de um faroeste espaguete. Desta vez, foi a revista Time que colocou o filme em sua lista dos dez melhores do ano. Apesar da repercussão, os lançamentos não davam dinheiro, o que levou o diretor para o teatro e polêmicas diferentes. Downey dirigiu a peça “Sticks and Bones” de David Rabe, que a rede CBS decidiu exibir ao vivo em seu projeto de teleteatro em 1973. O tema anti-guerra da montagem enfrentou grande resistência do mercado e boicote dos anunciantes, fazendo com que a transmissão da peça se tornasse a única do projeto sem interrupções comerciais. Ele também antecipou “Seinfeld” ao fazer o primeiro filme sobre nada, “Moment to Moment” de 1975. Downey disse ao Village Voice que “foi difícil arrecadar dinheiro para um filme que não tinha realmente um enredo. Lembro-me de dizer a um cara uma vez, ‘Há uma cena em que teremos 18 caras jogando beisebol a cavalo’, que está lá. Ele olhou para mim como se pensasse: ‘Você enlouqueceu?’. Jack Nicholson colocou dinheiro para a produção, Hal Ashby e Norman Lear, esses meus amigos daquela época. É o filme favorito dos meus filhos dentre todos que fiz.” A partir dos anos 1980, Downey acreditou que seu humor besteirol finalmente poderia ser entendido pelo mercado, o que resultou em tentativas de produções mais comerciais. “Rebeldes da Academia” não escondia o desejo de replicar o sucesso de “Clube dos Cafajestes” (1978), mas com situações muito mais suaves do que as do filme de John Belushi. Ele também dirigiu as comédias “America” (1986) e “Rented Lips” (1988), mas só conseguiu atrair a atenção com “Os loucos Casais da Califórnia”, já em 1990 e graças a um elenco que incluía seu filho Robert Downey Jr. e o jovem amigo dele Ralph Macchio (o “Karatê Kid”), ao lado de Allan Arbus e o Monty Python Eric Idle. O filme juntava os quatro em despedidas emocionantes de seus cachorros superprotegidos, todos poodles, que saíam de férias em uma van. Seus últimos filmes foram mais sérios. “Hugo Pool” foi inspirado pela morte de sua segunda esposa, Laura, que faleceu de ALS em 1994. O longa, que estreou mundialmente no Festival de Sundance em 1997, promovia a conscientização sobre ALS. E ele encerrou a carreira com o documentário “Rittenhouse Square”, sobre o principal centro cultural e social da Filadélfia, lançado em 2005. Robert Downey também foi ator e participou de filmes como “Boogie Nights” (1997) e “Magnolia” (1999), ambos de Paul Thomas Anderson. Sua última aparição nas telas foi como convidado do humorístico “Saturday Night Live” em 2015. Como suas obras foram realmente independentes, nunca receberam muita atenção do mercado e jamais saíram do circuito dos iniciados – seus principais títulos são inéditos no Brasil e em vários países do mundo. Por conta disso, sua ousadia acabou esquecida. É até desconhecida entre as novas gerações, que se referiam a ele apenas como o pai de Robert Downey Jr. Veja abaixo o trailer ultrajante de “Putney Swope” (“Você não pode comer um ar condicionado”!).
