Jards Macalé morre aos 82 anos no Rio de Janeiro
Cantor e compositor carioca faleceu após complicações de broncopneumonia e parada cardíaca em hospital na Barra da Tijuca
Estreias | Cinemas recebem novo “Jogos Vorazes”
O feriadão desta quarta (15/11) antecipou a principal estreia de cinema da semana. “Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes” domina o circuito amplo, não apenas por chegar um dia antes, mas por o resto da programação ter apenas documentários. São seis filmes do gênero, cinco deles brasileiros, lançados de forma limitada em cinemas de arte. Confira abaixo a lista completa das novidades. JOGOS VORAZES: A CANTIGA DOS PÁSSAROS E DAS SERPENTES O “Malévola” de “Jogos Vorazes” é um prólogo centrado na trajetória inicial de Coriolanus Snow, que mais tarde se torna o presidente tirânico de Panem. Interpretado por Tom Blyth (da série “A Idade Dourada”), o jovem Snow é apresentado como um estudante de uma família outrora influente, mas agora empobrecida. Ele é encarregado de ser mentor de Lucy Gray Baird, uma tributo do Distrito 12 (o mesmo de Katniss), vivida por Rachel Zegler (“Amor, Sublime Amor”). Ambientada numa época em que os Jogos Vorazes ainda estão se estabelecendo como um instrumento de opressão do Capitólio, a trama explora as origens do evento e o início da ascensão de Snow ao poder. Dirigido por Francis Lawrence e escrito por Michael Arndt, veteranos da franquia, o filme detalha o desenvolvimento moral de Snow, entre a sua ambição e seu senso de moralidade. A dinâmica entre Snow e Lucy Gray evolui durante os Jogos, com Snow reconhecendo o potencial dos Jogos como ferramenta política e espetáculo manipulador. A narrativa é enriquecida por personagens secundários marcantes, como a Dra. Volumnia Gaul, interpretada por Viola Davis (“A Mulher Rei”), uma personificação da crueldade e manipulação do regime de Panem, o reitor de universidade Dean Casca Highbottom, vivido por Peter Dinklage (“Game of Thrones”) e responsável por uma dinâmica complexa com Snow, além de Jason Schwartzman (“Fargo”), que acrescenta uma camada de humor negro como Lucretius “Lucky” Flickerman, o apresentador dos Jogos, um antepassado do personagem de Stanley Tucci nos filmes anteriores. Apesar dos seus elementos visuais e atuações destacadas, “A Canção dos Pássaros e das Serpentes” dividiu a crítica dos EUA, atingindo apenas 59% de aprovação, devido à duração excessiva (2h37) e por falhar em fornecer insights profundos sobre questões morais e políticas. O filme tenta balancear a violência dos Jogos com um drama político, mas acaba não atingindo plenamente esses objetivos. Além disso, introduz várias cenas de música, particularmente em torno do personagem de Lucy Gray Baird, aproveitando o talento vocal de Rachel Zegler, que prolongam demais a produção. O uso da música é um aspecto distintivo deste filme em comparação com os filmes anteriores, que se concentravam mais na ação. INCOMPATÍVEL COM A VIDA Vencedor do Festival É Tudo Verdade, o documentário dirigido por Eliza Capai (“Espero Tua (Re)volta”) explora uma temática profundamente pessoal e sensível: a perda gestacional e as complexidades do aborto em casos de má formação fetal. A obra nasce da experiência pessoal da diretora, que, durante uma gravidez na pandemia, descobriu que seu filho tinha uma má formação incompatível com a vida. Este ponto de partida leva Capai a uma jornada de autoexposição e exploração de histórias similares de outras mulheres, abordando a dor, o luto e as implicações sociais e legais dessas situações. O filme se destaca por sua abordagem íntima e crua, onde Capai não apenas compartilha sua própria experiência, mas também se conecta com outras mulheres que enfrentaram perdas gestacionais. Através de entrevistas e relatos pessoais, o documentário traça um panorama de como essas experiências afetam diversas mulheres, independentemente de suas origens ou crenças, criando um diálogo abrangente e inclusivo sobre um tema frequentemente marginalizado e tabu na sociedade conservadora. VAI E VEM O filme é um diálogo cinematográfico entre Fernanda Pessoa (“Zona Árida”) e Chica Barbosa (“Madrigal for a Living Poet”), duas cineastas que, durante a pandemia de Covid-19, decidiram trocar videocartas. A obra é marcada por uma forte influência feminista, inspirada no trabalho de diretoras experimentais latino-americanas, incluindo nomes como Paula Gaitán e Barbara Hammer, e se desenrola como uma série de impressões sobre a condição feminina, entrelaçadas com reflexões políticas e pessoais. As diretoras, uma baseada em São Paulo e a outra em Los Angeles, utilizam a correspondência para explorar temas como masculinidade tóxica, o negacionismo e a política de extrema-direita em seus respectivos países, Brasil e Estados Unidos, na época sob a liderança de Jair Bolsonaro e Donald Trump. O documentário não se limita apenas ao intercâmbio entre Pessoa e Barbosa, mas também incorpora perspectivas de outras mulheres, como a sogra progressista de Pessoa no Paraná e as amigas mexicano-americanas de Barbosa, que enfrentam os dilemas culturais vividos pela própria diretora como uma estrangeira nos EUA. Estas narrativas são entrelaçadas com eventos políticos significativos, como as eleições municipais de São Paulo e a campanha presidencial dos EUA em 2020, numa cronologia que vai dos primeiros meses da pandemia até uma fase mais relaxada. “Vai e Vem” se destaca por sua abordagem não convencional, rejeitando a lógica tradicional dos documentários e optando por uma conversa movida pela inquietação e pela busca por transformações. O resultado é um mosaico de texturas, cromatismos e sobreposições, refletindo a pulsante dinâmica da correspondência entre as duas cineastas. ATO FINAL O tema do documentário é a violência contra as mulheres e o feminicídio. Suas protagonistas estão mortas e suas histórias são encenadas num palco por três atrizes (Janine Correa, Sabrina Feu e Sara Nichio). Paralelamente, um grupo de sobreviventes compartilha suas próprias histórias de luta contra a violência doméstica. A diretora Roberta Fernandes, que também é jornalista e vencedora do Grande Prêmio Canal Brasil de Curtas 2018 com “Se Você Contar”, sobre o mesmo tema, busca provocar reflexão sobre a condescendência social em relação à violência doméstica e as amarras psicológicas das relações abusivas. CAFI Dirigido por Lírio Ferreira (“Árido Movie”) e Natara Ney (“Elza Infinita”), o documentário apresenta a trajetória de Carlos da Silva Assunção Filho, conhecido como Cafi, um influente fotógrafo e artista plástico pernambucano. Nascido em Recife e criado no Rio de Janeiro, Cafi se destacou no cenário cultural brasileiro, especialmente na música, ao criar mais de 300 capas de discos icônicas, incluindo a do álbum “Clube da Esquina”. O filme, um road movie documental, acompanha Cafi em reencontros com amigos e colegas de profissão, como Alceu Valença, Jards Macalé, Ronaldo Bastos, Deborah Colker, entre outros, explorando sua visão artística e a influência de sua obra. A narrativa do documentário se aprofunda na paixão de Cafi pela fotografia e sua habilidade em capturar a essência dos movimentos culturais e contraculturais brasileiros. O filme destaca momentos significativos de sua carreira, como a criação da capa do álbum “Clube da Esquina”, que se tornou um marco na história da música brasileira. Além disso, revela detalhes sobre a fundação do grupo de produção cultural “Nuvem Cigana” e a co-fundação da galeria de artes do Circo Voador, “Galera das Artes”, evidenciando sua contribuição multifacetada para a cultura brasileira. “Cafi” foi reconhecido internacionalmente, recebendo o prêmio de melhor documentário no Los Angeles Brazilian Film Festival. Mais que um filme, a obra também celebra a carreira de Cafi, que faleceu em 2019, deixando um legado inestimável na história cultural do Brasil. NELSON PEREIRA DOS SANTOS – VIDA DE CINEMA O documentário homenageia a vida e a obra de um dos mais influentes cineastas brasileiros, Nelson Pereira dos Santos, conhecido como o pai intelectual do Cinema Novo. Dirigido por Aída Marques e Ivelise Ferreira, viúva do cineasta, o filme traça um panorama da carreira de Nelson, desde suas primeiras incursões no cinema até suas obras mais maduras. A narrativa segue uma progressão cronológica, começando com relatos do próprio Nelson sobre seu nascimento em São Paulo, sua formação na França, e os bastidores de suas produções mais significativas, como “Rio, 40 Graus” (1955) e “Vidas Secas” (1963). O documentário destaca a habilidade de Nelson em capturar o espírito de sua época e sua constante busca por diálogo com as tendências e fenômenos cinematográficos. A produção se destaca por sua abordagem informativa, privilegiando depoimentos do próprio Nelson Pereira dos Santos ao longo dos anos. A montagem, assinada por Luiz Guimarães de Castro, cria uma interlocução entre diferentes períodos da vida do cineasta, mesclando imagens de diferentes épocas. Além disso, traz contribuições de outras personalidades do cinema brasileiro, como Grande Otelo e Jece Valadão, através de materiais de arquivo, enriquecendo a narrativa com histórias dos bastidores de obras famosas. Também são abordados o contexto político das obras, como a censura sofrida por “Rio, 40 Graus” e a sombra de tempos turbulentos sobre as adaptações de Graciliano Ramos, “Vidas Secas” e “Memórias do Cárcere” (1984). O doc apresenta sua filmografia como um reflexo da cultura e das realidades brasileiras, servindo de entrada ao universo criativo e pessoal de um artista essencial para a compreensão do cinema brasileiro no século 20. SAMSARA – A JORNADA DA ALMA O filme do espanhol Lois Patiño (“Lua Vermella”) desafia as fronteiras entre documentário e ficção, oferecendo uma jornada espiritual e introspectiva. A narrativa começa em Laos, onde um jovem budista, Amid (Amid Keomany), lê o “Bardo Thödol”, ou “O Livro Tibetano dos Mortos”, para uma mulher idosa em seus últimos dias. Este ato prepara a mulher para a transição através do Bardo, um estado liminar entre as encarnações. A obra segue Amid em suas interações com um grupo de jovens monges e explora a fusão do sagrado com o mundano, como o uso de smartphones e a apreciação do rap pelos monges. Já a segunda parte do filme ocorre em Zanzibar, na Tanzânia, e segue a jovem muçulmana Juwairiya (Juwairiya Idrisa Uwesu) e sua interação com um cabrito recém-nascido, Neema. Patiño utiliza a mesma abordagem contemplativa para capturar a vida cotidiana de Juwairiya e sua comunidade, mantendo o foco na meditação sobre os ciclos da vida e da morte. Com uma narrativa não convencional, enfatizando a experiência sensorial, o filme chega a convidar os espectadores a fechar os olhos e experimentar uma jornada metafísica através de cores e vibrações percebidas pelas pálpebras fechadas. Acabou ganhando um prêmio especial no Festival de Berlim deste ano.
Globo Filmes anuncia mais de 10 novas produções brasileiras no Festival de Cannes
A Globo Filmes anunciou a produção de mais de 10 longas durante o 76º Festival de Cannes, que iniciou na terça-feira (16/5). Os filmes foram apresentados pela head de conteúdo da produtora, Simone Oliveira, convidada da Cannes Producers Network, que também está no evento para acompanhar a première de “Nelson Pereira dos Santos: Uma Vida de Cinema”. A empresa afirma ter investido R$ 35,6 milhões na produção de longas-metragens brasileiros neste ano. Segundo comunicado à imprensa, sua presença em Cannes “reforça a importância de estabelecer parcerias internacionais para produções atuais e futuras do cinema nacional”. A lista de produções inclui o citado documentário “Nelson Pereira dos Santos: Uma Vida de Cinema”, dirigido por Aída Marques (“Estação Aurora”) e Ivelise Ferreira (“A Música Segundo Tom Jobim”), sobre o cineasta do clássico “Vidas Secas” (1963), “O Amuleto de Ogum” (1974) e “Vidas Secas” (1984). Os diretores das obras, todas co-produções, vão desde o renomado Gabriel Mascaro (“Divino Amor”) até o celebrado documentarista Eryk Rocha (“Cinema Novo”), passando pela atriz premiada Dira Paes (“Pantanal”) em sua estreia atrás das câmeras. Após a distonia evangélica de “Divino Amor”, Mascaro dirigirá “O Outro Lado do Céu”, produzido pela Globo Filmes e Desvía Produções, um drama de fantasia ambientado em um Brasil de realidade alternativa, onde qualquer pessoa com mais de 80 anos é confinada em uma colônia para ajudar na recuperação econômica do Brasil. Já Rocha está preparando “Elza”, retrato documental da cantora Elza Soares, enquanto Dira Paes fará sua estreia na direção com “Pasárgada”, sobre tráfico internacional de animais. Alguns projetos já estão com cronograma de produção fechado e começam a ser filmados no segundo semestre deste ano. Entre eles, destacam-se “Por um Fio” de David Schurmann (“Pequeno Segredo”), sobre um oncologista tratando seu próprio irmão de câncer, e “Colegas 2” de Marcelo Galvão, continuação do filme vencedor do Festival de Gramado de 2012. Os dramas incluem ainda “As Vitrines” de Flavia Castro (“Deslembro”), “Precisamos Falar Sobre Nossos Filhos” de Rebeca Diniz e Pedro Waddington (ambos de “Sob Pressão”), “A Batalha na Rua Maria Antônia” de Vera Egito (“Elis: Viver é melhor que Sonhar”), “Manas” de Marianna Brennan (“O Coco, A Roda, O Pnêu e O Farol”), “Novas Severinas” de Eliza Ribeiro Capai (“Your Turn”), “Dois Verões e uma Eternidade” de Sandra Kogut (“Três Verões”), “O Haiti É Aqui” do trio Fabio Mendonça (“Vale dos Esquecidos”), Teodoro Poppovic (“Rota 66: A Polícia que Mata”) e Maurício Bouzon (“Queime este Corpo”), e “Raoni, Uma Amizade Improvável”, documentário do belga Jean-Pierre Dutilleux sobre sua longa amizade com o cacique Raoni Metuktire – que ele filma desde os anos 1970. Mas além dos títulos dramáticos, a Globo também está investindo em diversas comédias. Entre elas, “Tá Escrito”, estrelada por Larissa Manoela (“Modo Avião”) e com direção de Matheus Souza (“A Última Festa”), “Tô de Graça” de César Rodrigues (“Nada Suspeitos”), baseada na série mais assistida do Multishow, “Os Farofeiros 2”, sequência do filme de 2018 de Roberto Santucci, e “Minha Irmã e Eu”, dirigida por Suzana Garcia (“Foteuses”) e protagonizada por Ingrid Guimarães (“Novo Mundo”) e Tatá Werneck (“Terra e Paixão”). Em entrevista à revista americana Variety, Simone Oliveira revelou que os filmes de humor têm como objetivo recuperar o interesse dos brasileiros pelo cinema. “Vemos as salas de cinema como prioridade. Os filmes são lançados com forte publicidade e cobertura cross-media dos programas de entretenimento e jornalismo da TV Globo, que atingem 100 milhões de pessoas por dia”, afirmou. “Essa visibilidade fortalece o filme para a estreia nos cinemas e, posteriormente, para as demais vitrines, criando um ciclo virtuoso”, acrescentou.
Ator Ilya São Paulo morre dentro de casa aos 59 anos
Ilya São Paulo, um dos protagonistas do remake de “Irmãos Coragem” (1995) na Globo, foi encontrado morto dentro de sua casa nesta terça-feira (31/1), aos 59 anos. Claudia Provedel, esposa do ator, foi quem encontrou o corpo sem vida.2020, como Juarez. Segundo o ator Anselmo Vasconcelos, que divulgou a notícia da morte em seu perfil no Facebook, Ilya havia passado por uma longa internação no Hospital Municipal Miguel Couto, no Rio de Janeiro, para tratar de um grave ferimento no ombro. Em seu texto na rede social, Vasconcellos contou que Ilya havia sido seu aluno na Escola de Teatro Martins Penna, onde conheceu a esposa, com quem teve uma filha. Ele era filho do cineasta Olney São Paulo e irmão do ator Irwing São Paulo, que faleceu precocemente aos 41 anos de idade. Ilya São Paulo nasceu em 13 de setembro de 1963, na cidade baiana de Feira de Santana. Ele era ator de cinema, teatro e televisão, e fez sua estreia nas telas aos 11 anos de idade, figurando como trombadinha no filme “O Amuleto de Ogum” (1974), de Nelson Pereira dos Santos. O primeiro trabalho na televisão foi na Globo, em 1992, como um dos personagens da novela “Perigosas Peruas”. Em 1995, fez o seu papel mais famoso como um dos protagonistas de “Irmãos Coragem”. Na emissora, ele acabou se especializando em minisséries, estrelando “Os Maias” (2001), “A Casa das Sete Mulheres” (2003), “Hoje É Dia de Maria” (2005) e “JK” (2006), entre outras produções. Paralelamente, continuou filme longas importantes, como “Policarpo Quaresma, Herói do Brasil” (1997), de Paulo Thiago, “Villa-Lobos: Uma Vida de Paixão” (2000), de Zelito Viana, “As Tranças de Maria” (2003), de Pedro Carlos Rovai e “Brasília 18%” (2006), em que voltou a trabalhar com Nelson Pereira dos Santos. Depois disso, foi para a Record, onde trabalhou em “A Lei e o Crime” (2009) e “Betty, a feia” (2009). Retornou pra Globo em 2012, no remake de “Gabriela”, e participou de novas séries, incluindo “Onde Nascem os Fortes” (2018) e “Ilha de Ferro” (2019). Sua última aparição foi em “Amor de Mãe”, onde interpretou Juarez, o cunhado que tem um atrito com Lurdes (Regina Casé) quando ela volta à cidade de Malaquias.
Remo Usai (1928-2022)
O maestro e compositor brasileiro Remo Usai, considerado o maior autor de trilhas do cinema brasileiro, faleceu aos 93 anos. Ele teve a morte confirmada pelo advogado da família, Daniel Campello Queiroz, que não forneceu maiores detalhes. Desde 1957, quando começou a compor, Usai criou trilhas para mais de uma centena de obras de todos os gêneros. Foi importante nome do Cinema Novo, trabalhando com nomes como Nelson Pereira dos Santos, com que fez “Mandacaru Vermelho” (1960) e “Boca de Ouro” (1962). E compôs a trilha de inúmeros clássicos, entre eles a chanchada “Entrei de Gaiato” (1959), de J.B. Tanko, o drama “A Grande Feira”, de Roberto Pires, e os thrillers policiais “Assalto ao Trem Pagador” (1962), de Roberto Farias, e “O 5º Poder” (1962), de Alberto Pieralisi, para citar só o começo de sua carreira. Ele também fundador da Rede Globo em 26 de abril de 1965, tornando-se o primeiro Diretor Musical do canal de televisão da família Marinho. Em 1979, Usai conquistou o troféu Candango de Melhor Trilha no Festival de Brasília pelo filme de “true crime” “O Caso Claudia”, de Miguel Borges. Suas músicas também embalaram diversos filmes dos Trapalhões. Sua longeva parceria com Renato Aragão começou antes mesmo da estreia da famosa trupe de humoristas, quando trabalhou em “Na Onda do Iê-Iê-Iê”, estrelado por Aragão em 1966. Entre os filmes dos Trapalhões, ele musicou sucessos como “O Trapalhão nas Minas do Rei Salomão” (1977), “Os Três Mosqueteiros Trapalhões” (1980), “O Incrível Monstro Trapalhão” (1980), “Atrapalhando a Suate” (1983) e “O Trapalhão na Arca de Noé” (1983). A lista de trilhas inclui até o primeiro longa-metragem baseado nos quadrinhos de Mauricio de Sousa, “As Aventuras da Turma da Mônica”, animação lançada com grande sucesso em 1982. Apesar da carreira bem-sucedida, Usai sofreu para receber seus direitos devidos. Por quase 40 anos, travou uma disputa judicial com o Escritório Central de Arrecadação e Distribuição (Ecad) pelos direitos de execução de suas músicas em filmes, no cinema e na televisão. O maestro ingressou com a ação em 1983 e a disputa se arrastou por décadas. Em entrevista para o jornal O Globo de 2012, a filha do maestro, Lilian Usai, revelou que a família passava por problemas financeiros. “Meu pai recebe cerca de um salário mínimo por mês por ter se aposentado como autônomo. Já perdeu os imóveis que meu avô deixou e quase perdeu o apartamento em que vive, no Cosme Velho, por não conseguir arcar com o condomínio e o IPTU. Num momento de lucidez, me disse que achava que tinha fracassado por não ter conseguido juntar dinheiro nem vencido essa ação contra o Ecad”. A Justiça finalmente lhe deu ganho de causa em 2018, determinando o pagamento de cerca de R$ 3,5 milhões. O pagamento, no entanto, só ocorreu em 2021, meses antes de sua morte.
Boca de Ouro é a versão mais violenta de Nelson Rodrigues
Um filme como “Boca de Ouro”, com um elenco estelar, tempos atrás teria ótimas chances de conseguir uma boa bilheteria. Mas está passando em cinemas vazios. Tempos estranhos estes de pandemia. Há vários motivos para ver o filme. Para começar, o texto de Nelson Rodrigues, que é um autor que costuma garantir o sucesso de suas adaptações. Há também a volta de Daniel Filho na direção, depois de um hiato longo – desde a comédia “Sorria, Você Está Sendo Filmado”, de 2014. E há um elenco muito atraente, que traz outra volta, Malu Mader, e destaca nomes como Marcos Palmeira no papel-título, Guilherme Fontes, Fernanda Vasconcellos, Anselmo Vasconcelos, além do próprio Daniel Filho. Apesar disso, o grande atrativo acaba sendo a revelação da jovem Lorena Comparato, no papel de Celeste, a mulher casada que cai nas graças do gângster de dentes de ouro. Outro ator jovem, mais conhecido pelas telenovelas, Thiago Rodrigues, faz o papel de seu marido, Leleco, personagem que, na adaptação de Nelson Pereira dos Santos, exibida em 1963, tinha sido interpretado pelo próprio Daniel Filho. A estrutura, por sinal, é igual à do filme de Nelson Pereira dos Santos, uma espécie de “Rashomon” (1950), com a personagem de Malu Mader contando três histórias diferentes, ao mesmo tempo contraditórias e complementares sobre o temido Boca de Ouro, bicheiro que acabou de ser encontrado morto. A dupla de repórteres que entra na casa de Guigui (Mader) para colher depoimentos, acaba por ouvir essas histórias, mudadas de acordo com o humor ou a vontade da narradora. As narrativas se equilibram em momentos muito bons e outros menos interessantes, mas todas elas são atraentes e poderosas no uso da violência rodrigueana e que agora pode ser vista de maneira mais explícita. Daniel Filho segue um caminho de sangue e nudez, que já era trilhado pelos melhores especialistas em adaptações de Nelson Rodrigues, como Neville D’Almeida e Braz Chediak. Mas em “Boca de Ouro” ela é mais gráfica, derivada do cinema de horror, e mais bonita plasticamente. É uma violência que vai além do visual, já que Boca de Ouro é um personagem extremamente perturbador, seja quando procura estuprar uma mulher e matar seu marido, quando faz concurso de seios mais bonitos e quando planeja a execução de uma mulher em sua casa. Assim, há espaço para fazer bombear fortemente o coração do espectador diversas vezes, com os atos cruéis desse fascinante personagem da literatura brasileira.
Sergio Ricardo (1932 – 2020)
O músico, escritor, pintor e cineasta Sergio Ricardo morreu na manhã desta quinta-feira (23/7), aos 88 anos no Hospital Samaritano, no Rio de Janeiro. A causa da morte não foi divulgada. Um dos integrantes de primeira hora da bossa nova, autor de “Zelão” e também da belíssima “Folha de Papel”, gravada por Tim Maia, Sergio ficou conhecido nacionalmente, a contragosto, por ter quebrado um violão no II Festival da Música Brasileira em 1967, quando foi vaiado ao apresentar a canção “Beto Bom de Bola”. Anos mais tarde, no princípio da década de 1990, escreveu uma autobiografia que batizou de “Quem Quebrou meu Violão”. Mas antes do banquinho e o violão, ele já era conhecido pela câmera na mão. Sergio Ricardo, que na verdade se chamava João Lutfi, seu nome de batismo, começou a filmar em 1962 sem nunca ter quebrado recordes de bilheteria. Mesmo assim criou um trio de clássicos do cinema brasileiro. Ao todo, ele assinou seis filmes, incluindo dois curtas, a maioria com participação importante de seu irmão Dib Lufti, um dos mais famosos diretores de fotografia do Brasil. O primeiro curta, “Menino da Calca Branca” (1962), ainda contou com apoio de outro mestre do Cinema Novo, o cineasta Nelson Pereira dos Santos, que realizou sua montagem. A história do menino favelado que sonhava com uma calça nova foi lançada no Festival Karlovy Vary, na então Tchecoslováquia, e acabou premiada no Festival de San Francisco, nos EUA. O primeiro longa, “Êsse Mundo É Meu”, foi um drama social estrelado por Antonio Pitanga e abordava a vida dura na favela. Além de escrever e dirigir, Sergio Ricardo compôs sua trilha sonora, lançada em disco – a música-título também foi gravada por Elis Regina. E sua qualidade chamou atenção da crítica internacional. Na época, o critico e diretor francês Luc Moullet, em artigo publicado na revista Cahiers du Cinema, condenou a ausência da obra de Sérgio Ricardo no festival de Cannes de 1965 e listou “Êsse Mundo É Meu” entre os melhores filmes de 1964. Mas pouca gente viu, inclusive no Brasil, onde foi lançado em 1 de abril de 1964, junto do golpe militar que esvaziou as ruas e os cinemas do país. Sergio Ricardo costumava brincar que tinha sido seu primeiro fracasso cinematográfico. Vieram outros. Romance engajado, “Juliana do Amor Perdido” (1970) denunciava como fanatismo religioso mantinha o povo escravizado numa comunidade de pescadores, e foi exibido no Festival de Berlim. Mais proeminente, “A Noite do Espantalho” (1974) consagrou-se como a primeira ópera “rock” brasileira ou o primeiro filme-cordel. Rodada no “palco a céu aberto” de Nova Jerusalém, onde anualmente é encenada a Paixão de Cristo, a trama registrava a luta de camponeses contra um poderoso coronel latifundiário, que agia comandado por um dragão. Em meio a surrealismo e psicodelia sertaneja, o filme ainda revelou, de uma só vez, os talentos de Alceu Valença e Geraldo Azevedo. E arrancou elogios da crítica mundial, com sessões lotadas no Festival de Cannes e de Nova York. Seus três longas formaram uma trilogia não oficial sobre a crise social brasileira. O diretor começou na favela urbana, foi para o litoral distante e acabou no sertão nordestino. E nesse trajeto evoluiu do neorealismo preto e branco para o psicodelismo colorido, criando uma obra digna de culto. Mas apesar da grande repercussão internacional, os filmes do diretor não receberam a devida valorização no Brasil. Sem incentivo, ele acabou se afastando das telas. Só foi voltar recentemente, em 2018, para seu quarto e último longa-metragem, “Bandeira de Retalhos”, que sintetizou seus temas. O filme acompanhava a luta de moradores de uma favela carioca contra a desapropriação de suas casas, que políticos poderosos tinham negociado com empresários do setor imobiliário. A história, inspirada numa tentativa da Prefeitura do Rio de transformar o Vidigal num empreendimento de luxo em 1977, foi encampada pela ONG Nós do Morro e filmada com poucos recursos. Novamente com Antonio Pitanga em papel de destaque, além de Babu Santana. Mas pela primeira vez sem Dib Lufti atrás das câmeras, falecido em 2016, o que fez toda a diferença. “Bandeira de Retalhos” foi exibida na Mostra de Tiradentes, festival de filmes independentes, e nunca estreou comercialmente. O diretor acabou lançando o filme por conta própria no YouTube, em maio passado, no começo da pandemia de covid-19. Além do trabalho como cineasta, Sergio Ricardo ainda contribuiu com outros talentos para o cinema brasileiro. São dele as trilhas de clássicos como “Deus e o Diabo na Terra do Sol” (1964), “Terra em Transe” (1967) e “O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro” (1969), para citar só obras de Glauber Rocha, entre muitas outras colaborações. Ele também foi ator, embora tenha desempenhado poucos papéis, como no clássico infantil “Pluft, o Fantasminha” (1962) e como narrador de “Terra em Transe”, além de aparecer em dois de seus filmes e ter estrelado a minissérie “Parabéns pra Você” em 1983, na rede Globo.
Cacá Diegues assume vaga na Academia Brasileira de Letras
O cineasta Cacá Diegues, um dos fundadores do Cinema Novo, assumiu na sexta-feira (12/4) sua vaga como novo imortal da Academia Brasileira de Letras (ABL). Ele foi eleito no dia 30 de agosto do ano passado para a cadeira número 7, sucedendo ao cineasta Nelson Pereira dos Santos, que morreu no dia 21 de abril de 2018. Cacá Diegues venceu dez concorrentes: Conceição Evaristo, Pedro Corrêa do Lago, Raul de Taunay, Remilson Soares Candeia, Francisco Regis Frota Araújo, Placidino Guerrieri Brigagão, Raquel Naveira, José Itamar Abreu Costa, José Carlos Gentili e Evangelina de Oliveira. Dos atuais 39 membros da ABL, apenas cinco são mulheres. Havia uma grande expectativa de que a cadeira fosse assumida por Conceição Evaristo, o que faria dela a primeira mulher negra a entrar para a ABL. Embora tenha existido uma mobilização nas redes sociais e uma campanha na internet com 25 mil assinaturas, a autora de “Ponciá Vivêncio” recebeu apenas um voto dos acadêmicos. Cacá Diegues é um dos grandes nomes do cinema brasileiro desde os anos 1960. Seus filmes já concorreram em três ocasiões à Palma de Ouro, no Festival de Cannes, e incluem clássicos como “Cinco vezes Favela” (1962), “Ganga Zumba” (1963), “Joana Francesa” (1973), “Xica da Silva” (1976), “Chuvas de Verão” (1978) e “Bye Bye Brasil” (1979). O filme mais recente do diretor, “O Grande Circo Místico”, também teve première em Cannes e foi o candidato brasileiro a uma vaga no Oscar passado. “A escolha da Academia pelo meu nome é também uma homenagem a Nelson, ao cinema brasileiro, a tudo que nós fizemos juntos e separados. É uma grande noite para o cinema brasileiro”, disse Diegues, após a cerimônia, em entrevista à TV Globo.
Academia Brasileira de Letras elege Cacá Diegues como novo imortal
A Academia Brasileira de Letras anunciou nesta quinta-feira (30/1) que o cineasta Cacá Diegues, de 78 anos, foi eleito novo imortal. Ele assumirá a cadeira número 7, no lugar de outro diretor originário do Cinema Novo, Nelson Pereira dos Santos, morto em abril, aos 89 anos, após lutar contra um tumor no fígado. “Crítico refinado, diretor reconhecido além fronteiras. Sua entrada é uma homenagem ao saudoso Nelson Pereira dos Santos, de quem foi amigo, através das novas lentes que ambos construíram para ver mais longe a nossa realidade”, afirmou o Presidente da ABL, escritor Marco Lucchesi. Segundo o comunicado, Cacá Diegues recebeu 22 votos dos 24 acadêmicos presentes e mais 11 que votaram por cartas – três se ausentaram por motivo de saúde. A cadeira 7 teve como ocupantes anteriores Valentim Magalhães (fundador), Euclides da Cunha, Afrânio Peixoto, Afonso Pena Júnior, Hermes Lima e Pontes de Miranda. Cacá Diegues é um dos grandes nomes do cinema brasileiro desde os anos 1960. Seus filmes já concorreram em três ocasiões à Palma de Ouro, no Festival de Cannes, e incluem clássicos como “Cinco vezes Favela” (1962), “Ganga Zumba” (1963), “Joana Francesa” (1973), “Xica da Silva” (1976), “Chuvas de Verão” (1978) e “Bye Bye Brasil” (1979). Recentemente, ele voltou à Cannes para fazer a première mundial de seu novo filme, “O Grande Circo Místico” (2018), que estreia em 15 de novembro nos cinemas brasileiros. Havia uma grande expectativa de que a cadeira fosse assumida por Conceição Evaristo, o que faria dela a primeira mulher negra a entrar para a ABL. Embora tenha existido uma mobilização nas redes sociais e uma campanha na internet com 25 mil assinaturas, a autora de “Ponciá Vivêncio” recebeu apenas um voto dos acadêmicos. No Twitter, o nome da autora e da Academia Brasileira de Letras ficaram entre as primeiras posições do trending topics, ranking dos assuntos mais comentados na plataforma. Muitos criticaram o fato de Conceição ter recebido apenas um voto, “sem desmerecer o trabalho de Cacá Diegues”, como chegou a escrever um usuário da rede social.
Nelson Pereira dos Santos (1928 – 2018)
Morreu o diretor Nelson Pereira dos Santos, um dos mais importantes cineastas brasileiros, precursor do Cinema Novo, cuja trajetória reflete mais de meio século da história cultural do país. O cineasta estava internado desde a quarta-feira no hospital Samaritano, no Rio, com uma pneumonia. Na internação foi constatado um tumor no fígado, já em estágio avançado, que causou sua morte neste sábado (21/4), aos 89 anos. Nelson Pereira dos Santos assinou mais de 20 filmes, entre eles clássicos absolutos como “Vidas Secas” (1963) e “Memórias do Cárcere” (1984), ambos baseados em livros de Graciliano Ramos, e “Rio 40 Graus” (1955), a obra inspiradora do Cinema Novo. Nascido em 22 de outubro de 1928 em São Paulo, formou-se em direito, mas seguiu carreira como jornalista, tendo passagens por veículos como Diário da Noite e o Jornal do Brasil, antes de se destacar como cineasta. A paixão pelo cinema foi despertada pelo pai cinéfilo, que o levava para ver filmes ainda criança, e alimentada por uma viagem a Paris em 1949, quando frequentou a Cinemateca Francesa e se aproximou do movimento intelectual francês do pós-guerra. Ele fez seu primeiro filme logo ao retornar ao Brasil, o média metragem “Juventude”, de 1950, que pretendia exibir no Festival da Juventude, evento de propaganda do Partido Comunista, realizado em Berlim Oriental. Nelson Pereira dos Santos sempre foi comunista de carteirinha, mas este primeiro filme e outros projetos que se seguiram acabaram perdidos, sem registro, alguns nem finalizados. Para adquirir experiência, decidiu trabalhar como assistente de outros diretores, como Rodolfo Nanni, Ruy Santos e Alex Viany. E assim se mudou para o Rio de Janeiro, onde vicejava um cinema de viés populista, bem diferente das comédias e romances populares da companhia Vera Cruz, em São Paulo. Seu primeiro longa, “Rio 40 Graus” (1955), causou enorme impacto. Filmado com uma câmera emprestada e em sistema cooperativado, Nelson realizou a obra mais inovadora da época, que introduziu a estética neorealista no cinema nacional, ao mesmo tempo em que apresentou temas que seriam posteriormente adotados pelo Cinema Novo, único movimento cinematográfico brasileiro de repercussão internacional. “Rio 40 Graus” era uma antologia de cinco histórias, que retratava um Rio de Janeiro diferente do cartão postal – e de todos os filmes que se faziam no Brasil. Não era o Rio de Copacabana e do Cristo Redentor, mas o Rio da Zona Norte, dos pobres, dos negros e de um cotidiano complexo. Como resultado, o filme foi censurado. Um dos motivos alegados era que a temperatura de 40º era mentira, nunca tinha acontecido no Rio de Janeiro. A liberação só aconteceu depois da posse de Juscelino Kubitschek, o “presidente bossa nova”. O cineasta voltou ao tema do Rio profundo em “Rio Zona Norte”, seu segundo filme, mas procurando fazer uma ponte com o cinema popular da Vera Cruz, com a inclusão de elementos de chanchada e da presença do comediante Grande Otelo. O filme acompanhava a luta de um compositor (Grande Otelo) para ter uma música gravada e a necessidade de vender seu trabalho para sobreviver. Mas, mesmo com a participação da cantora Angela Maria, não obteve a repercussão imaginada. Ambicioso para um diretor iniciante, ele decidir filmar a seguir “Vidas Secas”, um dos maiores clássicos literários do país. Mas não foi fácil tirar esse projeto do papel. Quando a equipe chegou no sertão para as filmagens, deparou-se com um milagre. Nunca chovera tanto no Nordeste quanto naquele ano, criando um cenário completamente diverso do agreste desértico do livro de Graciliano Ramos. O jeito foi trocar de projeto. E assim surgiu “Mandacaru Vermelho” (1962). “Vidas Secas” só aconteceu depois de um ano. Mas valeu a espera. O filme causou uma revolução na forma de captar a iluminação natural. A iniciativa foi do diretor de fotografia Luis Carlos Barreto, que decidiu tirar todos os filtros da câmera para filmar o brilho solar. A captação do verão nordestino com força luminosa e abrasiva arrancou elogios no Festival de Cannes de 1964. E o fato de ter sido exibido no festival francês juntamente com “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, de Glauber Rocha, chamou atenção mundial para o cinema brasileiro. Nelson Pereira dos Santos tinha grande afinidade com Glauber, com quem já havia trabalhado, na função de editor, em “Barravento” (1962). Mas o golpe militar de 1964 tolheu as expectativas de maior integração entre os cineastas. Os filmes de denúncia social do período foram paulatinamente substituídos por produções mais experimentais. E Nelson mergulhou neste novo filão com “Fome de Amor” (1969), sobre o isolamento da esquerda, e “Azyllo Muito Louco” (1970), uma adaptação de “O Alienista”, de Machado de Assis, que usava alegorias para abordar o momento do país, do mesmo modo que “Quem É Beta?” (1974). O diretor se aproximou do tropicalismo com “Como Era Gostoso o Meu Francês” (1972), uma evocação da antropofagia que fez bastante sucesso, graças à presença de índias peladas – Ana Maria Magalhães virou sex symbol. Ele também trouxe ao cinema as religiões afrobrasileiras, no momento em que expressões de candomblé e umbanda iniciavam uma transição para o vocabulário popular, via sucessos da MPB. Filmes como “Amuleto de Ogum” (1976) e “Tenda dos Milagres” (1979), este baseado na obra de Jorge Amado, foram equivalentes cinematográficos a “Canto de Ossanha” (1963), “Oração da Mãe Menininha” (1971) e “Tributo aos Orixás” (1972), entre outros. O sucesso comercial se deu em outra frente musical. Ao filmar a cinebiografia da dupla caipira Milionário e José Rico, no filme “Estrada da Vida” (1980), o diretor conseguiu seu maior êxito popular. Entretanto, seu filme mais lembrado dos anos 1980 é outro. Ele voltou à obra de Graciliano Ramos para filmar “Memórias do Cárcere” (1984), que gerou idolatria da crítica como um dos filmes mais importantes da década. Embora retratasse uma época específica, a prisão do escritor durante a ditadura de Getúlio Vargas, nos anos 1930, o longa também refletia o Brasil de sua época, que vivia os últimos suspiros da ditadura militar. O fato de ser exibido sem censura foi exaltado como marco da “abertura democrática” e cortina final da repressão. Poucos meses depois, o Ministro da Justiça Fernando Lyra anunciou o fim da censura no Brasil. Seus filmes seguintes, “Jubiabá” (1986), outra adaptação de Jorge Amado, e “A Terceira Margem do Rio” (1995), baseado em contos de Guimarães Rosa, foram separados por quase uma década, em que o cinema nacional enfrentou sua maior crise, entre o fim da Embrafilme e a reinvenção completa, com a adoção de leis de incentivo. Nelson foi um dos primeiros cineastas a reagir à implosão cultural causada pelo governo Collor, mas teve dificuldades para se enquadrar no novo modelo de produção e viu muitos de seus projetos serem inviabilizados. Por conta disso, partiu para o documentário, mais fácil e barato de filmar. Tornou-se especialista no gênero, com trabalhos sobre Castro Alves, Sergio Buarque de Hollanda, Zé Ketti e principalmente Tom Jobim, cuja vida e obra renderam seus dois filmes finais, “A Música Segundo Tom Jobim” (2012) e “A Luz do Tom” (2013). Em meio a essa fase, ele ainda realizou uma última obra de ficção, “Brasília 18%” (2006), cujo título aludia tanto à secura do ar no Planalto Central quanto às taxas de comissão cobradas por políticos corruptos. Já naquela época, em pleno escândalo do mensalão, ele aludia ao que José Padilha batizaria 12 anos depois de “O Mecanismo”. No mesmo ano, o cineasta foi eleito para a ABL, por conta de alguns roteiros publicados, tornando-se o primeiro diretor de cinema a ocupar uma vaga na Academia Brasileira de Letras. A verdade é que é possível contar boa parte da história cultural e política do Brasil dos últimos 60 anos apenas com os filmes de Nelson Pereira dos Santos.
Ana Maria Nascimento e Silva (1952 – 2017)
Morreu a atriz Ana Maria Nascimento e Silva, que foi musa do cinema nacional, participou de novelas e minisséries de sucesso da Globo e era viúva do cineasta Paulo César Saraceni. Ela tinha 65 anos e faleceu na noite de quinta-feira (30/11), em decorrência de complicações geradas por um câncer de mama. Filha do grego Harry Anastassiadi, ex-presidente da Fox Film para a América Latina, Ana Maria nasceu no Rio de Janeiro em 12 de abril de 1952, formou-se em História da Arte e acumulou vários cursos de extensão na Europa, antes de estrear no cinema em 1976 no drama “Marcados para Viver”. No ano seguinte, fez sua primeira novela, “Nina”, de Walter Durst. Mas em vez de seguir carreira na TV, opção de maior visibilidade, ela optou pelo cinema, aparecendo em vários filmes dos anos 1970, entre eles o clássico “Ladrões de Cinema” (1977), de Fernando Cony Campos, e “Os Trombadinhas” (1979), de Anselmo Duarte, estrelado por Pelé. Sua beleza marcou o final da década, quando ela passou a atuar nos filmes da Boca do Lixo, durante o boom da pornochanchada. Fez diversos filmes do gênero, como “A Força do Sexo” (1978), “Desejo Violento” (1978), “A Mulher Sensual” (1981) e o hilário “Bem-Dotado – O Homem de Itu”, em que tentava seduzir o personagem-título, vivido por Nuno Leal Maia. A carreira teve uma grande virada nos anos 1980, após ela encontrar o cineasta Paulo César Saraceni, um dos criadores do Cinema Novo. Encantado por sua beleza, o diretor criou um filme especialmente para que ela protagonizasse, “Ao Sul do Meu Corpo” (1982). A atração virou casamento. E a partir daí Ana Maria passou a ter participação importante na obra de Saraceni, atuando em “Natal da Portela”, em 1988, e, sobretudo, virando sua grande parceira, ao assumir outro aspecto do trabalho cinematográfico: a produção. Paralelamente, passou a se focar na carreira televisiva. Seu retorno à Globo se deu na minissérie “Quem Ama Não Mata” (1982), uma das mais comentadas dos anos 1980, que questionava a justificativa machista dos crimes passionais. E emendou diversas novelas, como “Jogo do Amor” (1985), “Tudo ou Nada” (1986), “O Salvador da Pátria” (1989), “Gente Fina” (1990), “Quatro por Quatro” (1994) e “Zazá” (1997), nas quais ofuscou muitos protagonistas com seu sorriso largo, olhos azuis intensos e porte aristocrático que iluminavam os cenários. Ela também comandou um programa de entrevistas na CNT e fez parte do time de jurados de calouros do “Cassino do Chacrinha”. E se toda esta exposição televisiva a tornou mais conhecida, não a afastou de sua paixão cinematográfica. Ana Maria valorizou sua filmografia com três filmes do diretor Djalma Limongi Batista, “Asa Branca – Um Sonho Brasileiro” (1980), “Brasa Adormecida” (1987) e “Bocage – O Triunfo do Amor” (1997). Participou ainda de “A Terceira Margem do Rio” (1994), de Nelson Pereira dos Santos, e da co-produção Brasil/Portugal “Eternidade” (1995), de Quirino Simões. E, além de atuar, ajudou o marido a produzir seu projeto dos sonhos, “O Viajante” (1998), final de uma trilogia dedicada aos romances de Lúcio Cardoso (1912–1968), iniciada em 1963 com o clássico “Porto das Caixas”. Assinou ainda a produção de mais dois filmes de Saraceni: o documentário “Banda de Ipanema – Folia de Albino” (2003) e “O Gerente”, o último e mais belo filme do cineasta, que veio a falecer em 14 de abril de 2012. “O Gerente” marcou também a última aparição da atriz nas telas, que mergulhou num longo luto e se afastou definitivamente das câmeras. Sua passagem pelo cinema brasileiro deixa saudades pela paixão que dedicou à arte, chegando inclusive a idealizar um festival, o Paracine, primeira mostra cinematográfica realizada em Paraty, no litoral fluminense, em 2002 – evento que abriu caminho para um festival anual, realizado até hoje.
Daniel Filho vai refilmar o drama clássico Boca de Ouro
O cinema brasileiro entrou em fase de remakes. Após “Dona e Flor e Seus Dois Maridos”, que já estreia em novembro, outro clássico vai ganhar nova versão. Segundo o colunista Anselmo Goes, do jornal O Globo, o diretor Daniel Filho, que completou 80 anos no fim de semana, fará a seguir “Boca de Ouro”, adaptação de uma peça de Nelson Rodrigues, originalmente filmada em 1963 por Nelson Pereira dos Santos, com Jece Valadão e Odete Lara nos papéis principais. Curiosamente, Daniel Filho também participou do filme original como ator. A trama gira em torno do bicheiro Boca de Ouro, nascido em uma gafieira e abandonado pela mãe numa pia de banheiro. Sua história da vida chama atenção do repórter Caveirinha, que decide entrevistar a ex-amante de Boca de Ouro, Guigui, que lhe conta três versões diferentes da vida do marginal. A filmagem será a terceira versão da peça. Em 1990, Tarcisio Meira e Luma de Oliveira estrelaram uma adaptação que ainda contava com Hugo Carvana, Claudia Raia e Grande Otelo no elenco. Por coincidência, a refilmagem foi dirigida por outro cineasta de carreira televisiva, Walter Avancini. Daniel Filho foi, durante anos, o diretor mais requisitado das novelas da Globo. Ele também dirigiu alguns dos filmes mais bem-sucedidos dos últimos tempos, como “Se Eu Fosse Você” (2006) e “Chico Xavier” (2010), que lançaram tendências – besteirol Sessão da Tarde e cinema espírita, respectivamente. Seu último filme foi a comédia “Sorria, Você Está Sendo Filmado – O Filme” (2014). A nova versão de “Boca de Ouro” ainda não tem previsão de lançamento.
