Janet Jackson lança novo clipe, igual aos que fazia há 27 anos
A cantora Janet Jackson lançou o clipe de “Dammn Baby”, terceiro single do seu novo álbum “Unbreakable”. No vídeo, a irmã de Michael Jackson dá seu recado, dizendo-se “original”. E o resultado é tudo menos isso, repetindo-se com uma coreografia cheia de passinhos sincronizados com dançarinos de fundo, em gravação preto e branco – “Rhythm Nation” e “Miss You Much” (ambos de 1989) revisitados. Seu revival da estética da MTV, quando vídeos com dancinhas já valiam um Astronauta Prateado, serve como antítese contrastante de outra época, a do “disco visual” de Beyoncé. O diretor Dave Meyers, por sinal, já ganhou um Astronauta da MTV por “Work It”, de Missy Elliott, em 2003. E desde então virou o cineasta responsável pelo remake do terror “A Morte Pede Carona” (2007), que ninguém viu. Outro sinal dos tempos: a música “Dammn Baby” foi composta pela veterana dupla Jimmy Jam e Terry Lewis, com quem Janet já trabalhava há 27 anos. E os velhos hitmakers continuam adorando clichês de R&B dançante, com batida e sample repetitivos de hip-hop, datados há pelo menos uma década. “Unbreakable” marca a volta da cantora depois de oito anos sem lançar álbuns. Prestes a completar 50 anos, Janet anunciou que seus planos para o resto do ano incluem “começar uma família”. A cantora estaria grávida, segundo boatos mais ou menos confirmados por ela própria. A turnê do disco ficou para 2017.
Festival Cine-PE completa 20 anos valorizando o cinema brasileiro
O Festival Cine-PE completa 20 anos de existência numa época de bastante valorização do cinema pernambucano, um dos mais efervescentes e criativos da nova safra autoral brasileira. A mais recente consagração foi a inclusão de “Aquarius”, novo filme de Kleber Mendonça Filho (“O Som ao Redor”), na mostra competitiva do Festival de Cannes. A fase de reconhecimento global ao cinema brasileiro teve uma consequência bem-vinda no festival pernambucano, que parece ter abandonado sua desfocada pretensão de virar um evento internacional, passando a valorizar o que fez de melhor em suas duas décadas de existência: lançar novos clássicos nacionais. A crise econômica (a questão cambial) também ajudou na composição das mostras, que voltam a ser exclusivas de filmes brasileiros. São três mostras competitivas: uma de longas, outra de curtas e uma terceira de curtas do estado de Pernambuco. Debates e workshops também entram na programação, que ainda presta homenagem às carreiras do ator Jonas Bloch (“Amarelo Manga”) e da atriz-cineasta Carla Camurati (“Carlota Joaquina: Princesa do Brazil”). Mesmo com a exclusão de filmes internacionais, a mostra competitiva de longas permanece bastante enxuta, com apenas seis títulos, mas, paradoxalmente, eclética ao extremo, incluindo na mesma seleção um filme alegórico de cineasta da velha guarda, um documentário sobre forró e uma animação infantil. A disputa começa com a exibição de “Por Trás do Céu”, do paulista Caio Sóh, diretor de “Teus Olhos Meus” (vencedor do prêmio do público da Mostra de São Paulo de 2011) e marido da protagonista, a atriz Nathalia Dill (“Paraísos Artificiais”). Filme encantado pelo céu azul nordestino, foi rodado no Cariri paraibano, a “Roliúde Nordestina”, onde se passaram clássicos como “São Jerônimo” (1999), de Júlio Bressane, “O Auto da Compadecida” (2000), de Guel Arraes, e “Cinema, Aspirinas e Urubus” (2005), de Marcelo Gomes. A mencionada projeção internacional se reflete na exibição da comédia “O Prefeito”, de Bruno Safadi (“Éden”), sobre um prefeito fictício (Nizo Neto) que quer a independência do Rio. O filme integra uma quadrologia (com obras de outros cineastas) que foi lançada no Festival de Locarno no ano passado. Um dos filmes mais esperados da competição é “Guerra do Paraguay”, do mítico Luiz Rosemberg Filho, lenda-viva do chamado Cinema de Invenção, que interrompeu um longo hiato com “Dois Casamento$”, seu filme mais pop, lançado em apenas duas salas em 2015. Na ocasião, comparou a burocracia da Ancine à ditadura que o censurava nos anos 1970. Sua nova obra é uma crítica alegórica ao fascismo, contada em tom de fábula. Com apelo mais popular, o documentário “Danado de Bom”, de Deby Brennand, celebra o forró, ao relembrar a carreira musical de João Silva, grande parceiro de Luiz Gonzaga. O filme da cineasta pernambucana já foi exibido no festival É Tudo Verdade, no mês passado. Voltado ao público infantil, a animação “As Aventuras do Pequeno Colombo”, de Rodrigo Gava (“Turma da Mônica em Uma Aventura no Tempo”), contrasta com a seriedade da seleção, acompanhando uma aventura do jovem Chris (Christóvão Colombo) e seus amigos Leo (Leonardo da Vinci) e Lisa (Monalisa) em busca dos tesouros da lendária Ilha de Hi-Brasil. Assumidamente comercial, a produção já assegurou sua estreia no circuito em dezembro. Completa a programação “Leste Oeste”, primeiro longa-metragem dirigido pelo cineasta Rodrigo Grota, que envolve pilotos de corridas e parece ter sido rodado em outro país, onde há neblinas e manhãs frias. Antítese do cenário ensolarado das demais obras selecionadas, foi filmado em Londrina, na “república” do Paraná.
Alexandre Nero viverá o maestro João Carlos Martins em cinebiografia
A produção do filme “João, o Maestro”, cinebiografia do maestro João Carlos Martins, anunciou seu elenco e equipe, preparando-se para o início das filmagens ainda neste mês. O roteiro e direção são assinados por Mauro Lima (“Meu Nome Não É Johnny” e “Tim Maia”), e João Carlos Martins será interpretado por Rodrigo Pandolfo (“O Concurso”) e Alexandre Nero (novela “Império”), nas fases jovem e adulta do maestro. As filmagens serão realizadas em São Paulo, Uruguai e Nova York e abordarão momentos como o primeiro concerto internacional, a relação com as mulheres, a teimosia e a busca do perfeccionismo. “Vamos focar na compulsão do João Carlos pela música, pelo piano, e no quanto ele lutou para superar todas as dificuldades que teve pelo caminho”, disse Mauro Lima, durante a apresentação do projeto para a imprensa, referindo-se, evidentemente, à perda dos movimentos das mãos do maestro. “As pessoas aqui no Brasil não conhecem a história do João. É um prazer imenso poder contar isso. O João é um brasileiro que todo mundo precisa conhecer”, disse Nero. “Receber uma homenagem como essa, ainda vivo, é uma das maiores emoções da vida”, completou Martins. O elenco também inclui Fernanda Nobre (“Leo e Bia”) no papel de Sandra, primeira mulher do maestro, e Alinne Moraes (“Tim Maia”) como Carmen, atual esposa. Além delas, também há destaque para Caco Ciocler (“Disparos”) como Kliass, o professor de piano de João Carlos. Com produção da LC Barreto, empresa do veterano produtor Luiz Carlos Barreto (“O Que É Isso, Companheiro?”), o lançamento está previsto para o primeiro semestre de 2017.
Whitney Houston vai ganhar documentário do diretor de O Último Rei da Escócia
A cantora Whitney Houston terá sua vida e carreira retratadas em um documentário dirigido por Kevin Macdonald (“Mar Negro”). A informação foi divulgada pelo site oficial da cantora. Este será o primeiro filme de Whitney autorizado por sua família. Macdonald é um diretor de prestígio. Além de realizar dramas de ficção, como “O Último Rei da Escócia” (2006), que lhe rendeu o BIFA (prêmio indie britânico), ele já venceu o Oscar de Melhor Documentário por “Um Dia em Setembro” (1999). O filme sobre Whitney tampouco será seu primeiro documentário musical. Em 2012, ele lançou “Marley”, o trabalho mais exaustivo já feito sobre o cantor Bob Marley. O filme ainda não tem título definido, mas deve estrear em 2017. Ele será produzido por Simon Chinn, que já produziu vencedores do Oscar de Melhor Documentário, como “Procurando Sugar Man” (2012) e “O Equilibrista” (2008). Anteriormente, a cantora tinha sido foco do telefilme “Whitney” (2015), dirigido por Angela Bassett e estrelado por Yaya DaCosta. Mas a produção não contou com apoio de sua família, que tentou, sem sucesso, impedir sua gravação. Dona de uma voz incomparável e poderosa, que rendeu diversos hits, Whitney também fez carreira no cinema, destacando-se principalmente no filme “O Guarda-Costas” (1992), de onde saiu sua música mais conhecida, “I Will Always Love You”. Porém, nos últimos anos, passou a chamar mais atenção pela sua vida pessoal, devido ao seu relacionamento conturbado com o cantor Bobby Brown e o vício em drogas. Ela morreu em 2012, afogada em sua própria banheira.
Racionais MCs lançam novo clipe com clima de filme policial
Famosos por letras impactantes e bastante descritivas, que materializam histórias verídicas da periferia, os Racionais MCs aprimoraram a abordagem narrativa em seu novo clipe, “Um Preto Zica”. Em vez de aparecerem declamando a letra ou girando discos, Mano Brown, Edi Rock, Ice Blue e KL Jay atuam no vídeo, que gira em torno de um encontro num bar, caguetado por um traíra, o preto zica do título. A mensagem do informante mobiliza a polícia em torno do bar, mas o vídeo, de pouco mais de dois minutos, prefere avançar a trama e, sem mostrar o confronto policial, revela o desfecho com o traidor de joelhos, cercado pelo quarteto racional, numa lição sobre a justiça da favela. Primeiro clipe do álbum “Cores e Valores”, lançado em 2014, “Um Preto Zica” tem direção do paulista Konrad Cunha Dantas, mais conhecido como Kondzilla, que gerou milhões de visualizações em seu canal no YouTube com clipes de funk – onde é possível ver vídeos de MC Boy do Charmes, MC Nego Blue, MC B.Ó. e Karol Conka, entre muitos outros. Kondzilla também assinou o roteiro do clipe. Declarando desejo de continuar a parceria, ele afirma ter histórias já escritas para novos vídeos dos Racionais.
High-Rise: Portishead divulga cover atmosférico do Abba, criado para trilha sonora
A banda britânica Portishead divulgou sua gravação de “SOS”, um dos maiores hits do grupo sueco Abba. O cover faz parte da trilha sonora do filme “High-Rise” e sua inclusão reforça o fato de a trama se passar nos anos 1970. Entretanto, a nova versão tem pouco em comum com o sucesso original, trocando o clima de discoteca por uma atmosfera sinistra, típica da melhor fase do trip-hop dos anos 1990. Com direção de Ben Wheatley (“Turistas”), “High-Rise” é uma adaptação do cultuado livro “Arranha-Céus”, de J.G. Ballard (autor de “O Império do Sol” e “Crash – Estranhos Prazeres”), lançado em 1975 como uma distopia futurista. Curiosamente, o filme manteve a época da publicação original. Por isso, a torre residencial futurista surge como um resquício de um passado opulento. Construído para ser o edifício mais moderno de sua época, com supermercado, academia e escola, de modo a dispensar o mundo exterior, a construção se torna um verdadeiro microcosmo da sociedade, onde os moradores dos andares superiores se consideram literalmente acima dos demais, até que o ressentimento, aliado à claustrofobia, deságua num surto de violência entre vizinhos. O elenco inclui Tom Hiddleston (“Thor: O Mundo Sombrio”), Jeremy Irons (“Batman vs. Superman”), Sienna Miller (“Sniper Americano”), Luke Evans (“Drácula – A História Nunca Contada”), Elisabeth Moss (série “Mad Men”), James Purefoy (série “The Following”), Stacy Martin (“Ninfomaníaca”) e Sienna Guillory (“Resident Evil 5: Retribuição”). “High-Rise” já estreou no Reino Unido e em boa parte da Europa, chega em 13 de maio nos EUA e não tem previsão de lançamento no Brasil.
Beyoncé surpreende com “disco visual” de quase uma hora de duração
A cantora Beyoncé voltou a surpreender com o lançamento de um novo álbum-surpresa e coleção de clipes, dois anos após inventar a moda. No momento em que o mundo ainda lamenta a morte de Prince, ela mostra que o funk continua vivo e evoluindo com “Lemonade”, uma porrada sonora, que chega acompanhado de um “visual album”, um vídeo com quase uma hora de duração – originalmente exibido como um especial da HBO no fim de semana. “Lemonade”, o vídeo, junta os clipes do disco, dando imagens e contexto à sua proposta, que vai do tom confessional, em mensagens pouco amistosas, aparentemente endereçadas a seu marido, o rapper Jay Z, até o tom de protesto, enquadrando a violência racial da polícia americana. De um lado, seu casamento conturbado. Do outro, o divórcio da população e a justiça. Repleto de referências, o vídeo passeia por paisagens da história dos negros americanos, desde os plantações da escravatura – o título “Lemonade” é referência ao uso de limonada para clarear a pele dos escravos – , pelo jazz de Nova Orleans, os ônibus simbólicos da luta pelos direitos civis, a era do orgulho racial, evocado nos samples de Isaac Hayes que ressoam na música “6 Inch”, até chegar aos dias do rap e da violência policial. Segundo a cantora, o disco é “baseado na jornada de autoconhecimento e cura de todas as mulheres”. Assim, há muitas alusões a figuras femininas. Uma mulher de vestido branco pendurada numa árvore lembra “Strange Fruit” de Billie Holiday, o blues sobre os frutos das árvores dos negros enforcados. Há também um close no rosto de Nina Simone na capa de um disco. E mulheres dos dias de hoje, como modelo Winnie Harlow, que tem o rosto descolorido pelo vitiligo, e as mães dos jovens Trayvon Martin e Michael Brown, recentemente assassinados pela polícia americana. Musicalmente, o passeio também encontra diversas paisagens intrigantes, de gospel, country, rock, soul, funk e até dub, na companhia de gente tão distinta quanto o guitarrista Jack White, os cantores The Weeknd e James Blake e o rapper Kendrick Lamar. A música com guitarra e vocais de Jack White, “Don’t Hurt Yourself”, é o primeiro single, que vai do reggae leve ao rock pesado com impressionante naturalidade. Não menos impressionante é “Freedom”, com Kendrick Lamar, que usa o gospel de forma sobrenatural. Por sua vez, a síntese visual de “Lemonade” pode ser evocada na imagem de Beyoncé destruindo carros com um taco de beisebol, com um sorriso no rosto, balançando ao som de uma batida ska que também faria a alegria da geração 2-Tone dos anos 1980. A música se chama “Hold Up” e tem sample da banda de rock Yeah Yeah Yeahs. Este vídeo, por sinal, tem direção do grande mestre dos clipes Jonas Åkerlund. Mas a lista de diretores que se mesclam na produção (um clipe continua no outro, entrecortados por poemas de Warsan Shire) inclui ainda outros visionários, como Kahlil Joseph, Melina Matsoukas, Dikayl Rimmasch, Todd Tourso, o cineasta Mark Romanek (“Não me Abandone Jamais”) e a própria Beyoncé Knowles Carter.
Playlist (Superfly): 35 clipes do funk sintetizado dos anos 1980
O funk de sintetizadores new wave e batida sincopada marcou a sonoridade dos anos 1980 graças a Prince. Infelizmente, a preservação dessa história foi comprometida pelo próprio artista, que proibiu seus clipes no YouTube, vetou homenagens, como a série “Glee”, e barrou o compartilhamento dos registros de seus shows feitos por fãs. Após sua morte na quinta (21/4), dois clipes apareceram de forma não autorizada no portal de vídeos do Google. Eles abrem e fecham a lista abaixo, que junta 35 vídeos de artistas do R&B e da new wave para evocar o complô de influências que prosperou durante o reinado do funk sintético de Prince.
Prince (1958 – 2014)
O cantor, músico e compositor Prince foi encontrado morto em seu estúdio de gravação no Minnesota, nos Estados Unidos, na quinta-feira (21/4), aos 57 anos. Ainda não se sabe a causa da morte, mas na semana passada um problema de saúde do artista, que não foi revelado, obrigou seu avião particular a fazer um pouso de emergência para levá-lo a um hospital no Illinois, quando ele voltava de um show em Atlanta. Além de gravar sucessos que marcaram gerações, Prince desenvolveu uma breve carreira cinematográfica, trabalhando como ator, diretor e compositor de trilhas sonoras. Ele inclusive venceu um Oscar e dois Globos de Ouro. Prince Rogers Nelson nasceu em 7 de junho de 1958 em Minneapolis, e desde cedo demonstrou interesse pela música. Isto o levou a participar ativamente da cena musical da cidade, que acabou crescendo junto de seu sucesso. Ele lançou o primeiro disco aos 19 anos de idade, em 1978. Seu disco seguinte se tornou platina, revelando seus primeiros hits. Mas foram seus três álbuns seguintes, “Dirty Mind” (1980), “Controversy” (1981) e “1999” (1982) que estabeleceram sua persona como um artista genial, excêntrico e multifacetado, capaz de cantar, compor, tocar diversos instrumentos e produzir sucessos, além de originar um novo estilo de funk, influenciado por sintetizadores e batidas da new wave, sem perder de vista a sensualidade do bom e velho rock’n’roll. Seus discos continuaram se tornando cada vez melhores ao longo da década, mas o reconhecimento de seu talento também alimentou sua ambição. Em 1984, ele fez sua estreia no cinema, estrelando “Purple Rain”, um musical escrito e dirigido pelo estreante Albert Magnoli. O diretor só fez mais três filmes medíocres no resto de sua carreira, mas “Purple Rain” é lembrado até hoje. Virou cult. Não porque Prince tenha se revelar um excelente ator, mas pelas músicas que ele compôs para a trilha sonora. O álbum com a trilha fez muito mais sucesso que o filme, vendendo 13 milhões de cópias. Celebrado como um dos melhores trabalhos da carreira do cantor, “Purple Rain” rendeu a canção-síntese de Prince, “When Doves Cry”, com solo de guitarra roqueiro, batida new wave e letra sensual. Foi também a sua primeira música a atingir o 1º lugar da parada de sucessos da Billboard. “When Doves Cry” ainda ganhou o Globo de Ouro de Melhor Canção Original. Mas o Oscar foi para o disco inteiro: Melhor Trilha de Canções de 1985, um prêmio da época dos grandes musicais de Hollywood, que já não existe mais. O filme, por sua vez, apresentou ao mundo a cena de Minneapolis, com participações de Morris Day e da banda The Time, projeto paralelo do cantor, além de introduzir sua banda de apoio, The Revolution, e lançar Apollonia 6, uma das muitas estrelas-namoradas de seu laboratório pop. Ao contribuir para o roteiro e o casting sem receber créditos, Prince resolveu que não faria mais filmes com outros cineastas. Ele ensaiou seus primeiros passos como diretor ao assumir o comando de seus próprios videoclipes. O primeiro que assinou por conta própria foi justamente “When Doves Cry”. No ano seguinte, bisou a dose com “Raspberry Beret”, que virou outro sucesso retumbante de sua carreira. O disco “Around the World in a Day” (1985) foi concebido para ser o seu “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967), incorporando psicodelia em seu funk sintetizado. E não por acaso. Prince queria ser reconhecido como um artista tão talentoso quanto os Beatles. Seu disco seguinte, “Parade” (1986), fez ainda mais sucesso, graças ao fenômeno popular da música “Kiss”. Mas, como os Beatles, ele resolveu desmanchar a banda. The Revolution, que ficou conhecida pelas instrumentistas gatas de sua formação (a guitarrista Wendy Melvoin e a tecladista Lisa Coleman), deu lugar a uma explosão de megalomania. Prince virou diretor, ator e artista solo. O cantor se lançou como cineasta com “Sob o Luar da Primavera” (1986), filmado em preto e branco e estrelado por ele próprio, como um gigolô que tenta dar um golpe numa herdeira francesa (Kristin Scott Thomas, em sua estreia no cinema). Mas apesar da trilha, que consistia basicamente do disco “Parade”, o filme não repetiu o sucesso de “Purple Rain”. Não bastasse o fiasco de público, Prince ainda virou piada, tornando-se o grande vencedor do troféu Framboesa de Ouro. “Sob o Luar da Primavera” não só foi considerado o Pior Filme do ano, como ainda conquistou as framboesas de Pior Direção, Roteiro e Canção (“Love or Money”). Prince respondeu às críticas negativas com um surto de criatividade, concebendo um disco duplo, “Sign o’ the Times” (1987), e um documentário sobre sua gravação. Alguns críticos o chamaram, na época, de melhor disco da década. E após outro álbum, “Lovesexy” (1988), ele foi convidado a compôr músicas para a trilha do filme mais esperado de 1989: “Batman”, dirigido por Tim Burton. O enorme sucesso do filme rendeu um de seus maiores hits, “Batdance”, e acabou convenceu-o a voltar à ficção cinematográfica. Segundo longa de ficção dirigido pelo cantor, “Graffiti Bridge” (1990) foi concebido como um projeto da banda The Time, mas acabou virando uma sequência de “Purple Rain”, com Prince retomando seu personagem daquele filme, The Kid. A estratégia de lançar um disco com o mesmo título do filme também foi seguida. Assim como a ideia de mostrar Morris Day e The Time como vilões e introduzir uma novo grupo de apoio para o cantor, The New Power Generation. Não deu outra: “Graffiti Bridge” entrou nas listas dos piores filmes do ano, sendo indicado a cinco troféus no Framboesa de Ouro, inclusive Pior Filme, Ator (Prince), Diretor (Prince) e Roteiro (Prince). Por sorte, não venceu nenhum, mas a péssima recepção serviu para o cantor perceber que jamais teria um futuro cinematográfico à altura de sua discografia. Foi o fim da trajetória de Prince como cineasta e o começo da jornada rumo à implosão de sua carreira. Três anos depois, em 1993, ele abandonou sua própria identidade, ao adotar, como novo nome, um símbolo impronunciável, descrito como o “símbolo do amor”. Virou o Artista Antigamente Conhecido como Prince. A mudança fazia parte de uma estratégia calculada, visando livrá-lo de seu contrato com a Warner Music, que ele acreditava estar limitando sua criatividade. Prince não se conformava em ter permissão para lançar apenas um disco por ano. A Warner demonstrou como ele estava equivocado ao lhe dar corda, deixando-o produzir dois discos em 1994. Ambos fracassaram. Mas seu plano de lançar mais discos simultaneamente também visava apressar o final de seu contrato (por discos lançados), o que aconteceu em 1996, com pouca fanfarra, após seu álbum menos popular na gravadora, “Chaos and Desorder”, implodir nas paradas. O Artista Antigamente Conhecido como Prince se tornou um cantor independente com “Emancipation” (1996), um CD triplo com 36 faixas. Não satisfeito, deu sequência à egotrip com “Crystal Ball” (1998), desta vez composto por cinco CDs e 53 faixas. Além do excesso musical, o disco marcou outra faceta extrema do artista: sua obsessão pelo controle completo de sua obra. Querendo eliminar atravessadores, ele concentrou a distribuição em seu site oficial, o que se provou caótico e gerou revolta em fãs que não conseguiram encontrar o disco. Foi um desastre. Em busca dos fãs perdidos em seu desastrado começo independente, ele retomou o nome Prince em 2000. Um ano depois, abraçou a religião, virando Testemunha de Jeová, o que representou um choque para quem cresceu ouvindo suas letras libidinosas. Ao continuar lançando suas músicas novas pela internet, ele também se afastou das rádios e da TV. O que o fez privilegiar o contato direto com o público por meio de shows, situação em que se descobriu, inesperadamente, um artista de antigos sucessos, como se pode constatar pelo lançamento de seu primeiro disco “ao vivo” – triplo, claro – , em 2002. Mas Prince ainda tinha fôlego para novos hits. Sua carreira musical foi reabilitada graças à estratégia ousada de lançamento do disco “Musicology” (2004), distribuído de graça para quem comprasse os ingressos de sua nova turnê. Prince fez milhões como o artista de maior bilheteria de shows daquele ano. E “Musicology” o colocou de volta nas paradas de sucesso. A própria indústria musical se espantou, conferindo-lhe prêmios (dois Grammy). Suas iniciativas pioneiras no uso da internet como plataforma de vendas e divulgação lhe renderam o prêmio Webby de maior inovador da web em 2006. E daí, um mês depois da cerimônia, ele decidiu fechar seu site. Além disso, vetou a exibição de suas clipes na internet, que permanecem proibidos até hoje, comprovando que só Prince entende Prince. 2006 também marcou seu último trabalho cinematográfico: a composição da música “The Song of the Heart” para a animação “Happy Feet – O Pinguim”, de George Miller. Pela composição, ele ganhou o Globo de Ouro de Melhor Canção Original. Mesmo mantendo o ritmo de composição e lançamento de discos, Prince se destacou mais, nos últimos anos, sobre o palco, como artista de shows grandiosos, incluindo o concerto do Super Bowl de 2007, a Earth Tour, a 20Ten Tour e a Live Out Loud Tour, entre diversas outras apresentações e participações em festivais. Mas Prince também ficou conhecido por outros feitos menos nobres, ao processar fãs, que postavam gravações piratas de seus shows, e proibir a circulação de vídeos amadores com suas músicas ou apresentações. Ele comprou briga até com a banda Radiohead, sobre o direito dos fãs de registrarem seu cover de “Creep” no YouTube. A banda tentou intervir, mas o artista antigamente adorado não quis deixar quem não comprou ingresso ouvir sua versão. Por conta dessas atitudes, em 2013 a Electronic Frontier Foundation lhe deu um prêmio infame, inspirado numa de suas canções, o Raspberry Beret Lifetime Aggrievement Award, em reconhecimento a seus esforços para processar, perseguir e espezinhar seus próprios fãs, impedindo-os de se manifestarem com suas músicas na internet. Ele também proibiu a série “Glee” de lhe prestar homenagem, em 2011. Madonna, Britney Spears e os Beatles receberam o tributo que ele não quis. Pouco antes de morrer, Prince anunciou que estava escrevendo um livro de memórias, intitulado “The Beautiful Ones”, nome de uma música de “Purple Rain”.
Rihanna é assassina sensual em clipe assinado pelo diretor de Spring Breakers
A cantora Rihanna lançou seu novo clipe, “Needed Me”, uma balada literalmente matadora e para maiores. O vídeo tem direção de Harmony Korine, o cineasta de “Spring Breakers” (2012). E possui muito em comum com aquele filme, com grandes doses de ostentação, violência e sensualidade. A historinha destaca dois momentos. Rihanna surge com figurino transparente, seios à mostra e arma na mão. Enquanto isso, motos cruzam a noite, negros tatuados e armados fazem caras de mau e o cenário do confronto se materializa no interior de uma boate decadente de strip tease. O momento da decisão acontece quando Rihanna adentra o recinto, caminhando entre seios fartos, bundas de fio dental e dólares jogados pro alto, até encontrar seu destino, um homem a quem despacha, no meio de uma sessão de lap dance, enquanto a música a descreve como uma selvagem, capaz de foder cavalo selvagem e carruagem. O tema de vingança feminina do clipe também lembra “Bitch Better Have My Money”, lançado no ano passado. Produzida por DJ Mostard, a música faz parte do novo disco da cantora, “Anti”, que por ocasião de seu lançamento foi descrito como pouco comercial. Um grandioso equívoco, considerando o sucesso da música anterior, “Work”, e o fato de “Anti” manter-se há 12 semanas como um dos cinco discos mais populares dos EUA.
Músicas de Bob Dylan vão inspirar série dramática
O serviço de streaming Amazon prepara uma série inspirada nos personagens das canções de Bob Dylan, informou o site da revista Variety. A série, que ainda está em fase inicial de desenvolvimento, deve levar o título de “Time Out of Mind”, o nome de um disco de Dylan, lançado em 1997. O projeto está sendo desenvolvido pelo cineasta australiano Josh Wakely, que obteve os direitos das canções de Dylan para poder usá-las na televisão, e terá produção da divisão televisiva do estúdio Lionsgate. Embora ainda não existam muitos detalhes concretos da possível série, a Variety afirmou que o plano é que dois personagens ou histórias surgidos do catálogos de composições de Dylan cruzem seus caminhos de alguma maneira. Josh Wakely, por sinal, já trabalha em outra série que tem o rock como premissa para sua produção. Ele também desenvolveu “Beat Bugs”, uma produção infantil baseada nas canções dos Beatles, que estreará em agosto na plataforma de conteúdos digitais Netflix. Já a Amazon tem outros projetos musicais no horizonte, como a criação de uma série inspirada na trajetória do grupo de rock psicodélico Grateful Dead.
Demi Lovato grava cover de I Will Survive para a trilha de Angry Birds
A cantora Demi Lovato postou no Twitter um trecho de um cover de “I Will Survive”, canção que virou hino gay durante a era das discotecas, na voz de Gloria Gaynor. A gravação, que pode ser ouvida abaixo, foi feita para a trilha sonora da animação “Angry Birds: O Filme”, inspirado no game dos passarinhos mal-encarados. “Angry Birds: O Filme” tem direção dos estreantes Clay Kaytis (animador de “Frozen”) e Fergal Reilly (artista de storyboards de “Hotel Transilvânia”), e chega aos cinemas brasileiros em 12 de maio, oito dias antes do lançamento nos EUA (em 20/5).
Fernanda Abreu lança clipe realizado pela diretora de Muitos Homens Num Só
A cantora Fernanda Abreu lançou o primeiro clipe de seu novo disco, a faixa “Outro Sim”, que foi dirigido pela cineasta Mini Kerti (“Muitos Homens Num Só”) e produzido pela Conspiração Filmes. O clipe foi rodado em preto e branco, mas contém tons vermelhos como o design de Giovanni Bianco para a arte do single (veja acima). Bianco também é responsável pela arte de CDs de Madonna e de “Bang”, o mais recente lançamento de Anitta. O vídeo em si traz a cantora em estúdio, cantando, dançando e gesticulando muito, num figurino masculino (de Claudia Kopke, figurinista de “Que Horas Ela Volta?”), que inclui um chapéu em referência a Michael Jackson. A música “Outro Sim” faz parte do CD “Amor Geral”, o primeiro com músicas inéditas da cantora desde “Na Paz”, de 2004.
