Logan ganha novo pôster em estilo retrô para o lançamento em IMAX
A 20th Century Fox divulgou um novo pôster de “Logan”, o terceiro filme solo de Wolverine, para os cinemas IMAX. Em estilo retrô, a imagem reúne os personagens centrais da trama: o próprio Logan (Hugh Jackman), a jovem mutante X-23 (Dafne Keen), o Professor Xavier (Patrick Stewart), o vilão Donald Pierce (Boyd Holbrook) e seus mercenários. O roteiro é de Michael Green (“Lanterna Verde”) e do estreante David James Kelly, e a direção está mais uma vez a cargo de Mangold, responsável pelo filme anterior, “Wolverine – Imortal” (2013). A estreia está marcada para 2 de março no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Geoffrey Rush tenta pintar Armie Hammer em teaser de drama dirigido por Stanley Tucci
A Potboiler Productions divulgou o primeiro teaser de “Final Portrait”, filme escrito e dirigido pelo ator Stanley Tucci (franquia “Jogos Vorazes”), que traz Geoffrey Rush (“A Menina que Roubava Livros”) como o artista plástico suíço Alberto Giacometti. A prévia mostra a angústia do personagem interpretado por Armie Hammer (“O Cavaleiro Solitário”) ao aceitar o convite para posar para um quatro do pintor. O filme é baseado no livro “A Giacometti Portrait”, escrito pelo crítico de arte James Lord, justamente o papel de Hammer na produção. A trama se passa em Paris em 1964, quando Giacometti pede que Lord pose para um retrato. Mas o que deveria ser um trabalho de apenas alguns dias logo se transforma em semanas. E enquanto Giacometti se esforça para capturar a essência de Lord, este percebe que toda a sua vida foi sequestrada pelo artista. “Final Portrait” é o quinto longa comandado por Tucci, que retoma a carreira de cineasta após uma pausa de dez anos – o último trabalho que ele dirigiu tinha sido “Encontro às Cegas” (2007), que ele próprio estrelou. O elenco também inclui Clémence Poésy (série “The Tunnel”), Tony Shalhoub (série “BrainDead”), James Faulkner (série “Da Vinci’s Demons”) e Sylvie Testud (“O Que as Mulheres Querem”). Incluído no Festival de Berlim, o filme ainda não não tem previsão de estreia comercial.
Distopia canibal com Jason Momoa e Keanu Reeves ganha primeiro trailer
A Neon divulgou o trailer de “The Bad Batch”, novo filme de temática fantástica da diretora Ana Lily Amirpour, responsável pelo cult “Garota Sombria Caminha pela Noite” (2014). Desta vez, ela reuniu um elenco famoso, liderado por Jason Momoa (“Liga da Justiça”), Keanu Reeves (“John Wick”), Giovanni Ribisi (série “Sneaky Pete”), Suki Waterhouse (“Orgulho e Preconceito e Zumbis”), Diego Luna (“Rogue One: Uma História Star Wars”) e até um irreconhecível Jim Carrey (“Sim Senhor”). A prévia tem clima pós-apocalíptico, cenas de mutilação e se apresenta como uma história distópica de amor, passada num mundo de canibais. O ambiente de terra devastada é o deserto texano, na fronteira do México, transformado, no estilo do clássico “Fuga de Nova York” (1981), numa zona sem lei, repudiada pelos EUA e habitada apenas por maus-elementos – e os citados canibais. Segundo a sinopse, depois de um encontro casual entre Arlen (Suki Waterhouse) e o pária Miami Man (Jason Momoa), os destinos dos rejeitados se entrelaçam de maneiras inesperadas. “The Bad Batch” ganhou o Prêmio Especial do Júri do último Festival de Veneza e continua no circuito de festivais, ainda sem previsão de estreia comercial.
No Intenso Agora, de João Moreira Salles, vai abrir festival É Tudo Verdade 2017
A organização do festival É Tudo Verdade anunciou “No Intenso Agora”, de João Moreira Salles, como filme de abertura de sua 22ª edição. O Festival de Documentários acontece este ano entre os dias 20 a 30 de abril, simultaneamente em São Paulo e no Rio de Janeiro, confirmou O fundador e diretor do festival, Amir Labaki, afirmou em comunicado que “é uma honra para o ‘É Tudo Verdade’ apresentar mais uma vez a estreia de um novo filme de João Moreira Salles. A obra cinematográfica de João ajudou a redefinir a fase do documentário brasileiro e marca profundamente a história do próprio festival, bastando lembrar a abertura há uma década com ‘Santiago'”. “No Intenso Agora” teve sua première mundial no sábado (11/2), na mostra Panorama Documento do Festival de Berlim 2017. A obra foi feito a partir de fragmentos de filmes caseiros que a mãe de João Moreira Salles fez durante uma viagem à China em 1966, durante o auge da Revolução Cultural. O material rodado na China soma-se as imagens de eventos de 1968 na França, na Tchecoslováquia e no Brasil. O diretor também se manifestou em comunicado, afirmando que a exibição do seu filme no É Tudo Verdade é como voltar para casa. “Boa parte do atual vigor do documentário brasileiro pode ser atribuída ao festival É Tudo Verdade. É ele que há mais de 20 anos vem expondo o realizador brasileiro ao melhor da produção mundial no gênero. Isso tem uma força tremenda, pois educa o nosso olho”, disse. “Tome o meu caso. Em certa medida, meu novo filme é uma tentativa de refletir sobre a natureza das imagens não-ficcionais. Muito do que está ali nasceu do contato com diretores e documentários que conheci por causa do É Tudo Verdade. É por isso que exibir ‘No Intenso Agora’ pela primeira vez no Brasil dentro do festival onde aprendi tanto é, para mim, como voltar para casa”, disse Salles.
Jantar tenso de Richard Gere exibido no Festival de Berlim ganha primeiro trailer
A Orchard divulgou o primeiro trailer de “The Dinner”, drama estrelado por Richard Gere, que teve sua première mundial no Festival de Berlim 2017. A prévia destaca a preparação, o encontro e o assunto do tenso jantar do título, realizado num restaurante elitista e envolvendo o futuro dos filhos de dois casais, que fizeram, conforme sugere o vídeo, algo terrível. Para complicar, os pais são dois irmãos que se odeiam e suas mulheres têm dificuldades para aceitar as consequências das decisões que precisam ser tomadas. Baseado num romance do holandês Herman Koch, já filmado em 2013, “The Dinner” é a segunda parceria consecutiva entre Gere e o cineasta israelense-americano Oren Moverman, após o drama de sem-teto “O Encontro”, de 2014. O elenco também inclui Steve Coogan (“Philomena”), Rebecca Hall (“Homem de Ferro 3”), Laura Linney (“Sully”) e Chloë Sevigny (série “Bloodline”). A estreia está marcada para 5 de maio nos EUA.
Clarisse Ou Alguma Coisa Sobre Nós Dois é uma beleza de cinema
Terceiro longa-metragem de Petrus Cariry, “Clarisse Ou Alguma Coisa Sobre Nós Dois” (2015) finaliza a chamada “Trilogia da morte”, iniciada com “O Grão” (2007) e “Mãe e Filha” (2011). O rigor formal apresentado nos trabalhos anteriores, bem como o cuidado com a beleza das imagens, que desde o primeiro filme têm sido comparadas a pinturas clássicas, se manifesta ainda mais forte neste novo trabalho, que conta a história de uma jovem mulher que vai passar uns dias na casa do pai doente. Não é um filme fácil. É propositalmente lento e com um tipo de dramaturgia que se distancia do naturalismo, por mais que a estranheza nas interpretações não nos impeça de admirar a excelente performance de Sabrina Greve, premiada na edição do Cine Ceará do ano passado. A atriz já havia aparecido em outro filme ainda mais ligado ao gênero horror, “O Duplo”, marcante curta-metragem de Juliana Rojas. Mas embora possa ser definido como terror, “Clarisse” frustrará quem esperar um filme típico do gênero, assim como pode desagradar quem não o aprecia. Por isso mesmo deve ser apreciado como ele é e não como deveria ter sido, conforme o gosto pessoal de cada espectador. Mas, uma vez que o espectador resolva se abrir a esse tipo de cinema mais hermético e cheio de signos a decifrar, a experiência é bastante recompensadora. Até porque a beleza das imagens (a direção de fotografia também é de Petrus) e dos movimentos de câmera são de encher os olhos. Inclusive, é possível perceber isso a partir do pouco que é mostrado no trailer. A enigmática história, que se passa bem longe de um lugar típico de filmes cearenses, também é contada com o auxílio de sons e ruídos, que são incorporados à obra de maneira orgânica. Aliás, o cuidado com o som é outro aspecto admirável de “Clarisse”, um filme que sangra e que parece um sonho. Diante da dificuldade de penetração de um filme como esse em um mercado cada vez menos tolerante a experimentações e invenções, deve-se comemorar a oportunidade de ver nos cinemas uma obra como esta, que, ao contrário dos besteiróis televisivos, merece para ser vista na tela grande.
Criador de Dear White People agradece racistas que protestaram contra sua série
O cineasta Justin Simien, diretor do filme indie “Cara Gente Branca” e criador da serie homônima, agradeceu à polêmica e ameaça de boicote dos assinantes brancos da Netflix nos EUA, causada por sua atração. Na última semana, centenas de clientes da Netflix anunciaram que estavam cancelando o serviço de streaming por conta do teaser da série, que será lançada com o nome original em inglês “Dear White People”, acusando o conteúdo de promover o racismo e o “genocídio dos brancos”. “Obrigado por me ajudarem a fazer o teaser da série se tornar o vídeo mais visto na história da Netflix!”, ele postou no Twitter. “Mais de 3 milhões de visualizações. Mal posso esperar para ver o que vai acontecer quando lançar o trailer propriamente dito”. Em entrevista ao programa Entertainment Tonight, ele fez questão de agradecer aos racistas pela atenção gerada pela produção. “Para mim, foi realmente profundo e encorajador, de um jeito estranho”, ele disse. “Só chamou mais atenção para a série. Então, obrigado supremacistas brancos, por me ajudar a promover minha atração. Tenho que me sentir agradecido por sua insanidade”. Ele também escreveu um longo texto no site Medium, reparando que as queixas que acusavam a série de racismo eram acompanhadas por expressões racistas, como “nigger”. E ainda ponderou em seu Twitter sobre as acusações de promover o genocídio branco. Genocídio, claro, quer dizer o extermínio completo de uma raça por assassinato em massa. “Vivemos num mundo de dissonância cognitiva. A igualdade soa como opressão para os privilegiados, porque três palavras benignas os colocam em luta por suas existências, que, por acaso, não está realmente em perigo algum. E assim, um vídeo de 1 minuto se torna um apelo distorcido ao genocídio de brancos na mente de algumas pessoas. É o mundo da pós-verdade em que vivemos”. A série vai continuar a trama do filme “Cara Gente Branca”, que foi feito por meio de financiamento coletivo e premiado no Festival de Sundance de 2014. No longa, quatro jovens negros que ingressam na universidade se deparam com o racismo da instituição. Quando os alunos brancos decidem dar uma festa temática sobre a raça negra, os quatro se mobilizam e passam a questionar tudo, inclusive o pensamento politicamente correto e condescendente a respeito da diversidade racial. “Cara Gente Branca” também foi premiado como Melhor Roteiro de Estreia no Spirit Awards (o Oscar indie) de 2015. Mesmo assim, foi lançado no Brasil apenas em VOD (video on demand). Por sinal, o polêmico teaser da série não foi disponibilizado para o mercado brasileiro, por isso encontra-se sem legendas. A estreia está marcada para 28 de abril.
Novas fotos destacam todos os personagens centrais de Logan
A 20th Century Fox divulgou cinco novas fotos de “Logan”, o terceiro filme solo de Wolverine. As imagens destacam todos os personagens centrais da trama: o próprio Logan (Hugh Jackman), a jovem mutante X-23 (Dafne Keen), o Professor Xavier (Patrick Stewart), o morlock Caliban (Stephen Merchant), o vilão Donald Pierce (Boyd Holbrook) e o cientista Dr. Zander Rice (Richard E. Grant), que nos quadrinhos é responsável pela experiência que resultou no clone feminino de Wolverine. O roteiro é de Michael Green (“Lanterna Verde”) e do estreante David James Kelly, e a direção está mais uma vez a cargo de Mangold, responsável pelo filme anterior, “Wolverine – Imortal” (2013). A estreia está marcada para 2 de março no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Primeiro teaser da série Dear White People rende campanha de boicote contra a Netflix
A Netflix divulgou o primeiro teaser da série baseada na comédia indie “Cara Gente Branca” (2014), que critica o racismo, e o resultado foi uma reação racista. O trailer que ataca o uso de “blackface”, manifestação em que pessoas brancas pintam seus rostos de preto para imitar negros, e que também mostra negros arrancando dreadlocks falsos de brancos, irritou… usuários brancos, que inciaram uma campanha de boicote à plataforma. Alguns usuários relataram no Twitter que estão cancelando suas assinaturas da Netflix porque o programa é “anti-brancos” e promove o “genocídio de pessoas brancas”. Genocídio significa extermínio de uma raça por meio de assassinato em massa. Diante da polêmica, o vídeo superou 3 milhões de visualizações no YouTube, das quais 10% registraram a opção de “desgostar” do conteúdo. Em comparação, apenas 1% assinalou ter “gostado”. Mas os comentários na página são bem divididos. Por um lado, brancos juram que só negros são racistas “hoje em dia”, enquanto negros morrem de rir desses comentários. A série tem o título original do filme, “Dear White People”, que foi premiado no Festival de Sundance de 2014. O diretor e roteirista do longa, Justin Simien, assina todos os textos e a direção do capítulo de estreia. Totalmente independente, o filme original foi feito por meio de financiamento coletivo e contava a história de quatro jovens negros que ingressam na universidade e se deparam com o racismo da instituição. Quando os alunos brancos decidem dar uma festa temática sobre a raça negra, os quatro se mobilizam e passam a questionar tudo, inclusive o pensamento politicamente correto e condescendente a respeito da diversidade racial. “Cara Gente Branca” também foi premiado como Melhor Roteiro de Estreia no Spirit Awards (o Oscar indie) de 2015. Mesmo assim, foi lançado no Brasil apenas em VOD (video on demand). Por sinal, o trailer da série não foi disponibilizado para o mercado brasileiro, por isso encontra-se sem legendas. A estreia está marcada para 28 de abril.
Berlim: Continuação de Trainspotting troca a juventude pela crise da meia-idade
Uma das sessões mais disputadas do Festival de Berlim, a exibição de “T2 Trainspotting” dividiu opiniões. Muitos esperavam uma retomada da ousadia do primeiro longa, com suas viagens aterrorizantes de heroína, mas, 20 anos depois, a continuação é quase uma sombra do original, mas nem por isso deixa de ser divertido. De certo modo, faz todo o sentido, inclusive narrativamente. “O primeiro longa juntou um ótimo tema e um roteiro excelente com o momento exato, o zeitgeist perfeito. Não dá para conseguir isso de novo, foi único”, considerou Jonny Lee Miller, intérprete de Simon, aka Sick Boy, durante o encontro com a imprensa internacional. “Eu mesmo só me interessei pelo novo projeto porque não seria ‘uma continuação’ típica… Até porque parece mais uma ‘post-mortem’ daquele universo”, brincou. De fato, “T2 Trainspotting” não tem o mesmo frescor, porque todos os envolvidos estão na meia-idade, tanto atrás das câmeras quanto na própria ficção. O tempo passou e o reencontro de personagens, atores, roteirista e diretor se dá em clima de nostalgia. As referências a eventos de 1996 surgem quase como memorabilia. Mas um filme é fruto do outro, e o cineasta Danny Boyle busca manter a continuidade estética entre as duas produções, optando pelo mesmo fluxo de imagens inspirados na estética de videoclipe, que parecia tão moderna na época do Britpop. Curiosamente, boa parte das críticas foram focadas nesta opção estética, centrada em movimentos de câmera “espertos” e visual “vibrante”, que mais parecem exercícios de estilo que uma estrutura a serviço da história. Mas há, sim, uma boa história captada pelas câmeras, da qual se ri muito. Na entrevista coletiva do festival, Boyle explicou que queria fazer um novo filme que fosse independente do original, mas achou difícil escapar da herança de “Trainspotting”. Ele revelou que o roteirista John Hodge escreveu um roteiro perfeitamente decente, baseado em parte no romance “Porno”, de Irvine Welsh, que é a sequência literária do primeiro filme. “Mas eu nem sequer me preocupei em enviá-lo para os atores”, disse. Isto porque o cineasta queria algo mais pessoal, que convencesse o elenco original a retornar. Ele precisava que o filme refletisse a passagem de tempo não só dos personagens, mas de todos os envolvidos. E assim se trancou com Hodge numa casa em Edimburgo, respirando o clima escocês para imaginar um reencontro com Renton, Sick Boy, Begbie e Spud na mesma cidade, mas numa época radicalmente diferente. “O filme é sobre a angústia do avançar da idade, é sobre questões envolvendo a masculinidade”, explica o diretor. “Era essencial que os atores trouxessem seus próprios conflitos pessoais com essas questões aos personagens”. Boyle acrescenta que até as mudanças tecnológicas dos últimos anos foram incorporadas na produção. “Muitas coisas mudaram no modo de se fazer cinema daquela época para cá. O mais importante é que as câmeras ficaram muito menores”, repara. “Com os aparelhos de hoje, você consegue captar em uma cena alguns detalhes que antes você sequer poderia imaginar enquanto escrevia o roteiro do filme. E também é possível acessar as performances dos atores de maneira diferente.” Mas mudanças também aconteceram durante as filmagens, afetando o mundo de todos os envolvidos. “Estávamos filmando quando aconteceu o Brexit, e foi um choque especial estar na Escócia” – que votou contra a saída do Reino Unido da União Européia – , contou Boyle. Talvez por reflexo disso, o filme é bem mais europeu que o primeiro, que foi todo concentrado em Edimburgo. Desta vez, há cenas na Holanda e na Romênia. Boyle também se dedicou a selecionar uma trilha sonora marcante, como a do primeiro filme, inclusive referenciando as duas músicas mais fortes do original, “Lust for Life”, de Iggy Pop, que ganhou um cover de Prodigy, e “Born Slippy”, refeita numa versão mais lenta pela própria banda Underworld. Mas, no lugar do Britpop de Blur, Elastica e Primal Scream, incluiu a nova geração de bandas britânicas, como Young Fathers e Fat White Family. Vale observar que os críticos britânicos foram os que mais gostaram do filme.
Berlim: Richard Gere acusa Trump de disseminar o ódio e o medo
A competição do Festival de Berlim 2017 ainda não empolgou. Após as palmas comedidas para “Django”, na abertura do evento, o remake americano “The Dinner” teve recepção gélida em sua sessão para a imprensa, na tarde desta sexta (10/2), mas rendeu uma entrevista coletiva repleta de tiradas políticas de seu astro, Richard Gere (“O Exótico Hotel Marigold 2”), repercutidas no mundo inteiro. Baseado num romance do holandês Herman Koch, já filmado em 2013, “The Dinner” é a segunda parceria consecutiva entre Gere e o cineasta israelense-americano Oren Moverman, após o drama de sem-teto “O Encontro”, de 2014. Como o título adianta, a trama se passa durante um jantar de família. Nele, dois irmãos estremecidos, vividos pelo astro e Steve Coogan (“Philomena”), e suas respectivas mulheres, Rebecca Hall (“Homem de Ferro 3”) e Laura Linney (“Sully”), discutem as consequências de um crime cometido por seus filhos. O personagem de Gere é um político que pode perder tudo se o caso vier à tona. Preenchido por retórica interminável, a trama debate até doença mental e racismo, e inclui um flashback em que os irmãos visitam Gettysburg, na Pensilvânia, onde ocorreu a mais famosa batalha da Guerra Civil americana, no século 19. “Aquele local é o mais sangrento da história dos Estados Unidos. É a metáfora para o pecado original na sociedade americana: irmãos lutando contra irmãos”, disse o diretor, na entrevista coletiva realizada no festival. O tema serviu para Gere se posicionar publicamente contra a política migratória do governo de Donald Trump, fazendo um paralelo entre a trama e a decisão do presidente dos EUA de impedir o ingresso nos Estados Unidos de imigrantes de setes países de população muçulmana e erguer um muro na fronteira com o México. “É um filme sobre o medo, e como o medo leva as pessoas a cometer coisas horríveis”, disse Gere. “Hoje, nos Estados Unidos (terroristas e refugiados) significam a mesma coisa”, lamentou o ator, para quem esta associação de ideias “é a pior coisa feita por Trump”. “Antes tínhamos empatia por um refugiado. Era alguém a quem dávamos atenção, queríamos ajudar, a quem queríamos dar um teto”, declarou o ator, que é budista e conhecido por defender os direitos Humanos e a causa tibetana. “Infelizmente, temos líderes que atiçam o medo, e esse medo nos leva a fazer coisas terríveis”, retomou. “O número de crimes motivados por ódio nos Estados Unidos aumentou muito desde que ele foi eleito”. Perguntado sobre o que faria caso estivesse em um jantar com o presidente americano, o ator de 67 anos riu da possibilidade. “Eu não estaria nesse jantar. Nem seria convidado.”
Berlim: Django abre o festival em ritmo de jazz e política
O Festival de Berlim 2017 deu a largada em sua maratona de cinema nesta quinta (9/2), em clima de jazz, afinação política e sob aplausos contidos, com a exibição de “Django”. O filme de abertura, dirigido pelo estreante Etienne Comar, conta a história do lendário guitarrista de jazz Django Reinhardt (1910-1953), belga de origem cigana (interpretado pelo ator francês de origem argelina Reda Kateb), que fugiu dos nazistas na 2ª Guerra Mundial, durante a ocupação da França pelos nazistas. Segundo o diretor do Festival de Berlim, Dieter Kosslick, o “perigo constante, a fuga e as atrocidades cometidas contra sua família não foram capazes de fazê-lo parar de tocar”. Apesar de estreante, Comar é um conhecido roteirista e produtor de obras como “Homens e Deuses” (2010), “Timbuktu” (2014) e “Meu Rei” (2015). Ele conheceu o trabalho de Django Reinhardt por intermédio de seu pai, fã do músico, que foi grande inovador e vanguardista musical. “Procurei evitar o modelo tradicional de cinebiografia, daqueles que cobrem todo o período da vida de um personagem, para me concentrar nessa janela de tempo bastante específica, em que a música adquire um papel importante na tomada de consciência política de Django. Ao mesmo tempo, quis fazer um paralelo entre a tragédia dos refugiados de guerra da época e os refugiados de hoje”. Os paralelos são, de fato, evidentes. Há fortes conexões entre o nazismo e alguns dos temas mais polêmicos no debate político atual, que incluem, obviamente, a crise dos refugiados do Oriente Médio e a proibição de entrada nos EUA de cidadãos de sete países específicos. “Eu queria mostrar um músico em um período complexo da história”, explicou o diretor. “E enquanto tomava esta via, percebi que havia muitos paralelos – refugiados, a maneira que você pode proibir pessoas de viajar…” Comar acrescentou que o tema do filme recai sobre a liberdade que a arte, no caso a música, pode proporcionar durante a repressão, e justamente por conta disso é a primeira coisa a ser atacada por regimes totalitários e terroristas. “Não é nenhum segredo que a propaganda nazista tentou criar regras para conter o jazz, que misturava todos os tipos de culturas diferentes”, disse ele. “Promotores da pureza, os nazistas discriminavam o jazz por ser um gênero nascido de uma mistura de diferentes culturas, em especial daquela desenvolvida por descendentes de negros africanos nos EUA, e por isso considerada arte degenerada. Espero que a mensagem seja entendida”. O cineasta ainda ressaltou a importância da arte em períodos tumultuados. “Declarações nem sempre funcionam. Mas quando se faz isso através da arte, o resultado é muito impressionante”, acrescentou. A crítica internacional, porém, não achou a estreia de Comar tão impressionante assim. Com mais boas intenções que conteúdo, não deve ameaçar os principais concorrentes do Leão de Ouro. “Django” faz parte da competição oficial do festival, que inclui o brasileiro “Joaquim”, cinebiografia de Tiradentes dirigida por Marcelo Gomes. Além deste, outros sete longa-metragens brasileiros serão exibidos na programação da Berlinale 2017, nas mostras Panorama, Geração e Fórum: o documentário “No Intenso Agora”, de João Moreira Salles, e as ficções “Como Nossos Pais”, de Laís Bodanzky, “Vazante”, de Daniela Thomas, “Pendular”, de Júlia Murat, “Mulher do Pai”, de Cristiane Oliveira, “As Duas Irenes”, de Fábio Meira, e “Rifle”, de Davi Pretto, que foi a última adição do evento. O Festival de Berlim acontece até o dia 19 de fevereiro na capital alemã.
Kristen Stewart é assombrada no novo trailer de Personal Shopper
A IFC Films divulgou o segundo trailer americano de “Personal Shopper”, produção que marca o reencontro da atriz Kristen Stewart com o diretor francês Olivier Assayas, após a bem-sucedida parceria em “Acima das Nuvens”. A primeira parceria rendeu à americana o César (o Oscar francês) de Melhor Atriz Coadjuvante do cinema francês em 2015. A segunda deu ao cineasta o troféu de Melhor Direção no Festival de Cannes de 2016. A prévia revela o lado místico da trama, ao trazer Kristen explicando para Lars Eidinger (também de “Acima das Nuvens”) que pretende ficar em Paris até ser contatada por seu irmão gêmeo recém-falecido, respeitando um acordo mediúnico que ambos fizeram a respeito de quem morresse primeiro. Logo em seguida, ela aparece aterrorizada, encontrando sinais de fantasmas. O elenco internacional também inclui a austríaca Nora von Waldstätten (mais uma integrante de “Acima das Nuvens”), a francesa Sigrid Bouaziz (série “The Tunnel”) e o norueguês Anders Danielsen Lie (“Oslo, 31 de Agosto”). O filme estreia em 2 de março no Brasil, uma semana antes do lançamento nos EUA.
