Filmes do Festival de Sundance dominam indicações ao Oscar 2018
Num reflexo da importância do Festival de Sundance para o lançamento de filmes de qualidade, o Oscar 2018 distribuiu 16 indicações para filmes que tiveram pré-estreia mundial há exatamente um ano atrás, na edição 2017 do festival indie “As histórias corajosas e independentes sempre encontrarão sucesso em seus próprios termos, mas é encorajador ver o trabalho reconhecido entre os indicados deste ano – incluindo, sim, vários alunos de Sundance em todas as categorias”, disse o diretor do festival, John Cooper, que celebrou a notícia em plena edição 2018 do festival – que já exibe os indicados ao Oscar 2019 Entre os egressos de Sundance 2017 que disputam o Oscar estão “Me Chame pelo Seu Nome”, “Corra!”, “Mudbound”, “Doentes de Amor” e três documentários, “Icarus”, “Strong Island” e “Last Men in Aleppo”. As 16 indicações representam um crescimento em relação ao ano passado, quando os filmes de Sundance receberam 11 nomeações. Mas não superam o recorde de 2010, quando ocorreram 19 indicações. Por outro lado, a seleção da Academia também aponta o grande problema do festival indie: o descompasso de um júri que nem sempre premia os melhores de sua programação. Afinal, o vencedor de Sundance em 2017 foi a comédia “Já Não Me Sinto Em Casa Nesse Mundo”, adquirida e disponibilizada pela Netflix sem a menor consequência.
Peter Jackson vai dirigir documentário 3D sobre a 1ª Guerra Mundial
O diretor Peter Jackson, responsável pelas fantasias de “O Senhor dos Anéis” e “O Hobbit”, anunciou seu próximo filme: um documentário em 3D sobre a 1ª Guerra Mundial. O cineasta neozelandês se associou à BBC para ter acesso aos arquivos da rede pública britânica de TV e rádio, e o filme contará com cenas raras do conflito, além de material inédito cedido pelo Museu Imperial de Guerra de Londres. Todas as imagens serão colorizadas e tratadas com tecnologia atual para exibição em 3D. O documentário irá marcar os 100 anos do final da guerra, que durou de 28 de julho de 1914 a 11 de novembro de 1918. Ainda sem título, a produção será lançada no Festival de Londres, em outubro de 2018, seguida por exibição na TV britânica pela BBC. Não há previsão para um lançamento mundial.
Favorito ao Oscar 2018 é a melhor estreia da semana
O quarto e pior filme da franquia de terror “Sobrenatural” tem a distribuição mais ampla desta quinta (18/1), chegando em quase 500 salas. Como opções aos sustos fáceis, os cinemas sugerem rir amarelo nas filas dos shoppings, já que duas comédias bobas completam o circuíto comercial. Uma delas segue a linha da comédia-televisiva-infantil-brasileira, um subgênero em ascensão, que já rendeu dois filmes de “Carrossel” e um “Detetives do Prédio Azul – O Filme”. Quem preferir pagar para ver filmes de qualidade precisará enfrentar o preconceito do mercado, que restringe a distribuição dos melhores títulos ao circuito limitado. Um deles é um romance gay, tema que ainda encontra resistência, mesmo que o filme em questão seja favorito ao Oscar 2018. Chega, claro, no chamado “circuito de arte”, assim como outro candidato potencial ao Oscar de Melhor Filme de Língua Estrangeira e um bom drama brasileiro. Saiba mais sobre os lançamentos abaixo e clique nos títulos para ver os trailers de todas as estreias. “Sobrenatural – A Última Chave” conta nova origem da franquia, apesar de o filme anterior ter se chamado “Supernatural: A Origem” (2015). Na trama, a médium Elise Rainier (Lin Shaye) volta à casa de sua família, onde testemunhou na infância sua primeira atividade paranormal e onde agora enfrentará uma nova assombração. Elise era apenas coadjuvante no primeiro “Sobrenatural” de 2010, mas se tornou o elemento central nos lançamentos seguintes, junto com seus dois assistentes, vividos por Angus Sampson e Leigh Whannell (que é o roteirista de todos os filmes). Com 31% de aprovação no Rotten Tomatoes, este é o longa pior avaliado de toda a franquia. Sempre é possível se apavorar mais, já que os lançamentos incluem “Correndo Atrás de um Pai”, um besteirol americano pavoroso, com apenas 26% de aprovação e que implodiu nas bilheterias dos EUA – abriu em 9º lugar no mês passado. A idiotice traz Ed Helms (“Férias Frustradas”) e Owen Wilson (“Os Estagiários”) como irmãos gêmeos (!), que descobrem que são bastardos, após sua mãe (Glenn Close, de “Guardiões da Galáxia”), confessar ter inventado um pai morto de câncer para não traumatizá-los, pois nunca soube quem a engravidou. A história, que começa “Debi e Lóide”, vira “Mamma Mia” e eles decidem ir atrás dos ex-namorados de sua mãe, querendo descobrir quem é seu pai. Por sua vez, “Gaby Estrella” é uma “Hannah Montana” brasileira, menina do interior que vira sucesso musical. Sua série/novelinha teve três temporadas, entre 2013 e 2015 no canal pago infantil Gloob, e o filme encontra a personagem vivida por Maitê Padilha com problemas para manter a carreira de “estrella”. Outro fenômeno pop descartável surgiu e, para continuar seus 15 minutos de fama, ela é mandada de volta ao interior, com o objetivo de estrelar um reality show que possa voltar a lhe deixar em evidência. Mas os planos são sabotados por sua prima invejosa. A moral da história é que a verdadeira amizade é importante, mas, até chegar neste final feliz, é preciso suportar muita música ruim e muita superficialidade – fama e inveja, aparentemente, são tudo na vida. O grande filme da semana, “Me Chame pelo Seu Nome”, se passa numa idílica mansão rural italiana dos anos 1980 e acompanha como o filho adolescente de um professor americano se encanta com o novo pupilo convidado a passar o verão com a família. História de despertar de uma paixão, a produção trata o romance gay com uma ternura que até então era reservada para casais heterossexuais. O elenco destaca Timothée Chalamet (“Interestelar”) e Armie Hammer (“Cavaleiro Solitário”), e o primeiro tem vencido diversos prêmios como ator do ano, apesar da pouca idade – tem 22 anos. Também chama atenção a beleza da fotografia, a cargo do mestre tailandês Sayombhu Mukdeeprom (do assombroso “Tio Boonmee, Que Pode Recordar Suas Vidas Passadas”). A direção, por sua vez, é do italiano Luca Guadagnino (“Um Mergulho No Passado”). As qualidades do longa tem rendido muitos prêmios. Entre outros, venceu o Gotham Awards, cujos resultados, nos últimos três anos, coincidiram com a premiação do Oscar de Melhor Filme. Além disso, lidera as indicações ao Spirit Awards, considerado o “Oscar indie”, e venceu o Critics Choice de Melhor Roteiro (escrito pelo veteraníssimo James Ivory, de “Uma Janela para o Amor” e “Retorno a Howards End”). Por coincidência, outra estreia da semana, “Os Iniciados”, também lida com amor homossexual, mas desta vez num contexto de repressão, entre jovens africanos que passam por um ritual tribal de iniciação para a maioridade. Produção sul-africana premiada no Festival de Londres, o filme do estreante John Trengove está entre os nove pré-selecionados para disputar o Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira. O drama brasileiro “Pela Janela” marca a estreia da editora Caroline Leone (“Vemelho Russo”) como diretora e roteirista de longa-metragens. Com sensibilidade dramática e olhar semi-documental, o filme acompanha a tristeza de uma senhora de 65 anos (Magali Biff, de “Chiquititas”), que é demitida da fábrica paulista em que sempre trabalhou e encontra conforto numa viagem até Buenos Aires. A obra é discreta como sua personagem, mas tão profunda quanto. Dois documentários completam a programação: o metafísico “Saudade”, de Paulo Caldas (“Baile Perfumado”) e o narcisista “Como Você Me Vê?”, de Felipe Bond (“Vampiro Carioca”). Ambos trazem artistas para falar dos temas de seus títulos.
Fox cancela filme de James Mangold sobre Patty Hearst após protestos contra “romantização de estupro”
A Fox anunciou o cancelamento de um filme sobre o famoso sequestro da herdeira milionária Patricia Cambell Hearst, mais conhecida como Patty Hearst, após ela protestar publicamente contra a produção. “A 20th Century Fox e seus parceiros de produção decidiram cancelar o projeto do estúdio com base no livro ‘American Heiress'”, resumiu um comunicado oficial. O filme, que seria dirigido por James Mangold (“Logan”) e estrelado por Elle Fanning (“Demônio de Neon”), foi denunciado por Hearst por usar uma fonte que ela condenava, o livro de Jeffrey Toobin, “American Heiress”, que também alimenta uma série de documentários da CNN, prevista para fevereiro. Em uma longa declaração, Hearst acusou o escritor de romantizar sua “tortura e estupro”. Ela disse ter sido inspirada pelo movimento #MeToo e os discursos empoderados do Globo de Ouro 2018 para denunciar a exploração de sua tragédia por quem não viveu a experiência na própria pele e tem uma visão misógina sobre o que é se submeter à violência sexual. “Estou triste e consternada por a Fox ter concordado em financiar e produzir um filme baseado no livro de Toobin (com um roteiro similarmente problemático, também escrito por homens) e que a CNN concordou em continuar perpetuando um diálogo unilateral, romantizando minha tortura e estupro através da lente distorcida de Toobin”, ela afirmou. A saga de Hearst causou grande fascinação durante os anos 1970. Isto porque, meses após seu sequestro em 1974, aos 19 anos de idade, ela reapareceu diante de câmeras de um banco, trajada com roupas pseudo-militares e de metralhadora em punho, para praticar um assalto como integrante de um grupo de terroristas marxistas. A radicalização da herdeira milionária – neta de William Randolph Hearst, o rei da imprensa americana e inspiração do filme “Cidadão Kane” – , foi um dos temas mais comentados da década, e durante muito tempo dividiu opiniões. A justiça entendeu que ela tinha se juntado voluntariamente com os criminosos, condenando-a a sete anos de prisão pelo assalto. Mas muitos questionavam se ela sofrera lavagem cerebral, e sua história completa só veio à tona anos depois, quando Patty revelou ter passado meses trancada num quarto escuro, onde era espancada e estuprada repetidamente, para ceder completamente às vontades de seus raptores. O presidente Jimmy Carter mandou soltá-la após 22 meses de prisão. O sequestro já rendeu um filme, “Patty Hearst”, dirigido por Paul Schrader em 1988, que adaptou o livro de memórias da própria Hearst. Desta vez, a trama contaria uma história mais controvertida, detalhando a tortura sexual sofrida por Patty para se juntar ao Exército Simbionês de Libertação. “O livro de Jeffery Toobin, que cita um dos meus sequestradores como sua principal fonte, romantiza meu estupro e tortura e chama meu sequestretro de ‘uma aventura divertida’. Este projeto está tentando reescrever a história e vai diretamente contra o movimento #MeToo, após tantos progressos em relação ao espaço conseguido para dar voz àqueles que sofreram abusos”. Apesar do cancelamento do filme, a CNN mantém sua programação baseada no livro. Em descrição oficial, o canal de notícias afirma que a série de documentários, intitulada “The Radical Story of Patty Hearst”, teve acesso sem precedentes a figuras-chave na história, incluindo Bill Harris, o homem que sequestrou Hearst de seu apartamento em 1974 e Steven Weed, o noivo que testemunhou tudo. “A série mostra sua educação, o sequestro, transformação em terrorista, prisão e julgamento subseqüentes, e sua transição para a realeza americana”. Além da série, a CNN está planejando um podcast semanal, “Patty Has a Gun: The Life and Crimes of Patricia Hearst”, apresentado por Toobin e Brian Stelter da CNN, que será disponibilizado a partir de 26 de janeiro no iTunes.
Ronan Farrow vai produzir e apresentar série de documentários investigativos na HBO
O jornalista Ronan Farrow, filho de Mia Farrow e Woody Allen, assinou um contrato de três anos com a HBO para produzir uma nova série de documentários investigativos. Ele ganhou notoriedade há dois anos, após publicar uma denúncia contra o próprio pai, Woody Allen, acusando-o por abusar de sua irmã quando ela era criança. Mais recentemente, tornou-se o principal porta-voz das vítimas do produtor Harvey Weistein, publicando uma série de reportagens na revista The New Yorker, com depoimentos contundentes de atrizes famosas e as primeiras acusações de estupro contra o produtor. O contrato foi fechado após Farrow aparecer na capa da revista Hollywood Reporter, onde foi tratado como o “príncipe de Hollywood que derrubou o castelo” dos poderosos. “Ao longo das minhas investigações na TV e na mídia impressa nos últimos anos, ficou claro para mim que há uma nova geração de telespectadores em busca de reportagens sérias, relevantes que ataquem interesses poderosos e injustiças sistêmicas que muitas vezes são jogadas para debaixo do tapete”, disse Farrow no comunicado do negócio. “A reportagem extraordinária de Ronan na New Yorker ajudou a propagar outras investigações, revelações e debates importantes sobre esses casos. Seu trabalho contribuiu para esse momento de limpeza em nossa cultura e estamos entusiasmados em fornecer uma plataforma para esse repórter perseguir projetos que continuem a revelar a verdade sobre o poder”, disse o presidente de programação da HBO, Casey Bloys, sem especificar os temas dos documentários. Ainda sem título, os programas devem ir ao ar no final do ano.
O Touro Ferdinando é a principal estreia da semana, com lançamento em quase mil salas
Símbolo do pacifismo, “O Touro Ferdinando” desembarca em 958 salas nesta quinta (11/1), que também oferece violência e guerra a quem for aos cinemas, além de inaugurar a temporada dos “filmes de Oscar” com um candidato a estatuetas e manter a dieta semanal de lançamentos limitados e documentários. Clique nos títulos de cada produção para ver os trailers de toda a programação. O lançamento amplo de “O Touro Ferdinando” no Brasil é um curioso contraponto à estratégia original da Fox, que despejou o filme na pior data de 2017 nos Estados Unidos – junto da estreia de “Star Wars: Os Últimos Jedi”. A animação acabou registrando a estreia mais fraca da carreira do brasileiro Carlos Saldanha na América do Norte. Mas aqui chega em situação oposta, aproveitando o boicote a “Viva – A Vida É uma Festa” para se impor com maior visibilidade no circuito. Como “Rio” e “A Era do Gelo”, dirigidos por Saldanha, a nova produção também é um desenho de bichos falantes. A diferença é que Ferdinando não é uma criação original. A história é inspirada no personagem homônimo criado em 1936 pelo escritor americano Munro Leaf e ilustrado por Robert Lawson, que já rendeu até produção da Disney: um curta clássico que venceu o Oscar de sua categoria em 1939. Graças ao sucesso da versão da Disney, reprisada várias vezes na TV, o touro sensível, que gosta de ficar no campo cheirando flores e não leva jeito para touradas, acabou virando ícone pacifista. Mas nunca tinha ganhado um longa-metragem antes. Para esticar a história original, a animação incluiu diversos bichos coadjuvantes. Mas a premissa permanece. Depois de ser confundido com uma perigosa criatura, Ferdinando, que é um touro grande de tamanho e de coração, é capturado para competir nas touradas. Só que ele não quer tourear e, determinado a voltar para a menininha que é sua dona, lidera uma equipe de bichos desajustados em uma grande fuga. A animação tem sido indicada aos prêmios da temporada, como o Globo de Ouro 2018, Annie Awards e o PGA Awards, e tem 70% de aprovação no Rotten Tomatoes. Para quem prefere pancadaria, “O Estrangeiro” traz Jackie Chan num dos papéis mais sombrios de sua carreira. Longe do tom cômico que marca suas produções faladas em inglês, o filme mostra o ator mais famoso da China com o semblante fechado e desejo de matar, após uma explosão terrorista custar a vida de sua filha. Em busca dos responsáveis pelo atentado, ele pressiona um funcionário do governo britânico, vivido pelo ex-007 Pierce Brosnan, a revelar a identidade dos criminosos. Recusando-se a aceitar sua palavra de que não tem conhecimento da tragédia, Chan o transforma no alvo de sua vingança. Coprodução entre a China e o Reino Unido, o filme tem roteiro de David Marconi (“Duro de Matar 4.0”) e direção de Martin Campbell (“007 – Cassino Royale”), que opta por uma linha de ação mais realista e violenta que os fãs de Chan estão acostumados. Apesar disso, não foge muito da fórmula do gênero, com 62% no Rotten Tomatoes. “O Destino de uma Nação” rendeu o Globo de Ouro 2018 para Gary Oldman. Mas o favoritismo do ator ao Oscar começou a ser questionado após a reação pública à sua vitória – as redes sociais se encheram de protestos pelo passado de agressor do britânico. Vale considerar que, em seu agradecimento pelo prêmio de domingo (7/1), Oldman fez questão de elogiar o trabalho de seus maquiadores. E, de fato, metade da interpretação se deve à transformação física do ator em Winston Churchill, o político que liderou o Reino Unido durante a 2ª Guerra Mundial. O filme acompanha Churchill em 1940, no início de seu mandato como Primeiro Ministro britânico. Diante do avanço do nazismo pela Europa, com Hitler expandindo territórios e colecionando vitórias, ele se vê diante de um dilema: aceitar a pressão de seus colegas por um vergonhoso acordo de paz com a Alemanha ou se jogar numa guerra com a perspectiva de uma derrota iminente. O roteiro foi escrito por Anthony McCarten, responsável por “A Teoria de Tudo” (2014), indicado ao Oscar e vencedor do BAFTA, e a direção é de Joe Wright, em seu trabalho mais sóbrio após os espetáculos visuais de “Orgulho e Preconceito” (2005), “Desejo e Reparação” (2007), “Anna Karenina” (2012) e “Peter Pan” (2015). Entre os lançamentos limitados, os destaques são outros dois dramas baseados em histórias reais. “Lou” também é uma cinebiografia, de Lou Andreas-Salomé, uma das mulheres mais interessantes do século 19, filósofa, poeta, feminista e pioneira da psicanálise. Sua trajetória reforça que a inteligência pode ser um poderoso afrodisíaco, pois ela apaixonou homens como Sigmundo Freud, Friedrich Nietzsche e Rainer Maria Rilke, entre outros. A personagem é interessantíssima, mas o mesmo não pode ser dito do primeiro filme de ficção da alemã Cordula Kablitz-Post, produzido há dois anos e sem repercussão internacional. Em contraste gritante, “O Motorista de Táxi” foi aclamado pela crítica mundial. Tem 95% de aprovação no Rotten Tomatoes e uma coleção impressionante de prêmios no circuito asiático. Apesar de ser o primeiro filme do sul-coreano Jang Hoon a chegar ao Brasil, o ainda jovem cineasta acumula sucessos de bilheteria doméstica, usando elementos de filmes de ação para contar a história política do seu país. Assim como seu longa anterior, “The Frontline” (2011), “O Motorista de Táxi” foi escolhido para representar a Coreia do Sul no Oscar, mas não conseguiu a qualificação. O filme se passa em 1980 e acompanha um taxista comum (Song Kang-ho, de “Expresso do Amanhã”), que ao pegar um passeiro estrangeiro interessado em viajar até outra cidade, acredita ter conseguido a melhor corrida do mês. Entretanto, a viagem se torna a corrida da sua vida, pois o jornalista alemão (Thomas Kretschmann, de “Os Vingadores: A Era de Ultron”) o conduz para o meio de uma guerra civil, na qual estudantes que protestavam contra a ditadura são massacrados pelos militares. As imagens do conflito real, com centenas de mortes, chocaram o mundo, e só foram conseguidas graças ao taxista anônimo. A repercussão do filme acabou revelando a identidade de Kim Sa-bok, transformando-o em herói nacional. Infelizmente, ele morreu de câncer quatro anos após conduzir o jornalista Jürgen Hinzpeter (1937–2016) para o epicentro da crise, mas “O Motorista de Táxi” resgatou sua importância para a divulgação do massacre de Gwangju, cuja denúncia desestabilizou a ditadura e ajudou a transformar a Coreia do Sul numa democracia. Dois documentários completam a programação. O chileno “O Pacto de Adriana” investiga uma tia querida de sua jovem diretora, que trabalhou para a ditadura de Pinochet, e o brasileiro “Sailing Band” era para ser um documentário sobre banda velejadora no Caribe, que implode, mas rende uma viagem. Como curiosidade, o diretor estreante em longas Denis Nielsen é roteirista da série “3%”.
Game of Thrones domina indicações ao prêmio do Sindicato dos Diretores
O Sindicato dos Diretores dos Estados Unidos divulgou uma parte dos indicados a seu prêmio anual, o DGA Awards. Foram revelados os concorrentes das categorias televisivas e de documentário, um dia antes da revelação dos nomeados por filmes de ficção. Todos os vencedores serão conhecidos no dia 3 de fevereiro. A lista tem algumas peculiaridades. Uma delas é desconsiderar que “Big Little Lies” foi renovada e deixou de ser série limitada. Outra é que “Wormwood”, indicado como documentário, foi exibido como série de seis episódios. Mas o que chama mais atenção é a importância de “Game of Thrones” para a categoria. A série de dragões da HBO emplacou três episódios, de diretores diferentes, na seleção televisiva. Mesmo assim, a favorita é Reed Morano, que já venceu o Emmy 2017 pela direção do piloto de “The Handmaid’s Tale”. Outros destaques são Niki Caro concorrendo na categoria de Produções Infantis por “Anne” e Amy Schumer disputando a categoria de Especiais por “Amy Schumer: The Leather Special”. Confira a lista completa abaixo. INDICADOS AO DG AWARDS 2018: TV E DOCUMENTÁRIO MELHOR DIREÇÃO DE DOCUMENTÁRIO Ken Burns e Lynn Novick – “The Vietnam War” Bryan Fogel – “Icarus” Matthew Heineman – “City of Ghosts” Steve James – “Abacus: Small Enough to Jail” Errol Morris – “Wormwood” MELHOR DIREÇÃO DE SÉRIE DRAMÁTICA The Duffer Brothers – “Stranger Things: Chapter Nine: The Gate” Reed Morano – “The Handmaid’s Tale: Offred” Jeremy Podeswa – “Game of Thrones: The Dragon and the Wolf” Matt Shakman – “Game of Thrones: The Spoils of War” Alan Taylor – “Game of Thrones: Beyond the Wall” MELHOR DIREÇÃO DE SÉRIE CÔMICA Aziz Ansari – “Master of None: The Thief” Mike Judge – “Silicon Valley: Server Error” Melina Matsoukas – “Master of None: Thanksgiving” Beth McCarthy-Miller – “Veep: Chicklet” Amy Sherman-Palladino – “The Marvelous Mrs. Maisel: The Marvelous Mrs. Maisel” MELHOR DIREÇÃO DE TELEFILME OU SÉRIE LIMITADA Scott Frank – “Godless” Barry Levinson – “O Mago das Mentiras” Kyra Sedgwick – “Story of a Girl” Jean‑Marc Vallee – “Big Little Lies” George C. Wolfe – “A Vida Imortal de Henrietta Lacks” MELHOR DIREÇÃO DE PROGRAMA INFANTIL Niki Caro – “Anne: Your Will Shall Decide Your Destiny” Benjamin Lehmann – “The Magical Wand Chase: A Sesame Street Special” Lily Mariye – “Just Add Magic: Just Add Meddling” Alison McDonald – “An American Girl Story: Summer Camp, Friends for Life” Matthew O’Neil e Thalia Sodi – “15: A Quinceañera Story: Zoey” MELHOR DIREÇÃO DE PROGRAMA DE VARIEDADES Andre Allen – “Full Frontal with Samantha Bee” Paul G. Casey – “Real Time with Bill Maher” Jim Hoskinson – “The Late Show with Stephen Colbert” Don Roy King – “Saturday Night Live” Paul Pennolino – “Last Week Tonight with John Oliver” MELHOR DIREÇÃO DE ESPECIAL DE VARIEDADES Stan Lathan – “Dave Chappelle: The Age of Spin” Linda Mendoza – “Kennedy Center Mark Twain Prize Honoring David Letterman” Paul Pennolino – “Full Frontal with Samantha Bee Presents Not the White House Correspondents’ Dinner” Amy Schumer – “Amy Schumer: The Leather Special” Glenn Weiss – “The 89th Annual Academy Awards” MELHOR DIREÇÃO DE REALITY SHOW Hisham Abed – “Encore!” John Gonzalez – “Live PD” Brian Smith – “MasterChef” Adam Vetri – “Dare to Live” Kent Weed – “Spartan: The Ultimate Team Challenge”
Documentário sobre os últimos anos de David Bowie chega à TV brasileira
O documentário “The Last Five Years”, sobre os últimos cinco anos da vida de David Bowie, será exibido na noite desta quarta (10/1) no canal pago Bis, às 21h30. Inédito no Brasil, o filme detalha o processo criativo dos dois últimos álbuns do cantor, “The Next Day”, lançado em 2013, e “Blackstar”, lançado em 2016, dois dias antes da morte do artista, que completa dois anos neste 10 de janeiro. O filme é dirigido por Francis Whately, que também fez “David Bowie: Five Years” (2013) sobre o auge do cantor nos anos 1970. E traz uma informação surpreendente, ao afirmar que Bowie só soube que seu câncer era terminal apenas três meses antes de morrer. Segundo o documentário, ele descobriu que tinha poucos meses de vida enquanto gravava o clipe da música “Lazarus”, que ilustra sua doença e se encerra com uma metáfora de sua saída de cena. Bowie veio a morrer logo em seguida àquela gravação, em 10 de janeiro de 2016, dois dias depois de ter completado 69 anos e de ter lançado seu 25º álbum de estúdio, “Blackstar”, um projeto repleto de simbolismos que sugerem referências à sua própria morte – e que foi considerado um dos melhores discos de sua carreira. Produção original da BBC já exibida no Reino Unido, “David Bowie: The Last Five Years” foi transmitido nos Estados Unidos pela HBO na segunda-feira, no aniversário do cantor, festejado em 8 de janeiro. Veja o trailer abaixo.
Documentarista foge da China após ser preso por filmar a causa tibetana
O cineasta tibetano Dhondup Wangchen, que em 2009 foi condenado à seis anos de prisão pela justiça chinesa por realizar o documentário “Deixando o Medo para Trás” (2008), no qual tibetanos louvavam o Dalai Lama e reclamavam de como sua cultura estava sendo destruída pela China, fugiu para os Estados Unidos nesta semana. Em comunicado divulgado na noite de quarta-feira (27/12) em Pequim, o grupo Filmando para o Tibete disse que Dhondup Wangchen tinha chegado a San Francisco no mesmo dia. “Depois de muitos anos, esta é a primeira vez em que desfruto da sensação de segurança e liberdade”, disse o cineasta, por meio de nota compartilhada pelo grupo. “Gostaria de agradecer a todos que tornaram possível, para mim, abraçar minha esposa e meus filhos novamente. Entretanto, também sofro por ter deixado para trás o meu país, o Tibete”. Dhondup saiu da prisão em junho de 2014 na capital provincial de Xining, mas continuou sob intensa vigilância, com seus movimentos e comunicações monitorados, disse o grupo. “Dhondup Wangchen conseguiu escapar das autoridades e fugir de sua área natal no Tibete e depois da República Popular da China”, acrescentou o grupo, sem dar detalhes. Questionada sobre o caso, a porta-voz do Ministério de Relações Exteriores da China, Hua Chunying, disse a repórteres das agências internacionais que não estava ciente do assunto.
Fernando Birri (1925 – 2017)
Morreu o cineasta, escritor e poeta argentino Fernando Birri. Considerado o pai do novo cinema latino-americano, ele faleceu na quarta-feira (27/12), aos 92 anos, em Roma. Birri fundou a Escola Latino-Americana de Documentários de Santa Fé, na Argentina, e da Escola Internacional de Cinema e Televisão de San Antonio de los Baños, em Cuba. Ele rodou um de seus filmes mais famosos na cidade em que nasceu, Santa Fé. No curta “Jogue uma Moeda” (1958), mostrou a situação de miséria em que viviam as crianças de sua província natal. Seu primeiro longa de ficção foi “Los Inundados” (1961), comédia com toques dramáticos sobre uma família pobre forçada a fazer várias viagens de trem durante um período de inundações, a fim de alcançar um refúgio seguro, enquanto burocratas corruptos transforam a vida do povo num inferno. Muito ligado ao Brasil, deu aulas para Maurice Capovilla e Vladimir Herzog na escola de Santa Fé. E também viu o nascimento do Cinema Novo, ao lado dos amigos Nelson Pereira dos Santos e Glauber Rocha, quando desembarcou no Rio para fugir da ditadura argentina. Birri foi forçado a se exilar após o golpe militar na Argentina, e foi na Itália que filmou sua obra mais experimental, “Org” (1979), que ele descrevia como um pesadelo de três horas de duração. Sua filmografia inclui dois documentários distintos sobre Che Guevara, além de uma colaboração com o escritor Gabriel García Márquez, com quem escreveu o roteiro de “Un Señor Muy Viejo Con unas Alas Enormes” (1988), clássico cinematográfico do realismo fantástico. Seu último filme foi “El Fausto Criollo” (2011), adaptação de um poema de Estanislao del Campo. Em 2015, a ex-presidente argentina Cristina Kirchner o homenageou por “sua inestimável ajuda ao cinema argentino e latino-americano” e anunciou um projeto de recuperação digital de todas as suas obras.
Fala Sério, Mãe! é o último lançamento amplo do ano nos cinemas
Após faturar R$ 1,5 milhão em pré-estreia, a comédia brasileira “Fala Sério, Mãe!” chega aos cinemas como principal lançamento do fim do ano. Mas, curiosamente, não é o único filme brasileiro com adolescentes a entrar em cartaz nesta quinta (28/12). A programação, mais enxuta que o habitual, também inclui o novo longa de Woody Allen, a primeira luta de Bruce Lee e a juventude de Karl Max, que não empolgaram a maioria dos críticos, além de um documentário premiado. Clique nos títulos das estreias para conferir os trailers de cada filme em cartaz. “Fala Sério, Mãe!” traz Ingrid Guimarães (“De Pernas pro Ar”) e Larissa Manoela (“Meus Quinze Anos”) como mãe e filha, e surpreende positivamente por não abusar (muito) do tom histérico que marca as outras comédias do roteirista Paulo Cursino (“Até que a Sorte nos Separe”). Desta vez, o humor de esquetes e temas repetitivos busca simpatia, ao ser utilizado para realçar os problemas de relacionamento, mas também o amor típico de uma família, que é o mote da produção. O filme é inspirado no livro de mesmo nome da escritora Thalita Rebouças (autora também de “É Fada!”), que colabora no roteiro assinado por Cursino, Ingrid Guimarães e Dostoiewski Champangnatte. A direção é de Pedro Vasconcelos (“O Concurso”) e ainda peca por incluir as típicas participações especiais de todo besteirol brasileiro – desta vez, do cantor Fábio Jr. e do comediante Paulo Gustavo, interpretando eles mesmos. “Bye Bye Jaqueline” também é uma comédia centrada numa adolescente, mas o foco são as amizades e os romances dessa fase da vida. O problema é a falta de espontaneidade geral, do roteiro à interpretação, que faz com que tudo soe forçado, além de previsível – a velha história de sempre. Nota-se que é o primeiro longa-metragem de Anderson Simão e da maioria do elenco. O lançamento internacional mais amplo pertence a “Roda Gigante”, o novo longa de Woody Allen, cujo enredo, como diz a protagonista Kate Winslet (“A Vingança Está na Moda”), é “um pouco melodramático”. A produção não deixa de ser uma homenagem de Allen ao rei do melodrama clássico, Douglas Sirk (“Imitação da Vida”), já que se passa no período de seus filmes mais conhecidos, a década de 1950. A história gira em torno de Ginny (Winslet), mulher do operador de carrossel do parque de Conney Island (James Belushi, da série “Twin Peaks”), que um belo dia recebe a visita de sua enteada (Juno Temple, da série “Vinyl”), casada com um gângster e fugindo da máfia. Ela sabe segredos perigosos e procura abrigo, com mafiosos em seu encalço. No meio disso tudo, as duas ainda se encantam pelo galã da praia, o salva-vidas Mickey (Justin Timberlake, de “Aposta Máxima”), que narra a história – um artifício que reforça se tratar de um filme “à moda antiga”. A crítica norte-americana não embarcou na trip nostálgica e a “Roda Gigante” travou com 29% de aprovação no site Rotten Tomatoes. “A Origem do Dragão” foi uma decepção maior ainda: 23% de aprovação. Vendida como uma história da juventude do ator e campeão de kung fu Bruce Lee, a obra não passa de um filme B convencional, que menospreza o personagem e o impacto de sua luta contra Wong Jack Man, o mestre de kung fu mais famoso da China, enviado pelo templo shaolin para verificar se Lee estava ensinando artes marciais para brancos nos Estados Unidos. A direção é do cineasta George Nolfi (“Os Agentes do Destino”) e os roteiristas Christopher Wilkinson e Stephen J. Rivele são os mesmos do vindouro “Bohemian Rhapsody” sobre a banda Queen. “O Jovem Karl Marx” é outro desperdício de personagem, numa produção que segue a fórmula básica das cinebiografias mais superficiais, capaz de transformar o homem que considerava religião o ópio do povo numa figura praticamente santa. Ao menos, não deixa de ser cômico ver o jovem de cartola querendo se conectar com as massas proletárias. Passou no Festival de Berlim, Toronto e inúmeros outros. Não venceu nada. E tem média de 40% no Rotten Tomatoes. Completa a programação o documentário francês “A Ópera de Paris”, premiado no Festival de Moscou. Curiosamente, é o segundo filme sobre os bastidores da famosa casa de espetáculos francesa lançado este ano nos cinemas brasileiros, após “Reset – O Novo Balé da Ópera de Paris”. Ambos compartilham alguns personagens, entre eles Benjamin Millepied, o criador da coreografia de “Cisne Negro” (2010) e marido da atriz Natalie Portman. E é isto. Só seis lançamentos nesta semana, ainda sob efeito do predomínio de “Star Wars: Os Últimos Jedi” no circuito cinematográfico.
Documentário resgata coragem e importância histórica de Dom Paulo Evaristo Arns
Dom Paulo Evaristo Arns (1921-2016) é uma figura tão importante na história recente do Brasil que vai muito além da sua atuação propriamente religiosa. Sua narrativa de vida é tão densa e marcante que é muito difícil abordá-la em sua amplitude. O documentário do jornalista Ricardo Carvalho reconhece isso já no título complementar do filme “Coragem! – As Muitas Vidas do Cardeal Dom Paulo Evaristo Arns” e se debruça, didaticamente até, nas várias dimensões da atuação dele. A dedicação de Dom Paulo à causa dos mais pobres, à luta pelo respeito e dignidade da pessoa humana, ao exercício pleno da cidadania para todos, à democracia e aos direitos humanos, passou por testes terríveis, já que ele foi cardeal de São Paulo no período negro da ditadura militar e prosseguiu já na redemocratização do país, de 1970 a 1998. Mas ele atuou bravamente para denunciar a opressão do período, as torturas, a perseguição política e produziu gestos históricos, como o do evento ecumênico na catedral de São Paulo para marcar a morte de Vladimir Herzog, que supostamente teria se suicidado na prisão. Na verdade, morto sob tortura. Ao lado do rabino Henri Sobel e do reverendo evangélico Jayme Wright, oficiou o evento religioso que reuniu 8 mil pessoas na catedral e praça da Sé, num dos momentos mais tensos da ditadura. Ele visitou presos políticos, acolheu perseguidos e fez ouvir sua voz por todos os cantos. Chegou a ser recebido por Emílio Garrastazu Médici, para apresentar sua demanda ao mais duro militar que exerceu o poder no Brasil. O filme mostra, também, que ele manteve correspondência com Fidel Castro, então execrado pelo regime, que proibia até visitas turísticas a Cuba. Enfim, não por acaso, o título do documentário é “Coragem!”, com exclamação. Essa talvez seja, mesmo, a característica mais forte de Dom Paulo: a coragem, aliada a um humanismo militante, que fizeram dele uma das maiores referências brasileiras do século 20. O jovem, que nasceu em Forquilha, Santa Catarina, veio de uma família pobre, com 13 filhos, e se tornaria sacerdote em 1945. Estava pronto para encarar o desafio de sua existência, ao assumir a condição de cardeal de São Paulo, em 1970, um ano de escalada da repressão, que se agudizava desde a edição do AI-5, em 1968. Que só teve como atenuante a vitória do Brasil na Copa do Mundo do México. E que teve em Dom Paulo um dos respiros democráticos mais fortes e representativos. Da dimensão de um Dom Helder Câmara, que o inspirou. O filme “Coragem!” dá conta de revelar essa trajetória espantosa de Dom Paulo em anos de trabalho de Ricardo Carvalho, que foi próximo do cardeal e cobriu esses eventos do período, reunindo muito material. Além disso, contou com imagens de arquivo cedidas por órgãos da mídia e com a preciosa colaboração do arquivo pessoal do clérigo, organizado e disponibilizado por Maria Angélica Borsoi, secretária do religioso por 40 anos, além da família de Dom Paulo. “Coragem!” é um trabalho que merece ser conhecido e divulgado. Indispensável para os mais jovens que, talvez, desconheçam o enorme legado de Dom Paulo Evaristo Arns ao Brasil e à democracia, tão duramente reconquistada, e em que a atuação dele foi absolutamente central. Só para lembrar mais algumas coisas que fazem parte dessas muitas vidas de Dom Paulo: as comunidades eclesiais de base, que ele impulsionou e apoiou; a criação da Comissão de Justiça e Paz, em 1972, que denunciava abusos cometidos no período e o impressionante projeto Brasil Nunca Mais, que reuniu uma equipe de 30 pessoas em seis anos de trabalho clandestino, resultou num livro que denunciou ao mundo o que ocorria no Brasil e é uma referência essencial para o registro do que, infelizmente, vivemos. Que essas coisas realmente nunca mais aconteçam. Ainda bem que, nesse período de trevas, existiu uma pessoa como Dom Paulo Evaristo Arns. O filme “Coragem!”, que está agora em cartaz nos cinemas, será exibido posteriormente na TV. Provavelmente, na Globo News TV, já que ela é uma das coprodutoras da obra.
Planet Hemp disponibiliza documentário sobre os 20 anos de sua prisão
A banda Planet Hemp disponibilizou nessa sexta-feira (22/12) um documentário em curta-metragem para marcar os 20 anos de prisão de seus integrantes, que aconteceu em novembro de 1997, após um show para 7 mil pessoas em Brasília. Com direção e roteiro por Matias Maxx (cinematógrafo de “Sou Feia Mas Tô na Moda”) e direção de arte e edição a cargo de Felipe Benoliel (“Ouro Negro”), o curta monta uma linha do tempo com imagens de reportagens e shows, contando a repressão sofrida pelo grupo, acusado de fazer apologia às drogas, ao cantar músicas em favor da descriminalização da maconha no Brasil. Além da prisão, que durou cinco dias, a banda teve vários shows cancelados e CDs recolhidos, alimentando um debate sobre a liberdade de expressão e a política de drogas em um país recém-saído da ditadura. A repercussão do caso acabou servindo de combustível para o surgimento das chamadas Marchas da Maconha, passeatas que pedem a legalização da droga. Elas também foram proibidas e violentamente reprimidas, até a discussão chegar ao STF, que declarou sua legitimidade em 2011, em uma audiência histórica, na qual a prisão do Planet Hemp foi citada como uma “interferência brutal do processo de produção intelectual e artística”. Planet Hemp também ganhou um filme em longa-metragem, “Legalize já”, de Johnny Araújo e Gustavo Bonafé, que dramatiza com atores a origem da banda. A produção foi premiada na Mostra de São Paulo 2017 e estreia em fevereiro nos cinemas do Brasil. Por enquanto, fique com o curta que recorda o momento mais polêmico da trajetória da banda.
