Playlist: 20 clipes de glam rock dos anos 1970
No clima de “Vinyl”, a nova série musical criada por Mick Jagger e Martin Scorsese (“O Lobo de Wall Street”), a seleção abaixo relembra a era colorida que antecipou a chegada do punk rock com muito glitter, salto alto e guitarras distorcidas. Esta época também foi homenageada no filme “Velvet Goldmine” (1995), de Todd Haynes (“Carol”), e em janeiro perdeu dois de seus heróis, David Bowie e Dale “Buffin” Griffin, baterista do Mott the Hoople.
Beyoncé arrasa em música e clipe lançados de surpresa, mais politizada que nunca
A rainha das surpresas Beyoncé lançou um novo single, acompanhando por um novo clipe, pegando a internet desprevenida. A façanha não é tão impressionante quando a vez, em 2013, em que ela gravou um disco inteiro na surdina. Mas o vídeo explodiu feito bomba nas redes sociais. Não só pela falta de divulgação antecipada, mas pelas imagens. “Formation” é uma das músicas mais politizadas da cantora, algo vagamente aludido no discurso feminista de hits como “Flawless” e “Pretty Hurts”, mas que agora surge escancarado, com direito a imagens ilustrativas. Ela canta sobre o orgulho de sua negritude, entrando no clipe sentada sobre o capô de uma viatura da polícia de Nova Orleans, que afunda numa inundação das águas do Mississippi. O vídeo também mostra um garotinho dançando diante de uma formação da SWAT, e quando Beyoncé prega respeito às raízes negras, surge um jornal com a foto de Martin Luther King Jr. e imagens captadas em VHS, remontando danças de rua dos anos 1990, época em que o vídeo do espancamento de um negro chamado Rodney King pela polícia de Los Angeles gerou o maior levante racial já visto no país. Em uma das cenas, policias levam as mãos ao alto, em frente a um muro onde está escrito “parem de atirar em nós”. Beyoncé chama atenção para tudo isso sem perder sua pose ostentação, evocando os paparazzi que a perseguem e seu vestido Givenchy. Ela se descreve como uma negra poderosa e orgulhosa, que adora seu nariz, suas raízes sulistas e o cabelo afro da filhinha Blue Ivy – que, por sinal, participa do vídeo. E ela “arrasa”, como diz o refrão, sobre um arranjo minimalista de hip-hop, que privilegia a batida eletrônica e sua voz sobre os demais elementos da canção, favorecendo contorcionismos coreográficos bastante criativos. Já o vídeo, dirigido por Melina Matsoukas (a mesma diretora de “Pretty Hurts”), inclui cenas do documentário em curta-metragem “That B.E.A.T.”, sobre o hip-hop de New Orleans, o que pegou os diretores da obra de surpresa e ameaçou virar uma mini-polêmica no Twitter, até os produtores reconhecerem terem cedido as imagens para a cantora. Os cineastas, por sinal, são creditados na produção do vídeo.
Playlist: 25 clássicos dançantes de funk e disco music
O funk perdeu um dos seus presentantes mais dançantes na semana passada. Maurice White, fundador do Earth, Wind & Fire, morreu aos 74 anos na quarta-feira (3/2). Sua banda vendeu mais de 90 milhões de discos pelo mundo, venceu seis prêmios Grammy e entrou para o Hall da Fama do Rock and Roll em 2000. O ritmo swingado, os arranjos elaborados e as letras que evocavam as pistas de dança sintetizaram uma época em que o funk, o soul e a disco music conviviam nas mesmas festas. Uma era que a seleção de vídeos abaixo procura recriar. Como diria Maurice White, “Let’s Groove”… em 25 clássicos para reviver o velho globo giratório.
Playlist: 20 clipes dos Monkees em celebração aos 50 anos da banda
A primeira banda pré-fabricada da história, The Monkees, criada para uma série de TV, completa 50 anos em 2016. Com planos de gravar um novo disco – o primeiro em 20 anos – e realizar uma nova turnê, a banda celebra também a mudança de seu status, cultuada pelas novas gerações do rock indie. Mas o reconhecimento não vem de hoje, incluindo gravação de cover pelos Sex Pistols e até versão rap do Run-DMC. Concebidos pelo cineasta Bob Rafelson e o produtor Bert Schneider como uma versão americana dos Beatles, numa série que seria uma espécie de “Os Reis do Iê-Iê-Iê” (1964) semanal. Mas, por incrível que pareça, o conceito pareceu ousado demais para 1966. Como Micky Dolenz lembrou em entrevista recente, “a gente só via jovens cabeludos na televisão quando eles eram presos nos telejornais”. Na ocasião, o diretor do estúdio Screen Gems, que produzia o programa, chegou a dizer, famosamente, “Não entendi nada, mas vai fazer sucesso”. E fez. Tornou-se um fenômeno pop. Além dos episódios exibidos de 1966 a 1968, dos quais Rafelson dirigiu seis, a série rendeu um longa-metragem e discos que venderam mais de 65 milhões de cópias em todo o mundo. Foram diversos hits, até hoje regravados, mas também uma abordagem inovadora da linguagem televisiva: a produção de “Os Monkees” tinha tramas nonsense, situações surrealistas e muito espaço para a improvisação. Contrariando expectativas, “Os Monkees” até venceu o prêmio Emmy de Melhor Série de Comédia de 1967. Mas, já no ano seguinte, graças ao advento da psicodelia e dos hippies, o programa se tornou datado. Os próprios Beatles tinham trocado seu visual pueril por barbas e cabelos cada vez mais longos. E não havia jeito de a Screen Gems topar uma série sobre hippies. Para complicar, os artistas sempre se incomodaram com o fato de serem vistos como fantoches e logo passaram a compôr suas próprias músicas e fazer shows para mostrar que sabiam tocar de verdade. O resultado foi o LP “Headquarters”, que estarreceu a crítica em 1967 por sua qualidade, mas também marcou um mergulho na psicodelia, afastando-se do pop que tornou os Monkees populares. Diante da expectativa de cancelamento, os produtores decidiram levar os Monkees ao cinema, trabalhando num roteiro extramente psicodélico, co-escrito por ninguém menos que o ator Jack Nicholson. O filme teve direção de Rafelson e participação de figurantes famosos como Frank Zappa, Annette Funicello, Victor Mature, Teri Garr, Toni Basil, Dennis Hopper e o próprio Jack Nicholson. A mudança de tom, que implodia a imagem da banda, não foi bem recebida pelos fãs e o filme “Head” (1968) fraturou-se nas bilheterias. Mas sua ousadia inaugurou o cinema contracultural americano. O filme seguinte produzido pelos visionários Bob Rafelson e Bert Schneider foi simplesmente “Easy Rider – Sem Destino” (1969). E Rafelson completou dirigindo Jack Nicholson em “Cada Um Vive Como Quer” (1970), um clássico absoluto da contracultura. Peter Tork abandonou os Monkees logo em seguida, seguido por Michael Nesmith, que se despediu após o especial “33⅓ Revolutions per Monkee” (1969), último programa dos Monkees. Micky Dolenz e Davy Jones continuaram gravando e tocando juntos como The Monkees até 1971, quando o glam e o rock progressivo tornaram seu som ultrapassado. Como trio, os Monkees voltaram a se encontrar em comemoração aos 20 anos da banda, em 1986, deixando a última reunião completa do quarteto para o aniversário de 30 anos, em 1996, época em que também gravaram um álbum de músicas inéditas. A festa dos 50 anos, porém, não contará com Davy Jones, que faleceu em 2012. A seleção abaixo ajuda a lembrar como suas músicas eram boas, reunindo 20 gravações criadas no curto espaço de três anos.
Playlist: 13 clipes de clássicos do rock psicodélico
Uma viagem psicodélico pelos anos 1960, em homenagem à cantora Signe Toly Anderson e ao guitarrista Paul Kantner, membros do Jefferson Airplane que faleceram em 28 de janeiro. O cantor Marty Balin resumiu tudo, ao dizer: “Eu imagino que ela e Paul acordaram no Céu e disseram: ‘E aí, o que você está fazendo aqui? Vamos fazer uma banda”. A jornada começa atrás do coelho branco do Jefferson Airplane, e segue por Electric Prunes, The Animals, Amboy Dukes, Strawberry Alarm Clock, Lemon Pipers, The Monkees, Iron Butterfly, Vanilla Fudge, Yardbirds, Jimi Hendrix, Country Joe & The Fish até The Doors, “The End”.
Novo clipe do Coldplay traz Beyoncé como estrela de Bollywood
A banda Coldplay divulgou um novo clipe, “Hymn For The Weekend”, que tem participação da cantora Beyoncé. Para completar o choque de estilos, as gravações aconteceram na Índia. O vídeo traz a banda fazendo turismo e tocando nas ruas de Mumbai, maior cidade do país, enquanto Beyoncé preenche cartazes, telas de TV e cinemas como estrela de Bollywood. Bastante colorido, o clipe ressalta costumes indianos, inclui uma estrela bollywoodiana de verdade, Sonam Kapoor (“Neerja”), mostra os roqueiros levando um banho de tinturas e se encerra com uma queima de fogos sobre o rio Ganges. A comemoração registrada é o tradicional festival Holi, que comemora a chegada da Primavera com tintas coloridas no ar. A direção é de Ben Mor, que tem no currículo alguns clipes famosos, como “Part of Me”, de Katy Perry, e “Work Bitch”, de Britney Spears. Ele também fez um curta belíssimo sobre os grafiteiros Os Gêmeos em São Paulo. “Hymn For The Weekend” é o terceiro clipe do disco “A Head Full of Dreams”, depois de “Adventure of a Lifetime” e “Birds”. Em abril, o Coldplay traz ao Brasil a turnê do álbum, com shows em São Paulo e no Rio, cujos ingressos já estão esgotados.
Anitta dá um selinho em Isis Valverde em seu novo clipe
A funkeira Anitta lançou um novo clipe, bem colorido, que traz participação do cantor e ator Jhama (“No Meu Lugar”) e da atriz Isis Valverde (“Faroeste Caboclo”). Anitta é a dona de casa perfeita na historinha do clipe, ainda que Jhama insista em cantar o refrão pagodeiro que diz “Essa Mina É Louca”. Só que ele acaba dando motivo para ela ficar enlouquecida, ao traí-la com Isis Valverde. Diante do flagra, as duas se unem e o colocam para correr, antes de darem o selinho do final feliz. O clipe, que também faz referência visual ao vídeo de “Bang”, tem a mesma equipe do trabalho anterior, com direção de Bruno Ilogti e orientação criativa de Giovanni Bianco, conhecido por seus trabalhos com a cantora Madonna, como as capas dos discos “Rebel Heart” (2015) e “MDNA” (2012), entre outros trabalhos.
Playlist: Veja um resumo da carreira de David Bowie em 55 aparições televisivas
David Bowie foi um astro midiático, que chamava atenção por sua identidade visual marcante. E isto lhe abriu lhe as portas da televisão, rendendo uma profusão de apresentações em programas de entrevistas, premiações e especiais musicais. A seleção abaixo cobre o período de 1969 a 2003, do primeiro hit, “Space Oddity”, ao início de seu afastamento voluntário, em decorrência dos problemas de saúde. Mesmo com alguns buracos significativos nos anos 1980, quando os videoclipes passaram a substituir os shows de estúdio como forma de divulgar artistas na televisão, o apanhado é uma coleção de sucessos, por isso houve o cuidado de evitar repetir canções. Há apenas uma reprise, no último dos 55 vídeos abaixo, por se tratar de um dueto, representando o apelo do cantor para as gerações mais novas. Confira.
David Bowie comemora 69 anos no hospital, em novo clipe tétrico
O cantor David Bowie comemora 69 anos de idade nesta sexta (8/1) com “drama” e “cicatrizes que não podem ser vistas”, conforme canta em seu novo clipe, “Lazarus”, o segundo extraído do disco “Blackstar”, no qual surge com aparência doentia, num hospital. Como o anterior, o vídeo é dirigido pelo sueco Johan Renc (séries “The Walking Dead” e “The Last Panthers”) e repete a imagem de Bowie como espantalho de filme de terror – com os cabelos arrepiados e uma faixa sobre os olhos, na qual botões ocupam o lugar da íris. Outros elementos tétricos incluem o clima hospitalar, com o cantor confinado numa cama, e um armário de onde sai uma mão e para onde outra versão “sombria” de Bowie se encaminha, ao final da canção. Além disso, o clipe se apresenta num formato diferenciado, similar ao dos vídeos do Instagram, com enquadramento limitado ao centro da tela. Trata-se da mesma opção experimentada pelo filme “Mommy” (2014), do cineasta canadense Xavier Dolan. Com uma letra de título bíblico, referências ao Céu e a correr perigo, não é difícil juntar a locação ao problema de saúde que Bowie enfrentou em 2004, ao passar por uma cirurgia cardíaca, logo após sentir dores durante um show na Alemanha. Desde então, ele decidiu não sair mais em turnês, dando margem a rumores sobre seu estado de saúde. No Novo Testamento, Lázaro morreu e voltou à vida. E Bowie canta que “deste jeito ou do outro” ele estará livre. Confira abaixo.
Coldplay lança o clipe caleidoscópico de Birds
“Feliz ano novo a todos. Este é o vídeo de ‘Birds’”, assim o Coldplay apresentou seu novo clipe no Twitter no último sábado (2/1). Dirigido por James Marcus Haney, o vídeo foi gravado num cartão postal da Califórnia, a “Salvation Mountain”, uma montanha coberta por pinturas de temática cristã, criada pelo artista local Leonard Knight (1931–2014) em meio ao deserto do Colorado. Não é a primeira vez que uma banda britânica usa o local como locação de vídeo. O clipe de “Somebody to Die For”, da banda Hurts, foi filmado lá em 2013. No cinema, a “Salvation Mountain” pôde ser vista ainda em “Na Natureza Selvagem” (2007). Uma foto da montanha também foi incluída na edição gráfica do disco “A Head Full of Dreams”, do Coldplay, de onde saiu a faixa “Birds”. Por sinal, a estética do clipe, que lembra os filtros do Instagram, reflete a arte caleidoscópica e colorida da capa do álbum. Já a música sugere novos rumos para a banda, combinando ecos de U2 e The Smiths. “Birds” é o segundo clipe do novo álbum do Coldplay, após a macaquice dançante de “Adventure of a Lifetime”. Vale a pena destacar ainda a carreira do diretor James Marcus Haney, que é uma figuraça do circuito dos festivais de rock. Ele entrou no mundo da música pela porta da contravenção, falsificando pulseiras de identificação de grandes eventos, fingindo ser um fotógrafo credenciado para circular nos principais festivais dos EUA de graça. E de tanto ver shows, começou a ser conhecido pelos artistas, o que lhe rendeu um convite da banda Mumford and Sons para acompanhá-los numa turnê e tirar a foto que acabou virando a capa de seu disco “Babel” (2012). Acabou virando fotógrafo de verdade, além de cineasta. Ele filmou suas aventuras no mundo do rock no documentário “No Cameras Allowed” (2014), que obteve reconhecimento em outros tipos de festivais.
Selena Gomez assume fase sensual em clipe do diretor de Na Cama com Madonna
A cantora e atriz Selena Gomez não consegue manter as mãos quietas em seu novo clipe, “Hands to Myself”. Além das referências óbvias à masturbação, o vídeo explora a obsessão com as celebridades, mostrando a cantora objetificando o modelo inglês Christopher Mason, que aparece o tempo inteiro sem camisa. Os dois ralam e rolam, mas é tudo fantasia da adolescente, que ao final é presa por invadir a casa e dormir na cama do rapaz, dando um sentido diferente ao acessório “Cinquenta Tons de Cinza” que ela usa no começo da produção: um par de algemas para aquietar suas mãos. O clima sensual faz parte do novo perfil adotado pela cantora e foi filmado pelo cineasta Alek Keshishian, que ficou conhecido como diretor do documentário “Na Cama com Madonna” (1991). Ele também dirigiu a comédia “Amor e Outros Desastres” (2006). Inspirada por Prince e, claro, Madonna, “Hands to Myself” é considerada a melhor música do novo disco de Selena, “Revival”, lançado em outubro.
Remake de Caçadores de Emoção ganha clipe de rock
A Warner Bros. divulgou um clipe com a canção-tema de “Caçadores de Emoção: Além do Limite”, remake do filme estrelado por Keanu Reeves e Patrick Swayze em 1991. E assim como a ideia da produção, não há nada original na música “Still Breathing”, uma power ballad convencional, tocada por uma banda que faz muitas caretas, Dig the Kid. Mas o estúdio se esforçou bastante para encontrar o óbvio, lançando um concurso que atraiu 7,5 mil candidatos, segundo o ReverbNation, que foi responsável por selecionar os melhores. Além do clipe, a música foi incorporada nos comerciais do filme, com a expectativa de que também empolgasse o público a comprar a trilha sonora. O disco foi lançado em 4 de dezembro. E a vendagem comprovou a previsibilidade da canção: total desinteresse. O filme, por sua vez, estreia em 25 de dezembro nos EUA e apenas em 28 de janeiro no Brasil.
M.I.A. polemiza em clipe sobre a crise dos refugiados na Europa
A cantora M.I.A. voltou a polemizar com um nova música e clipe politizados. Em “Borders”, a rapper inglesa de descendência tâmil (Sri Lanka) aborda a questão da crise migratória, criticando a postura de líderes políticos europeus que cercam suas fronteiras para impedir a entrada de imigrantes. Por isso, o clipe enfatiza multidões tentando superar cercas gigantescas, cobertas por arames farpados. M.I.A. também ilustra o ritmo intenso da migração pelo mar, por meio de verdadeiras esculturas humanas, culminando a produção com barcas sobrecarregadas de refugiados, que rumam para o desastre. Ela mesma dirigiu o vídeo. E o resultado artístico é bem melhor que a letra repetitiva da canção, que soa redundante e confusa diante do tema. Ao mesmo tempo em que cita palavras de efeito, como “Políticos” e “Gente de barco”, M.I.A. também usa um vocabulário destrutivo, que permite dupla interpretação, ao falar em explosões e mortes. Para completar, ela aparece com uma camiseta pirata do time de futebol Paris Saint Germain, em alusão velada ao massacre de Paris. Detalhes preliminares da investigação do ataque apontam que os terroristas usaram as rotas dos imigrantes para entrar na Europa e barbarizar. A música faz parte do quinto álbum da cantora, “Matahdatah”, ainda sem data oficial de lançamento.
