Transformers – O Último Cavaleiro é barulho e poluição visual sem sentido algum
É impossível lembrar ou explicar o que acontece do início ao fim em “Transformers: O Último Cavaleiro”, espécie de lobotomia disfarçada de cinema. Não que a culpa seja somente da ação exagerada, que faz com que os olhos se percam e não consigam focar coisa alguma, com tanta poluição visual na tela (sem falar no barulho ensurdecedor e ininterrupto que maltrata os ouvidos). É tudo desconexo em nível básico de desenvolvimento de um roteiro e até na função do diretor como um contador de histórias, conduzindo a trama de um ponto ao outro. Estes pontos são inexistentes no quinto “Transformers”. Não é falha ou buraco. Eles simplesmente não existem e a sensação é que o filme se resume a explosões e efeitos visuais justificados por qualquer absurdo. Bom, você pode dizer: “Ah, mas isso é um filme do Michael Bay!” Verdade. E parece um greatest hits dos outros “Transformers”, com o diferencial de contar com um plot envolvendo o Rei Arthur (!), Merlin (!!) e os cavaleiros da távola redonda (!!!), além de ter Anthony Hopkins pagando mico (!!!!). Claro, Bay já fez isso antes com gente boa como John Malkovich e Stanley Tucci. Mas não é questão de o roteiro ser ruim ou a ação ser mais importante que tudo. As soluções que desenvolvem a narrativa, muitas vezes, fazem menos sentido que roteiro de filme de Renato Aragão (pós-Trapalhões!). Imagine um menino de seis anos brincando e misturando personagens em sua inocente imaginação, criando situações e histórias diferentes, tudo ao mesmo tempo agora e uma pessoa (mais velha) observando aquilo sem entender o que está acontecendo e para onde a cabeça da criança está indo. Pois “Transformers: O Último Cavaleiro” é exatamente assim: uma cena não tem nada a ver com a outra, e quem quiser encontrar sentido nisso vai se sentir frustrado. Por sinal, tem tanta gente nesse filme que provavelmente o público não seja capaz de guardar os nomes de seus personagens. Além de incluir novidades no elenco, como Laura Haddock (a nova Megan Fox) e Isabela Moner, o longa ainda resgata atores dos primeiros filmes, como Josh Duhamel e o pobre John Turturro, em participação especial tão desnecessária que não tem a menor importância na trama. Michael Bay é reconhecido por criar espetáculos em larga escala com câmeras que usam a tecnologia mais avançada existente. E seu novo filme abusa disso. Ao contrário de Christopher Nolan, por exemplo, que também usou câmeras de IMAX em “Dunkirk”, Bay aponta as câmeras megaultrahipermodernas para fogo e fumaça, sem compromisso algum com a linguagem cinematográfica. Ao menos, ele é consistente. Nunca decepciona em relação ao que se espera dele. Impressionante mesmo é lembrar como o primeiro “Transformers”, há dez anos, até tinha algum nexo e levava em consideração a inteligência do público apesar dos pesares. De lá para cá, cada filme ficou pior que o outro, mas suas bilheterias bilionárias estimularam Bay a considerar sua abordagem imune à críticas. A impressão é que ele decidiu extrapolar de vez e fez “Transformers: O Último Cavaleiro” para rir de todo mundo. Não há outra razão para ele responder a um repórter que a diferença em relação aos filmes anteriores é que “O Último Cavaleiro” tem mais ação.
Carros 3 é o melhor filme da trilogia animada da Pixar
Ninguém pediu “Carros 3”, mas a Pixar foi lá e fez. Por quê? Porque esse é o produto mais voltado para a criançada que o estúdio tem em seu acervo. Aceite: esse é o verdadeiro público-alvo das aventuras de McQueen e Mate. Mas pode ficar tranquilo que o filme é bem melhor que “Carros 2” (o que não seria muito difícil). E ainda saímos no lucro, afinal conclui o arco de Relâmpago McQueen com extrema dignidade – se “Carros 3” for o último da série, claro. Em qualquer franquia lucrativa do cinema, a decisão de ajustar o tom dos episódios seguintes de acordo com a idade dos fãs que cresceram com o filme original é, digamos, um tanto arriscada (do ponto de vista dos negócios que rolam nesse setor). A Pixar poderia fazer “Carros” para sempre e do mesmo jeito, já que a animação não é como “Harry Potter”, com atores de carne e osso, que envelhecem e amadurecem, assim como seu público. Mas Relâmpago McQueen está velho em “Carros 3”. E, pior, não sabe disso. Tenta, inclusive, superar em vão um carro de corrida moderno com os features mais atuais que a tecnologia pode proporcionar. Em uma cena chocante – até mesmo para os fãs que acompanham essa história desde 2006 –, McQueen capota feio na pista após acelerar tudo que pode, e é obrigado a dar um tempo para se recuperar, treinar muito e tentar dar a volta por cima superando o novo rival. Ora, ele decide a hora de parar. Ou será que é o tempo que decide? Eis a questão. Dizem, por exemplo, que um jogador de futebol morre duas vezes. Uma delas quando se aposenta. Máxima que deve servir para todos os atletas. Enfim, a franquia sempre quis homenagear a febre americana por carros. Mas, no fundo, foi uma oportunidade para revisitar temas de produções e gêneros que marcaram o cinema hollywoodiano com a presença de diferentes modelos de automóveis. A Pixar se agarrou aos dramas de mensagens positivas de Frank Capra no primeiro “Carros”, homenageou os filmes de agentes secretos em “Carros 2” e, agora, a influência é de “Rocky” – mais ainda das continuações da série estrelada e criada por Sylvester Stallone, cujo longa original foi elogiado na época de seu lançamento por ninguém menos que… Frank Capra. E Mate, o personagem coadjuvante mais popular da franquia? Ele está no filme, mas após as críticas a “Carros 2” (2011), a Pixar optou claramente por reduzir sua participação, assim como George Lucas foi obrigado a fazer com Jar Jar Binks, em “Star Wars: Ataque dos Clones” (2002) e “Star Wars: A Vingança dos Sith” (2005). Talvez “Carros 3” pudesse ser ainda mais melancólico para combinar com seus emocionantes minutos finais, como, por sinal, “Toy Story 3” (2010) não teve medo de ser. Mas o miolo de “Carros 3” apronta algumas gracinhas para arrancar risadas e o público infantil não estranhar tanto. Até que vem o final. E que final. Por mais que possa levar os marmanjos às lágrimas, a solução encontrada para fechar o ciclo de Relâmpago McQueen não só honra o legado do personagem como as próprias inspirações da Pixar em algumas das melhores histórias de superação já contadas pelo cinema. Fãs que cresceram com McQueen – e adultos – devem aceitar bem a conclusão. Mas fico pensando o que os pequeninos, que viram McQueen somente em home video, irão pensar. Se fosse para apostar, eu diria que também não deve ser um problema, afinal as novas gerações surgem para evoluir nossos modelos ultrapassados. E a evolução que o filme aponta é um futuro com menos preconceito e machismo, onde o cinema destaca protagonistas femininas fora de comédias românticas e papéis de princesas, mães ou donas de casa – percepções que a própria Disney vem ajudando a mudar com seus filmes recentes. Se “Carros” é uma franquia imperfeita, ao menos seu desfecho termina bem. Com ou sem Relâmpago McQueen.
AMC desenvolve séries de sci-fi e terror do roteirista de A Viagem e do produtor de The Walking Dead
O canal pago AMC anunciou o desenvolvimento de oito novas séries, que tiveram encomenda de diversos roteiros, seguindo o modelo que rendeu a aprovação de “Dietland” para a próxima temporada. O AMC pretende mudar o paradigma da produção de séries com sua nova abordagem. Em vez de pagar atores, diretores, equipe técnica e demais despesas de um piloto para avaliar se aprova uma nova atração, o canal decidiu concentrar seu investimento na encomenda de vários roteiros de cada projeto, de modo a ter uma noção mais clara de onde a série pode chegar. Refletindo o fato de “The Walking Dead” ser a atração de maior audiência do canal, sete dos oito projetos anunciados no fim de semana, durante evento da TCA (Associação dos Críticos de TV dos EUA), são produções do gênero fantástico. A ironia é que o único drama sem elementos sobrenaturais vem de um astro de “Fear the Walking Dead”. Colman Domingo, que vive Victor Strand no apocalipse zumbi, também é um dramaturgo e diretor de teatro premiado, e está adaptando sua peça “Dot” como série, intitulada “In the Middle of the Street”. A lista também inclui uma produção desenvolvida por Greg Nicotero, produtor, diretor e responsável pelos efeitos de zumbis de “The Walking Dead”. Trata-se de “Shock Theatre”, uma antologia de terror – há outra no lote – estilizada em homenagem aos filmes B clássicos. Um dos projetos mais promissores é uma sci-fi. Trata-se de “Liking What You See”, a segunda adaptação de um conto de Ted Chiang realizada pelo roteirista Eric Heisserer. A primeira foi “A Chegada” (2016). A trama se passa num futuro próximo, após a obsessão da mídia pela aparência levar uma comunidade a se voluntariar para uma experiência que remove a capacidade de perceber a beleza física. Os habitantes de Saybrook passam, então, a enxergar as pessoas apenas por seus méritos. O problema é a reação do resto do mundo. Outra adaptação literária da lista é “Ballad of Black Tom”, baseada no livro homônimo de Victor LaValle, que acompanha uma conspiração demoníaca na Era do Jazz, em que um músico precisa impedir o fim do mundo. O próprio LaValle está escrevendo a adaptação. “The Age of Miracles”, por sua vez, acompanha uma família disfuncional após a rotação da Terra desacelerar, os dias e noites ficarem maiores e a gravidade começar a falhar. O roteiro é de Sinead Daly (série “The Get Down”). Até o momento, apenas um dos roteiros vem com protagonista definido, porque o ator também é produtor. Rainn Wilson (série “The Office”) vai estrelar uma trama sci-fi ainda sem título em que ele é possuído por alienígenas. Por fim, a segunda antologia de terror é “Underbelly”, produzida por Daniel C. Connolly (das séries “The Son” e “Into the Badland”), que pretende trazer um olhar sombrio para a cultura pop. Além destas séries, também estão em desenvolvimento atrações documentais, dentre as quais se destaca “Wicked West”, uma antologia de histórias reais de terror que teriam acontecido no Velho Oeste. A produção é da Blumhouse, responsável pelos filmes de terror “Corra!” e “Fragmentado”. Se aprovados, estes projetos só devem começar a ser produzidos em 2018, provavelmente para uma estreia no ano seguinte.
Dietland: Criadora de UnReal emplaca nova série sobre feministas assassinas
O canal pago americano AMC encomendou a 1ª temporada de “Dietland”, nova série de Marti Noxon, criadora de “UnReal” e “Girlfriends’ Guide to Divorce”, que começou a carreira há 20 anos, escrevendo episódios de “Buffy – A Caça-Vampiros”. A produção é baseada no romance homônimo de Sarai Walker, lançado em 2015, e gira em torno de uma mulher com obesidade mórbida chamada Plum Kettle, que se junta a dois grupos feministas radicais. Um deles usa táticas de guerrilha para atacar a indústria de cosméticos e o outro, ainda mais radical, mutila e mata homens que machucam mulheres. A 1ª temporada terá dez episódios e irá investigar se Plum está sofrendo lavagem cerebral para se tornar uma assassina. A série será uma co-produção entre a Skydance Television e o AMC Studios, após Noxon assinar um contrato de três anos para desenvolver produções para a Skydance. O projeto também é resultado de uma nova prática do AMC, que pretende mudar o paradigma da produção de séries. Em vez de pagar atores, diretores, equipe técnica e demais despesas de um piloto para avaliar se aprova uma nova atração, o canal decidiu concentrar seu investimento na encomenda de vários roteiros de cada projeto, de modo a ter uma noção mais clara de onde a série pode chegar. “Dietland” passou por esse processo e foi aprovado sem precisar do piloto. Outros projetos do canal estão sendo desenvolvidas pelo mesmo método, cujo resultado poderá ser conferido em breve na TV.
4ª temporada de Gotham será inspirada em Batman: Ano Um e O Longo Dia das Bruxas
A 4ª temporada de “Gotham” deve contar duas histórias clássicas dos quadrinhos de Batman. O ator Ben McKenzie (intérprete de James Gordon) revelou ao site Digital Spy que a primeira metade dos episódios será inspirada na minissérie “O Longo Dias das Bruxas” (The Long Halloween), de Jeph Loeb e Tim Sale, enquanto a segunda parte irá adaptar parte de “Batman: Ano Um” (Batman: Year One), de Frank Miller e David Mazzucchelli. Publicado entre 1996 e 1997, “O Longo Dias das Bruxas” apresentou um serial killer chamado Feriado (Holiday) que reivindica uma vítima por mês. A história se passa no início da carreira de Batman e inclui muitos dos personagens que já aparecem de alguma forma na série – como Chapeleiro Louco, Hera Venenosa, Selina Kyle, Pinguim e Harvey Dent. Além disso, poderia revelar que Jerome Valeska (Cameron Monaghan) é, na verdade, Feriado, como muitos fãs suspeitam. Há ainda uma subtrama importante sobre o destino de Dent, que irá virar Duras Caras. Já “Batman: Ano Um”, de 1987, tem três tramas importantes. A mais clara é a transformação de Bruce Wayne em Batman. Mas há também a paternidade recente de Gordon e seus problemas matrimoniais, além de uma segunda transformação: Selina Kyle em Mulher-Gato. O trailer revelado na Comic-Con, ainda mostrava a transformação do jovem perturbado Jonathan Crane no vilão Espantalho. O personagem já tinha aparecido na série interpretado por Charlie Tahan (da série “Wayward Pines”). Criada por Bruno Heller (criador também da série “Mentalist”), a série acompanha o começo da carreira do Comissário Gordon (Ben McKenzie), em seus primeiros dias como detetive policial em Gotham City, e a adolescência de Bruce Wayne (David Mazouz), logo após o assassinato de seus pais. A série também mostra a juventude da Mulher Gato (Camren Bicondova), do Pinguim (Robin Lord Taylor), do Charada (Cory Michael Smith) e da Hera Venenosa (Maggie Geha), revelando os eventos que os transformaram nos vilões dos quadrinhos. A Fox adiantou a estreia dos novos episódios em uma semana nos Estados Unidos. A 4ª temporada vai chegar em 21 de setembro à TV americana. No Brasil, a série é exibida pelo canal pago Warner.
Série Gotham tem sua estreia antecipada em uma semana nos Estados Unidos
A estreia da 4ª temporada de “Gotham” foi antecipada pela rede Fox nos Estados Unidos e vai acontecer uma semana antes antes do esperado. Originalmente prevista para 28 de setembro, a volta da série agora acontecerá em 21 de setembro. O adiantamento de uma semana se deu por conta de “The Orville”, comédia sci-fi de Seth MacFarlane, que terá exibições de seus primeiros episódios em dois domingos consecutivos, aproveitando a audiência dos jogos de futebol americano do campeonato da NFL. Após este lançamento, “The Orville” passaria para as quintas na programação semanal, logo após “Gotham”. O detalhe é que ficaria mais de 10 dias fora do ar, de acordo com o calendário original. Com a antecipação das estreias, a diferença será de apenas 4 dias. A 4ª temporada de “Gotham” teve seu trailer revelado na Comic-Con, mostrando a transformação do jovem perturbado Jonathan Crane no vilão Espantalho. O personagem já tinha aparecido na série interpretado por Charlie Tahan (da série “Wayward Pines”). Criada por Bruno Heller (criador também da série “Mentalist”), a série acompanha o começo da carreira do Comissário Gordon (Ben McKenzie), em seus primeiros dias como detetive policial em Gotham City, e a adolescência de Bruce Wayne (David Mazouz), logo após o assassinato de seus pais. A série também mostra a juventude da Mulher Gato (Camren Bicondova), do Pinguim (Robin Lord Taylor), do Charada (Cory Michael Smith) e da Hera Venenosa (Maggie Geha), revelando os eventos que os transformaram nos vilões dos quadrinhos. “Gotham” é exibida pelo canal pago Warner no Brasil.
Aubrey Plaza persegue Elizabeth Olsen em novo trailer de comédia indie premiada
A Neon divulgou dois pôsteres e o terceiro trailer da comédia de humor negro “Ingrid Goes West”, premiada como Melhor Roteiro do Festival de Sundance 2017. A prévia aposta na graça da trama, em contraste com as anteriores, que tinham tom sinistro. O filme destaca Aubrey Plaza em mais um papel de lunática – sua especialidade, conforme os fãs da série “Legion” podem atestar – , desta vez quase como uma versão mais divertida de Tom Ripley, o psicopata de “O Talentoso Ripley” (1999). Na trama, Ingrid (Plaza) é uma jovem problemática obcecada pelas mídias sociais, que desenvolve uma fixação por Taylor (Elizabeth Olsen, de “Vingadores: Era de Ultron”), uma celebridade do Instagram que parece ter a vida perfeita. Como segui-la por computador não parece o suficiente, Ingrid resolve largar tudo para se tornar a melhor amiga de Taylor. O plano consiste em se mudar para a cidade dela, raptar seu cachorro e se introduzir como a garota que salvou o animalzinho perdido. Tudo dá certo. E se torna cada vez mais perigoso. O elenco ainda destaca O’Shea Jackson Jr. (o filho de Ice Cube que estrelou “Straight Outta Campton”), Billy Magnussen (“A Intrometida”), Wyatt Russell (“Jovens, Loucos e Mais Rebeldes”) e Pom Klementieff (a Mantis de “Guardiões da Galáxia Vol. 2”). O filme tem roteiro e direção do estreante Matt Spicer e estreia em 4 de agosto nos EUA. Não há previsão para o lançamento no Brasil.
Frontier: Série estrelada por Jason Momoa é renovada para a 3ª temporada
A Netflix e a Discovery do Canadá teriam dado sinal verde para a produção da 3ª temporada de “Frontier”, série passada na América colonial e estrelada por Jason Momoa (“Liga da Justiça”). Quem afirma é o blog norte-americano RenewCancelTV. A série ainda não estreou sua 2ª temporada, mas esta foi anunciada antes que qualquer capítulo da produção fosse ao ar, o que serve de precedente para a confirmação de mais um ano de forma antecipada. “Frontier” se passa em meio à luta selvagem pelo controle do comércio de peles durante o final do século 18, quando as florestas da América do Norte ainda eram disputadas por colonizadores americanos, franceses e índios. O contexto não é muito diferente do apresentado no filme “O Regresso” (2015), inclusive em termos de locação, já que a atração foi filmada no norte do Canadá. Entretanto, o período abordado é anterior ao do filme premiado. Além de Momoa, o elenco inclui Landon Liboiron (série “Hemlock Grove”), Alun Armstrong (série “Penny Dreadful”), Zoe Boyle (série “Downton Abbey”), Breanne Hill (“Terremoto: A Falha de San Andreas”), Evan Jonigkeit (“X-Men: Dias de um Futuro Esquecido”), Christian McKay (série “Jekyll & Hyde”), Allan Hawko (série “Republic of Doyle”) e Jessica Matten (série “Blackstone”). Criada pelos irmãos Robert e Peter Blackie (que trabalharam na série canadense “Republic of Doyle”), “Frontier” teve seis episódios em sua 1ª temporada, que foram disponibilizados na plataforma de streaming no final de 2016. Também com seis episódios, a 2ª temporada estreia em outubro na TV canadense.
Woody Harrelson se transforma de forma impressionante no primeiro trailer de LBJ
O primeiro trailer de “LBJ” destaca uma transformação impressionante de Woody Harrelson (“Jogos Vorazes”), que aparece irreconhecível no papel do presidente norte-americano Lyndon B. Johnson. Recentemente, a HBO também produziu um filme sobre Johnson, “Até o Fim” (2016), com Bryan Cranston muito bem no papel, mas sem chegar na transfiguração impressionante de Harrelson, que virou fisicamente LBJ. A prévia é notável também por contextualizar o papel de Johnson no governo, primeiro como alguém escolhido para ser vice de John F. Kennedy pela capacidade de atrair votos de conservadores, por isso visto com desconfiança por Robert F. Kennedy, e depois como o responsável por levar adiante o legado do presidente assassinado. A cinebiografia cobre cinco anos da política americana, de 1959 a 1964, um dos períodos mais conturbados do país, com direção de Rob Reiner (“Conta Comigo”) e roteiro de Joey Hartstone (série “The Good Fight”). A produção indie também conta em seu elenco com Jennifer Jason Leigh (“Os Oito Odiados”), Bill Pullman (“Independence Day”), Richard Jenkins (“Kong: A Ilha da Caveira”), Michael Stahl-David (série “Narcos”) e Jeffrey Donovan (série “Burn Notice”) como JFK. A première aconteceu no Festival de Toronto do ano passado. Graças ao telefilme da HBO e ao lançamento de “Jackie” (2016), que cobrem os mesmos eventos, “LBJ” teve seu lançamento adiado em um ano e só chegará aos cinemas americanos em 3 de novembro. Ainda não há previsão para a estreia no Brasil.
Mistério sobre envelhecimento de Rick será explicado no início da 8ª temporada de The Walking Dead
A cena do trailer da 8ª temporada de “The Walking Dead” em que Rick Grimes (Andrew Lincoln) desperta barbudo e envelhecido numa cama gerou muitas teorias dos fãs, dentre elas o fato de a série inteira ter sido um sonho. Mas há uma ligação com a trama dos quadrinhos, por meio de um close numa bengala, que explicaria o aparente salto temporal. A dúvida, porém, só será sanada na reestreia da série. Justamente no primeiro episódio. Foi o que prometeu o criador dos quadrinhos e produtor da série Robert Kirkman em sua participação no evento da TCA (Associação dos Críticos de TV dos EUA) deste fim de semana. Até lá, porém, ele pretende torturar os fãs com o mistério. “Será que é um salto temporal? Não sei, talvez fosse Rick acordando do coma. Não seria bizarro? Esse foi um pedaço estranho que incluímos de propósito no trailer e esperamos que as pessoas continuem se perguntando como isso se encaixa na história. Os fãs dos quadrinhos sabem onde uma cena desse tipo se encaixaria, mas não estamos nessa hora ainda na cronologia da série, então fica esse mistério”, ele provoca. A 8ª temporada de “The Walking Dead” estreia em 22 de outubro. No Brasil, a série é exibida pelo canal pago Fox no mesmo dia.
Desenhista dos quadrinhos da Torre Negra assina novos pôsteres do filme
A Sony divulgou dois novos pôsteres de “A Torre Negra”, adaptação da fantasia épica de Stephen King. O detalhe é que as artes são assinadas por Jae Lee e coloridos por Jane Chung. Os dois trabalharam na adaptação de quadrinhos da obra para a Marvel. Além de Idris Elba (“Beasts of No Nation”) no papel do protagonista Roland Deschain, também conhecido como o Pistoleiro, e Matthew McConaughey (“Interestelar”) como Walter Padick, o Homem de Preto, o elenco também inclui Tom Taylor (série “Doctor Foster”), Katheryn Winnick (a guerreira Lagertha da série “Vikings”), Jackie Earle Haley (“RoboCop”), Fran Kranz (“O Segredo da Cabana”), Claudia Kim (série “Marco Polo”) e Abbey Lee (“Mad Max: Estrada da Fúria”). O roteiro original foi escrito por Akiva Goldsman e Jeff Pinkner (que trabalharam juntos no fraco “A 5ª Onda”) e revisado por Anders Thomas Jensen (“Em um Mundo Melhor”). A direção é do dinamarquês Nikolaj Arcel (“O Amante Da Rainha”), em sua estreia em Hollywood. O filme chega aos cinemas brasileiros em 24 de agosto, 20 dias após o lançamento nos EUA.
Emilia Clarke compartilha vídeo com Chewbecca nos bastidores do filme de Han Solo
Emilia Clarke postou um vídeo com Chewbacca, nos bastidores da produção do filme de Han Solo, para comemorar ter atingido 10 milhões de seguidores no Instagram. Quando ela conta esta notícia, Chewie fica emocional e o resultado é muito divertido. Confira abaixo. O intérprete de Chewbacca é Joonas Suotamo, que já tinha trabalhado como dublê de Peter Mayhew, o Chewbacca original, hoje com 73 anos, em “”Star Wars: O Despertar da Força” (2015). Ainda sem título, o filme de Han Solo também inclui em seu elenco Alden Ehrenreich (“Ave Cesar”) como o personagem título, Donald Glover (série “Atlanta”) como o jovem Lando Carlrissian, Woody Harrelson (“Planeta dos Macacos: A Guerra”), Michael Kenneth Williams (série “The Night Of”) e Thandie Newton (série “Westworld”), além de Warwick Davis (que ainda criança viveu o famoso ewok Wicket em “O Returno de Jedi”). Os bastidores da produção passaram por dias menos leves. Ron Howard assumiu a direção do filme de Han Solo há um mês, após a demissão da dupla Christopher Miller e Phil Lord (“Anjos da Lei”) pela Lucasfilm. O roteiro é de Lawrence Kasdan (“Star Wars: O Despertar da Força”) e de seu filho Jon Kasdan (“A Primeira Vez”). A previsão de estreia permanece, por enquanto, para maio de 2018. In a Instagram far far away……. ? (Or in pinewood backlot filming #untitledhansolomovie ) One CHEWBACCA (and one @emilia_clarke) wanted to THANK EACH AND EVERY ONE OF YOU 10 MILLION WONDERSTAR-INCREDIBLE DREAM MAKERS for following me!!! ?✌️♥️ Yup. Those dreamboats at @starwars said yes, this furry ball of joy could help me thank you personally… @joonassuotamo you are more than just a cute nose and lotta hair to me. #allhailthewookieofourdreams #behindthescenes #behindthelove ❤️??????????????❤️ Uma publicação compartilhada por @emilia_clarke em Jul 28, 2017 às 10:38 PDT
Em Ritmo de Fuga junta musical e tiroteios num dos filmes mais originais do ano
“Em Ritmo de Fuga” é um filme de assalto tarantinesco concebido como um musical de jukebox por um diretor inglês conhecido por besteiróis deliciosos como “Todo Mundo Quase Morto” (2004), “Chumbo Grosso” (2007) e “Scott Pilgrim Contra o Mundo” (2010). Edgar Wright é cultuado em muitos círculos, mas nunca foi levado a sério como deveria. Após “Em Ritmo de Fuga”, convém prestar mais atenção. Taí um cineasta com um febril e delirante senso de aventura, que nunca resvala no tom cerimonioso. Ao contrário, é ferina a sua inclinação para espinafrar a tradição. Wright sabe que o cinema de Hollywood – reflexo de uma sociedade imatura – acredita em super-heróis, vilões e forças ocultas. Assim, propõe em seus filmes zombar de todo esse sortimento sem medo de medir seus excessos. Para ele, faz sentido que entre todo esse novo mundo de linguagem cifradas, os adolescentes estejam num patamar superior. É uma figura do gênero que ele elege para empreender sua nova aventura. Ansel Elgort, o August de “A Culpa das Estrelas” (2014), faz Wheelman Baby, um motorista de fuga dos sonhos para qualquer assaltante de bancos. O tipo de garoto de poucas palavras, imerso na trilha pulsante de seu fone de ouvido e que dirige como o diabo, safando os ladrões da polícia com seu jeito audacioso e intuito de pilotar máquinas envenenadas. A viagem de Baby sempre é dupla, um delas ocorre na direção de um carro, a outra, introspectiva, acontece dentro da sua bolha musical. Enquanto espera que a quadrilha saia do banco, ele escuta a eletrizante “Bellbottoms” de Jon Spencer Blues Explosion, estalando os dedos, transformando o console do carro numa bateria e repicando o ritmo ao som dos limpadores do pára-brisa. Ao ver isso, um assaltante o chama de retardado, o outro quer matá-lo. Baby é menosprezado e tratado como um insignificante. Acontece que tudo o que os adultos fazem de forma atrapalhada, o garoto refaz com a leveza de um malabarista. Menos atirar. Ah, essa índole destrutiva não faz parte do caráter de Baby. Ele não pertence a essa geração. As escopetas vomitam fogo e ele se enfurna no seu mundinho. A violência alucinada ganha a tela e ele se comporta quase como um autista. Há cenas em que o ra-tá-tá-tás das metralhadoras são usadas como pontuação melódica, proporcionando uma seção de ritmo homicida. Isso até o momento em que Baby começa a levar pancadas, tiros de raspão. O menino não quer ser acordado. No particular, Baby é um dos personagens adolescentes mais comoventes a desfilar nas telas esse ano. Se em princípio parece meio bobo, um homem-criança atrofiado, no decorrer, descobrimos tratar-se de um menino forçado a crescer muito cedo. Um garoto que ficou meio surdo após um acidente de carro que matou seus pais, e que agora está a mercê de Doc (Kevin Spacey, da série “House of Cards”), um líder criminoso, especialista em colocá-lo nas missões mais perigosas. Baby acredita que o próximo assalto será o último. Depois estará fora. Mas quem disse que Doc deixará ele partir? A generosidade de Wright com os atores muitas vezes é subvalorizada. Aqui ele compõe com Elgort, seu protagonista excêntrico. Embora em princípio, a auto-terapia musical de Baby pareça apenas uma muleta estilística para Wright, no prolongamento ele busca uma compreensão no uso da trilha que se traduz num ideal e nas próprias motivações de Baby. A música acrescenta sombras a um personagem que se inclina para um vazio severo. Quando Baby se interessa por uma garçonete chamada Debora (Lily James, a “Cinderela”), seu flerte desajeitado se reafirma de novo pela música, e o diálogo passa a ser tanto sobre a história da canção, como também sobre a história de cada um dos dois. Lily James acaba não fugindo muito da mocinha meiga, mas o resto do elenco integra-se perfeitamente ao enredo. Kevin Spacey condensa em seu líder criminoso tanto a frieza de um assassino, como uma certa ternura: algumas vezes ele trata Baby como filho. E só mesmo Spacey é capaz de combinar essas duas contradições, tornando o personagem convincente. Outro que surpreende é Jamie Foxx (“Annie”). Ele compõe o criminoso mais psicótico da quadrilha. Batts, seu personagem, é um observador inteligente, com uma habilidade para deduzir pensamentos precisa – e acredita que é exatamente esse dom que o mantém vivo. Jon Hamm (da série “Mad Men”) constrói a persona de seu ladrão com uma ilexão avessa a de Foxx. Ele parece afável, controlado, mas basta alguém espetar os olhos gordos sobre sua esposa, Darling (Eiza González, da série “From Dusk Till Dawn”), e o homem se transforma. Num piscar de olhos, ele passa do sujeito equilibrado a uma raiva inquietante e mais assustadora do que a violência de Batts. Há um quinto ator em cena precioso, CJ Jones (“What Are You… Deaf?”). O ator, que é surdo de verdade, interpreta Joseph, o pai adotivo de Baby. A interação de seus personagens, usando a língua de sinais dos surdos-mudos, é cheia de alegria e ternura, e suas advertências contra a profissão de Baby são suavizadas pelos olhares de simpatia e amor incondicional para o menino. Por trás da diversão inconsequente, “Em Ritmo de Fuga” pode ser visto também como sátira à briga pelo poder que existe na atual Hollywood. O garoto nerd, imerso no mundinho do fone de ouvido, e que todo mundo menospreza, está assumindo a chefia dos estúdios. E Wright, muito cáustico, brinca com a ideia da sucessão, ao mostrar que a esperteza de Baby pode levá-lo a dominar as circunstâncias. Num certo momento, no entanto, Wright zomba de Baby, mostrando que ele não deve ficar muito cheio de si. Um garoto ainda mais novo que ele aparece para suplantar sua esperteza. A criança intervém em apenas duas cenas, mas sua presença é suficiente para desarmar o herói nerd, ilustrando como o talento está se tornando algo cada vez mais precoce. Ou seria um infantilismo? “Em Ritmo de Fuga” orbita em torno dessas duas ideias. Botemos alguns defeitos. Na meia hora final, Wright empolga-se tanto com seu tour de force cinemático, que quase desaba no maneirismo estéril. As cenas e sacações de Wright extrapolam a duração do filme, que podia acabar uns 15 minutos antes. O excesso de entusiasmo põe em risco o resultado final. Mas para um diretor tão preocupado com a necessidade de crescer sem perder de vista suas obsessões artísticas, até no exagero Wright continua a aprimorar suas habilidades. Não é definitivamente um diretor fascinado apenas pela pirotecnia. Com “Em Ritmo de Fuga” ele comprova, sim, ser o cineasta de ação mais original de sua geração.
