Divulgação/Warner Bros.
Guia da Pipoca: Primeiro terror da DC e super-herói brasileiro estreiam no cinema
"Cara-de-Barro" e "Overman" são os principais lançamentos da semana, que ainda recebe "O Outro Lado das Redes" e os zumbis de "Zona Zero"
O primeiro terror do DC Studios, “Cara-de-Barro”, é o principal lançamento desta quinta (22/10). A programação ainda apresenta o super-herói brasileiro “Overman” e mais dois horrores, incluindo o novo pesadelo do diretor de “Invasão Zumbi”, além da continuação não oficial de “A Rede Social”, a volta de Greg Araki às provocações de cinema e diversas produções infantis. Confira os detalhes.
🎞️ CARA-DE-BARRO
O DC Studios troca os super-heróis pelo body horror ao transformar um dos vilões clássicos do Batman em protagonista de sua própria tragédia. A história acompanha um ator de Hollywood que perde o rosto após uma agressão e acaba convertido numa criatura capaz de assumir qualquer aparência. A proposta aproxima o universo dos quadrinhos de tramas góticas clássicas como “O Fantasma da Ópera” e de filmes de deterioração corporal ao estilo de “A Mosca” e “A Substância”.
Tom Rhys Harries (“White Lines”) vive Matt Hagen, que saiu das ruas de Gotham para conquistar a fama como astro de cinema, mas sua carreira termina quando um ataque ligado ao crime organizado o deixa gravemente desfigurado. Abandonado pelos profissionais que administravam sua imagem, procura a cientista Caitlyn Corr (Naomi Ackie, de “Pisque Duas Vezes”), que desenvolveu um tratamento experimental capaz de recuperar sua aparência. O procedimento funciona, mas provoca alterações imprevisíveis em seu organismo e compromete sua percepção da realidade. À medida que descobre a capacidade de modificar o próprio corpo, Hagen mergulha numa espiral de violência e vingança contra aqueles que destruíram sua vida.
Os responsáveis pela abordagem são dois especialistas em tensão: o diretor James Watkins (“Não Fale o Mal”) e o roteirista Mike Flanagan (“Doutor Sono”). Watkins utiliza efeitos práticos e violência gráfica típicos do terror numa produção com orçamento do gênero, estimado em US$ 40 milhões, o que representa uma experiência diferente para o universo cinematográfico comandado por James Gunn. O roteiro ainda explora a contradição de um homem que conquista a capacidade de assumir qualquer identidade justamente depois de perder a própria, e a obsessão pela aparência numa indústria que descarta seus artistas quando deixam de corresponder aos padrões de beleza. O resultado divide opiniões, mas não é um desastre como os filmes dos vilões do Homem-Aranha lançados pela Sony.
🎞️ O OUTRO LADO DAS REDES
Dezesseis anos depois de escrever “A Rede Social”, filme de David Fincher sobre a criação do Facebook, Aaron Sorkin retorna à empresa para investigar as consequências políticas e sociais de seu crescimento. Agora responsável também pela direção, o roteirista de “Os 7 de Chicago” abandona a disputa entre os fundadores da plataforma para acompanhar uma funcionária que expôs documentos internos sobre a influência dos algoritmos na disseminação de conteúdos nocivos. Mikey Madison (“Anora”) interpreta a engenheira Frances Haugen, Jeremy Allen White (“O Urso”) vive o jornalista Jeff Horwitz e Jeremy Strong (“Succession”) assume o papel de Mark Zuckerberg.
Baseada em acontecimentos reais, a história acompanha Haugen quando ela descobre pesquisas produzidas pelo próprio Facebook sobre os efeitos da plataforma na saúde mental dos usuários, na propagação de desinformação e no crescimento da radicalização política. Incomodada com a distância entre os resultados internos e o discurso público da empresa, decide procurar Horwitz, repórter do “The Wall Street Journal”, para revelar os documentos. A investigação enfrenta obstáculos jurídicos, profissionais e pessoais, enquanto Zuckerberg tenta defender a atuação da companhia diante da pressão pública e institucional.
O filme transforma os bastidores de uma denúncia jornalística num thriller sobre o poder das grandes empresas de tecnologia. Sorkin preserva sua característica combinação de diálogos rápidos, embates argumentativos e conflitos entre indivíduos e instituições, agora com uma história em que a busca por engajamento digital assume consequências políticas concretas. A invasão do Capitólio americano, em janeiro de 2021, aparece como um dos acontecimentos associados à discussão sobre a responsabilidade das plataformas.
A principal diferença em relação ao longa de Fincher está na natureza do conflito. Se a história original examinava ambição, rivalidade e a formação de uma fortuna, a continuação discute uma corporação já consolidada, capaz de influenciar o comportamento de bilhões de pessoas. A narrativa é ágil e encontra força na interpretação de Madison, mas a concentração nos escândalos americanos limita a dimensão global dos problemas denunciados. Mesmo assim, a investigação jornalística oferece um contraponto ao discurso empresarial de que as consequências sociais dos algoritmos seriam impossíveis de controlar.
🎞️ I WANT YOUR SEX
Um dos principais nomes do cinema independente americano dos anos 1990, Gregg Araki (“Geração Maldita”, “Mistérios da Carne”) retorna ao cinema após mais de uma década com uma comédia erótica que satiriza o mercado de arte e as relações de poder entre gerações. Olivia Wilde (“Não Se Preocupe, Querida”) interpreta Erika, uma artista provocadora que transforma um jovem assistente em seu parceiro sexual. Cooper Hoffman (“Licorice Pizza”) vive o funcionário ingênuo que confunde uma oportunidade profissional com a realização de suas fantasias.
Fascinado pela personalidade da chefe, ele aceita participar de experiências que rapidamente ultrapassam os limites profissionais e o colocam numa relação de dominação e submissão. As exigências de Erika começam a interferir em sua vida afetiva, especialmente no relacionamento com a namorada Minerva (Charli XCX) e na amizade com Apple (Chase Sui Wonders, de “O Estúdio”). A situação se complica quando o envolvimento passa a incluir manipulações, traições e uma investigação criminal.
Apesar do detalhe, o filme funciona melhor como sátira das relações de poder e da mercantilização do desejo do que como suspense policial, cuja trama perde força na reta final. Wilde domina a narrativa com uma personagem tão sedutora quanto narcisista, enquanto Hoffman oferece um contraponto de vulnerabilidade e ingenuidade.
A direção recupera a estética colorida, o humor irreverente e o interesse pelas sexualidades não convencionais que marcaram a trajetória de Araki. A diferença em relação ao cinema comercial americano atual empolgou a crítica. Lançado no Festival de Sundance, alcançou 92% de aprovação no Rotten Tomatoes.
🎞️ ZONA ZERO
Dez anos depois de transformar uma viagem de trem num dos filmes de zumbis mais populares do cinema contemporâneo, o sul-coreano Yeon Sang-ho (“Invasão Zumbi”) retorna ao gênero com uma ameaça biológica capaz de alterar constantemente o comportamento dos infectados. Exibido na sessão da meia-noite do Festival de Cannes de 2026, o novo longa substitui o confinamento ferroviário por um edifício isolado durante uma conferência científica. O elenco reúne Jun Ji-hyun (“Kingdom: Ashin do Norte”), Ji Chang-wook (“A Pior das Maldades”) e Koo Kyo-hwan (“D.P. Dog Day”).
A professora Se-jeong (Jun Ji-hyun) participa de um encontro sobre biotecnologia quando um vírus experimental é liberado, provocando uma contaminação que rapidamente foge ao controle. As autoridades determinam o isolamento do edifício, deixando cientistas, funcionários e convidados presos com os infectados. O grupo descobre que as criaturas sofrem mutações constantes e passam a desenvolver comportamentos coletivos, tornando inúteis estratégias de defesa que haviam funcionado anteriormente. A necessidade de improvisar novas formas de sobrevivência intensifica os conflitos entre os personagens.
A principal novidade está na maneira como os infectados compartilham informações e evoluem coletivamente, aproximando a ameaça de uma inteligência organizada. A trama encontra sua particularidade numa inversão das convenções dos zumbis: os monstros deixam de ser uma massa irracional para se tornar uma ameaça que aprende e se adapta mais rapidamente que os humanos. Yeon utiliza essa característica para renovar as situações de perseguição e combate, com criaturas que aprendem a superar obstáculos e reagem de maneiras imprevisíveis. O resultado combina horror corporal, ação frenética e referências aos riscos da manipulação biotecnológica.
A produção alcançou 81% de aprovação no Rotten Tomatoes, resultado próximo ao reconhecimento conquistado pelo diretor em seu clássico zumbi. Embora os personagens tenham menos profundidade que os sobreviventes de “Invasão Zumbi”, a criatividade das criaturas e a precisão das sequências de ação sustentam o espetáculo.
🎞️ A CAIXA DO DEMÔNIO
O diretor alemão Daniel Stamm, conhecido por “A Luz do Demônio” (2022) e “O Último Exorcismo” (2010), mantém sua especialidade em terrores sobrenaturais de baixo orçamento com uma história que explora a fronteira entre traumas psicológicos e possessões demoníacas. Inspirado num episódio do podcast americano “Knifepoint Horror”, o filme traz Carla Gugino (“A Queda da Casa de Usher”) como uma mulher que acolhe um parente traumatizado e passa a enfrentar acontecimentos inexplicáveis.
Após a morte da mãe, Ellen Hershbergen (Gugino) muda-se para uma pequena cidade e oferece abrigo ao primo Winthrop, um veterano do Exército marcado por experiências perturbadoras, interpretado por Lou Taylor Pucci (“Você”). A chegada do rapaz coincide com uma sucessão de fenômenos assustadores, que despertam a desconfiança dos moradores e colocam Ellen diante de uma dúvida: o comportamento estranho do primo resulta de seus traumas militares ou existe alguma entidade sobrenatural associada a ele? Conforme as manifestações se intensificam, a tentativa de protegê-lo passa a representar uma ameaça para a própria mulher.
Stamm retoma uma das características de seus trabalhos anteriores ao utilizar manifestações sobrenaturais como extensão de conflitos psicológicos. O isolamento dos personagens favorece uma atmosfera de paranoia. A premissa recupera elementos conhecidos do gênero, mas encontra sua particularidade na relação familiar: a protagonista não enfrenta uma ameaça desconhecida por curiosidade ou imprudência, e sim por uma obrigação afetiva que a impede de simplesmente abandonar o primo.
🎞️ OVERMAN
Muito antes da atual saturação de filmes de super-heróis, a cartunista Laerte Coutinho já ridicularizava o gênero com um personagem brasileiro desempregado, endividado e incapaz de resolver a própria vida. Criado em 1998 e publicado nas páginas da Folha de S. Paulo, Overman chega ao cinema interpretado por Caco Ciocler (“Vale Tudo”), sob direção de Tomás Portella (“Impuros”). A comédia recupera a crítica social dos quadrinhos e a transporta para um cenário político em que o combate ao crime também funciona como oportunidade de negócios e autopromoção.
O protagonista enfrenta uma crise financeira e existencial, agravada pelo alcoolismo, pelo vício em jogos e pela incapacidade de manter relacionamentos. Sua sorte parece mudar quando o governador (Otávio Müller, de “Os Outros”) oferece um cargo na Secretaria de Segurança Pública, permitindo que utilize oficialmente seus poderes. A nova carreira, entretanto, coloca o herói diante de esquemas políticos e de uma concorrente inesperada: Pâmela, a Mulher Cachorro (Karina Ramil, do Porta dos Fundos), profissional mais competente que rapidamente conquista a admiração do público. Enquanto tenta preservar sua posição, Overman também precisa enfrentar o retorno de um antigo inimigo.
A adaptação encontra seu principal diferencial na desconstrução da masculinidade heroica. Em vez de um salvador virtuoso, apresenta um homem imaturo, ressentido e ameaçado pelo sucesso de uma mulher que exerce melhor a mesma função. O humor absurdo de Laerte permite associar o universo dos quadrinhos à corrupção política, ao oportunismo institucional e à masculinidade tóxica. Num mercado dominado pelas produções grandiosas da Marvel e da DC, a comédia brasileira aposta justamente na fragilidade e na mediocridade de seu protagonista para desmontar a fantasia do super-herói infalível.
🎞️ AO SABOR DAS CINZAS
O corpo de um patriarca desaparece do necrotério enquanto sua neta prepara uma denúncia sobre os crimes da família. As duas situações movimentam o drama brasileiro de Taciano Valério (“Espumas ao Vento”), que mistura humor macabro, segredos familiares e realismo fantástico numa história ambientada no agreste pernambucano. A produção estreou na Mostra de Tiradentes deste ano, com Everaldo Pontes (“O Rei da Feira”), Verônica Cavalcanti (“Fiz um Foguete Imaginando que Você Vinha”) e Maria Lima nos papéis principais.
Bethânia (Cavalcanti) e Laura (Lima) precisam decidir o destino do corpo do pai (Pontes), mas discordam até sobre onde enterrá-lo. Quando o cadáver desaparece do hospital, as irmãs deixam suas diferenças de lado para procurá-lo pelas estradas do interior. Paralelamente, Isadora (Isadora Gibson), filha de Bethânia, prepara um vídeo para denunciar atividades criminosas envolvendo o avô e o próprio pai. A investigação ameaça destruir a imagem de respeitabilidade da família, enquanto a busca pelo morto assume contornos cada vez mais absurdos.
Valério utiliza o desaparecimento do cadáver para expor os segredos que o patriarca mantinha enterrados. As situações fantásticas encontram momentos de humor mórbido, mas o filme perde a unidade ao alternar a farsa com denúncias de crimes graves. O excesso de tramas e as mudanças bruscas de tom comprometem a força da proposta, que tenta combinar sátira familiar e crítica social.
🎞️ MESTRE ZU
O jornalista e escritor Zuenir Ventura morreu em setembro, aos 95 anos, poucos meses depois de assistir ao documentário que Zelito Viana (“Villa-Lobos: Uma Vida de Paixão”) realizou sobre sua trajetória. Exibido no Festival É Tudo Verdade em abril, o filme chega aos cinemas como uma homenagem póstuma, mas também como um registro da história da imprensa brasileira nas últimas sete décadas. Amigo de longa data de Zuenir, o cineasta reuniu familiares e antigos companheiros de redação em sua própria casa para reconstruir episódios da vida do jornalista, entre lembranças profissionais e histórias pessoais.
A conversa reúne Míriam Leitão, Arthur Dapieve, Joaquim Ferreira dos Santos, Ancelmo Gois e Paulinho da Viola, entre outros participantes, com imagens de arquivo e depoimentos do próprio homenageado. Filho de um pintor de paredes, Zuenir começou a trabalhar ainda criança e chegou ao jornalismo pela função de arquivista da “Tribuna da Imprensa”. Sua carreira atravessou a ditadura militar, a redemocratização e as transformações do país, com destaque para a renovação do jornalismo cultural no “Jornal do Brasil”. Também assinou livros fundamentais para compreender a história recente do Brasil, como “1968: O Ano que Não Terminou” e “Cidade Partida”.
Mais do que revisitar reportagens e publicações, o documentário recupera os dilemas de uma época em que grandes decisões editoriais eram discutidas coletivamente nas redações. Entre os episódios estão os questionamentos sobre a divulgação de informações íntimas envolvendo o escritor Pedro Nava e a decisão de Zuenir de proteger uma testemunha ameaçada após o assassinato do líder seringueiro Chico Mendes. São histórias que revelam uma concepção de jornalismo na qual o compromisso com a informação também envolvia responsabilidade pelas consequências da publicação.
A intimidade entre o diretor e o biografado favorece um retrato afetuoso, com pouco espaço para contestação, mas também permite recuperar lembranças que dificilmente apareceriam numa biografia convencional. O principal mérito está em apresentar o trabalho de Zuenir como parte de uma história coletiva, povoada por jornalistas, artistas e personagens que ajudaram a transformar o país. Ao registrar suas decisões profissionais e o ambiente das antigas redações, o filme preserva uma memória que ultrapassa a trajetória individual do homenageado.
🎞️ DANIEL E A FORNALHA ARDENTE
O astro de “Aladdin”, Mena Massoud, interpreta o profeta Daniel num épico bíblico produzido pelos irmãos canadenses Daniel e Matthew Kooman. Financiado parcialmente por uma campanha que arrecadou US$ 1,2 milhão, o filme recupera uma passagem do Antigo Testamento sobre a resistência de jovens judeus à autoridade religiosa do rei Nabucodonosor da Babilônia, vivido por Elijah Alexander (“The Chosen”).
A trama começa com a conquista de Jerusalém, em 605 a.C., quando Daniel e seus companheiros Sadraque, Mesaque e Abede-Nego são levados como prisioneiros para a corte babilônica. Apesar da condição de cativos, os quatro conquistam posições de confiança junto ao rei, despertando a hostilidade de autoridades locais. A situação se agrava quando Nabucodonosor exige que todos se curvem diante de uma imagem sagrada. A recusa dos três amigos de Daniel resulta numa condenação à morte numa fornalha, onde sua sobrevivência desafia o poder do monarca.
A narrativa acompanha a tradição dos épicos religiosos ao transformar um episódio das escrituras num confronto entre fé e autoridade política. O cuidado com os figurinos e a ambientação procura dar escala cinematográfica a uma produção independente, enquanto Massoud oferece um protagonista de convicções inabaláveis. Os personagens, entretanto, possuem pouca margem para contradições: a história estabelece desde cedo quem representa a virtude e quem encarna a opressão. O resultado privilegia o impacto espiritual do milagre e a identificação do público religioso, sem aprofundar as tensões históricas.
🎞️ MEU VERÃO NA SICÍLIA
Premiado no Festival de Locarno de 2025, o primeiro longa-metragem da italiana Margherita Spampinato utiliza as férias de uma criança na Sicília para explorar o confronto entre gerações, crenças e formas de compreender a vida. Aurora Quattrocchi, vencedora do prêmio de interpretação no festival suíço, vive uma idosa religiosa que recebe em casa um sobrinho-neto acostumado à tecnologia e à liberdade da vida urbana. O jovem Marco Fiore interpreta o menino, numa história que contrapõe o universo digital contemporâneo às tradições populares do sul da Itália.
Nico é enviado pelos pais para passar o verão com a tia Gela, que vive sozinha numa antiga residência siciliana. Acostumado ao celular e aos estímulos constantes, o garoto enfrenta dificuldades para aceitar uma rotina marcada por rituais religiosos, superstições e histórias sobre santos e espíritos. A convivência começa com discussões e desentendimentos, mas a descoberta dos hábitos da tia e as amizades com crianças da região transformam gradualmente sua percepção daquele ambiente. Gela também precisa adaptar suas certezas à presença de alguém que cresceu num mundo muito diferente do seu.
O filme encontra sua principal qualidade na relação entre Quattrocchi e Fiore, construída a partir de pequenos conflitos domésticos, silêncios e descobertas. A diretora evita transformar a idosa numa caricatura do conservadorismo religioso ou o menino num símbolo automático da modernidade. Ambos apresentam contradições, e a aproximação acontece quando começam a reconhecer a solidão e as necessidades afetivas um do outro. A fotografia dos ambientes sicilianos e o ritmo contemplativo reforçam o contraste entre a pressa da infância contemporânea e a passagem mais lenta do tempo numa comunidade tradicional.
🎞️ WILLOW E A FLORESTA ENCANTADA
A fantasia infantil alemã encontra inspiração na série de livros de Sabine Bohlmann para contar uma aventura sobre bruxaria, amizade e preservação ambiental. A narrativa dirigida por Mike Marzuk (“Os Cinco Amigos”) acompanha uma menina que descobre poderes mágicos ao herdar uma floresta ameaçada pelo desmatamento. Ava Petsch interpreta a protagonista, que na versão brasileira recebe a voz da influenciadora Emilly Vick.
Willow muda-se com o pai para uma propriedade herdada da tia-avó Alwina e descobre que a floresta ao redor abriga criaturas e segredos sobrenaturais. A herança inclui poderes ligados à natureza e a responsabilidade de impedir a destruição daquele território. Para cumprir a missão, ela precisa encontrar outras três meninas que possuem habilidades mágicas e convencê-las a trabalhar juntas. Acompanhada por uma raposa chamada Rufus, a protagonista atravessa diferentes desafios e descobre que os poderes individuais não são suficientes para enfrentar a ameaça.
A produção aproxima a tradição europeia das histórias de bruxas de uma mensagem ecológica acessível às crianças. A magia não aparece como instrumento de dominação, mas como expressão da relação entre os personagens e o ambiente natural. A aventura utiliza cenários de florestas, criaturas fantásticas e situações cômicas para desenvolver uma história de formação em que amizade e responsabilidade coletiva ocupam o centro dos conflitos.
🎞️ A PRINCESA E O PLEBEU
Apesar do título brasileiro, a animação tcheca não tem relação com o clássico estrelado por Audrey Hepburn e Gregory Peck em 1953. Trata-se de uma nova versão de “A Princesa Orgulhosa”, conto tradicional de Božena Němcová que já havia inspirado um dos filmes mais populares do cinema da antiga Tchecoslováquia, lançado em 1952. Dirigida por Radek Beran e David Lisý, a produção recupera a história de uma jovem princesa manipulada por conselheiros ambiciosos e de um rei que decide conquistar seu coração disfarçado de homem comum.
Encantado pelo retrato de uma princesa de um reino vizinho, um jovem monarca tenta se aproximar dela, mas recebe uma rejeição. Decidido a conhecê-la melhor, abandona temporariamente os privilégios reais e assume a identidade de jardineiro. Sua convivência com a jovem revela que o comportamento arrogante da princesa é incentivado por conselheiros interessados em controlar o reino. A descoberta de uma flor que canta ajuda a aproximar os dois, mas desperta a reação dos conspiradores, obrigando o casal a fugir do castelo e enfrentar diferentes perigos.
A animação utiliza a estrutura tradicional dos contos de fadas europeus, com personagens de características bem definidas, romance, humor e aventuras. A atualização digital recupera uma história associada à memória cultural tcheca, mas mantém uma moralidade que pertence a outra época, especialmente na ideia de que a arrogância feminina precisa ser corrigida pelo homem apaixonado.
🎞️ FLEAK
A animação finlandesa aborda deficiência física e relações familiares por meio de criaturas fantásticas e uma criança que precisa reconstruir a própria vida depois de um acidente. O desenho dirigido pelo dinamarquês Jens Møller e apresentado no Festival de Annecy acompanha Thomas, um menino de 11 anos que tenta desesperadamente conquistar a atenção dos irmãos mais velhos quando sofre uma queda que altera sua vida.
Incapaz de participar das atividades que antes compartilhava com eles, passa a se sentir isolado e incompreendido. É nesse momento que conhece Fleak, uma criatura vinda de um universo fantástico onde consegue voltar a andar. A experiência, porém, tem uma consequência perigosa: sua sombra ganha vida e se transforma num monstro voraz, que atravessa a fronteira entre as dimensões e ameaça consumir tudo ao redor.
A aventura dá forma aos sentimentos que Thomas não consegue expressar depois do acidente. A sombra monstruosa representa a frustração e a raiva que ele acumula contra a família, enquanto Fleak funciona como uma possibilidade de reencontro com a imaginação e a alegria. Os elementos fantásticos permitem abordar conflitos delicados sem transformar a deficiência numa tragédia destinada apenas a provocar comoção.
A animação encontra sua força na relação entre o protagonista e os irmãos, que precisam reaprender a conviver diante das mudanças. A história evita fazer da recuperação física a única possibilidade de felicidade: o problema de Thomas não é simplesmente deixar de andar, mas acreditar que perdeu seu lugar na família. Ao associar a aventura à reconciliação e à aceitação, o filme oferece uma abordagem infantil de temas que raramente ocupam o centro das grandes animações comerciais.
