Kóblic traz Ricardo Darín em clima de western argentino
Sebastian Borensztein, o diretor do muito competente e divertido “Um Conto Chinês” (2011), agora nos leva ao terreno dramático da política, do suspense, da violência, dos westerns. Uma vez mais, nos traz o grande ator do cinema argentino da atualidade, Ricardo Darín. O filme é “Kóblic”, o sobrenome de um capitão das Forças Armadas em plena ditadura argentina, em 1977. Tomas Kóblic (Ricardo Darín) é escalado para pilotar um dos terríveis voos da morte, que arremessavam ao mar os chamados “subversivos” ou inimigos do regime. Lembram-se da Operação Condor, também no Brasil? A tarefa, muito difícil, e que abala a consciência de qualquer ser humano digno, não sai como devia e Kóblic é exortado a se esconder, numa espécie de exílio no próprio país, em uma localidade perdida no mapa, que não interessa a ninguém. Esse lugar esquecido, porém, tem seus próprios esquemas de poder, ainda que longe de tudo e de todos. O que alcançará o piloto militar e fará com que ele não possa ter sossego. Por um lado, um policial que se considera dono do lugar, uma terra sem lei. Por outro, um perigoso envolvimento romântico. E o suspense se instala, em clima de western. Outra forma de violência não tardará a se apresentar. Não há espaço tranquilo para os que buscam esquecer um passado que teima em não se desfazer. O contexto político realista dá lugar à dimensão mítica da violência que grassa perdida por este mundo de Deus. A partir daí, predominam as referências ao próprio cinema e sua história. O filme flui muito bem, envolve, emociona. É um bom produto do gênero cinematográfico escolhido. Só que terra sem lei leva, inevitavelmente, à justiça por conta própria, à vingança. Esse é um elemento essencial e um complicador para a trama. Afinal, o que é mesmo que a violência produz senão mais violência? A dimensão política mais séria se perde, embora o entretenimento triunfe.
Terra Estranha deixa o suspense secar no deserto australiano
Habitada por um calor que não dá trégua, animais peçonhentos bizarros e paisagens desoladoras, a Austrália sempre se mostrou um cenário perfeito para a encenação de histórias que buscam desvendar o instinto humano, as desigualdades de uma sociedade e o quanto a nossa pequenez é capaz de devastar todo um território. Portanto, “Terra Estranha” não é um nome genérico para batizar a estreia de Kim Farrant na direção de um longa-metragem. Temos aqui uma história que se (des)constrói a partir de um desaparecimento, com contornos muito distintos aos de “Um Grito no Escuro” (1988), um aussie drama com Meryl Streep e Sam Neill sempre rememorado quando se fala do que é produzido na terra dos cangurus. Matthew e Catherine Parker (Joseph Fiennes e Nicole Kidman) são os pais de Tommy e Lilly (Nicholas Hamilton e Maddison Brown), ambos às voltas com as descobertas nem sempre agradáveis da adolescência. O histórico dos Parker foi para a lama assim que o relacionamento de Lilly com o seu professor veio à tona, com este quase morrendo pelas mãos de Matthew. Restou a eles a mudança para uma cidade insossa, com fácil acesso a uma série de regiões desérticas e montanhosas. A dinâmica familiar se dissipou e o sentimento, como bem aponta Lilly, é a de que cada um vive encarcerado. Fica evidente que algo está errado com cada membro desta família quando Catherine acorda em um dia como qualquer outro sem que os filhos estejam na cama. Eles não foram à escola e todos os vizinhos afirmam que não os viram durante o período matutino. Matthew viu que ambos pularam a cerca do quintal durante a madrugada, mas nada fez para impedi-los a abandonarem o lar. Vem literalmente a tempestade de areia, um anúncio das tragédias que vão testar o casal. Nem um pouco satisfeito em acompanhar as investigações sobre o desaparecimento pelo detetive David (interpretado por Hugo Weaving), a dupla de roteiristas Fiona Seres e Michael Kinirons insere algumas insinuações sobre o caráter de cada personagem. Se David é capaz de eliminar evidências que podem comprometer Burtie (Meyne Wyatt), o filho de sua namorada (Lisa Flanagan), o que esperar dos Parker? A truculência ou completa passividade de Matthew importunam e alguns comportamentos de Catherine a denunciam como uma versão adulta de Lilly, uma jovem de 15 anos preenchida por uma libido incontrolável. Quase ninguém parece saber exatamente o que está fazendo em “Terra Estranha”, uma vez que Kim Farrant farta a todos com inúmeras sugestões que só tornam penosa uma experiência que quase totaliza duas horas de duração. As belas panorâmicas captadas pelo diretor de fotografia P.J. Dillon não têm qualquer ressonância em uma narrativa que sequer se soluciona entre quatro paredes e há até mesmo flertes com misticismos locais para incrementar a história. Resta o grito desesperador de Nicole Kidman, que ecoa na penumbra da terra estranha, implorando por uma resolução, que infelizmente se desenha do modo mais insatisfatório possível.
Demônio de Neon é um catálogo mórbido de moda interpretado por manequins
Verdade seja dita: nem todos eram familiarizados com o nome de Nicolas Winding Refn antes do sucesso de “Drive” (2011). Responsável por filmes como a trilogia “Pusher” (iniciada e 1996) e “Bronson” (2008), o realizador dinamarquês incorporou em “Drive” a sua estilização em um texto palatável para a audiência americana, ao mesmo tempo em que se mostrava sedutor para a plateia europeia, recebendo até mesmo o prêmio de direção no Festival de Cannes. A pegadinha é que Refn não conseguiu aliar o melhor desses dois mundos em que transitou nos seus passos seguintes. “Só Deus Perdoa” (2013) soou mais como um filme indesejado para o público ainda inebriado pela potência de “Drive”. Já “Demônio de Neon” resulta ainda mais desapontador. Trata-se de uma caricatura de si mesmo, com Refn autografando as suas pretensas iniciais como se fosse um equivalente a Yves Saint Laurent do cinema. Antes de se transformar a partir de sua segunda metade em um “Suspiria” (1977) do mundo da moda, a atmosfera de mistério é relativamente bem sustentada em “Demônio de Neon”. Acompanhamos com interesse a jovem de 16 anos Jesse (Elle Fanning), que se muda sozinha para Los Angeles sem deixar claro o que a atingiu para tomar uma decisão tão extrema. Hospedada em um motel decadente gerenciado por Hank (Keanu Reeves), ela pretende seguir uma carreira de modelo, conseguindo um feedback positivo e imediato de uma prestigiada agência. A beleza de Jesse pode ser comparada com a de uma flor que acabou de desabrochar, daquela impossível de ser reproduzida por suas concorrentes plastificadas, em especial Gigi (Bella Heathcote) e Sarah (Abbey Lee), duas “veteranas” derrubadas com a sua vinda. Essa realidade implacável acaba por contaminar Jesse, que logo mais será vista superando a sua ingenuidade para abraçar uma depravação nem sempre focada pelas lentes dos estúdios fotográficos e passarelas. Todos os personagens de “Demônio de Neon” são caricaturas grosseiras. Até mesmo o namorado de Jesse, Dean (Karl Glusman), o menos vil dos homens a serem apresentados, corresponde aquele padrão de garoto rico com predileções um tanto mórbidas. O propósito crítico de Refn com essa escolha é mais do que evidente, mas impossível de ser levado a sério. A inverosimilhança das interações chega a gritar, especialmente ao mostrar Jesse estreitar laços com a maquiadora Ruby (Jena Malone) no segundo em que se conhecem. Sem nenhum embaraço, Ruby compartilha para Gigi e Sarah as confissões do passado de Jesse enquanto todas estão presentes no banheiro de uma boate. Tudo para as duas se reencontrarem aos sorrisos poucos dias depois como se essa traição nunca tivesse acontecido. Se Refn faz pouco caso com o fator humano de seu filme, o empenho estético, no fim das contas, não vem a ser muito recompensador. O deslumbramento por cores fortes, a amplitude dos espaços e a inserção de simbolismos sem qualquer ressonância (como o uso excessivo de retas que formarão uma espécie de trindade do mal) só explicitam a limitação narrativa de seu cinema. “Demônio de Neon” mais parece um longo catálogo de moda preenchido de manequins do que propriamente um filme.
O Bebê de Bridget Jones mantém a graça do primeiro filme
Desde a sua encarnação em 1995 em uma coluna do jornal The Independent, Bridget Jones é uma personagem amada pelos britânicos, representando um tipo de mulher moderna, mais de acordo com a realidade, dentro de suas aspirações, obsessões e imperfeições. Sabiamente, Helen Fielding soube aproveitar o potencial de Bridget não apenas com a publicação de livros, como também com a autorização para que estes ganhassem vida no cinema, estratégia que transformou a sua criação em ícone da cultura pop. Após o desapontador “Bridget Jones: No Limite da Razão” (2004), que revisto hoje soa como uma versão infantilizada do charmoso original “O Diário de Bridget Jones” (2001), o futuro de Bridget Jones parecia incerto no cinema, especialmente por algumas escolhas radicais de Helen Fielding em seu terceiro livro da personagem, “Louca Pelo Garoto”. Nele, temos uma Bridget cinquentona redescobrindo o seu poder de sedução após a morte de Mark Darcy, algo que foi encarado como uma punhalada no coração dos leitores. Ainda que o nome de Fielding esteja creditado no roteiro e produção executiva, toda a equipe decidiu ser mais precavida em “O Bebê de Bridget Jones”, trazendo Bridget de volta com um roteiro totalmente original. Aqui com 43 anos, ela já não tem mais que brigar com a balança ou por um emprego promissor, mas continua nas crises amorosas que a notabilizaram. O perfil workaholic de Mark Darcy (Colin Firth) a fez botar um ponto final no relacionamento e, para contornar a recusa de Hugh Grant em reprisar o seu papel, Daniel Cleaver tem a sua ausência justificada por um episódio trágico. Uma série de circunstâncias faz Bridget Jones ter relações sexuais com dois homens em uma mesma semana. O primeiro é Jack (Patrick Dempsey), sujeito boa-pinta que mais tarde ela descobre ser um guru do amor milionário. O segundo, claro, é Mark Darcy, numa recaída, durante a festa de batizado do novo filho de sua amiga Jude (Shirley Henderson). O que era para ser casual acaba se tornando uma bomba para Bridget no instante em que ela se descobre grávida e não sabe quais dos dois é o pai. Há seis anos sumida do cinema, Renée Zellweger tem um retorno triunfal ao papel que a transformou em estrela. Sem precisar de piscadelas para atrair o público, Renée é verdadeiramente adorável com a sua naturalidade ao dar vida à Bridget, especialmente ao encarar as características a princípio menos atrativas da personagem, como a incapacidade de se dirigir a um grande público sem se meter em algum constrangimento ou a de cair em furadas maiores do que o fundo do poço emocional em que está presa. Diretora do original, Sharon Maguire compreendeu tudo o que fez de Bridget uma mulher muito além da mera heroína de comédia romântica ao conduzi-la ao cinema, e o seu retorno à personagem em “O Bebê de Bridget Jones” é decisivo para manter essa singularidade. Sem desconsiderar as virtudes do filme de 2001, Maguire dá novos passos ao situar Bridget em novos tempos, nos quais uma mulher se vê capaz de novas possibilidades dentro de dilemas gerados a partir de questões como casamento, maternidade, vida profissional e envelhecimento. A conclusão pode soar excessivamente conciliadora para os mais exigentes, mas nada que impeça o encanto do filme, capaz de deixar os espectadores mais leves com a ternura bem particular que injeta, a partir de suas situações adversas e cômicas.
O Lar das Crianças Peculiares resgata a sombra do diretor que já foi Tim Burton
Adaptado dos livros de Ransom Riggs, “O Lar das Crianças Peculiares” tem o perfil de um filme típico de Tim Burton, cuja filmografia é repleta de alegorias contra a descrença. Infelizmente, Burton já não é o mesmo diretor que fez seus grandes clássicos há duas décadas. “O Lar das Crianças Peculiares” pode divertir, encantar, assustar aqui e ali, além de impressionar pela estética (o mínimo que se espera de Tim Burton) e apresentar uma bela trilha sonora. Está tudo lá. Mas, por um segundo, imagine se o diretor tivesse total liberdade criativa (ou a palavra seria “vontade”?) para ser Tim Burton. Falta, sim, aquela pitada de ousadia que caracterizava suas melhores obras, de “Os Fantasmas se Divertem” (1988) a “Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça” (1999). Fica a impressão de que, há tempos, estúdio nenhum entrega dinheiro de bandeja para Burton fazer o filme que ele quiser e do jeito que bem entender. Das duas, uma: 1) Ele perdeu a essência que chamou a atenção do mundo no final dos anos 1980, até o fim dos 1990, e assumiu que hoje é uma caricatura de si próprio, ou 2) Ainda que trabalhando sob rédea curta, acomodou-se e prefere seguir usando o apelo de seu nome para faturar com salários caros em contratos com grandes estúdios. Não dá para esconder que este é um produto importante para um grande estúdio como a Fox, que deve enxergar nos livros de Riggs “uma mistura de Harry Potter e X-Men”. Ou seja, uma oportunidade para gerar mais uma franquia lucrativa. Para Tim Burton, trata-se de um conto capaz de despertar as inspirações de outrora para conduzir um filme com sua assinatura tão conhecida e apreciada. Afinal, mesmo dentro do “esquema”, a obra de Riggs permitiu que o cineasta voltasse a extrair beleza da escuridão, sem perder o equilíbrio entre o lirismo e o macabro, entre os prós e contras de estar vivo ou morto de acordo com a sua excêntrica visão. As intenções do estúdio e do diretor se cruzam, mas não parecem se encontrar, o que interfere diretamente no resultado final. Talvez seja o melhor filme de Tim Burton nesta década, muito em função do material de origem. Não se engane, porque a grande cabeça do projeto é a de Ransom Riggs, que armou um tabuleiro sobre o poder da imaginação ser hereditário, mesmo que pule uma geração, passando de avô para neto. Isso leva a uma aventura em um passado mágico, onde existe um orfanato de crianças que carregam mais fardos que poderes. Tudo obra de Riggs, enquanto Burton se contentou apenas em reproduzir na tela algumas das cenas mais bonitas do livro, como a menina cheia de ar nos pulmões isolando a água de um dos cômodos de um navio fantasma ou qualquer frame que traga Eva Green no papel da Srta. Peregrine, que cuida da garotada. A beleza dessas cenas é, claro, mérito do diretor, mas ele tem talento de sobra para ir além da plasticidade evidente. A história era um prato cheio para Tim Burton brilhar, afinal Ransom Riggs distribuiu temas variados em seus livros, como viagens no tempo, a ameaça de uma espécie de bicho papão, o excesso de cuidado com crianças quando o mundo real está lá fora, homenagens ao cinema – como o menino que projeta seus sonhos na tela –, e a situação do orfanato que remete aos judeus fugindo e se escondendo dos nazistas na 2ª Guerra Mundial. Mas tudo acaba se perdendo. Não há a menor dúvida que os dois primeiros atos são muito mais Tim Burton que o último. Embora traga elementos que costumamos identificar em seu cinema, o clímax parece ter sido acelerado pelo estúdio, como se fosse obrigatória a necessidade de aumentar a ação para agradar uma plateia mais jovem. A ação pode acontecer, mas ela precisa ser devidamente preparada. Porém, neste filme, somos arremessados, durante seu ato derradeiro, a uma correria desenfreada, passando por explicações apressadas e, por isso mesmo, confusas sobre fendas no tempo e as motivações dos vilões. O pior é que esse atropelamento narrativo é corriqueiro quando se trata de adaptações literárias infanto-juvenis. Até isso é lugar-comum. E flertar com o convencional é muito pouco quando se trata de Tim Burton. Ao final, é triste constatar que qualquer David Yates poderia ter feito este filme.
Sete Homens e um Destino explora a mitologia do western como aventura leve
Nada se cria, tudo se copia. Essa máxima parece cair como uma luva em se tratando de “Sete Homens e um Destino”, seja a nova versão dirigida por Antoine Fuqua, ou até mesmo a original, com comando de John Sturges em 1960. Já naquela época se sabia que a produção era uma versão da história de “Os Sete Samurais”, de Akira Kurosawa. Se a versão de Sturges já não tinha como intuito oferecer um painel da vida no Oeste americano em fins do século 19, mas enfatizar os aspectos heroicos e selvagens e explorar a mitologia e os estereótipos do gênero, o que dizer de uma versão feita no século 21, que já viu a morte e o renascimento do western repetidas vezes, passando inclusive pelo surgimento do western spaghetti na década de 1960? Os dias de hoje, mais que o velho Oeste, refletem-se no novo remake, como mostrar um homem negro como líder do bando (Denzel Washington), além de retratar um dos pistoleiros com síndrome de pânico (Ethan Hawke) e uma mulher disposta a entrar nas trincheiras (Haley Bennett). Também não deixa de ser sintomático que Chris Pratt tenha um dos papéis mais importantes do filme, após estrelar dois blockbusters consecutivos – e se a gente pensar bem, “Guardiões da Galáxia” era meio como um western no espaço sideral, não? Não dá, por sinal, para reclamar da escolha do elenco. Sem falar que a parceria entre Denzel Washington e Antoine Fuqua tem sido bem frutífera, em filmes como “Dia de Treinamento” (2001), que também contava com Hawke, e “O Protetor” (2014). O lado negativo da produção também é reflexo da modernidade, na mão pesada de Fuqua para retratar a violência e na edição apressada das cenas de tiroteio envolvendo muitos personagens. Em alguns momentos, não temos a mínima ideia do que está acontecendo. Mas, no balanço, sobressaem-se os aspectos positivos do trabalho, como a introdução do grande vilão, Bogue, interpretado por Peter Sarsgaard, que exala maldade na cena da invasão à igreja. É um belo prólogo, assim como a apresentação do grande herói Chilson (Washington) e sua primeira conversa com a viúva de uma das vítimas de Bogue. No mais, é aquilo que todo mundo já sabe: a busca por Chilson por seis parceiros para enfrentar o bando de Bogue, que se instalou e toca o terror em uma pequena cidade. A intenção de tornar o grupo bastante eclético já se mostrava na versão de Sturges e aqui ainda é mais radical, reflexo de dias mais politicamente corretos. Além de Washington, Pratt e Hawke, há Vincent D’Onofrio, como um homem meio maluco, Byung-hun Lee, como o asiático especialista em facas, Manuel Garcia-Rulfo, como o representante mexicano, e Martin Sensmeier, como o índio. Em vários momentos, o filme é bem-sucedido em brincar com a xenofobia de alguns membros do grupo em relação ao outro, e nisso vai ficando mais leve e descompromissado. Por outro lado, o humor também diminui o impacto do drama que conduz ao enfrentamento com o grande vilão, produzindo uma aventura leve de tom meramente escapista, com direito a homenagens e referências – inclusive utilizando a música Elmer Berstein citada pelos dois compositores originais do filme.
Irmãos Coen vão escrever história de crime real da Dark Web
Os irmãos Joel e Ethan Coen vão escrever o suspense “Dark Web” para o estúdio 20th Century Fox, informou o site The Hollywood Reporter. A trama é baseada numa história real, trazida à tona por um artigo escrito por Joshuah Bearman na revista Wired, em 2013, que investigou a dark web, a parte sinistra da internet que não aparece nos mecanismos de busca. “Dark Web” gira em torno de Ross William Ulbricht, um jovem de 29 anos que criou um esquema ilegal de venda de drogas pela internet chamado “The Silk Road” e que, com o sucesso da empreitada, acabou se tornando um perigoso chefão do crime. Com uma história cheia de reviravoltas, a trama teve um primeiro tratamento assinado pelo escritor Dennis Lehane (“Ilha do Medo”) e chega aos Coen após ser rotulada como “coenesca” por suas similaridades com “Fargo” (1996). Recentemente, os Coen também escreveram o roteiro de “Suburbicon”, o próximo filme dirigido por George Clooney, que estreia em 2017. Além disso, o filme “Going Places”, escrito, dirigido e estrelado por John Turturro, será baseado em personagens que eles criaram em “O Grande Lebowski” (1998).
Scream é renovada para sua 3ª temporada
Além da divulgação do material do especial de Halloween, a MTV também anunciou a renovação da série “Scream” para sua 3ª temporada. A atração se revelou a melhor produção do canal, surpreendendo com reviravoltas tensas e mortes bastante violentas. Apesar disso, sua audiência é bastante baixa, com uma média de 377 mil telespectadores por episódio, tendo perdido praticamente metade do público que sintonizou a 1ª temporada – 750 mil por episódio. Originalmente produzida pelo falecido Wes Craven, o diretor da franquia “Pânico” (Scream) no cinema, a série terá uma mudança de showrunners para a próxima temporada. Apesar de não ter ainda definido os novos responsáveis pela produção, a MTV anunciou a saída dos atuais produtores, Michael Gans e Richard Register (ambos de “Make It of Break It”), que, por sua vez, já tinham substituído Jill Blotevogel (criadora da série) e Jaime Paglia (criador de “Eureka”). Os dois deixaram a atração na 1ª temporada alegando diferenças criativas. Por conta disso, não foram divulgados mais detalhes, como data de estreia, novidades do elenco ou rumo da trama. No final da 2ª temporada, Kieran (Amadeus Serafini) recebeu uma ligação assustadora na prisão, de alguém que, supostamente, é o verdadeiro assassino Brandon James. Mas esta história ficará, aparentemente, suspensa enquanto Emma (Willa Fitzgerald) e companhia seguem para uma espécie de ilha mal-assombrada no especial de Halloween da atração.
Scream: Veja o trailer e as fotos do especial de Halloween da série
A MTV divulgou a sinopse, o trailer e três fotos do especial de Halloween da série “Scream”, baseada na franquia de terror “Pânico”. O especial vai continuar a trama da 2ª temporada e introduzir mais uma reviravolta. Conquistando ainda mais popularidade após sobreviverem pela segunda vez a um serial killer e lançaram um gibi à respeito, os jovens protagonistas resolvem relaxar num fim de semana pago por sua editora numa ilha que parece paradisíaca, mas é, claro, território de uma nova lenda urbana, a respeito de uma psicopata. Não demora e os assassinatos recomeçam. Embora a premissa evoque “Eu Ainda Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado” (1998), há alguns detalhes peculiares no desenvolvimento da trama, combinando histórias de dois serial killers, como detalha a sinopse oficial: “Emma está sofrendo para focar em seu futuro e em quem realmente é após tudo o que aconteceu. Enquanto isso, Noah e Stavo combinam forças para criar uma graphic novel campeã de vendas baseada nos assassinatos de Kieran Wilcox, ao mesmo tempo em que Audrey se envolve em um novo relacionamento. Com o primeiro aniversário da loucura assassina de Piper chegando, Emma e seus amigos estão determinados a ficar o mais longe de Lakewood possível, e Stavo propõe a solução perfeita. Ele e Noah estão realizando pesquisas para a graphic novel e encontram uma lenda no estilo Lizzy Borden na Ilha Shallow Grove, portanto sugerem que o resto do grupo os acompanhe até lá no fim de semana. Eles acreditam estar a salvo, mas os sobreviventes de Lakewood logo se deparam com outra batalha sangrenta, o que faz com que eles questionem: uma velha lenda voltou à vida ou o assassino os perseguiu, vindo de Lakewood? Teremos mais ‘Scream’ por aí?” Com duas horas de duração, como um filme completo de terror, o especial de Halloween será exibido no dia 18 de outubro nos Estados Unidos. No Brasil, a série é disponibilizada pela Netflix.
Murder in the First é cancelada no final da 3ª temporada
O canal pago americano TNT anunciou o cancelamento da série policial “Murder in the First” após três temporadas. Estrelada por Taye Diggs (série “Private Practice”) e Kathleen Robertson (série “Bates Motel”), a série apresentava a cada temporada uma nova investigação criminal na cidade de San Francisco. A 3ª temporada terminou no dia 4 de setembro nos Estados Unidos, com uma audiência de 1,6 milhão de telespectadores na primeira exibição (Live + Same Day), a mais baixa do canal. Criada por Steven Bochco (série “Nova York Contra o Crime”) e o estreante Eric Lodal, a série também era uma das últimas atrações policiais do canal, que já foi conhecido por suas séries procedurais. Nos últimos anos, porém, o antigo lar de “The Closer” vem dando adeus às investigações criminais para investir mais em séries de gênero e dramas sombrios. Além de “Murder in the First”, a bem-sucedida “Rizzoli & Isles” também chegou ao fim em setembro.
Stranger Things: Intérprete do novo Power Ranger vermelho entra no elenco jovem da série
O elenco de “Stranger Things” vai ganhar reforço na 2ª temporada. Segundo os produtores, a série ganhará três novos personagens e dois já tiveram seus intérpretes contratados. Os atores Sadie Sink e Dacre Montgomery entraram na atração nos papéis dos irmãos Max e Billy, respectivamente. Apesar de ter apenas 14 anos, Sadie já integrou o elenco fixo da série “American Odyssey”, além de ter feito participações em “Unbreakable Kimmy Schmidt” e “The Americans”. Já Dacre Montgomery será visto como o novo Ranger Vermelho no reboot cinematográfico dos “Power Rangers”. Ele viverá Billy, um jovem “musculoso e extremamente confiante”, que dirige um Camaro e arrasa o coração das meninas, enquanto a atriz texana dará vida à sua irmã-problema Max, “uma garota durona e confiante entre 12 e 14 anos, cuja aparência, comportamento e foco parecem mais típicos de garotos do que garotas dessa época”. Como se isso não fosse suficiente, ela não é adepta das bicicletas, que parece ser o principal meio de transporte da cidade, e prefere andar de skate por todos os lados. Vale destacar ainda que o episódio de estreia da 2ª temporada foi batizado de “Mad Max”. A referência do título, que parecia sugerir o filme homônimo, pode ser ao nome da garota. A 2ª temporada ainda não tem previsão de estreia, mas deve ir ao ar apenas em 2017 na Netflix.
Supernatural: Comercial do próximo episódio destaca estreia de Rick Springfield como Lucifer
A rede americana CW divulgou o comercial do segundo episódio de 12ª temporada de “Supernatural”, que destaca a estreia do roqueiro Rick Springfield. Ele terá participação recorrente como Vince Vincente, justamente um astro do rock, que é possuído por Lúcifer. Como o comercial demonstra, a nova temporada também lidará com a ameaça de Lady Antonia Bevell (Elizabeth Blackmore), que representa uma facção rival – e britânica – dos Homens das Letras, além de incluir uma novidade na família Winchester: a volta à vida de Mary (Samantha Smith), a mãe de Sam (Jared Padalecki) e Dean (Jensen Ackles). Intitulado “Mamma Mia”, o próximo episódio será exibido no dia 20 de outubro nos EUA. No Brasil, a série faz parte da programação do canal pago Warner.
Taís Araújo protesta contra estampa de escravos na moda: “Escravidão não pode virar pop”
A atriz Taís Araújo embarcou numa polêmica no mundo da moda na sexta-feira (14/10), usando seu Instagram para protestar contra uma peça da nova coleção da grife Maria Filó, estampada com desenhos de mulheres negras, retratadas como escravas. Taís, que já foi vítima de ataques racistas na internet, lamentou a opção estética da companhia. “Uma marca de roupas resolveu usar uma estampa de negros escravizados inspirada na obra de Debret e sua visão sobre a sociedade brasileira nos idos de 1800. Há quem defenda que Debret na verdade fazia uma denúncia, mas é também provável que Debret nunca tenha tido esse objetivo, flertando com o estranhamento dos horrores causados pela escravidão nesse nosso mundo novo. Acho que, em 2016, os quadros de Debret devem ser mantidos em museus, retratados em livros, e não estampados como se fora uma homenagem”, escreveu a atriz. Ela ainda acrescentou que a escravidão não pode ser usada como cultura pop, mas denunciada como uma vergonha para a história da humanidade. “A escravidão não pode virar “pop”, não pode ser vendida como uma peça de moda. A moda nos representa, nos posiciona, nos empodera, comunica quem somos. Não se pode fazer dela uma vitrine de uma história da qual devemos nos envergonhar. Já contaram nossa história de maneira distorcida. Esse (nosso) povo, na verdade, construiu esse país e merece respeito na nossa época!” O lançamento da coleção da Maria Filó reverberou por toda a internet brasileira, causando revolta e indignação. O caso ganhou repercussão depois que a consumidora Tâmara Isaac desabafou sobre a situação em seu perfil no Facebook, impressionada com o racismo da peça. Taís também disse que teve a atenção chamada pelo post de Tâmara, que teve mais de 1,5 mil compartilhamentos. A empresa esclareceu que buscou se inspirar em uma obra de Debret na estampa. “A marca pede desculpas e informa que já está tomando providências para que a estampa seja retirada das lojas”, afirmou em nota à impresa. Veja abaixo o post completo de Taís: Uma marca de roupas resolveu usar uma estampa de negros escravizados inspirada na obra de Debret e sua visão sobre a sociedade brasileira nos idos de 1800. Há quem defenda que Debret na verdade fazia uma denúncia, mas é também provável que Debret nunca tenha tido esse objetivo, flertando com o estranhamento dos horrores causados pela escravidão nesse nosso mundo novo. Acho que, em 2016, os quadros de Debret devem ser mantidos em museus, retratados em livros, e não estampados como se fora uma homenagem. A escravidão não pode virar “pop”, não pode ser vendida como uma peça de moda. A moda nos representa, nos posiciona, nos empodera, comunica quem somos. Não se pode fazer dela uma vitrine de uma história da qual devemos nos envergonhar. Já contaram nossa história de maneira distorcida. Esse (nosso) povo, na verdade, construiu esse país e merece respeito na nossa época! Precisamos reconhecer o nosso valor. São atitudes como essa da Tâmara Isaac, que trouxe luz ao assunto das estampas, que me deixam a cada dia mais certa de que estamos no caminho. De nos encorajar com amor, nos abraçar e defender nossas ideias, nossos direitos e nossa história. Uma foto publicada por Tais Araújo (@taisdeverdade) em Out 14, 2016 às 12:11 PDT
