Doutor Estranho: Benedict Cumberbatch vira super-herói em novo pôster
A Disney divulgou um novo pôster nacional de “Doutor Estranho”, que destaca Benedict Cumberbatch (“O Jogo da Imitação”) com o uniforme clássico do super-herói místico da Marvel, enquanto o efeito visual de “A Origem” (2010) transforma o cenário ao fundo num caleidoscópio. Na trama, Cumberbatch vive um médico arrogante chamado Stephen Strange, que, após sofrer um acidente e perder sua habilidade como cirurgião, busca a cura no Himalaia, onde é acolhido por uma mestra das artes místicas e embarca numa jornada para se tornar o maior mago do universo Marvel. O elenco da produção também inclui Chiwetel Ejiofor (“12 Anos de Escravidão”), Rachel McAdams (“Uma Questão de Tempo”), Tilda Swinton (“Expresso do Amanhã”), Mads Mikkelsen (série “Hannibal”) e Michael Stuhlbarg (série “Boardwalk Empire”). Com roteiro de C. Robert Cargill (“A Entidade”) e Thomas Dean Donnelly (do remake de “Conan, o Bárbaro”) e direção de Scott Derrickson (“Livrai-Nos do Mal”), “Doutor Estranho” tem sua estreia marcada para o dia 3 de novembro no Brasil, uma semana antes do lançamento nos EUA.
Documentário sobre a recente turnê latina dos Rolling Stones ganha trailer
Os Rolling Stones divulgaram, em seu canal no YouTube, o trailer de um novo documentário. O que há de diferente desta vez é que o filme retrata a recente turnê da banda britânica pela América Latina. A prévia abre com uma panorâmica da baía da Guanabara, mas seu principal destaque é o primeiro show dos Stones em Havana. Graças ao processo de abertura política de Cuba, o vídeo registra como gerações de fãs puderam mostrar sua apreciação pelos Stones, um gesto que já foi considerado atitude política e proibido pela ditadura de Fidel Castro. Isto mesmo: gostar de rock já foi considerado crime em Cuba. Vale lembrar que, nesta mesma época, a juventude esquerdista brasileira também fazia passeatas de protesto contra a guitarra elétrica. Nada que o tempo e a história não vinguem, ao expor ao ridículo. Intitulado “Olé Olé Olé: A Trip Across Latin America”, o documentário combina shows, bastidores, entrevistas, depoimentos de fãs e reflexão histórica. A première mundial vai acontecer no próximo domingo (18/9), durante o Festival de Toronto, mas ainda não há previsão para seu lançamento comercial.
Frank Jorge canta e estrela clipe da trilha de Nós Duas Descendo a Escada
A produtora gaúcha Rainer Cine divulgou o clipe da música “Me Ajude a Lembrar”, de Frank Jorge, que faz parte da trilha sonora do filme “Nós Duas Descendo a Escada”. O vídeo traz o cantor como um balconista encarregado de levar a escada que as duas do título vão descer, para cima e para baixo pelas ruas de Porto Alegre, com direito à passagens por videolocadora e sala de cinema em que o filme está em cartaz. Rodado em preto e branco, o clipe tem direção e produção de Fabiano de Souza e Milton do Prado, sócios da Rainer. Fabiano, claro, é também o diretor do longa-metragem, que foi editado por Milton. “Nós Duas Descendo a Escada” estreou neste fim de semana em “circuito nacional”: em quatro salas apenas – duas em Porto Alegre e duas em São Paulo.
Veneza: Filme filipino vence festival marcado por destaques hollywoodianos
O drama filipino “The Woman Who Left”, do cinemaratonista Lav Diaz, foi o vencedor do Leão de Ouro da 73ª edição do Festival de Veneza, marcado por forte presença hollywoodiana e candidatos potenciais ao Oscar 2017. Como sempre na carreira de Lav Diaz, seu novo filme é para poucos, apenas para os mais resistentes, dispostos a encarar o desafio de suas 3h46 de projeção. Isto não impede Diaz de ser um dos mais cineastas asiáticos mais premiados da atualidade, embora também seja o menos visto de todos, devido à dificuldade de encaixar seus literalmente longa-metragens na programação convencional dos cinemas. “The Woman Who Left” rendeu o primeiro Leão de Ouro da carreira do diretor, mas já é seu terceiro filme premiado em Veneza. Anteriormente, ele tinha se destacado na mostra paralela Horizontes, com um Prêmio do Juri pela maratona “Death in the Land of Encantos” (2007), de apenas 9 horas de duração, e o troféu de Melhor Filme por “Melancholia” (2008), filme menorzinho, com 7h30 de metragem. Baseado num conto do escritor russo Leon Tolstoi, “The Woman Who Left” se passa em 1997, quando Hong Kong foi devolvida à China pelos britânicos, e conta a história de Horacia (Charo Santos-Concio), mulher que busca vingar os 30 anos que passou injustamente na prisão. Mas ao se ver livre, Horacia se surpreende ao encontrar uma sociedade com divisões profundas entre pobres e ricos. Em contraste ao único filme asiático premiado, o festival distribuiu a maior quantidade de troféus para o cinema de Hollywood, reconhecendo a boa qualidade da safra. O Grande Prêmio do Júri (espécie de 2º lugar) foi para “Nocturnal Animals”, de Tom Ford, o Prêmio Especial do Júri (3º lugar) para “The Bad Batch”, de Ana Lily Amirpour, e a Copa Volpi de Melhor Atriz para Emma Stone, por “La La Land”. Esperava-se que o filme de Tom Ford e o musical de Damien Chazelle, bastante elogiados, disputassem o prêmio principal. Para completar, outro filme americano, “Jackie”, dirigido pelo chileno Pablo Larraín, rendeu o troféu de Melhor Roteiro para Noah Oppenheim. O cinema latino ficou com a Copa Volpi de Melhor Ator, conquistada pelo argentino Oscar Martinez (por “El Ciudadano Ilustre”), e um dos prêmios de Melhor Direção, que foi dividido entre dois cineastas, o mexicano Amat Escalante (por “La Región Salvaje”) e o russo Andrei Konchalovsky (por “Paradise”). Além de Konchalovsky, houve apenas outro prêmio para desempenho europeu, o de Revelação para a atriz alemã Paula Beer, estrela de “Frantz”, do diretor francês François Ozon. O júri do festival de Veneza foi presidido pelo diretor britânico Sam Mendes, responsável pelos dois últimos filmes da franquia “007”. Confira abaixo a lista completa dos premiados. Vencedores do Festival de Veneza 2016 Melhor Filme “The Woman Who Left”, de Lav Diaz Grande Prêmio do Júri “Nocturnal Animals”, de Tom Ford Prêmio Especial do Júri “The Bad Batch”, de Ana Lily Amirpour Melhor Direção Amat Escalante, por “La Región Salvaje”, e Andrei Konchalovsky, por “Paradise” Melhor Ator Oscar Martinez, por “El Ciudadano Ilustre” Melhor Atriz Emma Stone, por “La La Land” Melhor Roteiro Noah Oppenheim, por “Jackie” Prêmio Marcello Mastroianni de Ator/Atriz Revelação Paula Beer, por “Frantz”, de François Ozon.
Entrevista: Diretor e roteirista contam como aconteceu O Roubo da Taça
Recém-chegada do Festival de Gramado, onde “O Roubo da Taça” venceu quatro troféus Kikito (Melhor Ator para Paulo Tiefenthaler, Roteiro, Direção de Arte e Fotografia), a equipe do filme falou com a imprensa nesta semana em São Paulo. E, em clima de bate-papo descontraído, com Mr. Catra (que faz uma participação especial no longa) arrancando risadas dos jornalistas, os co-roteiristas Caíto Ortiz, que também é diretor do filme, e Lusa Silvestre explicaram como surgiu a ideia de filmar o roubo do orgulho de uma nação. Baseado no caso real do roubo da taça Jules Rimet, conquistada pela seleção de futebol tricampeã do mundo em 1970, que aconteceu em 1983 no Rio de Janeiro, a divertida comédia entrou em cartaz neste fim de semana nos cinemas do país. Confira abaixo um resumo com os principais depoimentos da entrevista coletiva. Sobre a concepção do roteiro Lusa Silvestre: um dia, o Caíto foi à minha casa para ver “Estômago” antes mesmo de o filme estar pronto. A partir desse encontro, começamos a falar sobre o roubo da taça Jules Rimet e o Caíto veio com uma matéria online. Existiam duas fontes de pesquisa sobre o caso: o da época, que era muito sobre o caso policial, e o de 20 anos depois, sendo matérias um pouco mais sóbrias, avaliando tudo o que aconteceu. O filme se baseia em ambas, contendo o que foi descoberto no calor daquele momento e o nosso ponto de vista de hoje. Caíto Ortiz: todas as pessoas envolvidas no crime estão mortas, houve meio que uma maldição pairando sobre o caso. Foi um processo interessante, pois ficamos durante todos esses anos escrevendo. A gente tentava por uma saída. Não dava certo e voltávamos para o início. Durante tudo isso, percebemos que era essencial a presença de uma figura feminina importante, um pilar. Lusa Silvestre: quando começamos a fazer o roteiro, estávamos muito apegados à realidade. A sequência de fatos é muito maluca. Para você ter uma ideia, todos os envolvidos foram presos, a polícia pegou o dinheiro deles e os soltaram! Somente anos depois eles realmente foram capturados e mantidos na prisão por outros policiais. Consideramos que tudo isso era demais para o roteiro. Foi assim que pensamos na Dolores, que foi a personagem que nos ajudou a levar a história para frente. Sobre o convite para interpretar Dolores Taís Araújo: entrei no projeto há três anos. Começamos a fazer as leituras. Achei o roteiro sensacional e eu faço tão pouco cinema… Ficávamos no processo de marcar para iniciar as filmagens, mas o roteiro ainda estava mudando, recebendo novos tratamentos para aprimorar. Quando recebi um novo roteiro, disse: “Hum, a personagem piorou!”. Foi também uma época que queria muito ter um filho, mas aguardava para fazer o filme. Mas aí vieram novos tratamentos e eu engravidei. Nisso, o roteiro mudou por mais uma última vez. Liguei para o Caíto Ortiz e disse que estava grávida, mas que queria muito fazer esse filme. Disse para ele esperar pelo amor de Deus. Eles me esperaram e começamos a gravar quando a minha filha estava entre três e quatro meses. Toda a caracterização da minha personagem foi inspirada na Adele Fátima. Sobre fazer comédia e o estado do gênero Caíto Ortiz: penso que essa coisa de gênero é uma discussão menor. “Ah, comédia é isso. Drama é aquilo.” Isso é uma bobagem. O que acho uma pena, e que também é algo que vejo os brasileiros fazendo nos últimos anos, é deixar de pensar um pouco mais a cinematografia ao fazer uma comédia. Dá para ser muito mais inteligente, melhor. Não é por ser uma comédia que deve ser mal feita. É um gênero muito difícil de fazer. É preciso ter timing. Lusa Silvestre: a comédia é um gênero muito nobre. Aristóteles escreveu livros sobre o teatro grego de sua época. Em um, ele tratou sobre a tragédia e, em outro, sobre a comédia. Se você ver o símbolo do teatro, é a carinha feliz e a carinha triste. A comédia é tão nobre quanto o sci-fi, o drama, o horror. Quando uma pessoa critica um filme por ser uma comédia, penso que ela precisa rever os seus conceitos, pois elas estão criticando Aristóteles.
Nós Duas Descendo a Escada registra paixão lésbica com olhar de cinéfilo
O diretor Fabiano de Souza, que estreou com o interessante “A Última Estrada da Praia” (2010), estabeleceu uma dinâmica inusitada para as filmagens de seu segundo longa, “Nós Duas Descendo a Escada”. Durante quase um ano, as atrizes Miriã Possani (também de “A Última Estrada da Praia”) e Carina Dias (“13 Histórias Estranhas”) tiveram dois encontros mensais para rodarem as suas participações, estratégia para buscar uma autenticidade nos efeitos desgastantes de um relacionamento a princípio sem compromisso. De um lado, temos Adri (Miriã Possani), jovem de 24 anos recém-formada que trabalha em uma livraria enquanto ambiciona por uma carreira artística. Do outro, há Mona (Carina Dias), arquiteta bem-sucedida prestes a completar 30 anos que, ao contrário de Adri, lida com muita libertinagem quanto a sua sexualidade. A insegurança de uma e a confiança da outra são os principais elementos opostos que se atraem, mas logo as distinções entre essas duas mulheres dificultarão a relação, fazendo com que a narrativa (também da autoria de Fabiano de Souza) tente encontrar alguns pontos de fuga do padrão de algo que se oferece como uma comédia romântica. Mas o resultado pretendido é diferente do que se efetiva na tela. O lado cinéfilo do diretor e roteirista fica em evidência em inúmeras passagens de “Nós Duas Descendo a Escada”. Para ilustrar a passagem do tempo, recortes de jornais ganham a tela, geralmente destacando notícias sobre os lançamentos da época (as filmagens aconteceram entre 2011 e 2012) ou acontecimentos impactantes, como o falecimento de Carlos Reichenbach. Essa devoção pelo cinema também se manifesta nas interações entre personagens. Divertida, há uma cena em que Adri e Mona se comunicam em uma locadora a partir de títulos de alguns DVDs. No entanto, na maior parte do tempo, as referências geram diálogos deslocados, insípidos. Por exemplo: ao chegar a uma festa de Mona, Adri se apresenta para uma convidada que afirma ela é mágica por estar de vermelho. “A fraternidade é vermelha”, Adri responde. E assim como em “Azul É a Cor mais Quente”, o direcionamento das coisas leva a acreditar que um rompimento entre Adri e Mona seja muito mais crível do que a continuidade de seu namoro. Existe um esforço em tornar a troca de afetos o mais íntima possível. Ainda assim, são duas pessoas sem sintonia, que na realidade não passariam do sexo casual. Tanto que o único instante em que um choque de realidade despenca em “Nós Duas Descendo a Escada” é aquele em que Adri e Mona atacam uma a outra com um sem número de verdades, até que concluem que definitivamente pertencem a universos diferentes. O drama de “Nós Duas Descendo a Escada” é que não há nada pior do que um romance que oferece mais contras do que prós para (des)acreditar na união de um casal.
Últimos Dias no Deserto humaniza Jesus Cristo
Filho do escritor colombiano Gabriel García Márquez, Rodrigo García seguiu uma trajetória bem diferente de seu saudoso pai. Desde que estreou em 2000 como diretor do delicado “Coisas que Você Pode Dizer Só de Olhar para Ela“, García tem alternado uma carreira no cinema e na TV com narrativas que privilegiam as mulheres e a psicologia de pessoas com vidas nada extraordinárias. Embora “Últimos Dias no Deserto” tenha um verniz bíblico, pode-se dizer que é a primeira vez que Rodrigo García faz um filme com proximidade à obra literária de seu pai. A “expedição” enfrentada pelo Yeshua (pronúncia hebraica de Jesus) vivido por Ewan McGregor (“Álbum de Família”) carrega todo aquele peso existencial de obras como “Memórias de Minhas Putas Tristes” e “Relato de Um Náufrago”, por exemplo. Também assinado por Rodrigo García, o roteiro de “Últimos Dias no Deserto” imagina com muitas liberdades uma peregrinação de 40 dias de Yeshua pelo deserto. Por si só e em jejum, Yeshua aplaca o vazio de sua jornada com orações, encontrando ao final Jerusalém como o seu destino. Indo contra o caminho de filmes bíblicos de proporções épicas que seguem em produção, “Últimos Dias no Deserto” traz um Jesus Cristo intimista em uma “aventura” sem qualquer adorno para engrandecer as suas ações. A escolha favorece a intenção de humanizar uma figura divina, que se vê enclausurada em dilemas com as aparições inconvenientes do Diabo (também interpretado por Ewan McGregor) e ao cruzar com uma família. Composta por um Pai (Ciarán Hinds, de “A Mulher de Preto”), uma Mãe (Ayelet Zurer, que esteve na nova versão de “Ben-Hur” como a mãe do personagem-título) que adoece e um Filho (Tye Sheridan, de “X-Men: Apocalipse”), tal família constrói aos poucos uma casa enquanto dormem em uma tenda. Habilidoso carpinteiro, Yeshua oferece a sua mão de obra e, no processo, percebe um atrito entre o Pai e o Filho – este segundo, um jovem de 16 anos, é claramente oprimido para viver no deserto. Para potencializar ao máximo as relações do protagonista com os componentes dessa família e da figura demoníaca com as mesmas feições de Yeshua, “Últimos Dias no Deserto” é quase isento de elementos cenográficos. Com exceção de trapos, gravetos e o esqueleto do que pretende ser uma habitação, não há nada além da aridez do deserto diante dos nossos olhos. A fotografia de Emmanuel Lubezki sequer se permite a transformar as paisagens em espetáculos visuais, algo esperado do mexicano que venceu consecutivamente três estatuetas do Oscar por “Gravidade” (2013), “Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)” (2014) e “O Regresso” (2015). Os planos abertos são geralmente usados em circunstâncias em que a desolação é o sentimento que toma os pensamentos de Yeshua. O olhar muito particular de Rodrigo García, ainda que não se furte de emoção genuína (como a descida do Pai em uma montanha para resgatar uma pedra preciosa), também é frio ao apresentar certo distanciamento diante da própria história que narra, quase se aproximando de “O Canto dos Pássaros”, filme de 2008 dirigido por Albert Serra sobre a viagem d’Os Três Reis Magos para adorar o menino Jesus. Apesar da dessacralização encenada, Rodrigo García sai-se melhor em seus relatos dramáticos de indivíduos facilmente identificáveis em nosso cotidiano.
Jeff Nichols vai dirigir remake da sci-fi Missão Alien
O cineasta Jeff Nichols foi escolhido pela 20th Century Fox para comandar o remake da sci-fi “Missão Alien” (1988). Segundo o site Deadline, ele também vai escrever o roteiro, buscando uma abordagem menos convencional da trama original. Não está claro se ele vai trabalhar em cima do roteiro de Art Marcum e Matt Holloway (ambos de “Homem de Ferro”), encomendado pela Fox no ano passado, ou se escreverá a história do zero. O filme original foi escrito por um especialista no gênero, Rockne S. O’Bannon, criador das séries sci-fi “Farscape” e “Defiance”, e se passava no futuro, após uma raça de refugiados alienígenas chegar à Terra e passar a co-existir com os humanos, sofrendo preconceito. A história antecipou alguns dos temas de “Distrito 9” (2009). Contudo, sua ênfase foi numa dinâmica típica de filme policial, juntando um “tira” racista veterano (James Caan, da série “Las Vegas”) com um novato (Mandy Patinkin, da série “Homeland”). O detalhe é que o novato era um alienígena. A ideia agradou e o filme deu origem a uma série de TV (com outro elenco) e cinco telefilmes nos anos 1990. Com a refilmagem, que deve contar como e porque os alienígenas chegaram à Terra, a Fox pretende relançar a franquia, como fez com o recente reboot de “Planeta dos Macacos”. Jeff Nichols fez sua primeira sci-fi neste ano: “Destino Especial”, lançado no Brasil no mês passado, direto em DVD. Ele também está sendo cotado para o Oscar 2017 por conta do drama racial “Loving”, que ainda não tem previsão de estreia nacional. Curiosamente, os dois filmes juntos oferecem uma justaposição dos temas de “Missão Alien”.
Meryl Streep vai estrelar nova série de J.J. Abrams
A atriz Meryl Streep (“A Dama de Ferro”) vai estrelar a nova produção televisiva do cineasta J.J. Abrams (“Star Wars: O Despertar da Força”), criador de “Lost”, “Alias” e “Fringe”. Trata-se de “The Nix”, adaptação do romance homônimo de Nathan Hill. A trama é narrada pelo ponto de vista de Samuel Andresen-Anderson, um homem cuja mãe, Faye (papel de Streep), reaparece décadas após abandonar a família, cercada por controvérsia por ter cometido, supostamente, um crime absurdo. O filho não pensará duas vezes ao buscar pistas sobre o misterioso passado da mãe, que consigam esclarecer seu nome. Segundo o site da revista The Hollywood Reporter, Abrams e Hill serão os produtores-executivos da série, que ainda não tem canal definido. Os produtores partem da estratégia de definir um elenco de peso para só depois levar o projeto para o mercado, caminho que tem se mostrado bem-sucedido para emplacar séries sem passar pelo estágio de aprovação de piloto. Embora o nome de Meryl Streep chame atenção, num momento em que vários astros famosos – até Robert De Niro! – vem considerando trabalhos televisivos, não será a primeira vez que a atriz participará de uma série. Ela já fez várias aparições em programas variados, desde o começo da carreira, e teve uma participação mais extensa na recente série “Web Therapy” (2012), além de ter estrelado a minissérie “Angels in América” (2003).
Daniel Day-Lewis irá retomar parceria com o diretor de Sangue Negro
O ator Daniel Day-Lewis, que não filma desde que venceu o Oscar por “Lincoln” (2012), vai retomar sua parceria com o cineasta Paul Thomas Anderson, responsável pelo filme que lhe rendeu seu Oscar anterior, “Sangue Negro” (2007). Além de dirigir, Anderson também assina o roteiro, que terá como pano de fundo a indústria da moda na Londres da década de 1950 Segundo o site Deadline, o longa, ainda sem título, deverá começar a ser rodado no início do ano que vem, após render uma disputa acirrada entre diferentes produtoras. Os direitos de produção foram adquiridos pela Focus Features, que entrará com um orçamento de US$ 35 milhões para as filmagens. A previsão de lançamento é para o final de 2017, visando qualificação para o Oscar 2018. Daniel Day-Lewis já tem, ao todo, três Oscars de Melhor Ator (o primeiro foi por “Meu Pé Esquerdo”, de 1989). Paul Thomas Anderson, por sua vez, foi indicado quatro vezes ao troféu da Academia, mas nunca venceu.
Reese Witherspoon fará filme infantil da diretora de Selma
As atrizes Reese Witherspoon (“Belas e Perseguidas”) e Mindy Kaling (série “The Mindy Project”) estão em negociações avançadas para estrelar “A Wrinkle in Time”, filme infantil que será dirigido por Ava DuVernay (“Selma”) para a Disney. A produção é uma adaptação do livro clássico infantil “Uma Dobra no Tempo”, de Madeleine L´Engle, publicado em 1963. A trama segue quatro irmãos, de 13 a 5 anos de idade, em aventuras através de diferentes planetas em busca do pai cientista, que desapareceu enquanto fazia experiências secretas. Nessa jornada, eles encontram três mulheres poderosas com nomes iniciados por Q (W, em inglês) que ajudam as crianças em sua missão. Oprah Winfrey já foi confirmada como a Sra. Qual (Mrs. Which), e Reese Witherspoon e Mindy Kaling negociam viver a Sra. Queé (Mrs. Whatsit) e a Sra. Quem (Mrs. Who). O roteiro da adaptação está a cargo de Jennifer Lee, roteirista do fenômeno animado “Frozen – Uma Aventura Congelante” (2013), e ainda não há data definida para a produção estrear nos cinemas.
Johnny Depp vai viver detetive que investigou os assassinatos de Notorious B.I.G. e Tupac Shakur
Retomando a carreira após seu divórcio escandaloso, o ator Johnny Depp vai estrelar “LAbyrinth”, o próximo filme de Brad Furman (“Aposta Máxima”), que promete muita polêmica. Segundo o site da revista Variety, Depp viverá Russell Poole, o detetive da polícia de Los Angeles que investigou o assassinato dos rappers Notorious B.I.G. e Tupac Shakur nos anos 1990. Aos poucos, ele acaba descobrindo que policiais corruptos estavam envolvidos em ambos os crimes, entrando em choque com a polícia da cidade. A trama tem como base o livro de Randall Sullivan intitulado “Labyrinth: A Detective Investigates the Murders of Tupac Shakur and Notorious B.I.G., the Implication of Death Row Records’ Suge Knight, and the Origins of the Los Angeles Police Scandal”. O título de fôlego é autoexplicativo, mostrando também que a trama envolverá o empresário Suge Knight, dono da Death Row Records, gravadora criada em sociedade com Dr. Dre, que produzia os discos de Tupac. Parte desta história já foi mostrada em dois filmes, “Notorious B.I.G.: Nenhum Sonho é Grande Demais” (2009) e “Straight Outta Compton: A História do NWA” (2015). Além destes, o assassinato de Tupac também será mostrado em sua cinebiografia, “All Eyez on Me”, atualmente em produção. O roteiro foi escrito pelo ator Christian Conteras, que estreia na função em longa-metragens. Ele trabalhou como ator no filme mais recente de Furman, “Conexão Escobar”, que chega aos cinemas brasileiros na quinta (15/9)
Daniel Radcliffe e Zachary Quinto vão estrelar filme sobre guerra de hackers e cartel mexicano
Os atores Daniel Radcliffe (“Truque de Mestre: O 2º Ato”) e Zachary Quinto (“Star Trek: Sem Fronteiras”) vão estrelar o filme “We Do Not Forget”, sobre um confronto entre os hackers da organização Anonymous e o cartel mexicano Los Zetas de narcotraficantes. Segundo o site Deadline, a trama é baseada em fatos reais. Em 2011, após o sequestro de um de seus membros pelo cartel, o Anonymous ameaçou revelar inúmeras informações sigilosas, o que fez com que os traficantes também ameaçassem a vida dos hackers. A situação não foi muito longe, já que o hacker sequestrado foi libertado e o Anonymous cancelou sua operação. Consta que os criminosos mexicanos nunca souberam quem tinham raptado. O roteiro de “We Do Not Forget” foi escrito por Zach Helm (“Mais Estranho que a Ficção”), que ainda assinará a direção. Ele só dirigiu um longa de ficção na carreira, o fracassado “A Loja Mágica de Brinquedos” (2007), e também é um dos escritores da vindoura continuação de “Jumanji” (1995) A produção está a cargo do cineasta Antoine Fuqua (do remake de “Sete Homens e um Destino”) para a First Look Media, cujo primeiro longa-metragem, “Spotlight”, foi o filme vencedor do Oscar 2016.
