Intérprete de Lux Luther em Smallville terá papel “bem decente” em Guardiões da Galáxia Vol. 2
O ator Michael Rosenbaum, que viveu Lex Luthor na série “Smallville”, está no elenco de “Guardiões da Galáxia Vol. 2”, revelou o diretor James Gunn em entrevista ao podcast The Adam Carolla Show. A informação veio à tona enquanto Gunn comentava a participação de Sylvester Stallone no longa. “Temos alguns personagens muito importantes do universo Marvel que farão sua estréia em ‘Guardiões da Galáxia Vol. 2’ sem o público saber. Stallone é um deles. Meu amigo Michael Rosenbaum também tem um papel bem decente no filme e funciona junto com o de Sly.” Mas, apesar desse teaser apetitoso, ele não adiantou qual é o papel, somando mais um mistério à produção, da qual não se sabe nem sequer a história ainda. “Guardiões da Galáxia Vol. 2” estreia em 27 de abril no Brasil, uma semana antes do lançamento nos EUA.
Henry Cavill vai se juntar a Tom Cruise na próxima Missão Impossível
O ator Henry Cavill entrou no elenco da próxima “Missão Impossível”. O anúncio foi feito por meio de uma conversa encenada no Instagram do diretor do filme, Christopher McQuarrie, e continuada na rede social de Cavill. “Diga, @henrycavill. Tive uma ideia. Curioso se você estaria interessado em um papel no sexto filme de ‘Missão Impossível’. Sem pressão”, escreveu o diretor na legenda. E o ator respondeu: “Adoro um bom desafio. Como ficar agarrado num avião em movimento… ou segurar num penhasco apenas com os dedos… ou escalar um arranha-céu. Acho que terei que colocar meu treinamento em dia para me juntar na diversão da próxima ‘Missão Impossível’. Obrigado pelo convite, @ChristopherMcQuarrie”. O atual intérprete de Superman nos cinemas vai se juntar a Tom Cruise, que retorna ao papel de Ethan Hunt, e Vanessa Kirby, intérprete da Princesa Margaret na premiada série “The Crown”. A produção também deve trazer de volta Rebecca Ferguson, Simon Pegg, Ving Rhames e Jeremy Renner, mas eles ainda não foram oficialmente confirmados. A estreia está marcada para 27 de julho de 2018. Say, @henrycavill. Had a thought. Curious if you're interested in a role in the 6th installment of Mission: Impossible. No pressure. Uma publicação compartilhada por Christopher McQuarrie (@christophermcquarrie) em Mar 16, 2017 às 7:16 PDT I like a good challenge. Like hanging from a moving plane…or balancing from a cliff by my fingertips…or scaling a skyscraper. I guess I’ll just have to get my practice in and join the fun for the next Mission Impossible. Thanks for the invite, @ChristopherMcQuarrie. #MissionImpossible #MI6 Uma publicação compartilhada por Henry Cavill (@henrycavill) em Mar 17, 2017 às 8:32 PDT
Netflix imita os críticos Ebert e Siskel ao substituir classificação de estrelas por polegares
A Netflix anunciou na noite da última quinta-feira (16/3) que vai abandonar o sistema de avaliação com cinco estrelas usado atualmente no serviço de streaming em favor de opções de polegares: virado pra cima (“gostei”) e virado pra baixo (“não gostei”). Segundo a Netflix, o sistema foi testado com diversos usuários em 2016 e o crescimento de avaliações que usaram a classificação de polegares foi 200% maior que as tradicionais estrelas. De acordo com o vice-presidente de produção da plataforma, Todd Yellin, a mudança se fez necessária porque os usuários da Netflix classificam com 5 estrelas documentários e filmes premiados, e com 3 estrelas filmes “bobos” ou comédias populares. Ainda assim, estes últimos acabavam sendo muito mais assistidos que os primeiros. Para um usuário regular que se baseia nas estrelas, portanto, a medida foi deixando de fazer sentido. Assim, ao clicar no “gostei”, o algorítimo do serviço vai te recomendar filmes e séries baseados em recomendações de grupos de usuários com gostos parecidos. Vale lembrar que esse “sistema” de classificação de filmes não é uma novidade da era digital. Muito antes do Facebook, os já falecidos críticos de cinema Roger Ebert e Gene Siskel instituíram o uso do polegar para determinar se um filme era bom ou ruim há 30 anos, no programa de TV “Siskel & Ebert & the Movies”. As famílias dos dois críticos, inclusive, detém os direitos autorais da classificação de “dois polegares pra cima”, dada aos filmes classificados como ótimos.
Amanda Seyfried e Thomas Sadoski se casaram em segredo
Os atores Amanda Seyfried (“Ted 2”) e Thomas Sadoski (“John Wick: Um Novo Dia Para Matar”) se casaram em segredo no domingo (12/3) passado, na véspera de virarem papais. “Fugimos. Saímos do país com um funcionário do registo civil e fomos só os dois. Foi algo só nosso”, contou Sadoski durante a sua participação no programa “The Late Late Show” de James Corden, acrescentando que a “cerimónia foi perfeita” e que “foi um grande dia”. Na mesma ocasião, o ator aproveitou para se declarar à mulher, que se encontra na reta final da gravidez: “Ela é a pessoa que eu mais amo, admiro e respeito neste mundo”. A atriz de 31 anos e o ator de 40 se conheceram em 2015, quando trabalharam juntos num espetáculo na Broadway. No ano passado, voltaram a encontrar-se no set do filme “A Última Palavra”, apaixonaram-se e, em novembro, anunciaram que esperavam o primeiro filho. Este é o primeiro casamento de Seyfried e o segundo de Sadoski, que se divorciou há dois anos da diretora de casting Kimberly Hope.
Marion Cotillard dá à luz uma menina
Nasceu a filha do casal de atores franceses Marion Cotillard e Guillaume Canet. A menina se junta à família que já tem um menino, Marcel Canet, de cinco anos e meio. A notícia da gravidez veio à tona em setembro, em meio ao “furacão de notícias” sobre o envolvimento da atriz com Brad Pitt durante as filmagens de “Aliados”. Para enfrentar as mentiras disseminadas por tabloides e webloides, ela contou com o apoio inabalável do marido, e soltou o seguinte desabafo: “Essa será a minha primeira e única reação ao furacão de notícias que pipocaram nas últimas 24 horas, nas quais fui arrastada. Eu não costumo comentar coisas assim nem levá-las a sério, mas essa situação está se desdobrando e afetando pessoas que amo, então tenho que falar. Primeiramente, há muitos anos eu conheci o homem da minha vida, pai do nosso filho e do bebê que eu estou esperando. Ele é o meu amor, meu melhor amigo, o único que eu preciso”, escreveu. Cotillard e Canet vivem juntos há uma década e acabam de estrelar um novo filme em parceria, “Rock’n roll”, lançado em fevereiro na França.
Sci-fi brasileira 3% é a série de maior sucesso internacional da Netflix em idioma “estrangeiro”
A Netflix anunciou que “3%”, sua primeira série brasileira, é também a série em língua estrangeira mais assistida nos EUA de seu serviço. O comunicado oficial da empresa afirmou ainda que mais da metade da audiência da série vem de mercados internacionais. Erik Barmack, vice-presidente de Originais Internacionais da Netflix, justificou o sucesso em entrevista ao jornal O Estado de São Paulo, afirmando a série possui uma trama capaz de gerar empatia de diferentes públicos ao redor do mundo. “A série foi amplamente vista fora do Brasil em diversos países, o que nos mostra que há sempre um público para uma grande narrativa, seja com conteúdo produzido nos Estados Unidos, Brasil, Singapura, Austrália, Índia ou no Oriente Médio. O sucesso da série em todo o mundo nos levou a confirmar a 2ª temporada assim que ela foi lançada. Os produtores, diretores e elenco brasileiros de ‘3%’ construíram uma série atraente que questiona a dinâmica da sociedade ao colocar os personagens em um processo de sobrevivência cruel para chegar ao ‘outro lado’.” O resultado foi fruto de um levantamento levando em consideração todas as séries faladas em outro idioma que não o inglês exibidas pelo serviço de streaming. Disponibilizada pela Netlix em mais de 190 países, a série também foi elogiada por publicações internacionais como a revista The Hollywood Reporter e o site IndieWire, apesar da crítica brasileira ter sido reticente. Apesar desse sucesso, a série conta com um dos menores orçamentos entre as atrações da Neflix. Para se ter noção, um único episódio de “The Crown” custa praticamente duas temporadas de “3%”. Criada por Pedro Aguilera (“Os Homens São de Marte… E é pra Lá que Eu Vou!”), “3%” teve seus sete episódios iniciais disponibilizados em 25 de novembro, com direção do uruguaio Cesar Charlone (“Artigas, La Redota”), indicado ao Oscar pela fotografia de “Cidade de Deus” (2002). O anúncio da renovação veio logo em seguida, em 4 de dezembro. Mas até agora não há previsão para a estreia da sua 2ª temporada.
Ryan Murphy desenvolve série sobre o glamour de Nova York nos anos 1980
Criador de “Glee”, “American Horror Story”, “American Crime Story”, “Scream Queens” e da recém-lançada “Feud”, Ryan Murphy já está trabalhando em outro projeto para a televisão. Sua nova produção vai se chamar “Pose” e tratará da mistura de diversos segmentos da vida social de Nova York durante a metade dos anos 1980. A série irá abordar, entre outros assuntos, o renascimento glamouroso da cidade — com o surgimento dos grandes empresários como Donald Trump, hoje presidente dos EUA — , a cena social e o meio cultural de Manhattan em 1986. “Pose” está sendo escrita em conjunto com Brad Falchuk, parceiro de Ryan em “American Horror Story”, e Stephen Canals. E ao contrário das outras séries recentes de Murphy, “Pose” não será uma série com formato de antologia, e sim uma trama de temporadas contínuas. Como sempre, a atração tem produção da 20th Century Fox Television e visa a programação do canal pago FX, que exibe séries de Murphy desde “Nip/Tuck” (2003–2010).
Agatha Moreira estrela clipe da banda carioca de rap Oriente
O grupo carioca de rap Oriente lançou o clipe de “Linda, Louca e Mimada”, música que já tem quase três anos, antecipada no álbum “Oriente Acústico”. O ritmo da música ficou um pouco mais lento e algumas partes foram alteradas nessa versão “2k17”, como os membros da banda gostam de dizer. Mas o destaque do vídeo é a atriz Agatha Moreira como a musa da canção. No clipe, dirigido por Clarissa Lopes e Leonardo Fiorito, Agatha contracena com Chino, cantor e compositor do Oriente – linda e ligeiramente louca durante um show da banda de Niterói. Revelada na novelinha “Malhação” (2012-2013), a atriz foi promovida ao mundo adulto em “Verdades Secretas” (2015) e se tornou um dos destaques do remake de “Haja Coração” (2016). A seguir, ela viverá sua primeira protagonista, simplesmente a Marquesa dos Santos na novela “Novo Mundo”, que estreia na quarta (22/3), na faixa das 18h da Globo.
A Bela e a Fera representa o auge do “fan service” e da exploração da nostalgia em Hollywood
Sua reação ao assistir à adaptação live action de “A Bela e a Fera” vai depender do quanto você é fã do original. Quem ama o desenho de 1991, sabe cantar as músicas e chora em diversos momentos, incluindo a famosa cena da dança, vai sair do cinema achando que o filme foi feito sob encomenda. Mas quem nunca viu ou não gosta do clássico deve passar longe. É preciso entender – com seus prós e contras – que “A Bela e a Fera” representa o auge da fan service e da exploração da nostalgia em Hollywood. Sabendo disso, a Disney compreensivelmente optou por realizar quase uma filmagem literal do desenho com atores. Afinal, trata-se da única animação indicada ao Oscar de Melhor Filme quando essa categoria tinha somente cinco vagas. E ela mora nos corações de qualquer um que tem algo batendo no peito. Então, quem for ao cinema já vai para gostar do filme. Sem dúvida, é um prazer ver “A Bela e a Fera” de novo. Verdade que o filme traz algumas cenas inéditas, mas elas não acrescentam muito à magia. Por outro lado, também não atrapalham. É preciso considerar que a animação tinha cerca de 1h20 de duração e não dá para entregar um filme tão curto hoje em dia. Imagine também que a Disney poderia inventar mais alguma cena de dança entre a Bela e a Fera ou preencher tudo com músicas que soariam gratuitas, porém agradariam aos fanáticos. Mas não, isso não acontece. De resto, “A Bela e a Fera” reproduz quase que frame by frame toda obra original, como Zack Snyder fez com “300” (2006) e “Watchmen” (2009), os melhores filmes de um diretor fraco. Do mesmo modo, o diretor Bill Condon, que enganou todo mundo quando filmou o ótimo “Deuses e Monstros” (1998) e seguiu carreira rumo à mediocridade com dois filmes da saga “Crepúsculo”, tenta fazer apenas uma imitação. Sob total controle da Disney, Condon arrisca muito pouco, como na tímida insinuação gay de um personagem coadjuvante, e não se encarrega de atualizar detalhes que mereciam atenção maior. Pode-se argumentar que a trama é de filme de época, com seus valores antiquados e cheirando a mofo, porém alguns conceitos, que já incomodavam em 1991, envelheceram muito no século 21. Como uma Bela que se esforça para ser relevante, mas permanece 100% submetida ao universo masculino – a seu pai (Kevin Kline), ao vilão Gaston (Luke Evans) e à Fera (Dan Stevens). Por mais que Emma Watson tenha reiterado que trouxe uma visão feminista ao papel, a própria Disney foi mais empoderadora com “Valente”, “Frozen”, “Zootopia” e “Moana”. Também é estranho ver todos os atores, com exceção do casal principal, atuando como se estivessem em um desenho animado – e isso pode ser colocado na conta da direção, afinal são atores competentes. Sem falar nos efeitos visuais um tanto artificiais, como numa animação mesmo, porque o trabalho do elenco por trás de personagens digitais se restringe à dublagem. Se deu certo na animação, não quer dizer que o resultado será o mesmo em um filme de verdade. É um contraste gritante com o milagre que foi “Mogli”, adaptação da própria Disney para uma de suas animações, onde animais falantes e cantores eram realistas e perfeitamente plausíveis dentro da narrativa. A diferença é que Jon Favreau, diretor de “Mogli” (e da futura adaptação live action de “O Rei Leão”) conhece o caminho das pedras e está anos-luz à frente de Bill Condon. Favreau jamais deixa o CGI dominar seu filme – ironicamente, quase todo criado em computador – e o usa como ferramenta para se concentrar no principal, a história. Já na versão animada com atores de “A Bela e a Fera” salva-se, pelo menos, a própria Fera graças ao trabalho de Dan Stevens por trás dos pixels. Nem perto de ser um Andy Serkis, responsável pelo Gollum de “O Senhor dos Anéis” e o Cesar, de “Planeta dos Macacos”, ao menos aproxima-se de Sam Worthington e Zoe Saldana, que convenceram em “Avatar”. Como não dava para brigar em pé de igualdade com o encanto gerado pela versão clássica, esse “A Bela e a Fera” precisava, no mínimo, impressionar em outros quesitos. Emma Watson, por exemplo, não tem aquele brilho nos olhos que o papel exige nem fará qualquer espectador se apaixonar pela personagem. E é quase impossível não pensar em Hermione de vez em quando, o que pode gerar mais desconexões da plateia. Mas o fã de carteirinha nem vai ligar, porque vai chorar, cantar e assistir do início ao fim com um sorriso largo no rosto, como se estivesse reencontrando um velho conhecido muito querido. Alegria garantida, mas fortuita, já que o conhecido não tem nada de novo para contar desde o último encontro.
Os Cowboys revisita o western Rastros de Ódio na era do terrorismo islâmico
Uma das grandes surpresas do Festival Varilux de Cinema Francês deste ano foi o pouco badalado “Os Cowboys”, estreia do roteirista Thomas Bidegain (“O Profeta”, “Dheepan”) na direção e exibido na Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes. O ideal é ver o filme sem saber nada do enredo, que é uma mistura bem dosada de “Rastros de Ódio” (1956), o clássico de John Ford, com “Homeland”, a série sobre ataques terroristas exibida no Brasil no canal pago Fox Action. O filme apresenta uma comunidade francesa que tem um carinho especial pela cultura americana e logo no início traz uma festa com várias bandeiras dos Estados Unidos, em que as pessoas cantam e dançam música country e se vestem como se estivessem no Velho Oeste selvagem. Há quem se vista de xerife, há quem se vista de índio. Mas não demora a surgir o que será o seu principal eixo dramático: o desaparecimento da filha mais velha de um casal, uma adolescente que teria fugido com um rapaz de origens árabes. A família está esfacelada, mas o pai (François Damiens, de “A Família Bélier”) tenta a todo o custo trazer a filha de volta, enfrentando vários obstáculos pelo caminho, pois o rapaz que a teria levado estaria envolvido com grupos extremistas. E trafegar pelos lugares onde ele possa ter ido é sempre um perigo, tanto para o pai quanto para o filho (Finnegan Oldfield, de Um Fim de Semana na Normandia”) que o acompanha por todo o caminho. O passar do tempo na narrativa é muito interessante, com o filme oferecendo sinais de maneira muito sutil, a partir de eventos que requerem um pouco mais de observação por parte do espectador, mas nada que seja muito difícil de acompanhar. É apenas uma maneira menos didática de contar uma história, respeitando a inteligência de quem vê o filme. A jornada de pai em busca da filha, que pode ter virado outra pessoa depois de conviver com os extremistas por anos, lembra bastante a trajetória do personagem de John Wayne no western de John Ford. Saem os índios, entram inimigos ainda mais perigosos, já que se sacrificam e se tornam invisíveis. Um acontecimento inesperado faz com que o filme se divida em duas partes, como um disco que contém um lado A e um lado B. A boa notícia é que, com a saída de cena de um ótimo personagem, a narrativa continua forte, já que muda um pouco mais de aspecto, passando a se confundir com um thriller moderno de espionagem, mas sem perder o foco dramático. Ao contrário, a busca pela garota se torna ainda mais desesperadora, levando em consideração um sentimento maior de desesperança. O elenco também inclui o americano John C. Reilly (“Kong – A Ilha da Caveira”) que dá um conselho precioso para o irmão da jovem desaparecida. E a situação de reencontro perto do final é de uma sensibilidade tão bonita quanto dolorosa. É sempre muito bom encontrar uma obra tão cheia de força, mesmo que essa força venha da dor da perda.
O Filho de Joseph busca a figura paterna num ambiente formal e erudito
A questão que move a narrativa de “O Filho de Joseph” é a da paternidade. Ausência e rejeição pesam muito e o mínimo de equilíbrio e o bom humor parecem estar condicionados ao encontro de figura paterna substituta. O personagem central é Vincent, um adolescente de 15 anos, vivendo bem com a mãe, mas insatisfeito por desconhecer o pai. Até que o descobre e a decepção só cresce. Desejos de vingança tomam corpo. No entanto, uma afetividade inesperada pode pôr as coisas no lugar. Dito assim, dá para imaginar um filme de fortes emoções. Mas não é o que acontece. Os diálogos soam cerebrais, artificiais. Os tempos de reação são demorados, estranhos. Evita-se o naturalismo e a expressão de grandes emoções. Elas estão lá, mas represadas ou enquadradas por um certo formalismo. Além de um tanto formal, o filme é todo erudito, se refere às diversas manifestações artísticas, como a pintura, a música, o cinema e a literatura. Histórias bíblicas inspiram a trama. Quem quiser buscar citações vai encontrá-las em todo lugar, o tempo todo. O diretor Eugène Green vai na mesma linha que adotou em “La Sapienza”, seu filme de 2014. O roteiro parte de uma temática bastante usual e conhecida, mas tem um refinamento artístico que lhe dá um ar sofisticado. Seu maior mérito, porém, está na evolução das situações e na solução que surpreende, pelo menos da forma como foi conduzida. Os desempenhos do elenco, que incluem os atores Fabrizio Rongione (“Dois Dias, uma Noite”), Mathieu Amalric (“O Grande Hotel Budapeste”) e Maria de Medeiros (“Frango com Ameixas”), soam estranhos, pelos já citados racionalismo e formalismo que o filme adota. Superado esse inconveniente, dá para curtir bem a proposta.
Insubstituível é um obra de quem sabe o que está filmando
O Dr. Jean-Pierre Werner (François Cluzet) é um médico dedicado, que trabalha numa comunidade rural da França há 30 anos. O que ele faz é o que no Brasil denominamos de saúde da família. Ou seja, ele vai às casas dos pacientes, enfrenta caminhos difíceis, mau tempo, atende todo tipo de emergências e é muito querido na localidade. O seu trabalho é muito eficaz, de modo que será muito difícil substituí-lo quando uma doença o incapacitar para uma atividade como essa, tão exigente e desgastante. Quando a situação se coloca, o conflito se estabelece. Ninguém é insubstituível, mas Nathalie (Marianne Denicourt), a médica recém-formada que chegou, também vai mostrar seu talento, mas de outra forma. Terá muito a aprender com ele, mas também terá o que ensinar a ele. Dessa relação e do trabalho que farão juntos, com todas as dificuldades previsíveis, resultarão novas sínteses na vida deles e na da comunidade que atendem. O filme é muito realista ao abordar o trabalho médico, suas exigências, sua dedicação, a importância que tem e o quanto gratifica o profissional que o exerce com seriedade. Compreensível. O cineasta Thomas Lilti já tinha dirigido três curtas-metragens, antes de se formar em medicina, e antes deste fez também o longa “Hipócrates” (2014) sobre o começo da profissão de médico. Dedica-se ao trabalho como diretor e roteirista, mas segue praticando a medicina. Ele sabe do que está falando. O cinema tem a ganhar com isso. O filme exibe essa competência. Mas tem, também, dois ótimos protagonistas, François Cluzet (do sucesso “Intocáveis”) e Marianne Denicourt (também de “Hipócrates” e do clássico “Paris no Verão”), que valorizam muito seus papéis.
Sony marca estreia do filme de Venom para 2018
A Sony Pictures vai em frente com seu plano de desenvolver spin-offs do “Homem-Aranha”. O estúdio marcou a estreia de “Venom”, dedicado a um dos vilões mais populares das publicações do herói da Marvel. O lançamento vai chegar aos cinemas em 5 de outubro de 2018. De acordo com o site The Hollywood Reporter, o longa ainda não tem diretor definido, mas conta com roteiro de Scott Rosenberg (criador da série “Zoo”) e Jeff Pinkner (“O Espetacular Homem-Aranha 2”). Vale lembrar que Venom já apareceu no cinema: no fraco “Homem-Aranha 3”, filme que foi responsável pela decisão da Sony de realizar um reboot da franquia. O Aranha, por sinal, está em seu segundo reboot. O primeiro filme solo em que Tom Holland viverá o herói, “Homem-Aranha: De Volta ao Lar”, chega aos cinemas em 6 de julho.
