Robert Downey Jr. é confirmado no novo filme do Homem-Aranha
Como a Marvel não faz planos para lançar “Homem de Ferro 4”, o ator Robert Downey Jr. parece ter tirado a vaga de Samuel L. Jackson nas adaptações dos quadrinhos, aparecendo na maioria das produções do estúdio. Segundo a revista Variety, após “Capitão América: Guerra Civil”, ele vai ressurgir no novo filme do Homem-Aranha, “Spider-Man: Homecoming”, ainda sem título em português. A adição de outros super-heróis já era esperada, representando a integração do Aranha ao universo dos filmes produzidos pela Marvel. Afinal, “Homecoming” é o primeiro “Homem-Aranha” com produção da Marvel, em parceria com a Sony, detentora dos direitos cinematográficos do personagem. E nada melhor que o primeiro herói dos filmes da Marvel, o Homem de Ferro, para ambientar o aracnídeo com sua nova casa. Outros integrantes dos Vingadores também devem marcar presença na produção, que ainda conseguiu fechar com Michael Keaton (“Birdman”) para o papel de vilão. Com direção de Jon Watts (“A Viatura”) e roteiro de John Francis Daley e Jonathan Goldstein (do fraco reboot de “Férias Frustradas”), o novo “Homem-Aranha” tem estreia prevista para 7 de julho de 2017 e, por enquanto, apenas 20 dias depois no Brasil.
Ghost in the Shell: Após sofrer patrulha ideológica, Scarlett Johansson ganha defensores
A divulgação da primeira foto de Scarlett Johansson na sci-fi “Ghost in the Shell” virou tempestade em copo d’água, nesses tempos de patrulha ideológica politicamente correta nos EUA. Tudo porque ela não é japonesa como a personagem original do mangá em que o filme se baseia. Aliás, já não era japonesa antes da foto ser feita, mas a tentativa dos produtores de deixarem-na com o visual dos quadrinhos aumentou o ressentimento. O óbvio: o filme “Ghost in the Shell” é uma produção americana baseada no famoso mangá e anime. E quem protesta contra uma estrela americana numa adaptação de produto japonês parece ignorar que remakes de filmes americanos no exterior, como, por exemplo, as versões chinesas de clássicos de Martin Scorsese e dos irmãos Coen, não são estreladas por americanos. Mas nem sempre o óbvio é claro o suficiente para quem se alista na patrulha estelar. Diante da fumaça, Sam Yoshiba, diretor executivo da editora Kodansha, que publicou o mangá, deu uma entrevista ao site The Hollywood Reporter em que comemorou a escalação de Johansson. “Olhando para a carreira dela até agora, Scarlett Johnsson é uma escolha de elenco muito boa. Ela tem uma coisa meio cyberpunk, sabe. E, desde o começo, nós nunca imaginamos que seria uma atriz japonesa”, manifestou-se. Yoshiba também exaltou o fato de que o longa permitirá ao mundo conhecer algo culturalmente relevante que foi criado no Japão. E se isso não for suficiente para ajustar a perspectiva de quem acha que Hollywood deve ser um microcosmo do planeta e representar o mundo inteiro, o roteirista Max Landis (“Victor Frankenstein”) postou um vídeo no YouTube em que explica, de forma didática, como funciona a cultura americana, eximindo, inclusive, a indústria cinematográfica da escolha. Dizendo que os patrulheiros estão “bravos com a pessoa errada”, ele conclui que, sem Scarlett, o filme jamais seria feito. Vale a pena, para quem domina inglês, ouvir seus argumentos sensatos (veja abaixo). Considerada uma das maiores realizações dos quadrinhos japoneses, “Ghost in the Shell” (alma na concha, em tradução literal) foi criado em 1989 pelo mestre Masamune Shirow (criador também de “Appleseed”) e teve grande impacto na cultura pop, especialmente no ramo da sci-fi conhecido como cyberpunk. A história original se passava em 2029 e acompanhava a major Mokoto Kusanagi, comandante ciborgue de uma unidade de combate ao terrorismo cibernético, que luta contra uma conspiração de hackers, cujo objetivo é levar anarquia às ruas de uma megacidade japonesa. Seu sucesso deu origem a uma franquia animada, composta por três longas, quatro OVAs (filmes lançados diretamente em vídeo) e duas séries de televisão. A direção da adaptação americana está a cargo de Rupert Sanders (“Branca de Neve e o Caçador”) e a produção terá supervisão de Steven Spielberg (“Lincoln”), dono do estúdio DreamWorks, que é fã assumido do material original. A estreia está marcada para 13 de abril de 2017 no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Capitão América: Guerra Civil ganha novo comercial japonês e 12 pôsteres chineses
A Marvel divulgou um novo comercial japonês e uma coleção de pôsteres chineses de “Capitão América: Guerra Civil”, dividindo os super-heróis em dois times. Os cartazes destacam, individualmente, o time do Capitão América (Chris Evans), Falcão (Anthony Mackie), Soldado Invernal (Sebastian Stan), Feiticeira Escarlate (Elizabeth Olsen) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner), além do time de Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Viúva Negra (Scarlett Johansson), Visão (Paul Bettany), Máquina de Combate (Don Cheadle) e Pantera Negra (Chadwick Boseman, de “James Brown”). Ficaram faltando apenas o Homem-Formiga (Paul Rudd) e o novo Homem-Aranha (Tom Holland, de “No Coração do Mar”). O filme vai explorar a divisão dos Vingadores em dois times opostos, após o Capitão América defender o Soldado Invernal, que é perseguido pelo governo em consequência dos crimes que praticou sob lavagem cerebral. Além dos heróis citados, ainda há uma lista notável de coadjuvantes de luxo, como Sharon Carter (Emily VanCamp), General Ross (William Hurt, retomando seu papel de “O Incrível Hulk”), Pepper Potts (Gwyneth Paltrow, retornando à Marvel após “Homem de Ferro 3”) e o agente do governo Everett Ross (Martin Freeman, de “O Hobbit”), sem esquecer dos vilões Barão Zemo (Daniel Brühl, de “Rush – No Limite da Emoção”) e Ossos Cruzados (Frank Grillo, visto em “Soldado Invernal”). Novamente dirigido pelos irmãos Anthony e Joe Russo (“Capitão América: O Soldado Invernal”), o longa estreia em 28 de abril no Brasil, uma semana antes do lançamento nos EUA. https://www.youtube.com/watch?v=Ts2VSZgkuis
Guy Hamilton (1922 – 2016)
Morreu o diretor inglês Guy Hamilton, responsável por alguns dos filmes mais famosos de James Bond e grandes clássicos do cinema britânico. Ele faleceu na quarta (20/4), aos 93 anos, num hospital em Palma de Maiorca, na Espanha, onde residia há quatro décadas. Apesar do passaporte britânico, Hamilton nasceu em Paris, em 16 de setembro de 1922, onde seus pais trabalhavam a serviço da Embaixada do Reino Unido. Ele começou a carreira ainda na França, aos 16 anos, como batedor de claquete de um estúdio de cinema de Nice. Mas precisou fugir quando os nazistas avançaram sobre o país. No barco em que rumava para a África formou amizade com outro “britânico parisiense” em busca de asilo, o escritor Somerset Maugham (“O Fio da Navalha”). O encontro o inspirou a se alistar na Marinha britânica e realizar diversas missões de resgate de compatriotas em fuga da França ocupada. Ele próprio se viu enrascado quando seu barco foi afundado por nazistas, e dizia que devia a vida aos heróis da resistência, especialmente à bela francesa de 18 anos Maria-Therese Calvez, inspiradora, em sua memória, de dezenas de Bond girls. Após a guerra, ele se reuniu com sua família em Londres, onde retomou seus planos de trabalhar com cinema. Logo começou a estagiar na London Film Productions, exercendo a função de diretor assistente sem receber créditos, em clássicos como “Seu Próprio Verdugo” (1947), de Anthony Kimmins, e “Anna Karenina” (1948), de Julien Duvivier, antes de ganhar o respeito de Carol Reed, que lhe deu seus primeiros créditos profissionais e se tornou seu mentor. Hamilton assistiu Reed na criação de grandes clássicos do cinema britânico, como “O Ídolo Caído” (1948), o fabuloso “O 3º Homem” (1949), estrelado por Orson Welles, e “O Pária das Ilhas” (1951), em que conheceu sua futura esposa, a atriz franco-argelina Kerima. A parceria deixou nele uma marca profunda. “Carol era basicamente meu pai”, ele observou, em entrevista ao jornal The Telegraph. “Ele me ensinou tudo o que sei. Eu o adorava.” Outra experiência marcante foi trabalhar como assistente de John Huston no clássico “Uma Aventura na África” (1951), produção estrelada por Humphrey Bogart e Katharine Hepburn, realizada entre bebedeiras e surtos de disenteria na savana africana, que serviu para demonstrar ao jovem tudo o que podia dar errado numa filmagem. Os rigores de “Uma Aventura na África” lhe encheram de confiança para iniciar sua carreira como diretor. Hamilton conseguiu convencer o produtor Alexander Korda que podia completar um filme inteiro em três semanas, e seu mentor Carol Reed aconselhou-o a estrear com um thriller de comédia, pois teria o dobro de chances de acertar, fosse na tensão ou na diversão. O resultado foi a adaptação de “O Sineiro” (1952), considerada um das melhores produções baseadas na literatura de mistério de Edgar Wallace. A boa recepção lhe rendeu convites para dirigir mais filmes do gênero. Vieram “Um Ladrão na Noite” (1953) e “Está Lá Fora um Inspetor” (1954). Mas para se firmar como grande diretor, Hamilton foi buscar inspiração em suas aventuras reais de guerra. “Escapando do Inferno” (1955) narrava a fuga de um grupo de prisioneiros de um campo de concentração nazista e foi rodada no castelo de seu título original, “The Colditz Story”. Baseado no livro de memórias de P.R. Reid (interpretado por John Mills no filme), o longa provou-se tão ressonante que sua trama acabou resgatada numa série de TV, duas décadas depois – “Colditz”, que durou três temporadas entre 1972 e 1974. O sucesso continuou com “A Clandestina” (1957), um filme incomum para a época, sobre o poder destrutivo da paixão sexual, envolvendo um capitão de navio (Trevor Howard) e uma jovem clandestina mestiça (a italiana Elsa Martinelli). E persistiu com a comédia “Quase um Criminoso” (1959), em que James Mason finge deserção para a União Soviética para processar os jornais por calúnia e sustentar seu plano de uma vida de luxo nos EUA. Os acertos sucessivos lhe renderam o convite para assumir sua primeira produção a cores, “O Discípulo do Diabo” (1959), drama de época que havia perdido seu diretor em meio a choques com os egos de seus astros, Burt Lancaster, Kirk Douglas e Laurence Olivier. Ainda que o filme tenha representado seu primeiro fracasso comercial, o fato de Hamilton conseguir trabalhar/domar as feras foi tido como um feito, que lhe abriu o mercado internacional – seguiram-se a produção italiana “O Melhor dos Inimigos” (1961), estrelada por David Niven, e a coprodução americana “As Duas Faces da Lei” (1964), com Robert Mitchum. Quando os produtores Albert R. Broccoli e Harry Saltzman adquiriram os direitos de James Bond, Hamilton foi sua primeira opção para estrear o personagem nos cinemas. Mas o cineasta tinha a agenda ocupada, e a oportunidade foi agarrada por Terence Young. Dois anos depois, porém, Hamilton não voltou a recusar o convite, que considerou uma oportunidade de superar seu maior desgosto. Ele estava arrasado após filmar “The Party’s Over”, que foi proibido pelo comitê de censura por conter cenas polêmicas, como uma orgia envolvendo necrofilia. Foram meses de trabalho perdido – o longa só veio à tona muito depois e com inúmeros cortes. Com a censura atravessada na garganta, Hamilton resolveu ousar na franquia de espionagem e acabou realizando aquele que até hoje é o longa mais cultuado de James Bond, “007 Contra Goldfinger” (1964). Para começar, decidiu aumentar a temperatura sexual, apresentando, logo de cara, uma mulher nua coberta de ouro – a morte mais brilhante, literalmente, nas cinco décadas da série. A trama também destacava a Bond girl de nome mais chamativo, Pussy Galore (Honor Blackman), e a melhor ameaça a laser, apontada exatamente entre as pernas de um cativo 007. As tiradas do vilão também marcaram época – “Não, Sr. Bond, eu espero que você morra!”. Sem esquecer da música tema de Shirley Bassey, “Goldfinger”, uma das canções mais famosas do cinema, que Hamilton brigou com os produtores para incluir na abertura – “Eu não sei se vai fazer sucesso, Harry, mas dramaticamente funciona”, ele disse a Saltzman. Foi ainda “007 Contra Goldfinger” que estabeleceu os elementos mais icônicos dos filmes de James Bond, ao apresentar Sean Connery dirigindo seu Aston Martin repleto de armas secretas, seduzindo vilãs até torná-las aliadas, tomando martíni para flertar com o perigo e fumando com charme antes de explodir uma bomba. O longa rendeu o dobro de bilheteria dos dois filmes anteriores de 007. O que colocou Hamilton na mira de um rival, o agente secreto Harry Palmer. O cineasta filmou em seguida “Funeral em Berlim” (1966), o segundo filme da trilogia do espião que usava óculos, vivido por Michael Caine. Ele completou sua década vitoriosa com “A Batalha da Grã-Bretanha” (1969), recriação meticulosa e em escala épica do esforço da RAF (força aérea britânica) para impedir a invasão nazista ao Reino Unido. A produção talvez seja seu trabalho mais elogiado pela crítica, que resiste até hoje como um dos grandes clássicos de guerra. A ambiciosa realização de “A Batalha da Grã-Bretanha” confirmou que Hamilton era o diretor mais indicado para comandar a franquia 007, que começava a dar sinais de decadência, com o desastre representado pela falha de George Lazenby em substituir Connery em 1969. Convencidos disto, os produtores o trouxeram de volta para três filmes consecutivos, de modo a garantir uma transição tranquila entre Sean Connery, que voltou à saga oficial para se despedir pela segunda vez com “007 – Os Diamantes São Eternos” (1971), e Roger Moore, o novo James Bond a partir de “Com 007 Viva e Deixe Morrer” (1973). Para emplacar Moore, Hamilton contou até com a ajuda de um Beatle, Paul McCartney, que compôs “Live and Let Die” como tema da estreia do ator. Mas foi o filme seguinte, “007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro” (1974), que soube explorar melhor a mudança de intérprete, apresentando um Bond mais divertido, relaxado e simpático. A franquia praticamente renasceu com a adoção de elementos cômicos, que Hamilton já considerava um diferencial em “Goldfinger”, além de se tornar mais extravagante, com carrões, jatos e mulheres sempre lindas. James Bond virou um playboy. Depois de três “007” seguidos, Hamilton voltou à guerra. Foi dirigir Harrison Ford, recém-consagrado pelo sucesso de “Guerra nas Estrelas” (1977), em “O Comando 10 de Navarone” (1978), continuação do clássico “Os Canhões de Navarone” (1961). Mas, acostumado a blockbusters, ele entendeu o sucesso moderado obtido pela produção como hora de mudar de estilo. Quis mudar tudo, diminuir o ritmo, e optou por trocar a ação intensa pelas tramas cerebrais de mistério que lançaram sua carreira. Assim, realizou duas adaptações consecutivas de Agatha Chistie. “A Maldição do Espelho” (1980) registrou a última aparição da personagem Miss Marple no cinema, vivida por Angela Lansbury, enquanto “Assassinato num Dia de Sol” (1982) foi o penúltimo filme com Peter Ustinov no papel do detetive Hercule Poirot. Filmada nas ilhas de Maiorca, esta produção acabou tendo impacto na vida pessoal do cineasta, que, impressionado pela locação, convenceu-se a abandonar sua residência na Inglaterra para passar o resto de sua vida no litoral espanhol com sua esposa. Hamilton já fazia planos de aposentadoria e não filmava há três anos quando foi convencido pela MGM a fazer sua tardia estreia em Hollywood. O projeto era basicamente lançar um 007 americano, baseado num personagem igualmente extraído de uma franquia literária de ação. Só que a crítica não perdoou a tentativa apelativa. Estrelado por Fred Ward como um agente secreto a serviço da Casa Branca, “Remo – Desarmado e Perigoso” (1985) foi considerado um James Bond de quinta categoria. E a produção, que ia inaugurar uma franquia, se tornou o maior fracasso da carreira do diretor. Resignado, ele decidiu encerrar a carreira. Mas nos seus termos, lembrando o conselho precioso de Carol Reed. Se tinha começado com um thriller de comédia, também sairia de cena com chances de motivar meio riso ou meia aflição. E deixou a cortina cair com “De Alto Abaixo” (1989). Deu sua missão por comprida, e gentilmente recusou a proposta da Warner para, novamente, ajudar a lançar uma franquia de ação em Hollywood. Guy Hamilton disse não a “Batman” (1989).
Independence Day: O Ressurgimento ganha novo trailer legendado, repleto de efeitos visuais
A Fox divulgou o segundo trailer de “Independence Day: O Ressurgimento”, em versões legendada e dublada. A prévia apresenta a volta ameaçadora dos alienígenas e destaca alguns rostos conhecidos do filme de 1996, além de estabelecer claramente o protagonismo do novo personagem vivido por Liam Hemsworth (“Jogos Vorazes”). Há muito mais efeitos visuais e destruição que a produção de 20 anos atrás, e um esforço de humor auto-referencial. O estúdio também produziu uma coleção de pôsteres que, embora pareçam similares, trazem diferentes continentes sob a sombra da nova força invasora, demonstrando o tamanho da nave espacial e a escala global do desafio. A continuação traz de volta Jeff Goldblum (“Jurassic Park”), Bill Pullman (“O Protetor”), Judd Hirsch (série “Forever”), Vivica A. Fox (“Kill Bill”) e Brent Spiner (“Star Trek: Primeiro Contato”), ao lado de uma nova geração de personagens, interpretados por Jessie Usher (série “Survivor’s Remorse”), Maika Monroe (“Corrente do Mal”), Sela Ward (“Garota Exemplar”), William Fichtner (“Tartarugas Ninja”), Joey King (“O Ataque ”) e Charlotte Gainsbourg (“Ninfomaníaca”). O longa teve seu roteiro desenvolvido por Carter Blanchard (do vindouro “Near Death”), a partir de ideias dos produtores Roland Emmerich e Dean Devlin, respectivamente diretor e roteirista do filme original. Emmerich também dirige a continuação, que chegará aos cinemas em 24 de junho, quando o longa original completará duas décadas de seu lançamento original.
Baywatch: Pamela Anderson vai participar do filme baseado na série SOS Malibu
A atriz Pamela Anderson vai participar da adaptação cinematográfica de “Baywatch”. O anúncio foi feito pelo ator Dwayne Johnson (“Terremoto – A Falha de San Andreas”) em seu Instagram. “É um prazer dar as boas vindas para a sempre linda Pamela Anderson no nosso elenco de ‘Baywatch’. Nos não poderíamos fazer este filme sem ela”, ele escreveu, posando para um foto ao lado da atriz de 49 anos, que foi capa da Playboy no ano passado. Famosa por interpretar a salva-vidas C.J. Parker na série dos anos 1990, conhecida no Brasil como “SOS Malibu”, Pamela vai se juntar a David Hasselhoff, que também interpretou um dos protagonistas da atração original e já tinha confirmado sua participação no longa-metragem. Os produtores ainda esperam atrair Carmen Electra para completar o time de homenageados da série. Curiosamente, porém, a personagem de Carmen Electra não está na trama do filme. Nenhum dos convidados repetirá seus papéis da TV, que ganharão novas versões. Johnson, por exemplo, ficou com o papel de Mitch Buchannon, o líder do grupo de salva-vidas vivido por Hasselhoff na série, enquanto C.J. Parker ganhará novas curvas na pele da top model Kelly Rohrbach (que está no novo filme de Woody Allen, “Café Society”). Além dela, também vestem o maiô vermelho da adaptação as atrizes Alexandra Daddario (“Terremoto – A Falha de San Andreas”) e Ilfenesh Hadera (série “Billions”), que retomarão as personagens Summer Quinn (vivida por Nicole Eggert na série) e Stephanie Holden (Alexandra Paul) Na trama de cinema, os salva-vidas vão se unir a um atleta olímpico (interpretado por Zac Efron, de “Vizinhos”) para salvar a baía em que vivem. A vilão criada especialmente para a trama será interpretada pela estrela indiana Priyanka Chopra (série “Quantico”). Escrita por Robert Ben Garant (“Uma Noite no Museu”) e Justin Malen (série “Trophy Wife”), e com direção de Seth Gordon (“Quero Matar Meu Chefe”), “Baywatch” tem previsão de estreia apenas para maio de 2017.
Café Society: Veja o primeiro trailer do novo filme de Woody Allen
A distribuidora Mars Films divulgou o primeiro trailer de “Café Society”, novo filme de Woody Allen, para o mercado francês, antecipando sua première mundial como filme de abertura do Festival de Cannes 2016. A prévia apresenta a ambientação na Hollywood dos anos 1930, o tom de comédia e a função do personagem de Jesse Eisenberg (“Batman vs. Superman”) como condutor da narrativa. Ele interpreta um jovem que vai visitar os parentes em Los Angeles, entre eles um tio produtor de cinema (Steve Carell, de “A Grande Aposta”), que vive num mundo de festas frequentadas por celebridades. O elenco também destaca Kristen Stewart (“Acima das Nuvens”) como a assistente do tio, encarregada de ciceronear o jovem turista, e Blake Lively (“A Incrível História de Adaline”) como uma bela fã de jazz que ele encontra ao voltar a Nova York. “Café Society” vai estrear nos cinemas franceses junto do Festival de Cannes, em 11 de maio, mas ainda levará alguns meses para chegar a outros países. Ele será distribuído nos EUA com exclusividade pelo Amazon Studios, que pretende realizar um lançamento limitado nos cinemas em julho, antes de disponibilizá-lo na internet. O Amazon também disponibilizou o primeiro pôster da produção, que pode ser conferido logo abaixo. No Brasil, a estreia está marcada apenas para 27 de outubro.
Sete Homens e um Destino: Denzel Washington lidera elenco grandioso no trailer do remake
A Sony Pictures divulgou as primeiras fotos e o trailer legendado do remake do western clássico “Sete Homens e um Destino”, que volta a juntar os atores e o diretor de “Dia de Treinamento” (2001). A prévia resume a premissa, mostrando o apelo de Haley Bennett (“O Protetor”) para que o caçador de recompensas vivido por Denzel Washington (“O Protetor”) a ajude a se vingar dos bandoleiros que aterrorizam sua cidade. Para tanto, ele reúne um grupo díspar de pistoleiros dispostos a realizar o impossível ou morrer tentando, com pouca ou nenhuma recompensa por seus sacrifícios. É a mesma história do clássico de John Sturges, atualizada sob a influência de “Os Imperdoáveis” (1992) e forte revisionismo étnico. Afinal, o homem de preto vivido originalmente por Yul Brynner agora é um ator negro (Denzel), o mestiço encarnado por Charles Bronson virou índio (Martin Sensmeier, da série “Salem”) e há até um astro asiático (o sul-coreano Byung-hun Lee, da franquia “G.I. Joe”) em referência às raízes da trama – que, na verdade, é uma versão western do filme japonês “Os Sete Samurais” (1954), de Akira Kurosawa, creditado como autor da história original. Coube a Chris Pratt (“Guardiões da Galáxia”) o papel equivalente ao de Steve McQueen na produção de 1960, como o anti-herói charmoso da história. Mas o elenco de mocinhos ainda destaca Ethan Hawke (“Boyhood”), que estrelou “Dia de Treinamento” com Denzel, sob direção do mesmo Antoine Fuqua que assina o longa atual. Outros famosos da produção incluem Peter Sarsgaard (“Blue Jasmine”), Luke Grimes (“Cinquenta Tons de Cinza”), Vincent D’Onofrio (série “Demolidor”), Matt Bomer (série “White Collar/Crimes do Colarinho Branco”), Cam Gigandet (“Crepúsculo”), Vinnie Jones (“Rota de Fuga”) e Manuel Garcia-Ruffo (série “Um Drink no Inferno/From Dusk Till Dawn”). O novo roteiro foi escrito por John Lee Hancock (“Um Sonho Possível”) e Nic Pizzolatto (criador da série “True Detective”). A estreia acontece em 22 de setembro no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
Playlist (Superfly): 35 clipes do funk sintetizado dos anos 1980
O funk de sintetizadores new wave e batida sincopada marcou a sonoridade dos anos 1980 graças a Prince. Infelizmente, a preservação dessa história foi comprometida pelo próprio artista, que proibiu seus clipes no YouTube, vetou homenagens, como a série “Glee”, e barrou o compartilhamento dos registros de seus shows feitos por fãs. Após sua morte na quinta (21/4), dois clipes apareceram de forma não autorizada no portal de vídeos do Google. Eles abrem e fecham a lista abaixo, que junta 35 vídeos de artistas do R&B e da new wave para evocar o complô de influências que prosperou durante o reinado do funk sintético de Prince.
Prince (1958 – 2014)
O cantor, músico e compositor Prince foi encontrado morto em seu estúdio de gravação no Minnesota, nos Estados Unidos, na quinta-feira (21/4), aos 57 anos. Ainda não se sabe a causa da morte, mas na semana passada um problema de saúde do artista, que não foi revelado, obrigou seu avião particular a fazer um pouso de emergência para levá-lo a um hospital no Illinois, quando ele voltava de um show em Atlanta. Além de gravar sucessos que marcaram gerações, Prince desenvolveu uma breve carreira cinematográfica, trabalhando como ator, diretor e compositor de trilhas sonoras. Ele inclusive venceu um Oscar e dois Globos de Ouro. Prince Rogers Nelson nasceu em 7 de junho de 1958 em Minneapolis, e desde cedo demonstrou interesse pela música. Isto o levou a participar ativamente da cena musical da cidade, que acabou crescendo junto de seu sucesso. Ele lançou o primeiro disco aos 19 anos de idade, em 1978. Seu disco seguinte se tornou platina, revelando seus primeiros hits. Mas foram seus três álbuns seguintes, “Dirty Mind” (1980), “Controversy” (1981) e “1999” (1982) que estabeleceram sua persona como um artista genial, excêntrico e multifacetado, capaz de cantar, compor, tocar diversos instrumentos e produzir sucessos, além de originar um novo estilo de funk, influenciado por sintetizadores e batidas da new wave, sem perder de vista a sensualidade do bom e velho rock’n’roll. Seus discos continuaram se tornando cada vez melhores ao longo da década, mas o reconhecimento de seu talento também alimentou sua ambição. Em 1984, ele fez sua estreia no cinema, estrelando “Purple Rain”, um musical escrito e dirigido pelo estreante Albert Magnoli. O diretor só fez mais três filmes medíocres no resto de sua carreira, mas “Purple Rain” é lembrado até hoje. Virou cult. Não porque Prince tenha se revelar um excelente ator, mas pelas músicas que ele compôs para a trilha sonora. O álbum com a trilha fez muito mais sucesso que o filme, vendendo 13 milhões de cópias. Celebrado como um dos melhores trabalhos da carreira do cantor, “Purple Rain” rendeu a canção-síntese de Prince, “When Doves Cry”, com solo de guitarra roqueiro, batida new wave e letra sensual. Foi também a sua primeira música a atingir o 1º lugar da parada de sucessos da Billboard. “When Doves Cry” ainda ganhou o Globo de Ouro de Melhor Canção Original. Mas o Oscar foi para o disco inteiro: Melhor Trilha de Canções de 1985, um prêmio da época dos grandes musicais de Hollywood, que já não existe mais. O filme, por sua vez, apresentou ao mundo a cena de Minneapolis, com participações de Morris Day e da banda The Time, projeto paralelo do cantor, além de introduzir sua banda de apoio, The Revolution, e lançar Apollonia 6, uma das muitas estrelas-namoradas de seu laboratório pop. Ao contribuir para o roteiro e o casting sem receber créditos, Prince resolveu que não faria mais filmes com outros cineastas. Ele ensaiou seus primeiros passos como diretor ao assumir o comando de seus próprios videoclipes. O primeiro que assinou por conta própria foi justamente “When Doves Cry”. No ano seguinte, bisou a dose com “Raspberry Beret”, que virou outro sucesso retumbante de sua carreira. O disco “Around the World in a Day” (1985) foi concebido para ser o seu “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967), incorporando psicodelia em seu funk sintetizado. E não por acaso. Prince queria ser reconhecido como um artista tão talentoso quanto os Beatles. Seu disco seguinte, “Parade” (1986), fez ainda mais sucesso, graças ao fenômeno popular da música “Kiss”. Mas, como os Beatles, ele resolveu desmanchar a banda. The Revolution, que ficou conhecida pelas instrumentistas gatas de sua formação (a guitarrista Wendy Melvoin e a tecladista Lisa Coleman), deu lugar a uma explosão de megalomania. Prince virou diretor, ator e artista solo. O cantor se lançou como cineasta com “Sob o Luar da Primavera” (1986), filmado em preto e branco e estrelado por ele próprio, como um gigolô que tenta dar um golpe numa herdeira francesa (Kristin Scott Thomas, em sua estreia no cinema). Mas apesar da trilha, que consistia basicamente do disco “Parade”, o filme não repetiu o sucesso de “Purple Rain”. Não bastasse o fiasco de público, Prince ainda virou piada, tornando-se o grande vencedor do troféu Framboesa de Ouro. “Sob o Luar da Primavera” não só foi considerado o Pior Filme do ano, como ainda conquistou as framboesas de Pior Direção, Roteiro e Canção (“Love or Money”). Prince respondeu às críticas negativas com um surto de criatividade, concebendo um disco duplo, “Sign o’ the Times” (1987), e um documentário sobre sua gravação. Alguns críticos o chamaram, na época, de melhor disco da década. E após outro álbum, “Lovesexy” (1988), ele foi convidado a compôr músicas para a trilha do filme mais esperado de 1989: “Batman”, dirigido por Tim Burton. O enorme sucesso do filme rendeu um de seus maiores hits, “Batdance”, e acabou convenceu-o a voltar à ficção cinematográfica. Segundo longa de ficção dirigido pelo cantor, “Graffiti Bridge” (1990) foi concebido como um projeto da banda The Time, mas acabou virando uma sequência de “Purple Rain”, com Prince retomando seu personagem daquele filme, The Kid. A estratégia de lançar um disco com o mesmo título do filme também foi seguida. Assim como a ideia de mostrar Morris Day e The Time como vilões e introduzir uma novo grupo de apoio para o cantor, The New Power Generation. Não deu outra: “Graffiti Bridge” entrou nas listas dos piores filmes do ano, sendo indicado a cinco troféus no Framboesa de Ouro, inclusive Pior Filme, Ator (Prince), Diretor (Prince) e Roteiro (Prince). Por sorte, não venceu nenhum, mas a péssima recepção serviu para o cantor perceber que jamais teria um futuro cinematográfico à altura de sua discografia. Foi o fim da trajetória de Prince como cineasta e o começo da jornada rumo à implosão de sua carreira. Três anos depois, em 1993, ele abandonou sua própria identidade, ao adotar, como novo nome, um símbolo impronunciável, descrito como o “símbolo do amor”. Virou o Artista Antigamente Conhecido como Prince. A mudança fazia parte de uma estratégia calculada, visando livrá-lo de seu contrato com a Warner Music, que ele acreditava estar limitando sua criatividade. Prince não se conformava em ter permissão para lançar apenas um disco por ano. A Warner demonstrou como ele estava equivocado ao lhe dar corda, deixando-o produzir dois discos em 1994. Ambos fracassaram. Mas seu plano de lançar mais discos simultaneamente também visava apressar o final de seu contrato (por discos lançados), o que aconteceu em 1996, com pouca fanfarra, após seu álbum menos popular na gravadora, “Chaos and Desorder”, implodir nas paradas. O Artista Antigamente Conhecido como Prince se tornou um cantor independente com “Emancipation” (1996), um CD triplo com 36 faixas. Não satisfeito, deu sequência à egotrip com “Crystal Ball” (1998), desta vez composto por cinco CDs e 53 faixas. Além do excesso musical, o disco marcou outra faceta extrema do artista: sua obsessão pelo controle completo de sua obra. Querendo eliminar atravessadores, ele concentrou a distribuição em seu site oficial, o que se provou caótico e gerou revolta em fãs que não conseguiram encontrar o disco. Foi um desastre. Em busca dos fãs perdidos em seu desastrado começo independente, ele retomou o nome Prince em 2000. Um ano depois, abraçou a religião, virando Testemunha de Jeová, o que representou um choque para quem cresceu ouvindo suas letras libidinosas. Ao continuar lançando suas músicas novas pela internet, ele também se afastou das rádios e da TV. O que o fez privilegiar o contato direto com o público por meio de shows, situação em que se descobriu, inesperadamente, um artista de antigos sucessos, como se pode constatar pelo lançamento de seu primeiro disco “ao vivo” – triplo, claro – , em 2002. Mas Prince ainda tinha fôlego para novos hits. Sua carreira musical foi reabilitada graças à estratégia ousada de lançamento do disco “Musicology” (2004), distribuído de graça para quem comprasse os ingressos de sua nova turnê. Prince fez milhões como o artista de maior bilheteria de shows daquele ano. E “Musicology” o colocou de volta nas paradas de sucesso. A própria indústria musical se espantou, conferindo-lhe prêmios (dois Grammy). Suas iniciativas pioneiras no uso da internet como plataforma de vendas e divulgação lhe renderam o prêmio Webby de maior inovador da web em 2006. E daí, um mês depois da cerimônia, ele decidiu fechar seu site. Além disso, vetou a exibição de suas clipes na internet, que permanecem proibidos até hoje, comprovando que só Prince entende Prince. 2006 também marcou seu último trabalho cinematográfico: a composição da música “The Song of the Heart” para a animação “Happy Feet – O Pinguim”, de George Miller. Pela composição, ele ganhou o Globo de Ouro de Melhor Canção Original. Mesmo mantendo o ritmo de composição e lançamento de discos, Prince se destacou mais, nos últimos anos, sobre o palco, como artista de shows grandiosos, incluindo o concerto do Super Bowl de 2007, a Earth Tour, a 20Ten Tour e a Live Out Loud Tour, entre diversas outras apresentações e participações em festivais. Mas Prince também ficou conhecido por outros feitos menos nobres, ao processar fãs, que postavam gravações piratas de seus shows, e proibir a circulação de vídeos amadores com suas músicas ou apresentações. Ele comprou briga até com a banda Radiohead, sobre o direito dos fãs de registrarem seu cover de “Creep” no YouTube. A banda tentou intervir, mas o artista antigamente adorado não quis deixar quem não comprou ingresso ouvir sua versão. Por conta dessas atitudes, em 2013 a Electronic Frontier Foundation lhe deu um prêmio infame, inspirado numa de suas canções, o Raspberry Beret Lifetime Aggrievement Award, em reconhecimento a seus esforços para processar, perseguir e espezinhar seus próprios fãs, impedindo-os de se manifestarem com suas músicas na internet. Ele também proibiu a série “Glee” de lhe prestar homenagem, em 2011. Madonna, Britney Spears e os Beatles receberam o tributo que ele não quis. Pouco antes de morrer, Prince anunciou que estava escrevendo um livro de memórias, intitulado “The Beautiful Ones”, nome de uma música de “Purple Rain”.
Jason Bourne ganha trailer legendado repleto de ação
A Universal Pictures divulgou um novo pôster e o trailer legendado de “Jason Bourne”, que marca o retorno de Matt Damon ao papel do espião que é uma “arma perfeita”. A prévia começa com um apanhado de cenas dos filmes anteriores para destacar que ele recuperou a memória, mas ainda não sabe de tudo sobre a conspiração que o originou, conforme ensina a espiã Nicky Parsons, novamente vivida por Julia Stiles. Bourne sai das sombras para reencontrar a antiga parceira, que possui documentos sigilosos. O nome de Edward Snowden é citado para dar gravidade ao material confidencial e justificar uma grande caçada, com direito a muitas explosões, tiros, socos e capotagens sensacionais. O ritmo é trepidante como se espera de um filme da franquia. Além de Damon e Stiles, o filme terá a volta do diretor Paul Greengrass, responsável por “A Supremacia Bourne” (2004) e “O Ultimato Bourne” (2007). Os dois desenvolveram a trama da continuação em parceria com Cristopher Rouse, editor de “Supremacia” e “Ultimato”, que estreia como roteirista. O elenco ainda inclui Tommy Lee Jones (“Homens de Preto”), Vincent Cassel (“Em Transe”), Riz Ahmed (“O Abutre”) e Alicia Vikander (“O Agente da UNCLE”). “Jason Bourne” tem estreia agendada para 28 de julho no Brasil, um dia antes do lançamento nos EUA.
O Caçador e a Rainha do Gelo é o maior lançamento e também o pior filme da semana
“O Caçador e a Rainha do Gelo” é o lançamento mais amplo da semana, distribuído em 920 salas pelo país. Espécie de quimera, que junta prólogo e sequência na mesma criatura, o filme retoma os personagens de Chris Hemsworth e Charlize Theron em “Branca de Neve e o Caçador” (2012), mas em vez de aprofundar a fábula de Branca de Neve leva sua trama para o mundo de “Frozen – Uma Aventura Congelante” (2013). O resultado parece um episódio de “Once Upon a Time” mal escrito e obcecado por efeitos visuais dourados. O longa também estreia neste fim de semana nos EUA, onde foi eviscerado pela crítica (19% de aprovação no site Rotten Tomatoes). A outra estreia infantil, a animação “No Mundo da Lua”, é mais criativa, ao acompanhar um adolescente, filho e neto de astronautas, em sua luta para preservar o programa espacial americano e impedir um bilionário excêntrico de virar dono da lua. A produção mantém o espírito aventureiro do primeiro longa do diretor espanhol Enrique Gato, “As Aventuras de Tadeo” (2012), com exibição em 290 salas (126 em 3D). “Milagres do Paraíso” também foca famílias com sua história, sobre uma criança doente que consegue uma cura milagrosa. Típica produção religiosa, sua trama reforça a insignificância da ciência, desautoriza coincidências e prega que Deus sempre atende aos que acreditam. A crítica americana considerou medíocre, com 47% de aprovação. A diretora mexicana Patricia Riggen é a mesma do drama “Os 33” (2015) e o elenco destaca Jennifer Garner (“Clube de Compra Dallas”) como a mãe que padece no paraíso. Chega em 180 salas do circuito. Dois filmes nacionais completam a programação dos shoppings. E, por incrível que pareça, nenhum deles é uma comédia boba. Com maior alcance, “Em Nome da Lei” marca a volta do diretor Sergio Rezende ao gênero policial, sete anos após seu último longa, “Salve Geral” (2009). O lançamento em 380 salas sinaliza a expectativa positiva do estúdio à história de um juiz federal incorruptível, que evoca esses dias de operação Lava Jato (dá-lhe zeitgeist). Mas o personagem de Mateus Solano (“Confia em Mim”) não é Sergio Moro nem a trama enfrenta a corrupção política, optando por situações clichês de máfia de fronteira, narradas de forma novelesca, com direito a “núcleo romântico”. Não prende sequer a atenção. A melhor opção nacional é o drama “Nise – O Coração da Loucura”, fruto de um roteiro mais maduro (escrito a 14 mãos!), que encontra um meio-termo entre o didatismo e o desenvolvimento de personagem. Glória Pires (“Flores Raras”) se destaca no papel central, a doutora Nise da Silveira, figura importante da psiquiatria brasileira, que merecia mesmo virar filme. O longa dirigido por Roberto Berliner (do péssimo “Julio Sumiu”) mostra seu confronto com os tratamentos violentos dos anos 1940 e a bem-sucedida adoção da terapia ocupacional, que passa a humanizar os doentes de um hospício público. Além de competente cinebiografia, o filme possuiu uma bela mensagem contra a intolerância. Em apenas 59 telas. Intolerância também é o tema de “Amor por Direito”, drama indie americano que ocupa uma faixa intermediária, em pouco menos de 50 salas. Baseado em fatos reais, a história mostra a batalha jurídica de uma policial (Julianne Moore, de “Para Sempre Alice”), diagnosticada com uma doença terminal, que enfrenta preconceitos para deixar sua pensão para sua parceira de vida (Ellen Page, de “X-Men: Dias de um Futuro Esquecido”). O caso teve repercussão nacional nos EUA, mas, apesar das boas intenções, a trama cinematográfica não ressoa como “Filadélfia” (1993), do mesmo roteirista. Ironicamente, o drama lésbico teve a mesma nota do drama crente da semana, 47% de aprovação no Rotten Tomatoes. Dois dramas europeus e dois documentários brasileiros ocupam o circuito limitado. O principal título europeu é o romeno “O Tesouro”, de Corneliu Porumboiu (“Polícia, Adjetivo”), em que dois vizinhos enfrentam a amarga realidade da crise econômica com um sonho infantil, de encontrar um suposto tesouro escondido. Venceu vários prêmios em festivais internacionais, inclusive Cannes. O outro lançamento é o francês “Uma História de Loucura”, de Robert Guédiguian (“As Neves do Kilimanjaro”), que acompanha as histórias dois jovens: um terrorista e sua vítima colateral num atentado contra o embaixador da Turquia em Paris, nos anos 1980. Ambos chegam em quatro salas. Entre os documentários, o destaque pertence a “O Futebol”, de Sergio Oksman, vencedor do recente festival É Tudo Verdade. O diretor tem uma longa lista de prêmios no currículo. Já tinha vencido até o Goya (o Oscar espanhol) e o prêmio de Melhor Documentário do festival Karlovy Vary com o curta “A Story for the Modlins” (2012). “O Futebol”, por sua vez, foi exibido também nos festivais de Locarno e Mar Del Plata. E, apesar do título, tem o futebol apenas como pano de fundo para um reencontro entre um pai e um filho que não se viam a 20 anos, e que marcam de passar um mês juntos para acompanhar os jogos da Copa do Mundo de 2014. Os planos, porém, não se realizam como previsto. A estreia também acontece em quatro salas. Por fim, “Meu Nome É Jacque”, de Angela Zoé (“Nossas Histórias”) foca uma mulher transexual, portadora do vírus da aids, que precisa superar grandes obstáculos para viver sua vida da melhor forma possível. Chega em apenas uma sala no Rio.
A Garota no Trem: Emily Blunt testemunha um crime no primeiro trailer legendado do suspense
A Universal Pictures divulgou o pôster e o primeiro trailer legendado do suspense “A Garota no Trem”, que adapta o best-seller homônimo de Paula Hawkins. A prévia revela diversos detalhes da trama, desde o desaparecimento da personagem de Haley Bennett (“O Protetor”), o testemunho de Emily Blunt (“Sicario”) e as suspeitas sobre o crime. O livro é um fenômeno editorial, que foi disputado por vários estúdios interessados em sua adaptação. Por isso, o mercado já compara “A Garota no Trem” com “Garota Exemplar” (2014). A trama acompanha Rachel (Blunt), uma mulher alcoólatra, deprimida e divorciada que tem como única distração usar sua viagem de trem diária para fantasiar histórias sobre as vidas dos outros passageiros e das pessoas que vê do lado de fora. Até que sua atenção acaba se focando no encontro de um casal, antes da mulher desaparecer misteriosamente. Ao se apresentar como testemunha, porém, vários detalhes a tornam suspeita. Entre eles, o fato de a mulher desaparecida trabalhar como babá para seu ex-marido. O elenco também inclui Justin Theroux (série “The Leftovers”), Rebecca Ferguson (“Missão Impossível – Nação Secreta”), Edgar Ramirez (“Livrai-nos do Mal”), Allison Janney (série “Mom”) e Lisa Kudrow (série “The Comeback”) A adaptação foi escrita por Erin Cressida Wilson (“Homens, Mulheres e Filhos”) e dirigida por Tate Taylor (“História Cruzadas”), e a estreia acontece em 27 de outubro no Brasil, três semanas após o lançamento nos EUA.
