Guia | Johnny Depp volta a assombrar os cinemas nas estreias desta quinta

Johnny Depp assume o papel de Ebenezer Scrooge numa nova adaptação do clássico natalino de Charles Dickens, dirigida pelo cineasta de terror Ti West. O lançamento é um dos destaques de uma semana que também traz “Como Roubar um Banco”, com Nicholas Hoult, e “Contos Paralelos”, drama de Asghar Farhadi estrelado por Isabelle Huppert. A lista também inclui o relançamento de “Velozes & Furiosos”, que completa 25 anos, três terrores e seis produções brasileiras. Confira tudo com mais detalhes.

🎞️ EBENEZER E OS FANTASMAS DO NATAL

Johnny Depp (“Piratas do Caribe”) interpreta Ebenezer Scrooge numa nova adaptação de “Um Conto de Natal”, romance publicado por Charles Dickens em 1843. A produção marca a volta do ator a uma grande produção de Hollywood e coloca o especialista em terror Ti West, diretor da trilogia formada por “X: A Marca da Morte”, “Pearl” e “MaXXXine”, no comando de uma história tradicionalmente associada ao cinema familiar. O roteiro de Nathaniel Halpern (“Tales from the Loop”) reforça os elementos sobrenaturais do clássico literário, com uma abordagem mais sombria da jornada de redenção do protagonista.

Na Londres vitoriana, Scrooge é um empresário avarento que despreza o Natal e trata com crueldade as pessoas ao seu redor. Na véspera da celebração, recebe a visita do fantasma de Jacob Marley (Ian McKellen, de “O Senhor dos Anéis”), seu antigo sócio, que o adverte sobre as consequências de uma vida dedicada exclusivamente ao dinheiro. A aparição anuncia a chegada de três espíritos encarregados de mostrar ao protagonista seu passado, presente e possível futuro. Andrea Riseborough (“Birdman”) interpreta o Fantasma do Natal Passado, Tramell Tillman (“Ruptura”) vive o Fantasma do Natal Presente e Robert Strange (“O Senhor dos Anéis: Os Anéis de Poder”) assume a representação do futuro. O elenco ainda destaca Rupert Grint (“Harry Potter”) como Bob Cratchit, funcionário explorado por Scrooge, e Daisy Ridley (“Star Wars: O Despertar da Força”) como sua esposa Emily Cratchit.

A história já recebeu dezenas de adaptações, de versões dramáticas a comédias e animações. A diferença desta produção está na escolha de um diretor especializado em terror psicológico para explorar o caráter assustador dos fantasmas concebidos por Dickens. West combina o imaginário natalino com aparições perturbadoras, sem abandonar o conflito moral do original: a possibilidade de um homem reconhecer a crueldade de suas escolhas antes que seja tarde demais. A reconstituição da Londres do século 19 também aproxima a narrativa das origens góticas do texto literário.

🎞️ COMO ROUBAR UM BANCO

Depois de dirigir “Deadpool 2”, “Atômica” e “Trem-Bala”, David Leitch se mantém no cinema de ação com um thriller sobre assaltantes que transformam seus crimes em transmissões virais. Nicholas Hoult (“Nosferatu”) lidera uma quadrilha especializada em roubos a bancos, numa trama que combina as convenções dos filmes de assalto com a cultura dos influenciadores digitais. O roteiro de Mark Bianculli (“Hunters”) utiliza as redes sociais como parte da estratégia criminosa, numa situação em que conquistar audiência é tão importante quanto escapar com o dinheiro.

Os ladrões transmitem suas operações ao vivo e conquistam milhões de seguidores, atraídos pelo espetáculo dos roubos e pela imagem de contestação construída pelo grupo. A notoriedade, entretanto, desperta a atenção de um veterano agente do FBI e de uma engenheira de software que reúne informações para identificar os integrantes da organização. À medida que as investigações avançam, a quadrilha decide preparar seu assalto mais ambicioso, embora a exposição pública comprometa suas possibilidades de fuga. Anna Sawai (“Xógum: A Gloriosa Saga do Japão”), Zoë Kravitz (“Batman”), John C. Reilly (“Chicago”) e Pete Davidson (“O Esquadrão Suicida”) integram o elenco.

Leitch construiu sua carreira como coordenador de dublês antes de assumir a direção de longas-metragens, trajetória que se reflete na importância atribuída às coreografias de ação e às perseguições. O novo filme acrescenta um componente satírico à fórmula, ao retratar criminosos interessados em reconhecimento público e espectadores dispostos a consumir a violência como entretenimento. A relação entre os assaltantes e seus seguidores também modifica a dinâmica tradicional do gênero: quanto maior o sucesso das operações, mais informações os criminosos oferecem às autoridades responsáveis por capturá-los.

🎞️ BOIÚNA – TERROR NO AMAZONAS

O folclore amazônico serve de inspiração para o novo terror dirigido por Mike P. Nelson (“Pânico na Floresta: A Fundação”), que transforma a Boiúna, serpente gigantesca associada aos rios e à mitologia da região, numa ameaça aos visitantes da floresta. A produção reúne Kiana Madeira (“Rua do Medo”), Jessica Rothe (“A Morte Te Dá Parabéns”) e Logan Marshall-Green (“Upgrade”) numa história de sobrevivência que utiliza o isolamento da selva e os perigos dos rios como elementos de suspense.

A trama acompanha médicos que participam de uma missão humanitária destinada a atender comunidades isoladas da Amazônia. Apesar do objetivo declarado da viagem, alguns integrantes escondem interesses particulares que interferem em suas relações com os moradores. A chegada do grupo desperta a Boiúna, criatura ancestral que se desloca pela água e pela terra para proteger seu território. Enquanto buscam uma maneira de escapar, os visitantes descobrem que os conhecimentos da população local se mostram mais relevantes do que os recursos tecnológicos que levaram à região.

O roteiro de Alan B. McElroy (“Halloween 4”) utiliza a estrutura dos filmes de monstro, nos quais a presença humana em território desconhecido desencadeia uma reação violenta da natureza. A particularidade está na apropriação de uma entidade do imaginário amazônico, tradicionalmente associada ao poder dos rios e à punição daqueles que desrespeitam seus domínios. A proposta inverte parcialmente a posição habitual da criatura como ameaça gratuita, ao sugerir que suas ações também respondem à invasão do território. Essa relação entre o mito e os interesses dos estrangeiros oferece uma possibilidade de leitura ambiental para uma narrativa construída principalmente como terror de sobrevivência.

🎞️ PINÓQUIO: MALDIÇÃO DE MADEIRA

Depois de transformar o Ursinho Pooh num assassino em “Ursinho Pooh: Sangue e Mel”, o cineasta britânico Rhys Frake-Waterfield utiliza outro personagem clássico da literatura infantil para produzir seu novo filme de terror. A versão de Pinóquio integra o universo compartilhado de produções de baixo orçamento que reimaginam figuras conhecidas do público como criaturas violentas. O roteiro retoma elementos do romance de Carlo Collodi, publicado em 1883, mas substitui a trajetória moral do boneco de madeira por uma história de mutilações e assassinatos.

A trama acompanha James (Cameron Bell), garoto que perde os pais e passa a morar com o avô Gepeto (Richard Brake, de “Barbarian”). Para ajudar o neto a superar o luto, o marceneiro constrói um boneco de madeira capaz de ganhar vida, oferecendo ao menino a companhia que ele perdeu. A amizade, entretanto, se transforma numa ameaça quando Pinóquio desenvolve a obsessão de tornar-se humano. Convencido de que precisa incorporar partes de corpos reais para alcançar seu objetivo, o boneco começa a atacar pessoas. Robert Englund (“A Hora do Pesadelo”) também participa da produção, que mistura personagens conhecidos da fábula original com os códigos dos filmes de assassinos em série.

A proposta pertence a uma tendência recente do cinema de terror independente que aproveita personagens em domínio público para criar versões violentas de histórias infantis. Frake-Waterfield utiliza novamente o reconhecimento imediato da figura original como principal atrativo, desta vez com uma ligação mais direta entre a mitologia do personagem e os assassinatos. O desejo de tornar-se um menino de verdade ganha interpretação literal e macabra, com a substituição da madeira por partes humanas. O resultado privilegia efeitos de maquiagem, mutilações e violência gráfica, seguindo a fórmula estabelecida pelo diretor em suas produções anteriores, que também incluem “Bambi: O Acerto de Contas” e “Peter Pan: Pesadelo na Terra do Nunca”.

🎞️ LAGO DOS OSSOS

O brasileiro Marco Pigossi (“Cidade Invisível”) protagoniza o terror americano que combina suspense erótico, jogos psicológicos e violência gráfica. Dirigido por Mercedes Bryce Morgan (“Spoonful of Sugar”), o filme estreou nos Estados Unidos em 2025 e acompanha dois casais que acabam dividindo uma mansão isolada à beira de um lago. A premissa começa como uma situação desconfortável de convivência entre desconhecidos, mas evolui para uma disputa marcada por sedução, manipulação e segredos.

Pigossi interpreta Diego, escritor que planeja passar alguns dias de férias com a namorada Sage (Maddie Hasson, de “Maligno”). Ao chegar à propriedade alugada, o casal descobre que o imóvel também foi reservado por Will (Alex Roe, de “A 5ª Onda”) e Cin (Andra Nechita), dois desconhecidos que afirmam ter direito à hospedagem. Sem alternativa imediata, os quatro concordam em compartilhar a casa. A convivência começa de maneira cordial, mas Will e Cin passam a interferir no relacionamento dos anfitriões involuntários, provocando ciúmes, desconfianças e situações cada vez mais ameaçadoras.

A direção utiliza a mansão isolada e a iluminação de cores intensas para criar um ambiente que combina o cinema de horror contemporâneo à tradição dos thrillers eróticos dos anos 1990. O roteiro de Joshua Friedlander (“Fuga Explosiva”) investe na desestabilização emocional dos protagonistas, mas a previsibilidade das manipulações e a fragilidade das motivações impedem maior aprofundamento antes de a trama recorrer à violência explícita.

🎞️ GIRLS LIKE GIRLS: UMA HISTÓRIA DE AMOR ENTRE GAROTAS

A cantora e atriz Hayley Kiyoko estreia na direção de longas-metragens com uma adaptação de sua própria música “Girls Like Girls”, lançada em 2015 e transformada posteriormente num romance juvenil. O videoclipe original alcançou grande repercussão pela representação de um relacionamento amoroso entre duas adolescentes, tornando-se uma referência para parte do público LGBTQIA+. A versão cinematográfica desenvolve a história durante um verão numa pequena cidade do Oregon, nos Estados Unidos, com Maya da Costa (“Under the Bridge”) e Myra Molloy (“Ele é Demais”) nos papéis principais.

Coley (Maya da Costa) muda-se para a cidade depois da morte da mãe e passa a viver com Curtis (Zach Braff, de “Scrubs”), seu pai distante. A adolescente enfrenta dificuldades para se adaptar ao novo ambiente até conhecer Sonya (Molloy), garota popular que mantém um relacionamento com Trenton (Levon Hawke, de “O Assassino da Lista de Encontros”). A aproximação das duas começa como amizade, mas desperta sentimentos que colocam Sonya diante das expectativas sociais de seu grupo. Para Coley, a descoberta do primeiro amor também representa uma oportunidade de compreender a própria identidade enquanto enfrenta o luto e as mudanças familiares.

Kiyoko utiliza a estrutura dos romances adolescentes de amadurecimento para abordar a sexualidade sem transformar a descoberta afetiva exclusivamente numa experiência de sofrimento. As relações familiares, o consumo de álcool e drogas e as pressões do grupo de amigos aparecem como parte do cotidiano das personagens, enquanto a trilha sonora incorpora composições inéditas da diretora. A relação com o videoclipe original estabelece continuidade temática, mas o longa desenvolve com maior atenção as experiências das duas protagonistas. A recepção internacional foi positiva, com 88% de aprovação no Rotten Tomatoes, especialmente pela abordagem do primeiro amor e pelas interpretações centrais.

🎞️ CONTOS PARALELOS

O cineasta iraniano Asghar Farhadi, vencedor de dois Oscars de Melhor Filme Internacional por “A Separação” e “O Apartamento”, reúne Isabelle Huppert (“A Professora de Piano”), Vincent Cassel (“Cisne Negro”) e Virginie Efira (“Benedetta”) numa nova produção francesa em seu autoexílio em Paris. Depois de construir sua reputação com dramas sobre conflitos familiares e dilemas morais, o diretor experimenta uma narrativa sobre os limites entre realidade e ficção, inspirada no cinema do polonês Krzysztof Kieślowski.

Huppert interpreta Sylvie, escritora parisiense em crise criativa que passa a observar os vizinhos pelo telescópio. No apartamento em frente, os irmãos Pierre (Vincent Cassel) e Christophe (Pierre Niney, de “O Conde de Monte Cristo”) trabalham num estúdio de efeitos sonoros ao lado de Nita (Virginie Efira), mulher de Pierre. Sem conseguir ouvir suas conversas, Sylvie imagina um triângulo amoroso entre os três e transforma suas suposições em romance. A história toma outro rumo quando Adam (Adam Bessa, de “Resgate”), contratado para ajudá-la nas tarefas domésticas, encontra o manuscrito rejeitado pela editora e o apresenta a Nita como se fosse seu. Quando os vizinhos descobrem a história inspirada em suas vidas, a ficção começa a interferir em seus relacionamentos.

Farhadi abandona parcialmente o realismo de suas produções iranianas para investigar o próprio processo de construção narrativa. O recurso de apresentar atores em papéis duplos reforça a instabilidade entre os acontecimentos observados pela escritora e as versões que ela inventa. A experiência, porém, dividiu a crítica internacional. A ambição estrutural é apresentada com excesso de artifícios e cria dificuldades para estabelecer o envolvimento dramático que caracterizou os melhores trabalhos do diretor. A proposta também discute a responsabilidade de escritores que se apropriam de experiências alheias sem considerar as consequências dessa exposição.

🎞️ APENAS UMA ILUSÃO

A dupla francesa Olivier Nakache e Éric Toledano, responsável por “Intocáveis” e “Samba”, retorna ao cinema com uma comédia dramática inspirada em experiências pessoais da adolescência. Ambientada em 1985, a produção acompanha o cotidiano de uma família de classe média nos arredores de Paris, num período marcado por transformações econômicas e culturais. O jovem Simon Boublil interpreta Vincent, menino prestes a completar 13 anos que tenta compreender os conflitos dos adultos enquanto enfrenta as primeiras dúvidas sobre amizade, religião e relacionamentos amorosos.

Vincent vive com os pais, Yves (Louis Garrel, de “Os Sonhadores”) e Sandrine (Camille Cottin, de “Dez por Cento”), e o irmão mais velho Arnaud (Alexis Rosenstiehl). A convivência familiar se deteriora quando o pai perde o emprego, enquanto a mãe conquista maior autonomia profissional. A inversão das posições econômicas provoca discussões constantes entre o casal e coloca o adolescente diante de tensões que ele ainda não consegue interpretar completamente. Paralelamente, Vincent experimenta as inseguranças do primeiro amor e enfrenta questões relacionadas à identidade judaica de sua família, num ambiente social em que as diferenças culturais influenciam suas relações.

Nakache e Toledano retomam o interesse por personagens comuns e conflitos cotidianos, agora sob a perspectiva de alguém que ainda não possui instrumentos para compreender o comportamento dos adultos. A reconstituição dos anos 1980 funciona como contexto para discutir mudanças nas relações familiares, especialmente a perda da posição tradicional do pai como principal responsável pelo sustento da casa. O humor surge das observações do protagonista e das contradições entre o discurso dos adultos e suas atitudes. A abordagem privilegia a memória afetiva de uma geração, mas associa a nostalgia a conflitos sociais que ultrapassam aquele período.

🎞️ SÓ NÃO POSSO DIZER O NOME

O diretor mineiro Helvécio Ratton (“Menino Maluquinho”, “Batismo de Sangue”) adapta a graphic novel autobiográfica “No Abuses (de Este Libro)”, da artista chilena Natalia Silva Perelman, conhecida como Nati Chuleta. Transportado para o Brasil, o drama acompanha uma jovem que decide denunciar o abuso sexual sofrido durante a infância, enfrentando o silêncio e a resistência da própria família. A produção combina cenas com atores e animação para representar as experiências traumáticas da protagonista, especialmente os momentos em que sua imaginação oferece uma possibilidade de fuga.

Lara Martinelli interpreta Tina, que completa 18 anos e resolve responsabilizar judicialmente o padrasto Ramon (Bruno Matos) pelos abusos cometidos quando ela era criança. A decisão contraria pessoas próximas, interessadas em preservar a aparência de normalidade familiar. Laura Del Picchia vive a protagonista na infância, quando os desenhos e as histórias em quadrinhos começam a funcionar como refúgio diante da violência. Tina cria uma super-heroína imaginária que enfrenta os perigos que ela própria não consegue combater, transportando para o papel sentimentos e acontecimentos difíceis de verbalizar.

O uso da animação diferencia a produção de outros dramas sobre violência doméstica e permite representar experiências subjetivas sem recorrer à reconstituição explícita dos abusos. A passagem entre o mundo cotidiano e os desenhos também preserva a relação da personagem com a arte como instrumento de expressão pessoal. Ratton desenvolve o conflito a partir das dificuldades enfrentadas por vítimas que tentam romper o silêncio familiar, com atenção às consequências emocionais da denúncia e à resistência das pessoas que deveriam oferecer proteção.

🎞️ DEIXE-ME VIVER

Dirigido por Walther Neto, o drama acompanha uma adolescente de 14 anos que deseja interromper o tratamento contra o câncer para aproveitar o tempo que lhe resta fora do hospital. Cat Dantas interpreta Julia, que recebe o diagnóstico e pede à mãe, Andrea (Mônica Carvalho, “Mulheres Apaixonadas”), autorização para abandonar os procedimentos hospitalares. A mãe, que dedicou grande parte de sua vida ao trabalho e esteve distante do cotidiano da filha, decide atender ao pedido e levá-la para Trancoso, no sul da Bahia. A decisão provoca conflitos com o pai da adolescente (Humberto Martins, “Terra Nostra”) e com os profissionais responsáveis pelo tratamento. Durante a viagem, Julia conhece Miguel (Stephano Strand), experimenta seu primeiro romance e participa de atividades que haviam sido interrompidas pela doença.

Além de estrelar, Mônica Carvalho participou da elaboração do roteiro, que coloca em discussão a autonomia de pacientes com doenças graves e os limites das decisões tomadas por seus familiares. A trama também aborda a ortotanásia, nome dado ao processo de morte natural e digna, e os dilemas éticos associados ao fim da vida, embora o conflito esteja organizado principalmente em torno da relação entre mãe e filha.

A paisagem de Trancoso e a música regional introduzem um contraste entre o ambiente hospitalar e as experiências que Julia deseja viver. A trilha sonora, composta por Walther Neto em parceria com Maurício Domene e músicos locais, incorpora canções ligadas à cultura da Bahia, incluindo participação de artistas indígenas Pataxó.

🎞️ A VIRADA: IGNIÇÃO DA ALMA

A produção dirigida por Alessandro Barros é um remake de “Flywheel” (2003), primeiro longa-metragem dos irmãos Alex e Stephen Kendrick, responsáveis por sucessos do cinema cristão como “Quarto de Guerra”, “Desafiando Gigantes” e “A Forja”. A adaptação transporta a história para o Rio de Janeiro e apresenta personagens brasileiros, numa parceria entre empresas nacionais e os realizadores americanos. Mario Bregieira (“Reis”) assume o papel principal, acompanhado por Pérola Faria (“Os Mutantes: Caminhos do Coração”) e Felipe Folgosi (“A Viagem”).

O protagonista é Noah Silva, vendedor de carros usados que prospera graças a negociações desonestas e à exploração da confiança dos clientes. Sua preocupação com o sucesso financeiro prejudica as relações familiares e o leva a tomar decisões incompatíveis com os princípios religiosos que afirma seguir. Quando as consequências de seu comportamento começam a comprometer os negócios e o casamento, Noah enfrenta uma crise pessoal que o obriga a reconsiderar suas prioridades. A aproximação com a fé cristã passa a orientar suas tentativas de reparar os danos provocados pelas próprias escolhas.

A adaptação preserva a estrutura de transformação moral característica das produções dos irmãos Kendrick, organizadas em torno de protagonistas que enfrentam crises profissionais e familiares antes de recuperar a orientação religiosa. O deslocamento da trama para o Brasil representa uma mudança no modelo de produção da dupla, que passa a colaborar diretamente com empresas e artistas locais. A narrativa também conserva o caráter explicitamente evangelizador do original, utilizando os conflitos cotidianos como exemplos de princípios cristãos relacionados à honestidade, ao casamento e à responsabilidade pessoal.

🎞️ PEIXE ABISSAL

O escritor, compositor e artista visual Luís Capucho é o centro de uma produção brasileira que combina documentário, ficção e performances musicais. Dirigido por Rafael Saar (“Sem Vergonha”), o longa reconstrói episódios da trajetória do artista, cuja obra aborda sexualidade, desejo, religião e experiências de marginalidade. Capucho ganhou projeção na cena musical alternativa brasileira e teve suas composições interpretadas por artistas como Ney Matogrosso, que também participa do filme ao lado da atriz Teuda Bara (“O Palhaço”).

Nos anos 1990, Capucho recebeu o diagnóstico de HIV e enfrentou complicações de saúde que provocaram sequelas físicas permanentes. A experiência influenciou sua produção artística e modificou sua relação com o corpo, a memória e a linguagem. O documentário acompanha lembranças de sua infância, a busca pelo pai desconhecido e o contato com os ambientes marginais do Rio de Janeiro, incluindo cinemas pornográficos e espaços de sociabilidade gay. Essas experiências também aparecem em sua literatura autobiográfica, marcada pela mistura de confissão, fantasia e invenção.

Saar evita organizar a trajetória em ordem cronológica ou depender exclusivamente de entrevistas. A proposta aproxima o filme das diferentes formas de expressão utilizadas por Capucho, com recriações ficcionais, música e interpretações de personagens ligados ao universo de sua obra. O próprio artista atua como narrador e personagem, o que impede uma separação convencional entre testemunho e encenação. A estrutura híbrida permite abordar as consequências da doença sem reduzir sua identidade ao diagnóstico, relacionando as transformações físicas à continuidade de sua produção cultural. O resultado pertence a uma tradição do documentário experimental brasileiro que privilegia a experiência subjetiva em lugar da biografia convencional.

🎞️ AS BENZEDEIRAS

O documentário dirigido por Labibe Araújo acompanha cinco mulheres que preservam a tradição do benzimento em diferentes regiões do Brasil. A prática, transmitida entre gerações, combina rezas, gestos, plantas e conhecimentos populares para oferecer conforto espiritual e acolhimento comunitário. A produção apresenta suas histórias pessoais e os caminhos que as levaram a exercer a atividade, com atenção à diversidade de crenças e tradições culturais presentes no país.

Entre as personagens estão Camila Gomes, de Florianópolis, Josy Andrade, de Salvador, A-yá Kukamiriam, de Manaus, Rosa Maria, de Nossa Senhora do Livramento, em Mato Grosso, e Mametu Muiandê, conhecida como Mãe Efigênia, de Belo Horizonte. O filme acompanha as relações dessas mulheres com as comunidades onde vivem e procura compreender como o conhecimento foi transmitido ao longo de suas trajetórias. A pesquisa também passou pelo Quilombo Manzo Ngunzo Kaiango, fundado por Mãe Efigênia na década de 1970 e reconhecido como espaço de preservação da cultura afro-brasileira.

A abordagem relaciona as histórias individuais à permanência de práticas espirituais que sobreviveram à urbanização e às mudanças no acesso à medicina. Em vez de tratar o benzimento como curiosidade folclórica, a produção procura situá-lo nas relações de confiança, solidariedade e transmissão de conhecimentos estabelecidas entre essas mulheres e suas comunidades. O documentário também registra a presença de diferentes matrizes religiosas na formação da cultura brasileira, especialmente as contribuições indígenas e afro-brasileiras, sem apresentar suas práticas como equivalentes aos tratamentos médicos.

🎞️ NAÇÃO UBUNTU – A VOZ DOS SILENCIADOS

A realidade dos refugiados africanos é o centro do documentário brasileiro dirigido por Paulo Henrique Fontenelle (“Loki: Arnaldo Baptista”), que acompanha moradores do campo de Dzaleka, no Malawi. Criado em 1994 para abrigar aproximadamente dez mil pessoas, o local passou a receber uma população estimada em 44 mil refugiados, provenientes principalmente da República Democrática do Congo, além de Ruanda, Burundi e outros países. A produção, que estreou na programação da 50ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, aborda as restrições de circulação e trabalho enfrentadas pelos habitantes do campo.

A narrativa acompanha Maick Mutej, Prince Kalolo, Felly B. Zihalirwa e Frank Kabamba, quatro jovens que desenvolvem iniciativas para melhorar as condições de vida da comunidade. Diante das dificuldades de acesso à educação, ao emprego e a serviços básicos, eles recorrem à filosofia Ubuntu, associada à responsabilidade coletiva e à solidariedade entre as pessoas. Suas ações procuram criar oportunidades de aprendizagem e trabalho, além de fortalecer os vínculos entre refugiados submetidos a longos períodos de isolamento e incerteza.

O filme desloca o olhar habitual dos documentários sobre deslocamentos forçados ao privilegiar iniciativas concebidas pelos próprios refugiados. A crise humanitária permanece como contexto, mas os personagens não aparecem apenas como vítimas de conflitos políticos e sociais. A atenção às formas de organização comunitária permite discutir as limitações das políticas internacionais de acolhimento e o paradoxo de campos estabelecidos como soluções temporárias que se tornam espaços permanentes de residência. A filosofia Ubuntu funciona como eixo para uma narrativa sobre cooperação diante da ausência de perspectivas institucionais.

🎞️ A TROPA DE GOIÂNIA

O documentário aborda a cena do eletrofunk goiano, que desenvolveu uma identidade própria a partir da cultura do som automotivo, marcada por encontros de carros equipados com sistemas de amplificação de alta potência e caixas acústicas instaladas nos porta-malas. O fenômeno tem antecedentes nos Estados Unidos, especialmente no Miami bass dos anos 1980, quando a música eletrônica e os graves intensos se tornaram elementos centrais das festas e competições de som entre veículos. A dupla americana L’Trimm chegou a transformar essa cultura em sucesso musical com “Cars with the Boom” (1988). Em Goiânia, a combinação do funk brasileiro com batidas eletrônicas e influências regionais deu origem a uma vertente própria.

Com 70 minutos de duração, o registro da dupla João Lucas Ribeiro e Iuri Moreno reconstrói o crescimento da cena ligada às festas de periferia. O longa reúne depoimentos de artistas como DJ Jiraya Uai, MC Jacaré, DJ Wam Baster, DJ Índia, DJ Brenno Paixão e MC Lozin, além de outros profissionais envolvidos na consolidação do gênero. A Abelvolks, equipe de som automotivo com forte presença em Goiás, aparece como referência para compreender a ligação entre a música e os encontros de carros que mobilizaram diferentes comunidades. Imagens de festas e bastidores acompanham a passagem da cena regional para um mercado impulsionado pelas plataformas digitais, com artistas que alcançaram milhões de ouvintes e realizaram apresentações fora do Brasil.

A produção valoriza o ponto de vista dos participantes do movimento, relacionando sua trajetória à transformação das periferias em espaços de criação cultural e circulação econômica. A presença dos DJs, MCs e produtores permite ampliar a narrativa para além dos artistas mais populares e registrar os profissionais responsáveis pela infraestrutura das apresentações. O documentário também oferece uma perspectiva sobre a descentralização da música brasileira, ao abordar uma cena que conquistou projeção nacional fora dos polos tradicionais do Rio de Janeiro e de São Paulo.

🎞️ VELOZES & FURIOSOS

O filme que iniciou uma das franquias mais lucrativas de Hollywood retorna aos cinemas em comemoração aos 25 anos de seu lançamento original, em 2001. Dirigida por Rob Cohen (“Triplo X”), a produção apresentou Vin Diesel como Dominic Toretto e Paul Walker como Brian O’Conner, estabelecendo a parceria que definiria os primeiros capítulos da série. Diferentemente das continuações, marcadas por operações internacionais, espionagem e sequências de ação cada vez mais extravagantes, o longa original se concentra no universo das corridas clandestinas de Los Angeles.

Brian é um policial infiltrado que investiga roubos de equipamentos eletrônicos transportados por caminhões. Suas suspeitas recaem sobre Toretto, piloto de rua que lidera um grupo de corredores e mantém estreita relação com a comunidade automotiva da cidade. Para reunir provas, o agente se aproxima do suspeito, conquista sua confiança e inicia um romance com Mia (Jordana Brewster, de “Prova de Fogo”), irmã de Dominic. Michelle Rodriguez (“Resident Evil”) interpreta Letty, namorada de Toretto, enquanto Rick Yune (“007 – Um Novo Dia para Morrer”) vive Johnny Tran, integrante de uma gangue rival. O envolvimento de Brian com o grupo coloca sua investigação em conflito com os vínculos pessoais que estabeleceu.

A produção surgiu no momento em que o interesse por carros modificados e competições de rua ganhava espaço na cultura popular americana. O roteiro combina elementos de suspense policial com uma história de lealdade masculina, aproximando-se da estrutura de “Caçadores de Emoção”, feito por Kathryn Bigelow dez anos antes. As corridas, os efeitos práticos e a representação da cultura automotiva distinguem o primeiro filme das aventuras posteriores, nas quais os carros passaram a servir principalmente como instrumentos de grandes sequências de destruição. O relançamento recupera a origem relativamente modesta de uma franquia que acabou associada a espetáculos de perseguição e destruição em escala mundial.